Emmanuel Horvilleur presentó su ciclo CalorAma en La Usina del Arte y aprovechó para visitar la nueva sucursal de Adorado Bar en el Centro Cultural.

ADORADO BAR llega a la Usina del Arte con un nuevo formato de comidas dulces y saladas listas para consumir: un fast-food casero, fresco y sabroso. El pop-up desembarca desde febrero con su variada y rica propuesta gastronómica de productos caseros elaborados en el día que podrán ser consumidos en el salón o llevarse en formato take away.

La carta, basada en productos de estación, contará con sandwiches, wraps y ensaladas que se renovarán constantemente. También, habrá un menú del día, propuestas de desayunos, yogurt con granola casera y la mejor pastelería. Para tomar, el café más rico de La Boca además de jugos y licuados.

En Adorado Bar todo está pensado para los turistas y locales que visiten la Usina del Arte, como para los empleados del lugar y los que trabajen en los alrededores del polo cultural. El espacio presenta una estética cálida y descontracturada, con un salón que si bien no cuenta con servicio de mesa invita a quedarse y disfrutar de algo rico antes o después de participar de las actividades que ofrece la Usina todos los días.

El pop-up se suma a los ya instalados Adorado Bar, Adorado Social Club, Adorado San Telmo y 3 Adorado Mar del Plata. Las 7 sucursales inauguradas en los últimos 3 años mantienen el mismo espíritu y priorizan la calidad y frescura de las materias primas.

“Elegimos la Usina del Arte para nuestro primer pop-up por ser un lugar único y vanguardista. Esperamos replicar el formato en otros lugares de la ciudad, como hoteles, museos o locales de otros rubros como moda o decoración ya que nos permite probar con nuevas locaciones, llegar a otros públicos y ampliar la propuesta. En Adorado, la experiencia pasa por los sabores de la comida casera y los productos frescos, que se traduce en que vas a comer muy rico.”, asegura Paulo Barberis, el creador de Adorado junto a su socio, Mauro Coringrato.

Adorado La Usina del Arte abre de martes a viernes de 9 a 19 y sábados, domingos y feriados de 10 a 21.

Take Away todo el día.

Agustín R. Caffarena 1, La Boca

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Reseña: ¿A quién le importa Gracy Sanders?

Gracy Sanders, una mujer soñadora con grandes ideales y convicciones frente al mundo del cine. Lleva una vida de mucha lucha, culminando en ser un gran exponente como directora, prestigiosa en la década del 70. Todo hasta ese momento es maravilloso, cada día significa un éxito y más objetivos por cumplir, hasta que de pronto comienzan a nublarse…

Comienza el declive de su cine, con la llegada de nuevas tecnologías y el cambio total en la industria cultural. Así es como el público actual es atraído por un nuevo cine con grandes efectos especiales. Esto representa una gran crisis tanto económica como mental para la majestuosa directora.

De forma inesperada, Gracy se sienta en un bar, donde es atendida por un joven talentoso, Nico, fanático de todas sus películas. Ella se sorprende por el deseo de este joven y se ve reflejada en él.

Decide tenderle una mano, haciendo de él un gran director de cine y comenzando a vivir momentos de profunda densidad y amor, sobre un mundo tan difícil e incierto, como lo es el arte.

Al pasar del tiempo, este vínculo se solidifica hasta el punto de convertirse en familia. Se transforma para ella, en una odisea de momentos profundos que reviven a cada instante su antiguo cine, su espíritu y sobre todo: a ella misma. La historia parece simple pero es pensada y dirigida magistralmente por Pepe Cibrián Campoy.

Nicolás Pérez Costa es la gran Gracy Sanders, Payuca Del Pueblo se luce como su asistente Minino y son acompañados por un gran elenco que con sus voces, te llevan a ese mundo imaginario donde el cine es la gran excusa para que pensemos en los sueños que tenemos y que no nos animamos a concretar, que hay personas que llegan a nuestra vida, se podría decir de manera providencial, para ayudarnos a seguir en la lucha. No importa si sos joven o mayor, siempre necesitas de alguien que no solo te admire, sino también que te haga sentir que podes hacerlo.

¿A quién le importa Gracy Sanders? Tiene una encantadora puesta de vestuario, que parece simple al principio, pero que es atractiva a medida que se desarrolla la historia. Las luces y el ambiente de Teatro el Cubo ayudan a terminar de darle a la obra un marco de gran belleza.

Ficha Técnica:

Libro y Letra: Pepe Cibrián Campoy

Música Original, dirección vocal y arreglos Corales: Pablo Flores Torres

Elenco: Nicolás Pérez Costa – Agustín Pérez Costa – Payuca del Pueblo – Analia Peñas – Denise Roxana Depauli – Natalia Troccoli – Daniela Luján Rubiatti – Natalia D’Amore – Eliab Fernández – Maximiliano Areitio – Santiago Errecalde – Luca Santiago Calcaterra – Patricio Díaz Maldonado – Elian Farias – Jorge Fidel Albarado – Mauro Nuñez Duarte

Coreografía: Nicolás Pérez Costa, Natalia Troccoli y Denise Depauli

Vestuario: Pepe Cibrián Campoy y Nicolás Pérez Costa

Vestuario de Nicolás Pérez Costa: Fernando Crisci Munz

Escenografía: Romano Piccato

Maquillaje: Sandra Sehn

Diseño de Luces: Nicolás Pérez Costa

Prensa: We Prensa

Difusión: Pato Rébora

Producción Gráfica, fotográfica y audiovisual: Pamela Dávalos

Asistencia de Dirección: Cindy Yu y Romano Piccato

Asistente de Escenario: Matías Litvak

Productor Ejecutivo: Pato Rébora

Coordinación General: Nicolás Pérez Costa

Director: Pepe Cibrián Campoy

TEATRO EL CUBO – Zelaya 3053 – Abasto – CABA – 4963-2568

Funciones: Jueves 20.30 hs.

Localidades: desde $250

Alejandra Martínez

Review: 3 anuncios por un crímen

Mildred es una mujer de mediana edad, áspera,un tanto masculina en sus maneras, dura como una piedra y al límite de la violencia. Es de ese tipo de personas que se manifiestan en su vida, con valores que no siempre coinciden con la moral de turno, pero que indefectiblemente se someten
al rigor de su propia ley, para su bien ó para su mal.

Uno no se atrevería a invitar a Mildred para que te alegre la fiesta, ahora, si estás en problemas, y ella te dijo que estaría con vos… andá preparando las vituallas, puede que sea un largo y sinuoso viaje, pero no lo harás solo. Mildred vive en un pueblito en los suburbios de Missouri (EE.UU.), y hace varios meses violaron a su hija, la mataron salvajemente y destrozaron su cuerpo, le prendieron fuego. Sucedió en un camino apartado, poco transitado, un tanto
periférico, a la vera de unos carteles de esos que tanto hay en las rutas.
Mildred contrata el servicio de esos carteles.

3 anuncios.
Tal 3 cruces en el Gólgota de ese suburbio de Missouri que hablan de un sacrificio, el de la joven hija de Mildred, el de ella misma…

“Violada mientras moría”

“¿Todavía no hay arrestos?”

“¿Cómo pasó, jefe Willoughby?”

Harta de no obtener justicia, de que la investigación por el horrendo asesinato de su hija no obtenga resultado alguno, Mildred grita al pueblo, a su pueblo, su reclamo. Y es escuchada por los medios. Y también por las autoridades y por sus conciudadanos. Entonces es, que esos 3 anuncios funcionan como un
revulsivo, un catalizador de voluntades, recibirá algún apoyo: la gente de raza negra, los latinos, los apartados de la fiesta. Y tendrá poderosos opositores: el cura que viene a darle consejos y Mildred lo pone en su lugar (que es el de los
miserables); y los policías. El relato los ubica aún con la impronta racista y
fascistoide en casi todos, pero especialmente en el agente Dixon, muestrario de brutalidad y prejuicio. Y otros, que apoyan a esta runfla de impresentables.

El sheriff Willoughby, objeto del ataque en los anuncios, es apreciado por el pueblo y por sus subalternos. Y aunque no es un dechado de sagacidad, es un buen esposo, un tierno padre, y enfrenta un interrogante (el asesinato de la
chica), que luego observaremos está más allá de sus capacidades, las propias y las del recurso humano que maneja ( “De 15 policías que tengo, debería echar a 11 por racistas. Y me quedaría con 4 homofóbicos”, dice).
Convengamos también, que Mildred no es un compendio de virtudes. Aunque mejor que los policías, es capaz de acciones brutales y tampoco está exenta de prejuicios. Para conseguir sus fines, no observa en detalle los medios a utilizar.
Todos los personajes de la película parecen tener opacidades y cargar culpas. Pueblo chico, infierno grande, expresa el dicho. Y en este pueblito de Missouri parece ser así.
El jefe Willoughby se suicida (tenía un cáncer terminal, que todos en el pueblo sabían) y el único retén de la bomba humana que es el policía Dixon, ya no está, por lo que por una explosión de violencia descontrolada y sin sentido, Dixon es expulsado de la fuerza policial por el nuevo jefe asignado. Un sheriff de raza
negra. Paradojas del destino, que se dice. Y si de paradojas hablamos, es Dixon, el ex policía, el golpeador, el racista, el borracho, quien escuchará una conversación casual en un bar (donde, si no), de alguien que cuenta como violó a una chica, para luego calcinarla. Dixon provoca al jactancioso abusador, y en una pelea obtiene su ADN.
También la patente de su vehículo. Lleva ésta información a la policía y luego de las averiguaciones pertinentes, les informan que es un soldado combatiente en
el Oriente, en una de las tantas guerras que emprende el gran país del norte. Les dicen que no es posible que haya estado en Missouri cuando sucedieron los hechos. En suma: es obvio que les mienten. Protegen un buen instrumento para
matar. Y si de paradojas plantea la película: un viaje en busca de justicia, pero que se parece un tanto a la venganza, une a Mildred y a Dixon, en camino a otra parada de ese infierno tan temido, como inexorable.

El inglés Martin McDonagh realizó un film estructurado como un policial, pero con densidad de tragedia griega, cruel, sin concesiones, donde todos los personajes son perdedores y de algún modo permeables a las ominosas fuerzas en juego.

La música de Carter Burwell, habitual musicalizador de los Hnos Coen, es sutil y elocuente en sumo grado.
El guión de McDonagh, es el sólido andamiaje que sostiene la potencia narrativa de la película. Frances McDormand compone un personaje difícil de empatizar, y lo logra con
maestría. Su Mildred es una furia con el corazón lacerado. Soberbia actuación. Woody Harrelson compone un sheriff Willoughby querible, con gestualidad mesurada, lo que es raro en éste actor. Uno de sus mejores trabajos. Sam Rockwell como el policía Dixon, tal vez al límite de la caricatura, pero no desentona.
Muy buen film.

Guión y Dirección: Martin McDonagh
Fotografía: Ben Davis
Música: Carter Burwell
Elenco: Frances McDormand. Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage,
Caleb Landry Jones
Origen: EE.UU.

A. R. Belano

Reseña: Las Hermanas Colágeno

Estamos en los últimos días del año , una época donde las propuestas teatrales se toman un descanso para retomar sus actividades una vez comenzado el nuevo año. Microteatro BA ha llegado para innovar con sus obras de corta duración , permitiendo la degustación de varias propuestas en una misma noche. Las hermanas colágeno es una obra que tiene su lugar en este espacio y que a través de la comedia , nos cuentan las aventuras de unas mujeres sumidas en el mundo de las cirugías estéticas . Entre pinchazos, jeringas, pómulos por el cielo, labios nuevos, pan dulce y recuerdos. Susana y Charito esperan la llegada de su padre para pasar la última noche del año. El vestuario y el maquillaje es lo primero que llegamos a notar en cuanto a la escencia de esta micro obra , la estética llega al punto de ser una obsesión y las protagonistas hacen de esta cuestión un elemento de su vida diaria. Las hermanas hacen un relato divertido y completo a pesar de su corta duración, aunque quizá es eso lo que hace brillar a las propuestas montadas en este formato , que busca algo directo y entretenido. Las actrices en escena son Mayra Homar y Jeniffer Stamfaterz, que brillan con su presencia y la química existente entre los personajes. Así , el público sigue su relato , aquellas obsesiones por la estética que si bien llega a la exageración construido en su dramaturgia, permite la comparación y la identificación con lo que sucede en la realidad. Los personajes hacen suya esa parodia , logrando que el público se relaje y se ría con sus acciones. Microteatro es un formato que llegó para quedarse , una nueva forma de brindar propuestas teatrales , atractivas por su historias y por la libertad que tiene el público sobre la elección de que ver. El espectador abona por espectáculo individual , claro a un precio acorde a la duración de la obra , teniendo varias funciones de cada espectáculo para que sea uno mismo el que planifica su noche de teatro. Las Hermanas colágeno es la primera obra que hemos podido disfrutar de este espacio , dejándonos ganas de ver más y obviamente recomendar esta obra en particular. En conclusión, Las hermanas colágeno es una obra corta que divierte en todo su relato, destacándose por las actuaciones y el humor ácido que brinda. Si alguno desconoce aún el fenómeno del Microteatro , no duden en animarse a conocerlo y despedir el año también con esta entretenida comedia. MICROTEATRO BUENOS AIRES Serrano 1139 (mapa) Capital Federal – Buenos Aires – Argentina Teléfonos: 15-5039-0146 Web: http://www.microteatro.com.ar Entrada: $ 70,00 – Domingo, Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 20:05 hs, 20:35 hs, 21:05 hs, 21:35 hs y 22:05 hs – Hasta el 23/12/2017 Jaz lolla

Reseña: Leidenschaft

Tres cuentos escénicos sobre el Amor, la Locura y la Muerte.

Una obra de Danza/Teatro de Roberto Galván Interpretadapor el Grupo G5

“LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos” podemos leer en la descripción de la obra escrita por su director. Esta descripción también nos cuenta que en esta obra se unen dos universos que siempre rondan por su cabeza: el alemán y el argentino. Por eso en distintos momentos surgen elementos de cada uno, sobre todo en los audios tanto en alemán como en castellano, aunque el vínculo es difícil de reconstruir para quienes no entienden el idioma extranjero. En cuanto a lo textual, esta obra también tiene otra fuente de inspiración: los Cuentos de Amor, de Locura y de Muerte de Horacio Quiroga. Fragmentos de los textos, palabras sueltas, van apareciendo ya sea en audios en off o a través de la expresión verbal de los intérpretes. La obra está dividida en episodios, marcados por el cambio de tono en los movimientos corporales pero, sobre todo, en el cambio de vestuario. Cada cambio de vestimenta (que los actores/bailarines realizan en escena, desnudándose y volviéndose a vestir) marca una nueva historia, nuevos vínculos entre los cuerpos y nuevas disposiciones escénicas. En cuanto al lenguaje corporal, el segundo de estos episodios es el más destacable, con referencias al contact improvisation (no improvisado), conformando un texto físico expresivo e interesante, aunque en incómoda disonancia con el audio en off de ese momento, que cuenta una historia sobre un falcon verde, con todo lo que implica ese símbolo para nuestra historia. Sumando aún más referencias, en cuanto a la escenografía, ésta simplemente consiste en unos tubos de luces verticales y un conjunto de sillas que los intérpretes mueven, agrupan y disponen por el espacio escénico. Esto es una clara intertextualidad con Café Müller, de Pina Bausch, ícono de la danza-teatro, lo cual resulta un tanto redundante. Para finalizar, una referencia a la violencia de género bastante literal y estereotipada, una temática que al no ser tratada con demasiada profundidad no logra constituir una opinión al respecto, con lo importante que sería que el teatro pudiera decir algo al respecto.

Ficha técnica:

Idea y dirección: Roberto Galván

Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores

Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur

Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván

Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván

Voz en off y textos originales: Roberto Galván

Espacio escénico: GM Villa Elisa

Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván

Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato

Funciones:

Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs

Precio de la entrada: $250.-

Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-

http://www.alternativateatral.com

ELKAFKA, Espacio teatral.

Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439

Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com

Sol Grunschlager

Reseña: La belleza de los mortales

Un espacio vacío, dos personajes en penumbras que aguardan en un prolongado silencio que los cuerpos se expresen.

Hay un gran espacio en blanco. Ellos miran y no es posible saber lo que sucedió entonces, o a continuación… ellos oyen… para rellenar esos momentos perdidos. Él aparentemente inofensivo, ella aparentemente fatal.

Con una excelente puesta de luces, ambos reciben el impulso de explotar, entre susurros y cuidadosos movimientos.Silencio y tentación. Silencio y oscuridad. Y luz.

Una gran propuesta de expresión corporal que llega al texto por necesidad. Por momentos claro, por momentos perdido en el volumen y en el incesante ruido de los artefactos de la sala.

La historia transcurre casi a oscuras, detalle que permite fijar la atención exclusivamente en lo que atraviesa a los personajes, pero la misma, queda a completa interpretación del espectador, ya que no hay claridad en parte del transcurso y resolución de la obra. Algo distinto a lo que acostumbramos encontrar en una sala de teatro, que busca innovar con su clara fusión con la danza, ejecutada a la perfección.

Para la propuesta que se presenta, el acotado tiempo de función es acertado. A destacar, el fascinante trabajo corporal del actor.

FICHA TÉCNICA:

Género: Danza – Teatro.

Duración: 35 minutos.

Intérpretes:

Franco Capriotti

Karina Soledad Martínez

Asist. Direccion: Guadalupe Mothe

Dirección:

Nayla Manganiello

El Espion, Teatro. Sarandi 766. Caba.

Día y horario:

Sabados 11-18-25 de Noviembre 20.30hs

Contacto y reservas: labellezadelosmortales.obra@gmail.com

Laura Lasalvia

Reseña: Quetza, el conquistador

Una adaptación teatral de la novela de aventuras El conquistador de Federico Andahazi.

Quetza, un niño a punto de ser sacrificado a los dioses, es salvado por un anciano azteca. Narrada con agilidad y cálida expresividad, el oficio del juglar nos transporta a lugares, situaciones y entrañables personajes que se conjugan en un espectáculo que sacude la imaginación.

Agustín García (intérprete) se pone al hombro este exigido unipersonal con la bravura de quien se enfrenta solo a la tarea de cruzar un océano de espectadores desacostumbrados a oír largas historias. Es que actuar tiene un poco del oficio del marinero; como Quetza, el protagonista de este relato, Agustín se embarca en una misión sin saber hasta el momento del aplauso si sus palabras llegarán a buen puerto.

Nos zambulle en la vida de este niño, devenido en un joven que se siente atraído por los mares; que es un valiente guerrero; que es un sabio y un conocedor del futuro: un héroe trágico que anticipa el enfrentamiento entre dos dioses. El actor y el director realizan un trabajo excepcional para que podamos sentir cercano a ese hombre endiosado que se nos presenta. Acompañado por una escenografía mínima y un texto apacible y descarado, Agustín logra progresivamente que las distracciones pierdan su poder sobre nosotros.

Un viaje, el riesgo del cruce de la frontera, la civilización y la barbarie… La travesía es tan placentera que termina antes de que nos demos cuenta y nos apena que llegue a su fin. La música de Pequeña Orquesta de Reincidentes da por finalizada la función y apacigua el sabor amargo que nos da abandonar la sala.

Quetza, el conquistador estará en cartelera durante los jueves de noviembre a las 21 hs. en El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530) –el lugar cuenta con un bar a la calle y los que lo atienden afirman que la especialidad de la casa es el gin tonic–. Las entradas tienen un costo de $220; también hay promoción de 2×1 con Club La Nación y se pueden reservar o comprar por Alternativa Teatral.

Ficha técnica:

Autor original: Federico Andahazi

Adaptación teatral: Daniel Kuzniecka

Intérprete: Agustín García

Iluminación: Daniel Kuzniecka

Fotografía: Marcelo Rembado

Vestuario y escenografía: Jorgelina Herrera Pons

Diseño gráfico: Guido García

Dirección y puesta en escena: Daniel Kuzniecka

Producción ejecutiva: Kazeta Prensa

Prensa y difusión: Kazeta Prensa

Lara Salinas

Teatro: Crisis, de Flor Berthold

Pocas horas para la muerte de un padre provocan tormentas donde los personajes navegan en un mar encrespado de «crisis» y demuestren como navegar para alejarse de la tormenta.

El fallecimiento del padre de Omar es inminente. Ana, es su pareja. Ambos han viajado para que Omar pueda tener la oportunidad de visitar y despedirse de su padre.

En la tranquilidad de ese lugar, aflora «la crisis» de pareja. A esa crisis, se suma la de Omar con su hermano Davi porque se echan culpas mutuas y en realidad ninguno de los dos puede afrontar la muerte de su padre.

Por otro lado, se muestran sentimientos confundidos o no, entre la cuñada Ana y Davi.

Lucia, una hija adolescente de Omar con su ex, Marcia. La trama cuenta como Lucia estaba alejada de su padre por un hecho turbio del pasado aparentemente inventado por Marcia y a esa crisis agregamos la crisis de una madre, Marcia, obsesivamente controladora sobre su hija.

La escritora Flor Berthold va regando estas semillas de crisis en la obra, en algunos casos de a poco y en otros como una enredadera se desborda.

Santiago Fondevila es el actor que encarna al personaje de Omar muestra como se hunde y emerge del momento de crisis, en una interpretación muy creíble.

Lo acompaña en el personaje de Ana, la actriz Florencia Benitez, quien en la ficciòn trata de insinuar un rol de moderaciòn ante la crisis y termina desbarrancando, en una excelente interpretación.

Guillermo Berthold es el actor que hace de Davi, ese hermano que enfrenta todo el tiempo a Omar, resaltando todo el tiempo lo negativo que ve de èl. Es un papel muy creible

Bianca Brandimarte interpreta el persona adolescente, en un papel difícil, en donde encarna el personaje que debe tratar de navegar en un mundo de adultos donde ella es vulnerable con un entorno que intenta protegerla y a su vez la lastima.

Y por último, Cecilia Bassano encarna a Marcia, la ex. Marcia se encuentra en un congreso y vía Skype se comunica con su hija Lucia. Es muy interesante la propuesta porque de alguna manera deja abierta la brecha para discutir sobre la crisis comunicacional entre las personas y si ahondamos en el tema sobre el dialogo en el seno familiar.

Recomendamos esta obra donde las crisis son excelentes muestras de desafío teatral. La directora Flor Berthold le ha querido imprimir una marca propia de dinamismo a la obra, lograndolo. Donde las crisis no son lacrimogenas sino mechadas de humor, se caen y se rearman, las hay de todos los gustos,, dulces y saladas. Donde el mensaje final si se quiere es que mientras exista el amor, esas crisis pueden ser oportunidades para reafirmar los vínculos afectivos.

El nombre del teatro El grito se encuentra en Costa Rica 5459 en Palermo, saliendo del circulo tradicional de teatros y con una casa hermosamente ambientada con esculturas, cuadros en un formato antiguo, logrando en el espectador que una noche de teatro, en esta primavera, se torne en una salida de placer para el alma y los sentidos.

Ficha Técnica:

Estreno: viernes 13 de octubre

Funciones: viernes, 22:30 hs. (hasta el 15 de diciembre)
El viernes 27/10 no habrá función.

Lugar: Teatro El Grito (Costa Rica 5459, CABA)

Entrada: $200 | Descuento jubilados y estudiantes: $160

Reservas: 4989-2620 | Alternativateatral

Duración: 60 min.

Ficha técnica

Elenco:

Santiago Fondevila – Omar, el papá
Florencia Benítez – Ana, su mujer
Guillermo Berthold – Davi, su hermano
Bianca Brandimarte – Lucía, su hija
Cecilia Bassano – Marcia, su ex
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de vestuario: Facundo Veiras
Diseño de iluminación: Patricio Pérez
Asistente de escenografía: Vanessa Giraldo
Realización de escenografía: Realizaciones Bravas
Fotografía y diseño gráfico: Queli Berthold
Edición de sonido: Emilio Zinerón
Asesoramiento técnico: Rocco Brandimarte

Prensa: OCTAVIA Comunicación
Asistente de dirección: Emilio Zinerón
Dramaturgia y Dirección: Flor Berthold

Diana Decunto

Reseña: La casa esconde

En un espacio poco convencional lleno de cajas y muebles embalados transcurre “La casa esconde” una historia sobre el duelo y las muy queridas herencias que un padre deja atrás luego de su muerte. Cada uno de sus hijos buscará la manera de beneficiarse de aquella casa de la infancia que quedó en el aire sin saber que hay algo más allá de los papeles legales.

La casa esconde es un juego actoral donde los intérpretes se ponen al servicio de encarnar múltiples personajes. La trama principal gira en torno a la disputa por una casa como única herencia que un padre deja a sus hijos. Los espectadores conviven con los actores dentro del espacio en que éstos de baten a duelo. La proximidad involucra al espectador proponiéndole un punto de vista particular, como si se tratara de planos cinematográficos. Como en un viaje onírico, serán testigos de las transformaciones que los actores, siempre en escena, sufrirán al mutar de personaje como si cambiaran de piel.

Con 4 actores en escena “la casa esconde” logra narrar esta historia con más de 4 personajes poniendo en juego la capacidad de sus actores para transformarse tal cual camaleón frente a nuestros ojos. El espacio más largo que ancho hace que en cada butaca se cuente una historia distinta, así que vale la pena ir más de una vez para percibir las distintas formas de leer la obra.

Mientras transcurre la obra más secretos se van revelando y vale la pena saber cuales son.

Ficha técnica

Actores: María Milessi, Julieta Halac, Luis Gritti y Santiago Fondevila

Dirección: Miguel Israilevich

Asistencia de dirección: Diego Torben

Dramaturgia: Miguel Israilevich, Julieta Halac, Luis Gritti, Santiago Fondevila y Carla Pandolfi

Diseño de vestuario y escenografía: Isabel Gual

Diseño de iluminación: Sandra Grossi

Diseño gráfico: Miguel Israilevich

Domingos 19hs

El Camarín de las Musas
Mario Bravo 960

Reseña: Nada del amor me produce envidia

En “Nada del amor me produce envidia” veremos como una mujer en la época peronista cuenta su vida como costurera, principalmente de vestidos de novias, de clase baja. Este monólogo no solo está lleno de anécdotas y reflexiones sino también de mucho tango, que cantará a lo largo de la pieza.

Espectáculo teatral-musical centrado en el drama de una costurera de barrio a la que un buen día se le aparecieron Libertad y Evita para encargarle el mismo vestido.

Tomando como punto de partida el mítico cachetazo que aparentemente Libertad Lamarque le habría dado a Eva Perón, Nada del amor me produce envidia es un melodrama musical cuyo anclaje es el mundo de las cancionistas argentinas de los años 30.

Es una obra que atrapa, sin duda alguna,desde el momento en que solo vemos un pie en la luz mientras oímos una canción hasta el gran final. La delicada transformación de la costurera está muy bien manejada. Cada canción es un mundo donde este personaje puede expresarse también, se nota que cada canción fue escogida correctamente.

Por los momentos el sabado fue su última función, pero apenas vean el nombre “Nada del amor me produce envidia” en cualquier teatro no piensen dos veces y vayan a verla.

Ficha técnica

Actriz: María Merlino

Texto: Santiago Loza

Dirección y puesta en escena: Diego Lerman

Producción: Flor de un día

Producción en gira: Luz Algranti

Asistente de producción: Julián Gómez

Música: Sandra Baylac

Escenografía: Flor de un Día

Vestuario: Valentina Bari

Asistente de vestuario: Lili Piekar

Realización de vestuario: Carmen Montecalvo

Iluminación: Fernanda Balcells

Fotografía: María Sureda

Diseño gráfico: Malena Castanón

Prensa y difusión: Caro Alfonso

Ariana Marín.