El día viernes 15 de septiembre tuvimos el placer de asistir a la función de Radagast en el teatro Metropolitan Sura. Ha sido una función especial ya que se trataba del día del cumpleaños del mago y comediante Agustín Aristaran . Todos los espectadores nos encontrábamos con bonetes y bolsitas con golosinas como en cualquier fiesta de cumpleaños (de niños claramente). De este modo comenzamos a disfrutar de una función muy divertida , algo que el comediante siempre nos suele regalar.

Un show desopilante que genera asombro, tensión, complicidad y carcajadas a través de rutinas inverosímiles y disparatadas. En Radagast se unen el absurdo, lo contingente y el desparpajo. Un show de nivel internacional cuya calidad artística y técnica permiten al público una experiencia fascinante y única.

El público se acomoda en la sala, antes se ello se les entrega el programa de mano que incluye un troquelado con cartas en la que se encuentra la imagen de nuestro querido personaje al que estamos por ver, algo que será de importancia para más adelante. Radagast entra en escena y nos marca el comienzo de su show con un número musical en honor al rey León. Dicho número hecho obviamente de manera cómica , pero denotando la importancia que tiene dicha película en la vida del artista.

A través de un monólogo , nos hacen recordar que la factoría Disney ha marcado toda una generación, o más bien dicho que las creaciones del señor Walter Disney (Como suele mencionarlo ) es quien realmente ha jugado con la mente de muchos jóvenes ahora ya adultos, no deja a pensar sobre que sería de nuestras vidas si los descongelaran..

La magia y el humor siempre están en sintonía , es algo que Radagast sabe combinar perfectamente, además de parodiar la relación entre ambas profesiones. Sin duda uno de los mejores momentos de la noche ha sido la presentación de un gurú y mentalista que invita al público al escenario para demostrar su talento de forma sorprendente . La participación con la gente es constante y es algo que logra acercar al espectador con el artista , haciendo de este un show íntimo a pesar de estar en uno de los teatros más comerciales de la calle corrientes.

El espectáculo finaliza recordando los inicios de Agustín , cuando mostraba su talento como artista callejero. Resulta un final hasta emotivo , aunque trate de no mostrarlo de esa forma.

Radagast es un espectáculo que vale la pena ir a ver, se nota claramente el éxito que tiene en el teatro Metropolitan Sura se debe a la conexión que crea junto al público y la versatilidad que tiene el artista para brindar su humor. Ideal para terminar la semana con muchas risas.

Viernes 0:30 hs

Teatro Metropolitan Sura

Entradas por boletería o Plateanet https://www.plateanet.com/Obras/radagast_

Daniel Alvarez

Esos charcos que están aunque deje de llover, aunque pasen días y el asfalto se seque, aunque pasen días y no haya ni una garúa, en pleno verano, sequía, el charco siempre está. Una fuga de agua, explica Sergio. No es un charco, es una fuga de agua.

Cuatro hermanos distanciados, que han elegido caminos muy distintos en sus vidas adultas, se reencuentran en una situación familiar trágica y sensible: la madre, enferma, puede morir en cualquier momento; la hermana, rica, quiere comprarles su parte de la casa de la infancia. Las
relaciones entre hermanos son de lo más ambiguas, sobre todo cuando se trata de cuatro hermanos y especialmente cuando esos cuatro hermanos son tan distintos. Las situaciones límite suelen probar la fortaleza de los vínculos, pero también ponen a prueba la memoria. El pasado se vuelve subjetivo cuando se ponen en juego los diversos puntos de vista, un mismo recuerdo puede
ser muy distinto según quien lo cuente. La reconstrucción de la figura materna llegando a su momento de finitud se vuelve una ardua tarea, porque en esa reconstrucción se exponen las culpas, las penas, las presencias y las ausencias que cada hijo vivió. La fuga de agua que allí está, aunque haya pasado tiempo y aunque se hayan mudado lejos unos de otros, allí seguirá también
después de la muerte del ser amado.

“Una fuga de agua” es la ópera prima, muy bien lograda, de Gota, autor y director español que se formó con Javier Daulte y eso queda en evidencia en el texto. La temática de las relaciones humanas es recurrente en la primera dramaturgia de Daulte y tratar este tema desde la comedia
para descomprimir y exponer los conflictos es su modus operandis.

Creo personalmente que en el
nivel de la dirección de actores faltó explotar un poco más la comicidad, caricaturizar un poco más estos personajes con gran potencial, incluir algunos gags que corten en seco el clima dramático y nos permitan reírnos de nosotros mismos. Porque en definitiva es eso lo que vamos a buscar al teatro, al menos a veces.

Por eso al ingresar a la sala, vemos en el suelo un pequeño sillón
miniatura iluminado con un foco cenital y luego al sentarnos en la butaca vemos en el escenario
un sillón similar en escala real, como si el director estuviera tratando de decirnos que lo que vemos allí es una escala micro de lo que pasa afuera, en la vida real. Y es ahí donde se presenta el valor terapéutico del teatro. Freudianamente hablando.

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces: Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Prensa: Duche&Zárate / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Funciones: Viernes a las 20 hs.

Entrada General $ 200.- / Descuentos Est. Jub. $ 160.-

Reservas: Alternativa Teatral

Facebook:https://www.facebook.com/fugadeagua/

Espacio Callejón Humahuaca 3759 – C.A.B.A.

Sol Grunschlager

Desde hace un tiempo sucede que cada martes en el Teatro Maipo se celebra una fiesta, refiriéndose al teatro musical. Hasta hace poco era The Rocky Horror Show el espectáculo que atraía a gran público a celebrar aquel musical de culto. Ahora es el turno de Rock of ages , que aprovecha el éxito de convocatoria de su antecesora para brindarnos un gran musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo, llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , la obra en todo momento tiene en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música antes de adelantar sobre las canciones que tocan es mejor decirle a la gente que se deje llevar por ella, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Los personajes hacen parodia de ello , y tratan de que no dificulte la relación entre la música y el relato, algo bastante bien logrado.

El Teatro Maipo ha encontrado un nuevo espectáculo para invitar a la gente a festejar cada martes, con mucho Rock . Se trata de una gran apuesta, un musical lleno de talento, que se lleva a cabo con una energía impresionante, la necesaria para ponerse a rockear.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

Localidades: $400 – $500 y $550

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Hemos tenido el placer de disfrutar en el Teatro La comedia, la obra La panadera de los poetas, que nos trae a Virginia lago como protagonista de la historia. Una panadera ha resultado ser la fuente de inspiración y consejo de dos grandes escritores: Federico García Lorca y Miguel Hernandez. Estamos ante una obra poética y conmovedora.

El nuestro sin duda es un país de inmigrantes. Muchos de nosotros descendemos de españoles, y no solo hemos heredado un apellido, un idioma, sino por sobre todas las cosas, hemos heredado los cuentos… Como este, el de María Candelaria Seoane, la de los panes con embrujos de amores. María Candelaria, la de las recetas milenarias. María Candelaria, la panadera de los secretos…

En un pueblo blanco, de esos que nacen en la montaña en la bella España transcurre esta historia. Mediados de la década del treinta. Mientras María Candelaria cocina sus manjares, la revolución se inicia como preámbulo siniestro de la Guerra Civil Española. Ella no lo sabe. Ella solo sabe de recetas, de confituras, de panes con sabores mágicos, y de poetas… Si, ella es la amiga de los poetas. En su panadería se encuentran Federico el de Granada, y Miguel, el humilde poeta de las cabras de Orihuela. Se provocan, se divierten, se quieren… Juegan a pelearse y se pelean jugando. Y es María Candelaria, la inquebrantable, la fuerte, la ingobernable, la solterona, la misteriosa la que trata de enseñarles a sus poetas la receta para un mundo mejor. María Candelaria, la de las mercaderías con amor, este es su cuento…

En un pueblo español se sitúa una panadería que es atendida por una mujer que siente amor por lo que hace. Ella suele tener unas visitas bien particulares, la de Federico García Lorca y Miguel Hernandez , el primero ya un escritor reconocido y el otro recién dando sus primeros pasos. Cada uno de ellos inician una relación con esta mujer , que gracias a su sabiduría y sinceridad, les ha ayudado a conseguir grandes logros tanto en su vida personal como profesional. La historia juega con el humor , como en los momentos en que nos enteramos que María Candelaria fue la inspiración de las más aclamadas obras de Lorca , siendo en realidad chismes y anécdotas que la panadera le relataba al escritor. También la puesta busca reflejar el momento histórico y la posición que tenían estos personajes en cuanto a los conflictos políticos y sociales de la época . En España se vivían momentos duros , y estos escritores han dejado su vida por expresar su ideología a través de la escritura, la obra usa estos hechos para mostrar al público lo que han dejado estas celebridades para la posteridad.

Virginia Lago es la gran protagonista de la obra , si bien ella sirve como un hilo conductor en el que se refleja la vida de dos reconocidos escritores , resulta de suma importancia su presencia , carisma y sabiduría. Su panadería es un punto de encuentro , donde todos dejan sus sentimientos dentro del local. Ella es quien siempre deja abiertas las puertas del lugar , siendo un gran apoyo para Federico y Miguel , quienes confían sus secretos y problemas. Francisco Gonzalez Gil y Jorge Seleme acompañan con sus respectivos personajes , ambos escritores y poetas , y como tales brindan parte se su poesía en escena. La participación de ambos es relevante, si bien no llegan a tener una relación estrecha entre ambos, reconocen la admiración que se tienen el uno por el otro, más que correctas interpretaciones.

La escenografía es simple pero efectiva, una mesa y varios panes alrededor bastan para crear el ambiente que se rodea de masas e historias. El acompañamiento musical es algo que también se destaca, siempre en función de embellecer el relato, aún en los momentos más dramáticos.

La Panadera de los poetas , es una obra sencilla pero cautivadora, sirve como un homenaje a dos personajes importante de la literatura universal. Virginia Lago es quién interpreta a un personaje con gran fortaleza y sabiduría, que logra hacer del lugar donde hace lo que ama un lugar de reunión y reflexión. Se trata de una obra cómica , poética y que logra conmover al espectador .

Ficha Técnica

VIRGINIA LAGO es María Candelaría Seoane, la panadera

FRANCISCO GONZALEZ GILes Miguel Hernandez, el poeta de Orihuela

JORGE SELEME es Federico García Lorca, el poeta de Granada

MARIANA GIOVINE es la Directora

MARCELO ALVAREZ es el Músico.

MARIA DE LAS MERCEDES HERNANDO es la autora

FUNCIONES SÁBADOS Y DOMINGOS 18.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300 PESOS.-

Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y por sistema de plateanet.

www.plateanet.com

5236 – 3000

Un presente distópico. Un grupo de adolescentes de un secundario católico con la sexualidad a flor de piel y diversas formas de expresarlo. Pasan cosas extrañas y misteriosas en el FUCKing Instituto, cosas que no tienen explicación lógica porque, claro, son acciones dictadas por la pasión.

La acción tiene lugar en el campus del Instituto FUCKing (Federación Unidos en Cristo King). Una exclusiva escuela en un presente distópico. En el 5to. año una historia de amor revela un entramado de violencia y muerte. Situaciones cotidianas por las que la gran mayoría de las mujeres pasan de adolescentes y que marcan un mandato, una obligación de seguir siendo parte de un anquilosado sistema patriarcal.

La desaparición de dos compañeras alerta al grupo, que parece enloquecer de violencia contenida pero cotidiana, familiar. Una violencia que se expresa tanto en los cuerpos, que viven, mueren y danzan en coreografías extrañas, como en las expresiones verbales que, en muy variados registros y tonos, dejan entrever los discursos establecidos de la violencia, esos que no reconocemos como tales porque nos son ya inherentes.

“Cadáveres Show” es un musical bizarro, juvenil y ¿tragicómico? sobre la violencia de género. Si logramos atravesar las capas de lenguaje poético, después de un rato,
descubrimos que ese es el verdadero tema de la historia, pero debo confesar que no resulta
de lo más sencillo. La superposición de signos hace de esta obra un texto espectacular demasiado denso, que no se deja decodificar fácilmente.

Personalmente, destaco la
intención de tocar un tema sensible e importante desde un lenguaje posmoderno, pero considero que cuando se quiere dar un mensaje claro, y más aún cuando dicho mensaje implica responsabilidad social, menos es más. La historia de amor y celos teen como excusa para hablar de violencia resulta un tanto rebuscada, si bien comprendo que la adolescencia es un momento donde muchos de estos discursos del patriarcado se fijan en el lóbulo frontal en desarrollo de estos futuros adultos que, en definitiva, tendrán la responsabilidad de romper con los patrones. Destaco también la capacidad de los jóvenes actores para aprender tanta cantidad de texto, y tanta densidad de lenguaje, aunque muchas veces no se logre entender lo que dicen.

En resumen, es una obra compleja,
densa, larga, ruidosa e incómoda.
Pensándolo bien, quizás sea esa la intención: incomodar al espectador tratando un tema incómodo, logrando una incomodidad al cuadrado que se auto-anula y nos obliga a hablar
de nuestros cadáveres.

Dramaturgia: Ezequiel Bianchi – Elián López

Actúan: Camila Bastida, Lucia Cisneros, Clara Ferrer Diez, Candela González Tonon, Sofía Kali, María Agustina Mirás, Enzo Cejas, Facundo Cohen, Agustín Chenaut, Ignacio Mamonde, Nicanor Ochoa y Juan Ignacio Piasentini

Músicos: Chino Sircman, Ramón Espinosa y Cesar Javier Romero.

Música original:César Javier Romero

Audiovisuales: Ezequiel Bianchi, Leandro Irión y Elián López.

Diseño gráfico: Francisco Hnilo

Prensa & difusión: Simkin & Franco

Producción Musical: Camila Bastida, Ezequiel Bianchi, Cesar Javier Romero y Santiago Mirás

Producción ejecutiva: Camila Bastida, Lucia Cisneros y Clara Ferrer Diez.

Producción general: Los Perros De Pavlov.

Supervisión dramatúrgica: Martin Salazar

Supervisión de Arte: Ariel Del Mastro

Diseño de Luces: Ezequiel Bianchi

Diseño de Sonido: Matías «Naipe» Noguera

Diseño de Multimedia: Ezequiel Bianchi

Producción y Dirección Musical: Ezequiel Bianchi y Cesar Javier Romero

Dirección de actores: Elián López

Asistencia de dirección y Stage Manager: Liliam Zarreth

Dirección General: Ezequiel Bianchi.

Sol Grünschläger

Origen: Un círculo más que redondo es perfecto.

Entre la poética de Shakespeare y la música de John Dowland, esta comedia de enredos plantea las ambigüedades y tensiones manifiestas entre la sexualidad y el deseo, el amor y la pasión. La vestimenta transciende género y posición en una delirante historia redondeada con la música de un laúd.”

La puesta es simple aunque precisa, sin elementos extras que dispersen la atención que se requiere para obras de esta complejidad. Es aquí donde el rol de las luces a cargo de Gustavo Lista es preponderante; ya que se lucen (cuac) y, con características claras y frías fortalecen el protagonismo en  el momento justo.

El maestro Evar Cativiela, a cargo de las cuerdas musicaliza en vivo a lo largo de toda la obra. Nos sitúa en un contexto que nos remite a un ambiente habitado por la nobleza; y por momentos nos transporta a lugares oscuros,  y desconocidos; con pizcas de psicodelia por momentos.
Por momentos participante, por momentos espectador, por momentos protagonista.

La permanencia en escenario de los personajes  durante la totalidad de la pieza teatral suma a la continuidad e involucramiento del espectador.

Uno de los mayores puntos a  destacar de la propuesta, es el desdoblamiento actoral que efectúan los protagonistas. En algunos pasajes personas de carne y hueso, en otros personajes enmascarados, brindan una singular interpretación que superan  las expectativas de una pieza tan reconocida en la historia del teatro.

Es complicado adaptarse en un principio al lenguaje y modismos de la época, pero una vez superado ese obstáculo, el disfrute es pleno.

Con la mayor humildad, a la hora de referirme a la  dirección en mente de Laura Gutman, puedo decir que es acertada. Generando un lucimiento del elenco en sus actitudes que si bien son de época, tienen un poquito de contemporaneidad, apoyada en la muy buena adaptación  de Elena Gowland.

Nicolás Rodriguez Camino.

FICHA TECNICA

Traducción y adaptación de Elena Gowland

Músico en vivo, laúd – Evar Cativiela

Canciones interpretadas por Mercedes Olivera

Vestuario de Jorge Orlando

Realización de máscaras de Elsa Giré Pechayre

Diseño de luces de Gustavo Lista

Dirección de Laura Gutman

Interpretes:

Lucía Adúriz

Pablo Campopiano

Elena Gowland

Mercedes Olivera

Mariano del Pozzo

Sylvia Tavcar

Miguel Angel Vigna

Domingos, 18 hs

en HASTA TRILCE

Maza 177

Tel: 4862 1758

La lección de anatomía es una obra que se estrenó en el año 1972, hasta ahora es una obra que sigue dando que hablar y se agradece esta nueva reposición para hacerle honor a este clásico. Se trata de una obra de exploración física y emocional, que muchos quizá recordarán por la polémica escena donde los personajes se presentan en total desnudez. ¿Resulta necesaria esta escena para la comprensión y disfrute de esta puesta? ¿Tiene algo más allá que la explicita exploración de los cuerpos? La respuesta es un sí rotundo.

 La obra trata del ser humano y su lugar en la sociedad, del miedo a la muerte, la soledad, las frustraciones, los fracasos, la autodestrucción.

La obra comienza en un silencio donde lentamente aparecen las personas involucradas en la puesta, luego de eso se someten a al desnudo de sus cuerpos, seguida de la exploración física entre sí mismo y los demás integrantes del grupo. Cabe decir que esta presentación resulta desconcertante, intrigante pero visualmente realista y bella. La escena busca librar la verguenza y los miedos , tanto para los personajes como los espectadores presentes. Todo esto no es más que un prólogo,  anticipando lo que está por venir: la exploración física y emocional del ser humano.

Una ver finalizada su presentación,  los personajes se visten y comenzamos a ser participes de una serie de relatos independientes entre sí,  pero que engloba una misma idea, recorrer la mente y el alma de las personas. Algunas historias están diseñadas a partir de situaciones de la vida cotidiana, representadas desde el abstracto que caracteriza a la puesta.

Los actores en escena han sido el pilar fundamental de esta obra, que requiere una ardua preparación física y escénica, obteniendo un gran resultado final. Cada actor tiene su momento para contar su historia desde el rol de protagonista, aunque técnicamente ninguno lo sea.  Todos en su conjunto se complementan para aportar lo que cada relato requiere, teniendo muy en cuenta la presencia del público en la sala, ya que también somos participes de esta experiencia.

La lección de anatomía es una obra visualmente bella y profunda en su argumento .  Los personajes en escena invitan al público a apreciar lo más íntimo del ser humano y vivir esa experiencia desde lo físico y emocional. Se trata de una obra que se han convertido en un clásico del teatro, así que es una puesta necesaria para volver a ver o descubrirla.

Ficha Técnica:

• Actores: 

  Yamila Gallione, Sofía Gelpi, Luciano Heredia, 

   Charlos Distefano, Alejandro Melgarejo, Eduardo Kacheroff, Marcos López, Paula Tedeschi

• Coreografía: Carlos Mathus
• Dirección: Antonio Mathus
• Autor: Carlos Mathus
• Funciones:  Viernes 22:45 hs Teatro Empire

• Entradas en la boletería del Teatro Empire H. Yrigoyen 1934 – CABA  o por alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com/obra53014-la-leccion-de-anatomia

• 
  

 La obra El círculo de Tiza Caucasiano de la mano del director general  Manuel Iedvabni  nos permite  los martes a las 20 hs.  volver a Brecht y sentirnos  gustosos de conocerlo.

Durante una revuelta el gobernador y su esposa deben abandonar el palacio para salvar la vida y, en la prisa, abandonan al niño. Una joven sirvienta del palacio, se apiada del pequeño y se hace cargo de él. Con muchos sacrificios lo lleva a una aldea vecina y allí lo cría y lo cuida como si fuera suyo.

La misma revolución convierte a Azdak, un borracho y pendenciero, en juez, y sus sentencias favorecen siempre a los pobres y desgraciados. Ante él comparecen un día Gruche y la esposa del gobernador, alegando ambas ser la verdadera madre del niño. Azdak no sabe la verdad y las somete a la Prueba del círculo de Tiza, para dar su veredicto.

¿Qué  debe hacer el común de la gente  para sobrevivir  y conservar su sentido de lo humano en medio de convulsiones políticas y sociales?   Y, sobre todo, ¿cómo conservar la  bondad en medio de la crueldad circundante? Ya no nos basta comprender el mundo. Eso es apenas una condición imprescindible para poder modificarlo. ¿Puede el teatro contribuir a modificarlo? Esa obsesión recorre toda la práctica teatral de Brecht.

Esta obra de teatro de Bertolt Brecht está dentro del teatro épico basado en la crítica política y social. Muchas escenas contienen un toque irónico con dardos excelentemente disparados para marcar las diferencias de clases, el abuso de poder,  la corrupción y las apariencias en el ámbito  familiar.

La obra trata sobre una revuelta social, donde el gobernador y su esposa deciden huir del palacio en medio de corridas y sustos  deja abandonado a su hijo, un bebé de pocos meses.

Grusha, una  joven lavandera,  sirvienta del palacio se hace cargo del niño, brindándole todo su amor tomándolo a cargo como si fuera su propio hijo siendo capaz de ofrendar su vida por èl.

 No contaremos más las vicisitudes que debe sortear Grusha para proteger al bebé que ha cuidado desde tierna edad. Queremos que el público se sorprenda con la historia cuando vaya a verla.

Muchas escenas se dan dentro de un marco musical muy sugestivo, de hermoso contenido coral, en algunos casos similar al estilo de musicales como Evita o Jesuscristo SuperStar con alto contenido emotivo y coreográfico. La música original de la obra es excelente de Esteban Morgado quien además es el director musical de esta puesta.

La obra cuenta con el recurso de tener una relatora  encargada de explicar  los hechos a medida que van sucediendo. El personaje es llevado por la cantante María Marta Guitart, quien  además participa de la mayoría de las escenas musicales.

Las situaciones de comedia y grotesco se basan en mostrar a Azdak, un borracho y pendenciero quien en la revolución lo ha convertido en un juez quien utiliza métodos poco ortodoxos para ejercer justicia.

El título de la obra habla de Círculo de tiza porque en la obra existe una disputa sobre la tutela del niño si quedará en manos de la madre que lo abandono o la sirvienta. Azdak impartirá justicia imponiendo  que el niño se quedará con la madre o con Grusha, dependiendo quien consiga sacarlo de un círculo dibujado con tiza en el piso, mientras ellas forcejean tirando cada una de un brazo del niño..

Está inspirado en el cuento El círculo de tiza, del chino Li Xingdao, similar al juicio de Salomón, pero de planteamiento opuesto (la mujer que demuestra merecer al niño, por amarlo, es precisamente la que no es su madre biológica).

El   vestuario está a  cargo de Patricio Delgado y Susana Hidalgos, siendo los  adecuados a usar por los personajes para crear el clima de credibilidad necesaria para la puesta.

Las actuaciones son todas excelentes, mostrando que es un equipo actoral sólido, donde la obra de Brecht fluye gracias al manejo del director Manuel Iedvabni. Las actrices que encarnan a Grusha y a la esposa del gobernador son destacables como así también el actor que encarna el personaje de Azdak.

Recomendamos hacer un paréntesis el  martes tomarse un respiro en el Teatro IFT, pasar una buena noche, viendo una deliciosa obra de teatro que le  dará fuerzas para seguir adelante con el resto de la semana.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Bertolt Brecht

Versión y traducción: Manuel Iedvabni

Actúan: Dana Basso, Cristina Sallesses, Roxana Del Greco, Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocco, Pablo Flores Maini, María Marta Guitart, Ariel Levenberg, Rodrigo Pagano, Juan Manuel Romero,Gustavo Siri.

Cantante: María Marta Guitart

Músicos: Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocc , Pablo Flores Maini, Rodrigo Pagano.

Diseño de escenografía: Gastón Breyer

Diseño de Luces: Roberto Traferri

Diseño de Vestuario: Nereida Bar, Verónica Segal

Realización de escenografía: Ariel Levenberg

Diseño Gráfico /Colaboración artística: Leila Gramajo, Wilfredo Parra

Realización de Vestuario: Patricio Delgado, Susana Hidalgo

Fotografía de ensayos: Vicky Elmo

Prensa: Marcos Mutuverría – DucheZarate

Productor ejecutivo: Pato Rébora

Director Asistente: Pablo Flores Maini

Música original: Esteban Morgado

Dirección musical: Esteban Morgado

Dirección general y puesta en escena: Manuel Iedvabni

ESPACIO IFT
Boulogne Sur Mer 549
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 4962-9420 / 4961-9562
Web: http://www.teatroift.org.ar/
Entrada: $ 200,00 – Martes – 20:00 hs 

Diana Decunto «Por Amor al Arte»

BANQUO:- Ya eres todo: Rey, Cawdor, Glamis, como te prometieron

las mujeres fatídicas pero… sospecho que jugaste muy villanamente….

MACBETH:- No faltéis a nuestra fiesta! “

Macbeth (W. Shakespeare)
Medioevo en Escocia. Macbeth y Banquo, generales del rey Duncan, regresan victoriosos de una cruenta batalla expulsando a invasores del reino. En un páramo neblinoso, se cruzan con tres brujas: a Macbeth le vaticinan que primero será barón y luego rey; a Banquo, que su descendencia será de reyes. Macbeth es nombrado barón, y este acierto en el vaticinio de las brujas da inicio a una desesperada fuga hacia adelante, camino de ambición y éxtasis de codicia, incentivado, constantemente acompañado por Lady Macbeth, su mujer, tanto o aún más jugada al todo o nada. Asesinan al rey Duncan que, huésped del castillo de los Macbeth creía honrarlos con su presencia, y vilmente culpan a los hijos del rey del cruel hecho. Los descendientes huyen, Macbeth es coronado rey y sabedor de las profecías, manda a matar a Banquo. Pero el hijo, Fleance, logra escapar.

Lo que sigue es una bacanal de muerte, persecuciones y asesinatos, de degradación, sombrías alucinaciones, conjuros, descenso a los infiernos de lo más impuro de las acciones humanas. Lo que maravilla es el exacto retrato de la tiranía, su ascensión encantadora, sus promesas vanas para que crean los deseosos de creer, el miedo, la aceptación servil, la observancia de la corrupción del poder, y queilimitado, corrompe a todos. El poder sin límites corrompe hasta a los mejores. Indefectiblemente.

Macbeth es una obra sangrienta, voraz, donde la razón se deforma al punto del espanto. Orson Welles la realizó primal, rústica, barbárica. Akira Kurosawa la llenó de vértigo. Roman Polanski, de seductora y sombría violencia. A cualquier persona que le interese la historia, la psicología, la sociología, la política, la literatura, etc. debería leerlo. Allí hay escrito un perfecto tratado del poder y sus consecuencias, cuando es mal utilizado.

Florencia Limonoff, como Macbeth, y Coni Marino, como Lady Macbeth, componen un trabajo minucioso y profundo. La escenografía: trastos, ropajes viejos, sogas, madera, invitan a un mundo ambivalente, a veces páramo, otras ominoso castillo medieval.

La adaptación y dirección de Jorge Eines es interesante conceptualmente. Ahora, hay algo en el orden de lo visceralmente bestial, que está enunciado pero no concretado. Para que las palabras no solo reflejen su intrínseca belleza, sino inquietud, temor, interpelen y revelen. Catarsis, que se dice.

Véanla, el trabajo del equipo que lo realiza lo vale. Entre otras minucias, uno es la medida de sus desafíos.

Ah… me olvidaba: la escribió un tal W. Shakespeare (1564-1616). No había celulares en esa época. Si hubieran existido, él posiblemente conocería el celular de Dios.

 
A. R. Belano