Un espacio vacío, dos personajes en penumbras que aguardan en un prolongado silencio que los cuerpos se expresen.

Hay un gran espacio en blanco. Ellos miran y no es posible saber lo que sucedió entonces, o a continuación… ellos oyen… para rellenar esos momentos perdidos. Él aparentemente inofensivo, ella aparentemente fatal.

Con una excelente puesta de luces, ambos reciben el impulso de explotar, entre susurros y cuidadosos movimientos.Silencio y tentación. Silencio y oscuridad. Y luz.

Una gran propuesta de expresión corporal que llega al texto por necesidad. Por momentos claro, por momentos perdido en el volumen y en el incesante ruido de los artefactos de la sala.

La historia transcurre casi a oscuras, detalle que permite fijar la atención exclusivamente en lo que atraviesa a los personajes, pero la misma, queda a completa interpretación del espectador, ya que no hay claridad en parte del transcurso y resolución de la obra. Algo distinto a lo que acostumbramos encontrar en una sala de teatro, que busca innovar con su clara fusión con la danza, ejecutada a la perfección.

Para la propuesta que se presenta, el acotado tiempo de función es acertado. A destacar, el fascinante trabajo corporal del actor.

FICHA TÉCNICA:

Género: Danza – Teatro.

Duración: 35 minutos.

Intérpretes:

Franco Capriotti

Karina Soledad Martínez

Asist. Direccion: Guadalupe Mothe

Dirección:

Nayla Manganiello

El Espion, Teatro. Sarandi 766. Caba.

Día y horario:

Sabados 11-18-25 de Noviembre 20.30hs

Contacto y reservas: labellezadelosmortales.obra@gmail.com

Laura Lasalvia

Una adaptación teatral de la novela de aventuras El conquistador de Federico Andahazi.

Quetza, un niño a punto de ser sacrificado a los dioses, es salvado por un anciano azteca. Narrada con agilidad y cálida expresividad, el oficio del juglar nos transporta a lugares, situaciones y entrañables personajes que se conjugan en un espectáculo que sacude la imaginación.

Agustín García (intérprete) se pone al hombro este exigido unipersonal con la bravura de quien se enfrenta solo a la tarea de cruzar un océano de espectadores desacostumbrados a oír largas historias. Es que actuar tiene un poco del oficio del marinero; como Quetza, el protagonista de este relato, Agustín se embarca en una misión sin saber hasta el momento del aplauso si sus palabras llegarán a buen puerto.

Nos zambulle en la vida de este niño, devenido en un joven que se siente atraído por los mares; que es un valiente guerrero; que es un sabio y un conocedor del futuro: un héroe trágico que anticipa el enfrentamiento entre dos dioses. El actor y el director realizan un trabajo excepcional para que podamos sentir cercano a ese hombre endiosado que se nos presenta. Acompañado por una escenografía mínima y un texto apacible y descarado, Agustín logra progresivamente que las distracciones pierdan su poder sobre nosotros.

Un viaje, el riesgo del cruce de la frontera, la civilización y la barbarie… La travesía es tan placentera que termina antes de que nos demos cuenta y nos apena que llegue a su fin. La música de Pequeña Orquesta de Reincidentes da por finalizada la función y apacigua el sabor amargo que nos da abandonar la sala.

Quetza, el conquistador estará en cartelera durante los jueves de noviembre a las 21 hs. en El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530) –el lugar cuenta con un bar a la calle y los que lo atienden afirman que la especialidad de la casa es el gin tonic–. Las entradas tienen un costo de $220; también hay promoción de 2×1 con Club La Nación y se pueden reservar o comprar por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

Autor original: Federico Andahazi

Adaptación teatral: Daniel Kuzniecka

Intérprete: Agustín García

Iluminación: Daniel Kuzniecka

Fotografía: Marcelo Rembado

Vestuario y escenografía: Jorgelina Herrera Pons

Diseño gráfico: Guido García

Dirección y puesta en escena: Daniel Kuzniecka

Producción ejecutiva: Kazeta Prensa

Prensa y difusión: Kazeta Prensa

Lara Salinas

Pocas horas para la muerte de un padre provocan tormentas donde los personajes navegan en un mar encrespado de «crisis» y demuestren como navegar para alejarse de la tormenta.

El fallecimiento del padre de Omar es inminente. Ana, es su pareja. Ambos han viajado para que Omar pueda tener la oportunidad de visitar y despedirse de su padre.

En la tranquilidad de ese lugar, aflora «la crisis» de pareja. A esa crisis, se suma la de Omar con su hermano Davi porque se echan culpas mutuas y en realidad ninguno de los dos puede afrontar la muerte de su padre.

Por otro lado, se muestran sentimientos confundidos o no, entre la cuñada Ana y Davi.

Lucia, una hija adolescente de Omar con su ex, Marcia. La trama cuenta como Lucia estaba alejada de su padre por un hecho turbio del pasado aparentemente inventado por Marcia y a esa crisis agregamos la crisis de una madre, Marcia, obsesivamente controladora sobre su hija.

La escritora Flor Berthold va regando estas semillas de crisis en la obra, en algunos casos de a poco y en otros como una enredadera se desborda.

Santiago Fondevila es el actor que encarna al personaje de Omar muestra como se hunde y emerge del momento de crisis, en una interpretación muy creíble.

Lo acompaña en el personaje de Ana, la actriz Florencia Benitez, quien en la ficciòn trata de insinuar un rol de moderaciòn ante la crisis y termina desbarrancando, en una excelente interpretación.

Guillermo Berthold es el actor que hace de Davi, ese hermano que enfrenta todo el tiempo a Omar, resaltando todo el tiempo lo negativo que ve de èl. Es un papel muy creible

Bianca Brandimarte interpreta el persona adolescente, en un papel difícil, en donde encarna el personaje que debe tratar de navegar en un mundo de adultos donde ella es vulnerable con un entorno que intenta protegerla y a su vez la lastima.

Y por último, Cecilia Bassano encarna a Marcia, la ex. Marcia se encuentra en un congreso y vía Skype se comunica con su hija Lucia. Es muy interesante la propuesta porque de alguna manera deja abierta la brecha para discutir sobre la crisis comunicacional entre las personas y si ahondamos en el tema sobre el dialogo en el seno familiar.

Recomendamos esta obra donde las crisis son excelentes muestras de desafío teatral. La directora Flor Berthold le ha querido imprimir una marca propia de dinamismo a la obra, lograndolo. Donde las crisis no son lacrimogenas sino mechadas de humor, se caen y se rearman, las hay de todos los gustos,, dulces y saladas. Donde el mensaje final si se quiere es que mientras exista el amor, esas crisis pueden ser oportunidades para reafirmar los vínculos afectivos.

El nombre del teatro El grito se encuentra en Costa Rica 5459 en Palermo, saliendo del circulo tradicional de teatros y con una casa hermosamente ambientada con esculturas, cuadros en un formato antiguo, logrando en el espectador que una noche de teatro, en esta primavera, se torne en una salida de placer para el alma y los sentidos.

Ficha Técnica:

En un espacio poco convencional lleno de cajas y muebles embalados transcurre “La casa esconde” una historia sobre el duelo y las muy queridas herencias que un padre deja atrás luego de su muerte. Cada uno de sus hijos buscará la manera de beneficiarse de aquella casa de la infancia que quedó en el aire sin saber que hay algo más allá de los papeles legales.

La casa esconde es un juego actoral donde los intérpretes se ponen al servicio de encarnar múltiples personajes. La trama principal gira en torno a la disputa por una casa como única herencia que un padre deja a sus hijos. Los espectadores conviven con los actores dentro del espacio en que éstos de baten a duelo. La proximidad involucra al espectador proponiéndole un punto de vista particular, como si se tratara de planos cinematográficos. Como en un viaje onírico, serán testigos de las transformaciones que los actores, siempre en escena, sufrirán al mutar de personaje como si cambiaran de piel.

Con 4 actores en escena “la casa esconde” logra narrar esta historia con más de 4 personajes poniendo en juego la capacidad de sus actores para transformarse tal cual camaleón frente a nuestros ojos. El espacio más largo que ancho hace que en cada butaca se cuente una historia distinta, así que vale la pena ir más de una vez para percibir las distintas formas de leer la obra.

Mientras transcurre la obra más secretos se van revelando y vale la pena saber cuales son.

Ficha técnica

Actores: María Milessi, Julieta Halac, Luis Gritti y Santiago Fondevila

Dirección: Miguel Israilevich

Asistencia de dirección: Diego Torben

Dramaturgia: Miguel Israilevich, Julieta Halac, Luis Gritti, Santiago Fondevila y Carla Pandolfi

Diseño de vestuario y escenografía: Isabel Gual

Diseño de iluminación: Sandra Grossi

Diseño gráfico: Miguel Israilevich

Domingos 19hs

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

En “Nada del amor me produce envidia” veremos como una mujer en la época peronista cuenta su vida como costurera, principalmente de vestidos de novias, de clase baja. Este monólogo no solo está lleno de anécdotas y reflexiones sino también de mucho tango, que cantará a lo largo de la pieza.

Espectáculo teatral-musical centrado en el drama de una costurera de barrio a la que un buen día se le aparecieron Libertad y Evita para encargarle el mismo vestido.

Tomando como punto de partida el mítico cachetazo que aparentemente Libertad Lamarque le habría dado a Eva Perón, Nada del amor me produce envidia es un melodrama musical cuyo anclaje es el mundo de las cancionistas argentinas de los años 30.

Es una obra que atrapa, sin duda alguna,desde el momento en que solo vemos un pie en la luz mientras oímos una canción hasta el gran final. La delicada transformación de la costurera está muy bien manejada. Cada canción es un mundo donde este personaje puede expresarse también, se nota que cada canción fue escogida correctamente.

Por los momentos el sabado fue su última función, pero apenas vean el nombre “Nada del amor me produce envidia” en cualquier teatro no piensen dos veces y vayan a verla.

Ficha técnica

Actriz: María Merlino

Texto: Santiago Loza

Dirección y puesta en escena: Diego Lerman

Producción: Flor de un día

Producción en gira: Luz Algranti

Asistente de producción: Julián Gómez

Música: Sandra Baylac

Escenografía: Flor de un Día

Vestuario: Valentina Bari

Asistente de vestuario: Lili Piekar

Realización de vestuario: Carmen Montecalvo

Iluminación: Fernanda Balcells

Fotografía: María Sureda

Diseño gráfico: Malena Castanón

Prensa y difusión: Caro Alfonso

Ariana Marín.

Amanda y Eduardo recrea una historia sobre el amor y la pobreza. Una mujer que ha obtenido riquezas, siendo una dama bella y fina , es capaz de abandonarlo todo por un hombre. En una época donde las brechas sociales imponían un límite para que dos personas puedan relacionarse , está historia se desarrolla con audacia y humor.

Amanda está comprometida con un estanciero mayor que la mantiene a ella y a toda su familia. Todo cambia cuando se enamora de Eduardo, un humilde periodista también casado. La pasión y la obsesión se apodera de ellos y como escribió Discépolo “Se quieren más que a sus propias conciencias”. La trágica atracción lleva a la joven protagonista a replantearse su situación, pero se vuelve rehén de un mundo donde el dinero se impone.

Amanda fue una mujer que durante su infancia ha vivido la pobreza , luego de muchos años se la ve como una mujer elegante y que goza de muchos lujos al estar casada con un hombre rico. Al parecer eso era algo que tenía comandado en su vida , para poder salvarse a ella y a su familia de la miseria que ha vivido en el pasado. Esa vida le ha dado muchas cosas siempre , pero algo faltaba , la pasión que surge al amar a alguien aparece , pero en alguien muy alejado de su realidad. La cuestión es que por Eduardo, ella abandona sus lujos , pero no llega a ser totalmente feliz con eso, los cambios no resultan como esperaban y se ve obligada a tomar una decisión sobre que querrá para su futuro y también el de su familia.

La historia se encuentra bien planteada , de a poco vamos conociendo la vida de Amanda , la presencia de los hombres en su vida y la aparición de Eduardo , quien viene a descartar muchos cambios en su vida. Existen dos hombres que disputan su cariño , cada uno pertenece a un extremo social diferente, mientras el hombre rico es alguien frío que usa su poder para obtener lo que quiere , el otro hace de la calidez y la pasión para atraer a la dama. Una vez que suceden los cambios van apareciendo más personajes a la historia , la esposa de Eduardo y la madre de Amanda son personas que están para amarrar a a esta pareja evitando que puedan seguir con su relación , cada una defendiendo sus intereses personales. La puesta juega mucho con el humor , la madre de Amanda se burla de manera histriónica sobre las cuestiones sociales y de las cosas que una mujer llega a hacer por un hombre. Incapaz de resignarse a una vida de miserias , ella utiliza todos sus recursos para impedir que su hija tome ese camino junto a Eduardo. La propuesta es interesante en todo su recorrido, contemplando esa posibilidad de ser capaz de realizar un rotundo cambio por un supuesto amor , aunque luego resulte incapaz de sostenerlo. Se puede decir que la obra termina siendo algo excesivamente extensa , ya que va encontrando su camino de a poco , pero de todos modos resulta llevadera , intensificandose hacia su resolución final.

En cuanto a las actuaciones , los personajes cumplen correctamente con el rol que se les tiene asignado. Puede ser que al ser el estreno para público y prensa se hayan cometido algunos pequeños errores , pero que seguramente se irá perfeccionando con el pasar de las funciones.

La escenografia brinda una alusión a las dos realidades que la obra muestra . Un espacio elegante que muestra la vida de Amanda en un principio se ve mezclada con una mesa, un par de sillas y solo dos platos , siendo algo más que sencillo y vacío pero confortable a su modo.

Amanda y Eduardo es una obra en la que su interés radica en los cambios que uno es capaz de realizar por un amor. Es una historia de época, con una visión no tan alejada a la actual sobre las clases sociales y la relación entre la gente de ambos polos. Una puesta interesante y efectiva.

Ficha Técnica:

Actúan:

Laura Cañón (Amanda)

Ayelén Garaventta (Elvira)

Muriel Rébori Mahdjoubian (Elena)

Mirtha Alicia Oliveri (Doña Flora)

Fernando Arsenian (Eduardo)

Martín Córdoba (Micho)

Roberto Scandizzo (Don Camilo)

Federico Shortrede (Leonardo)

Bandoneonista en vivo: Martín Alfredo Martínez

Vestuario: Celina Barbieri

Realización de escenografía: Camila Tomietto

Diseño de luces: Marcelo Zitelli

Diseño Gráfico: Ayelén Garaventta

Fotografía: Lucía Maricel Vega / José Ignacio Castro

Prensa: Duche&Zárate

Asistente de dirección: Carla Velásquez

Agradecimientos: El Laboratorio de teatro

Dirección: Marcelo Zitelli

Funciones: Miércoles a las 21

Localidades: $ 300.-

http://www.alternativateatral.com/obra53121-amanda-y-eduardo

Facebook: Amanda y Eduardo / Instagram: @amanda_y_eduardo

Teatro El Tinglado – Mario Bravo 948

Ver teatro siempre me hace feliz, pero cuando la obra es en un espacio tan lindo como Nun, y se trata de una comedia en la cuál realmente te reís y la pasas bien, la propuesta se convierte en el doble de interesante.

Una comedia basada en la historia de tres mujeres, que luego de un encuentro inesperado en la sala de espera un hospital, se enfrentaran a la decisión más importante de sus vidas.

Luego de un accidente de avión en el que explotó la cabina, las mujeres de los tres pilotos se ven reunidas en la sala de espera un de un hospital, en donde, supuestamente los hombres han quedado en terapia intensiva. La incertidumbre las sobrepasa aunque aún no consigan siquiera imaginar en la trama que se verán envueltas y que las descubrirá unidas para el resto de sus vidas.

Un escenario convertido en una sala espera de un hospital, una azafata que nos guía de un modo muy ocurrente, hasta que las luces se apagan y las mujeres comienzan a llegar y se van conociendo en esa circunstancia trágica que las envuelve. Una frívola RRPP, una espiritual poco convencional, y otra emocionalmente desbordada.

La espera del medico se hace eterna, pero una vez planteado el conflicto, el delirio y los enredos se hacen presente bajo circunstancias dignamente Almodovareanas con el toque argento necesario para llevar a cabo esta desopilante comedia.

Una puesta muy interesante y bien lograda, con un director que se atreve a exponer lo moralmente incorrecto, y actrices que se lucen todo el tiempo en un manojo de emociones extremo, bajo este disparatado humor negro que nos logra hacer reír de nuestras propias miserias.

Elenco:

Melina González

Ana Julia Bonetto

Silvia de Luca

Diseño gráfico: Emiliano Paez

Diseño de Vestuario: Héctor Ferreira

Diseño de Luces: Gustavo Lista

Escenografía: Magali Acha

Fx: Blanca Vega

Asistente de producción: Lu Salas

Asistente de dirección: Martin Cruz

Comunicación: Marcelo Boccia, Ariel Zappone y Carlos Mazalán para BMZ Comunicaciones

Dirección General: Sebastián Pajoni

Desde el 14 de octubre, todos los sábados a las 21:00

Nün Teatro Bar – Juan Ramírez de Velazco 419 Entradas: desde $200

En la boletería del teatro o en Alternativa Teatral

Julieta Ale

El tema de las relaciones y el sexo , es algo que siempre va mutando con el tiempo. En estos tiempos, es muy importante el uso de la tecnología como forma de comunicación y/o conexión, algo de lo que está obra tiene presente , aunque no lo toma como eje principal. Una mujer se niega a tener sexo , quizá para evitar lo efímero , y de ese modo no se puede quitar de la cabeza a alguien con el que aún tiene algo pendiente.

Ellos iban a coger y no lo hicieron.
Entonces esa fué la última noche que se vieron.
Pero ella olvidó un pantalón en la casa de él.
Dos años después, lo soño.
Y ahora lo quiere recuperar.
Al pantalón.
Y a él también.

Nuestra protagonista ha pasado saliendo con una persona durante tres meses , la cuestión es que jamás tuvieron sexo , ya que ella se sentía inhibida cada vez que llegaba a a observar el miembro masculino. Después de un tiempo todo acabó , aunque ella no ha superado a esta persona , por lo que decide volver a visitarlo para recuperar un pantalón que dejó la última vez que se vieron. Así mismo conocemos los sueños y frustraciones de esta chica , transmitidos hacia las personas más cercanas: su psicóloga (y madre) , su mejor amiga y su compañera de obra teatral. Todas ellas tienen algo para contar sobre su vida sexual y amorosa , conectánsose también de alguna forma con la historia principal.

La historia resulta entretenida desde la propuesta relajada y fresca que propone. Es un relato de amores en tiempos modernos , con algunas exageraciones quizá, pero no muy alejado realmente de lo que pasa con muchas personas al relacionarse con otras. La comedia está presente , con logradas situaciones en el que se trasluce las distintas ideas que uno tiene sobre la vida sexual , tanto lo bueno como lo malo de ello.

Los personajes se encuentras muy bien interpretados gracias a una dirección precisa y organizada. Los personajes más bien están medidos , sumidos en sus propias problemáticas y con personalidades definidas. La comicidad de los actores hace que la obra pueda avanzar sin inconvenientes , donde hacia el final te encuentras con lo inesperado , aunque presente desde su inicio.

Trágica y moderna es una muy buena opción para divertirse con historias sobre relaciones y sexualidad , que se acercan mucho a lo que vivimos en la realidad actual. Buenas actuaciones y una interesante dirección de Fabio Golpe , nos brindan una comedia hilarante hecha para relajarse y disfrutar. Lamentable ha sido la última función de la obra , pero existe la posibilidad que regrese con otra temporada. A tener en cuenta.

, LIDIA DE GONZALO

Daniel Alvarez

Este musical cubrió cuatro sábados de octubre en su tercer temporada estando Mariano Taccagni nominado al mejor actor musical OFF (Premios Hugo al teatro Musical 2017) y Ariel Juin a Mejor Coreografía (Premios ACE 2017).

Es una obra, apta para toda la familia, escrita por Joaquin Stringa, quien también actúa en el rol de Manuel, un joven periodista algo engreído que llega a Villa del Tránsito, una zona perdida en Traslasierra ( Córdoba), quien dice “Querer contar la historia que nadie conoce del Cura Brochero”.

Éste es el puntapié inicial, para desarrollar una historia que se vale del recurso de la comedia musical, amalgamándose música original de Maxi Larghi, Hernán Matorra con una precisa coreografía de Ariel Juin, junto a una escenografía apropiada para ponernos en situación y un coro potente logrando en conjunto un producto autóctono de mucha belleza y ternura.

Mariano Taccagni hace del Cura Brochero, un actor altamente compenetrado con su personaje, tanto como Joaquin Stringa. El Cura Brochero se divierte junto al público evadiendo las preguntas del periodista cuando lo interroga sobre su fama de curar el alma a asesinos y ladrones.

La dirección es de Ricardo Bangueses quien logró poner once actores en escena, lo cual estamos poco acostumbrados a ver en Buenos Aires. Tiene el toque femenino de Florencia Fernández, Ángeles Rossi quienes se han ocupado de la dirección artística de la obra.

Tuve la oportunidad de presenciar la última función de despedida de este año. Fue muy emocionante, es un elenco con integrantes muy jóvenes. Mariano Taccagni contó cuando el elenco viajó a Villa del Cura Brochero a conocer el lugar y eso les abrió nuevas puertas para transmitir con mayor sentimiento el mensaje de la obra.

Deseamos que este género se repita. Esperamos que la compañía vuelvan el año que viene. En medio de los aplausos fluyó la calidez humana de todo el elenco. El espectador disfrutó mucho de ese final porque se puso en evidencia, mientras aplaudíamos, la empatía del elenco, el orgullo y felicidad con que realizan la obra.

El público disfrutó de una historia que llega al corazón y seguramente a muchos de nosotros le despertó el bichito de la curiosidad sobre ¿quién fue el Cura Brochero?

MEMORIAL DE UN TIEMPO EN FUGA

Dos amigos, ya próximos a su sexta década, tienen la idea entusiasta de hacer un documental de su pueblo, aquel del cual partieron hacia las luces de la gran ciudad, hace ya muchos años. Los acompañan sus actuales parejas, ajenas al lugar, por ende al proyecto, por lo que terminan siendo apoyo logístico, ácidas comentaristas, transporte de víveres ó palos en la rueda, según las circunstancias.

Ya nada queda en pié de aquel pueblito tantas veces visitado en sus memorias. Ni la escuela que los juntó, ni la librería, ni el banco de la plaza, ni el cementerio. Ni siquiera sus casas, donde se criaron y soñaron, son lo que eran. Comentaristas de lo que fué y ya no está, continúan con la filmación de la nada, el documental es el registro de un páramo comentado, hasta que una falla mecánica en el auto los obliga, varados, a pasar la noche fría en el pueblo
fantasma.

¿Cómo se hace para apresar el pasado? Por qué los recuerdos son como relámpagos que reaparecen sin ser convocados y así como vinieron, ¿Se van?
Por qué ese lugar, aquella situación, esas palabras, aquel aroma, que fueran fundacionales en la épica de mi vida, las observo hoy y ya no son ni la sombra de lo que fueron. El tiempo es como un tifón arrasador que todo lo destruye, lo
construye, lo resignifica…

El relato, tal olas memoriosas, cuenta los conflictos de los personajes con el
tiempo y sus recuerdos, en clave de comedia dramática. La escenografía, despojada, de un blanco imponente que envuelve el espacio escénico, nos remite a que todo puede ser posible, aún aquello inasible ya.

Las actuaciones de Roberto Castro, Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile y
Gabriela Izcovich, son muy buenas y se convierten en el dispositivo adecuado para albergar lo lábil del relato, ora melancólico, ora de graciosa ternura.

La iluminación es funcional a la historia. El texto y la dirección de Gabriela Izcovich es simple en su propuesta e imbricado en su construcción. Necesita de
actores con mucho oficio, y los tiene.

Nota: el monólogo de Marcelo Bucossi haciendo referencia al tiempo como
caníbal, sencillamente exquisito.