Un vodevil contemporáneo y fresco para narrar en tono cómico los fracasos de personajes que evocan a Chejov, intentando trascender y perdurar en la escena porteña

Una consagrada intérprete se dirige a la casa de una actriz del teatro off para evitar que estrene el unipersonal en el que su hijo la dirige. Una performance que contiene un video que compromete su carrera. Descubrió en la computadora del muchacho un video íntimo que grabó su actual pareja, un exitoso escritor, teniendo sexo con la joven actriz.

A partir de este conflicto, No dejes nunca de mirarme por favor se transforma en un dinámico juego cómico y absurdo de entradas y salidas en esa casa con mil puertas, donde abundan los desencuentros y confusiones, y subyace el deseo y la frustración.

Nina y Daniel fueron pareja y tienen un pequeño hijo en común. Hoy Daniel está casado con Leonor, madre de Lautaro. El joven es el impulsor de este proyecto teatral que ensaya con Nina como protagonista. Una obra autobiográfica, en la que se proyectan fotos de la infancia de la actriz. Un micrófono en escena le permite ir narrándose a sí misma. Citas explícitas y algunas más ocultas, permiten asociar este intento artístico a la La Gaviota de Chejov, que empieza justamente con la puesta en escena de una obra simbolista. La obra de Bernardo Cappa retoma los personajes chejovianos en un presente estallado y caótico donde se vuelven más explícitas las luchas por la necesidad de alimentar sus egos maltrechos. Trigorin, el autor exitoso, es aquí Daniel. Su mujer Arkadina, famosa actriz, es Leonor. El hijo de ésta, Treplev, es aquí Lautaro, un joven director teatral que busca innovar pronunciando discursos confusos mirando a público y filmando con su celular las escenas de la obra ensayada. Nina lleva el mismo nombre que en la obra del ruso, pero aquí se muestra como una mujer independiente, cuyo hijo es el motor para el cambio.

Mientras que en Chejov los sentimientos e ideas de los personajes tenían capas ocultas que apenas podíamos percibir a través de sus quiebres, con acciones que tardaban en exteriorizarse, aquí encontramos sentimientos a flor de piel, expresados por acciones impulsivas y un lenguaje actual confuso. Un tiempo convulsionado, estallado y acelerado que actualiza las influencias del teatro clásico.

Lautaro decide conscientemente exponer la intimidad de Nina y Daniel porque eso le sirve como medio para lograr su consagración. Eso desata la ira de Leonor, no por el deshonor que implicaría involucrar a su marido, sino porque los espectadores y la prensa, asociarán el nombre de su hijo con ella. Así, los cuatro discuten, se amenazan, se provocan y se extorsionan en un juego perverso que crece sin parar.

Ya desde el título de la obra vemos la angustia frente al paso del tiempo, la necesidad de estar en el foco de la escena —los actores juegan con salir de la representación abandonando el espacio escénico, manteniéndose en la oscuridad del fuera de escena—, de que los reflectores iluminen sus rostros de personajes estereotipados, de roles de los que no pueden salir.

Cada uno a su manera construye una impostura, una máscara frente a los otros. De esta manera, Cappa abre una reflexión irónica sobre el universo teatral actual: propuestas que no pueden despegarse de la lógica de mercado, obras como productos enlatados que no se cuestionan, que son puro entretenimiento, puestas que se consideran innovadoras por el sólo hecho de romper la cuarta pared y mirar a público.

La inminente fatalidad será la puerta de salida para que Nina logre abandonar el personaje e imponer sus deseos, frente a tanta hipocresía. Para cuestionar la necesidad meramente vanidosa del teatro, y sus actores, de ser alabados para existir.

Ficha técnico artística

Autoría: Bernardo Cappa

Actúan: Pablo Caramelo, Celina Font, Aníbal Gulluni, Maia Lancioni

Diseño de vestuario: Pia Drugueri

Diseño de escenografía: Pia Drugueri

Diseño de luces: Ricardo Sica

Fotografía: Natalia Pinilla

Asistencia de dirección: Agustina Dalmaso

Prensa: Carolina Alfonso

Colaboración en dramaturgia: Pedro Sedlinsky

Dirección: Bernardo Cappa.

Sala: El camarín de las musas (Mario Bravo 960, CABA). Viernes 20:30hs

Melina Martire

¿Oíste papá? aborda el conflicto entre los miembros de una familia armenia. Tres generaciones de varones: abuelo, hijo y nieto. El regreso de la hija mujer del exterior sacará a la luz secretos, mentiras, la relación intergeneracional con nuestros mayores y las distintas miradas sobre el mundo cotidiano, la historia y el compromiso con lo social.

Ésta es una comedia que habla sobre la inmigración (en este caso la armenia), de la familia y de lo cotidiano. Observamos la relación de un hijo con su padre, ya mayor pero aún lúcido y fuerte, de sus diferencias, sus discusiones, pero también el profundo amor que subyace. Los cuidados y recomendaciones de Yirair para con su viejo padre, Garbis; los enojos cuando el viejo padre se comporta como un rebelde adolescente; los caprichos e ideas fijas, los asuntitos de Garbis con sus amigos, su obsesión con determinada cifra, la queja constante y, cuando se le hace notar, la negativa. Todo siempre en un tono que nada tiene de agresión y posee mucho de confidencia. La imaginería desbordada de Garbis: resulta que dice comunicarse con su esposa ya fallecida, y ésta le cuenta de un tesoro enterrado en el jardín. Entonces, a cavar hasta encontrarlo, tarea ésta en complicidad con Aram, su nieto mimado, el hijo un tanto díscolo de Yirair. Cavar para desenterrar aquello que está escondido. Una discusión por la hija que viene desde Armenia a visitarlo, luego de muchos años de no comunicarse, menos verse, todo lo pone en jaque. Es entonces que
se descubre un secreto familiar, una “verguenza”, de esas basadas en prejuicios y mandatos sin reflexión, una suerte de honorabilidad que más que dignificar, corrompe. Aram, comprensivo trata de unir, de curar heridas del pasado, de apelar a los sentimientos más profundos. Y al perdón, como bálsamo de lo más
precioso que tiene una familia: el reconocerse uno en los gestos, en la mirada de los otros.

Correcto trabajo el de los actores Kalusd Jensezian, Jorge Ducca y GastónbSantos. La dirección de Herminia Jensezian es prolija y permite el lucimiento de los actores y valoriza lo que se esconde por debajo de este relato familiar.

Ficha Artístico Técnica

Actúan: Garbis: Kalusd Jensezian / Yirair: Jorge Ducca y Aram: Gastón Santos

Asistencia de Dirección: María Laura Laspiur /Diseño espacial y de iluminación: Herminia Jensezian /Coreografía: Tro Jensezian /

Ilustración: Juan Pablo Cuchian / Fotografía y Diseño Gráfico: Edgardo Kevorkian / Producción Ejecutiva: Marina Kryzczuk

Traducción, Adaptación, Puesta en Escena y Dirección General: Herminia Jensezian

Producción General: TADRON Teatro / Prensa & Difusión: Simkin & Franco

Funciones: sábados a las 20.30hs

Dónde: TADRON Teatro

Dirección: Niceto Vega 4802

Informes: 4777-7976

www.tadronteatro.com.ar

Entrada General: $200/ Dto para Estud y Jubilados:$150

https://www.facebook.com/tadron/

Duración de la obra: 1 hora

A.R Belano

Todos los viernes y sábados de febrero a las 21:00 hs (Última función: 24/02) en la sala Redonda del Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444), la obra de teatro y musical «El Puente Azul» te permite ver al teatro en su conexión más íntima con la emoción, la ternura y el amor. La actriz Dolores Ocampo y el actor Mariano Mazzei, ambos con un hermoso brillo en la mirada, cualidad innata de la juventud, recrean en un formato musical la historia de dos generaciones. Una la de los abuelos inmigrantes italianos que apretados económicamente se vieron obligados a cruzar el Puente Azul viniendo de la Europa para hacerse la América. Tal vez en el pasaje de barco que compraron nuestros abuelos olvidaron leer la letra chica que les explicaría que significaba hacerse la América. Estos mismos personajes vuelven al presente en el rol de nietos, ellos se conocen en París y se terminan enamorando, una italiana: Evangelina y un porteño: Roni. Todo genialmente condimentado con hermosas canciones, donde el texto, dirección musical, interpretación en piano es de Fernando Albimarrate sobre una idea original de Mariano Mazzei.

La dirección general es de Emiliano Dionisi quien tiene el mérito de saber teatralmente mostrar ese tejido entre el presente y pasado con una exquisita gracia, permitiendo a Dolores Ocampo y Mariano Mazzei demostrar lo que pueden hacer arriba de un escenario.

Los personajes en algunas escenas se les pianta un lagrimón lo que profundiza el sentimiento. Esa cuota de emoción fue viral hacia el público porque creo que quienes provenimos de inmigrantes no podemos evitar emocionarnos y agradecer a todos aquellos que quieran rendirle homenaje y más si la calidad interpretativa, la selección musical, la puesta en escena reúne el nivel de excelencia que logra esta obra.

Recomendamos «El puente azul» una historia de amor y de distancia contada con música y canciones.

Ficha técnica:

Texto y música: Fernando Albinarrate

Idea original: Mariano Mazzei

Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei

Piano: Fernando Albinarrate

Violín: Nicolas Reboredo

Diseño de vestuario: Marisol Castañeda

Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra

Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco

Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi

Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky

Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra

Producción general: Compañía Criolla

Fotografía: Lau Castro

Dirección musical: Fernando Albinarrate

Director asistente: Juan José Barocelli

Dirección general: Emiliano Dionisi

Duración: 65 min.

Reseña Diana Decunto

Las propuestas infantiles o familiares no sólo están cuando tenemos cerca las vacaciones de invierno, sino es algo que está y debería estar en todo el año. Este fin de semana tuvimos el placer de ver «Hansel y Gretel», una adaptación libre del cuento de los hermanos Grimm. Con algunos giros y cambios argumentales , esta obra se presenta para entretener a los más chicos y a toda la familia.

«Hansel y Gretel» es un cuento más que conocido , si bien esta propuesta teatral tiene algunos cambios en la trama y los personajes , es fiel a la escencia del cuento y del mensaje que quiere dar. Hansel y Gretel salen al bosque a recolectar alimentos (esta vez con permiso de sus padres), al perderse en el bosque se encuentran con una casa hecha de golosinas, donde habita una malvada bruja que tiene el deseo de comerse a los pequeños visitantes. Lo básico ya lo sabemos , y es lo que la propuesta respeta en su adaptación, lo demás es resultado de lo que se logró componer en su puesta escénica en función del humor y el entrenamiento para los más chicos.

Los ingredientes básicos para realizar una obra infantil se llevan a cabo a través de el humor , la música y el mensaje o lección que nos deja cualquiera de estas aventura. Todo se encuentra presente y bien trabajado, brindando una propuesta que si bien es sencilla pero logra su objetivo de entretener. Hansel y Gretel seguramente aprenderán a desconfiar de los extraños , los padres a estar más atentos con sus hijos y las brujas malvadas a saber que ser bondadosa es mucho más cool.

Con pocos actores se ha logrado una propuesta simple , correcta y entretenida para el público . Cabe destacar aunque sea intencional o no , la presencia de una villana transgénero , que termina resultando lo más divertido de la propuesta , generando situaciones hilarantes y divertidas , además de ser indirectamente inclusivos.

Hansel y Gretel es una obra de Dag producciones , que ha llevado el espectáculo a distintos teatros de CABA y el Gran Buenos Aires , actualmente contando con funciones en el teatro La Mueca. Se trata de una opción para llevar a los más chicos y entretenerse con teatro para toda la familia.

Elenco
Alexis Mazzitelli (Hansel)
Gisela Gómez (Gretel)
Diego Martin (Bruja)
China Rodriguez (Madre)
Ezequiel Hanke (Padre)

Funciones : 3, 10 y 17 de febrero 17 hs en el Teatro La Mueca (José Antony Cabrera 425)

Entradas por alternativa teatral..

Se dice que la escultura japonesa del Maneki-neko –popularmente conocido como el “gatito de la fortuna”– en el lugar de trabajo atrae la buena suerte y a los visitantes; y los integrantes de Sucursal, que la utilizan en escena, pueden dar fe de ese mito porque reestrenaron a lo grande: a sala llena y acompañados por un público efusivo.

Cuatro vendedores de una tienda de artículos usados padecen a un coordinador insoportable. El dueño anuncia que abrirá una sucursal y quien haga las mayores ventas podrá administrarla. Esto inaugura una cadena de discusiones, engaños y delitos que desembocan en un final donde quedará clara una cosa: nada puede cambiar la suerte de estos desgraciados, excepto sus propios actos.

En la competencia sucia por un salario más alto y por una cuota mayor de poder todo vale. A pesar de que detestan su trabajo, pelean por el nuevo puesto de encargado del local con uñas y dientes. En medio de la disputa por el cargo, está presente el gatito de la fortuna, talismán de Armando, el vendedor honesto y devoto a su patrón, personaje interpretado magistralmente por Victor Frisardi.

Por la gran variedad de vínculos que se establecen entre los personajes, Sucursal es un gran acierto de Carlos La Casa y Daniel Cúparo para sincerarnos sobre cómo son nuestras relaciones laborales y qué grado de hipocresía hay en ellas.

Se presenta los días viernes a las 21 hs. en la sala del Chacarerean Teatre del barrio de Palermo. Debido a la acústica de las salas alargadas y a la leve inclinación de las gradas del primer y segundo piso, se recomienda escoger entre los asientos de planta baja.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSITCA

Dramaturgia y dirección: Carlos La Casa y Daniel Cúparo.

Elenco: Victor Frisardi, Cecilia Generoso, Daniel Grosso, Lucas Tavarozzi, Franco Marani, Martín Miró y Osvaldo Ross.

Funciones: viernes 21 hs.

Duración: 75 minutos.

Chacarerean Teatre, Nicaragua 5565, Palermo

4775-9010/ 4774-3712

Entrada $300

Localidades por Plateanet

Descuentos: Clarín 365, Cablevisión, Atrapalo.com

Lara Salinas

Crítica de Diana Decunto

Tengo el enorme placer de comentar Terrenal, obra de teatro, de uno de los grandes dramaturgos con que cuenta Argentina, que es Mauricio Kartun. Generalmente las reseñas se recomienda comenzarlas contando de que trata la obra, pero en esta oportunidad voy a cometer un desliz a la regla, porque les quiero comentar al finalizar la obra, me gustaría transmitirles en palabras, la ovación general, hasta las butacas vacías no pararon de gritar ¡Bravo!, y el público quiso retribuir con un fervoroso aplauso el excelente espectáculo que había ido a ver.

La obra de teatro Terrenal, esta en su 5ta. temporada, espectáculo declarado de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires por la Legislatura porteña. Además recibió el Premio de la Crítica al mejor libro argentino de la creación literaria 2014. 41ra. Feria Internacional del Libro de Buenos Aires y Premio al Fomento de las Artes Radio France Internacionale. Mención de Honor y Premios ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo).

Actualmente se está presentando en el Teatro del Pueblo y trata sobre la historia de Caín y Abel, llevado a un ambiente de campo, en donde Dios trata de poner paños fríos en el odio e incomprensión que es constante durante toda la obra, entre ellos.

Los diálogos son chispeantes y geniales, hablan de temas en forma de parábolas o metáforas, pero con una simpleza. Se debate desde el capitalismo y el trabajo, hasta sobre el amor, la vida, y la muerte. El subtítulo de la obra “es pequeño misterio ácrata”, donde ácrata es significado de anarquía, y la obra uno de los secretos es ese desorden caótico.

Como jugando al tute cabrero, tres actores para administrar esa anarquía en escena, Claudio Martinez Bel, en el papel de Cain, el cual no tiene desperdicio. La ductilidad en su despliegue actoral mezclado con técnicas de clown, son únicas.

A la misma altura de Caín, el papel de Abel es protagonizado por el actor Claudio Da Passano (hijo de los actores María Rosa Gallo y Camilo da Passano, y hermano de la actriz Alejandra da Passano).Viene de una familia de actores y realmente tiene un destacado trabajado que lo ha hecho también merecedor al premio al mejor actor de Teatro Alternativo en los Premios ACE.

Y tengo la obligación de nombrar a Dios, vestido de gaucho, interpretado por Rafael Bruzza. Un Dios incomprendido por estos dos hermanos y que sufre por la tragedia de sus dos hijos predilectos. Su trabajo ha sido reconocido con ser Mejor Actor de Teatro Alternativo en los Premios ACE (Asociaciòn de Crónistas del Espectáculo)

La dramaturgia y la dirección de la obra es de Mauricio Kartun, de quien tenía las mejores referencias, y esta obra ha tenido numerosos premios, realmente quedé sorprendida, ver Terrenal me ha permitido conocer la magnitud y el valor que tienen Kartun para nuestro teatro nacional y latinoamericano.

Les recomiendo que la vayan a ver, para aquellos que sean apasionados de la actividad teatral, en su estilo clásico, seguramente sientan lo mismo que yo, esa necesidad de volver a verla, para disfrutar de los diálogos y para reírse a más no poder en ciertas escenas porque es imposible no hacerlo con estas tres joyas interpretativas rodeadas del velo protector de un director como Kartun.

Ficha artística y Técnica:

Elenco: Abel:Claudio Da Passano/ Caín: Claudio Martínez Bel / Tatita: Rafael Bruza

Escenografía y vestuario: Gabriela A. Fernández / Iluminación: Leandra Rodríguez / Diseño sonoro: Eliana Liuni / Fotografía: Malena Figó

Asistencia de escenografía: María Laura Voskian / Asistencia de dirección: Alan Darling / Prensa: Paula Simkin& Daniel Franco

Autor y Dirección: Mauricio Kartun.

Reestreno: Jueves 1 de febrero a las 20hs

Funciones: jueves a las 20hs.

Viernes ysábados a las 21hs

Domingos a las 20hs

Teatro: Del Pueblo / Dirección: Av. Roque Sáenz Peña 943, CABA

Entradas: $320. Jueves populares: Jubilados y estudiantes $ 250.- y por Alternativa Teatral: 2x$500

Informes: 4326-3606

Duración de la obra: 90 minutos

Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar

Me gustaría que aquellas personas que se interesen en ver la obra «El Test» intente reflexionar sobre su premisa antes de asistir a la comedia del catalán Jordi Vallejos. ¿Qué preferís? ¿Cien mil dólares ahora o un millón dentro de diez años ? Una pregunta tan sencilla mirándolo desde la suposición , pero tan compleja si esto se vuelve real. Esta obra parte de este simple test para brindarnos una comedia entretenida , intensa y reflexiva a la vez.

El TEST es una co­me­dia con per­so­na­jes muy iden­ti­fi­ca­bles en una so­cie­dad que tie­ne el di­ne­ro co­mo me­di­da de to­das las co­sas. ¿Qué es­co­ge­rías? ¿100 mil dó­la­res aho­ra mis­mo o 1 mi­llón de aquí a diez años? Una pre­gun­ta que le sir­ve co­mo me­ra ex­cu­sa al au­tor pa­ra des­en­ca­de­nar to­da una tra­ma de en­re­dos y des­ta­par ver­da­des es­con­di­das que sa­can lo peor del ser hu­mano. Una ruleta de dilemas y enredos de mucho humor que llevará
a los pro­ta­go­nis­tas a de­ba­tir so­bre sus prin­ci­pios y sa­car a la luz sus más os­cu­ros secretos.

Tres amigos de la vida que se conocen desde hace años se reúnen , y haciendo mención de sus más de treinta años de amistad , uno de los personajes sale con la idea de un simple y aparentemente insigficante test. ¿Qué preferís? ¿Cien mil dólares ahora o un millón dentro de diez años? Supuestamente dicho test es utilizado como método para determinar la aptitud de un individuo en relación a la elección que toma. La cuestión es que Antonio (Carlos Belloso) , quien es millonario , lanza al extremo este juego haciendo que se vuelva real la elección del dinero , desatando una pelea entre Paula (Viviana Saccone) y Héctor ( Jorge Suárez) ya que son pareja pero ambos opinan distinto sobre esta cuestión y otras tantas. Una simple elección hace que salgan los trapos sucios en todos los personajes y que cada uno use todos los recursos que tiene para salir victorioso en la defensa de sus ideales , allí entra al juego Berta (María Zubiri) , la pareja de Antonio y la psicóloga que ha plantado la idea de dicho test. El dinero es poder, y juega con todos , sacando lo mejor y lo peor de sí mismo además de dejarle una incógnita al espectador: Después de ver la obra ¿Qué opción vas a elegir ?

Se trata de una comedia muy inteligente, que nos muestra la importancia del dinero como medida para planear nuestras vidas , más allá de los ideales que se tengan. Desde ese punto de vista , nos plantea el dilema sobre si es mejor invertir a largo plazo o jugar a lo seguro pero perdiéndose esa posibilidad de tener algo más grande. Eso mismo se traslada a los más humano, sobre las decisiones que tomamos en nuestras vidas en lo personal, si tomamos lo que está a nuestro alcance o corremos el riesgo de esperar y ser feliz con una u otra opción, algo que puede ser un acierto o un total error.

También en la historia se ponen en juego las relaciones , tanto en la pareja que debe jugar dicho test como la que lo ha propuesto. El relato se torna muy intenso cuando la premisa está plantada y comienzan a conocerse las intenciones de los personajes , algo muy disfrutable gracias a sus actores , que dejan en escena el talento y el histrionismo que los personajes requieren en cada momento , pasando de lo cómico a lo dramático de forma natural y necesaria. Es una obra de cuatro actores , en la que el texto de Jordi Vallejos permite sacarle jugó a cada personaje , revelando todas sus intenciones y dejando sorpresas hacia su resolución.

Daniel Veronese dirige una inteligente obra con actores que saben sobrellevar la intensidad de su historia , sin olvidarse del humor que quiere transmitir. El espectador, además de entretenerse con una comedia fresca y original, seguro se va reflexionando sobre la dichosa pregunta e intentara realizar el test.

FICHA TECNICA

Autor: Jordi Vallejo

Versión Y dirección: Daniel Veronese

Elenco:

Carlos Belloso

Viviana Saccone

Jorge Suárez

María Zubiri

Versión y Dirección: Daniel Veronese

Asistente de dirección y Stage Manager: Gonzalo Martínez

Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo

Diseño de iluminación: Eli Sirlin

Asistente de iluminación: Sebastián Evangelista

Diseño de vestuario: Betiana Temkin

Vestidora: Daniela Dearti

Operación de Luz y sonido: Marcos Ribas

Fotografía: Alejandra López

Comunicación visual: Diego Heras

Comunicación digital: Gustavo Passerino para SBP

Prensa: SMW

Producción ejecutiva: Bárbara Rapoport

Asistente de Producción: Ailin Ponce Campos

Coordinación de producción: Romina Chepe

Dirección de producción: Sebastián Blutrach

Producción general: Sebastián Blutrach

Productores asociados: Morris Gilbert, Verteatro y PTC

Funciones: Miércoles a viernes 21 hs/Sábado 20 y 22 hs/Domingo 20 hs

Teatro: Multiteatro – Avda. Corrientes 1283

Localidades $ 600.- en la boletería del teatro o por plateanet.com

Daniel Alvarez

Desde el 26 de Enero, inició su segunda temporada «Sonbre Mirjana y los que la rodean» en el Teatro Picadero. Es la historia de una mujer, mostrada en su faceta externa e interna. Porque Mirjana también nos cuenta lo que piensa mientras toma café y fuma.

Son escenas sueltas, que conforman un mosaico de emociones, como por ejemplo, cuando Mirjana dialoga con su ex -marido al que trata de hacerle entender que debe romper el vínculo. Ella le repite “No me llames, más”.

Mirjana tiene una hija, mantiene encuentros con su madre, a la cual ve partir, un amante. Es una obra que a través de la interpretación de María Onetto, excelente actriz de teatro, con la autoría de Ivor Martinic ( dramaturgo croata), con la traducción de Nikolina Zidek, es una excelente puesta en escena, con un diálogo fluido, que apunta a los vínculos, a las emociones de una mujer y ese mundo que la rodea, que también reacciona a sus respuestas. La obra también exalta el pensamiento interno de una mujer a la que le pasan cosas, en escena se muestra ese dialogo consigo misma, sus acciones, sus vínculos, sus sentimientos.

La acompañan a la actriz Maria Onetto, el actor Fernando Contigiani Garcìa, quien trabajo también en la obra Parias, el actor Gabo Correas en el rol de Jakovquien también fue protagonista del Inspector, Flor Dyszel en el papel de Grodzana que interpretó también Por tu Pelo Sala, Mauricio Minetti en el personaje de Simón, Marcela Guerty como Ankica, Agustina Graba como Verónica y también LIde Uranga en el papel de Violeta.

Del autor rescato sobre su obra, esta frase: ‘No te preocupes por la vida, lo que importa es que vos estés bien’ ¿Cómo llegar a ese vos? ¿Quiénes somos , de todas formas? ¿De qué estamos hechos?

Y como cierre rescato el comentario del Director de la obra, Guillermo Cacace que es la segunda obra que trabaja de Ivor Martinic. El director en esta obra es muy importante porque ocurre en todas, pero en obras tan pensantes, de tanto símbolo para expresar el mensaje, la puesta en escena y su dirección es muy importante para lograr el objetivo. Y Guillemo Cacace lo ha logrado y dice “Esta obra habla de mujeres que van pudiendo algo. Porque hay que poder irse, hay que poder vivir y hay que poder morir. Algunas veces ninguna de estas cosas son fáciles”

LA TERAPIA DE LA RISA

En la guardia de un hospital público asistimos a un show cómico y desvergonzado que devela las historias cotidianas que circulan por sus pasillos.

Roberto Peloni, actor multifacético que pasó tanto por el teatro musical y el teatro clásico, y por la tv, llega por primera vez solo a un escenario. En el Maipo Kabaret presenta todos los miércoles y viernes Pelointensivo, un espectáculo realizado en el marco del festejo por el 50º aniversario del café concert, en el que pone a dialogar en la guardia de un hospital público a un variado conjunto de personajes border. Por el espacio frío e impersonal con escasas sillas y pantalla de turnos, desfila Tatiano, un joven marginado por su condición de productor excesivo de hormonas que le dan un escote prominente que debe examinar con rutinarias mamografías. Conocemos también a Selva, una lesbiana peronista que aguarda en la guardia por la llega de su hijo, al Dr. Donald, un payamédico que difunde su método sanador acompañado de un títere, y a Pianita, una empleada de limpieza del hospital que trabaja tantas horas como las que viaja para llegar.

Si bien el espectáculo usa como plato fuerte el humor ácido e incorrecto, los personajes creados por Peloni también reflexionan profundamente sobre el bullyng, las familias homoparentales y disfuncionales, la política actual y la explotación laboral.

Una mujer que sorprende por su empuje para el trabajo duro, cuenta que trabaja doce horas y viaja seis horas, que cuida a una sobrina y a un marido deprimido que la espera en casa. Narra las miserias cotidiana de la limpieza hospitalaria pero no deja mencionar lo contenta que está con su presente. Pasa el trapo por donde hace un momento caminó Tatiano, que fue a dejar una muestra del producto de sus ubres. Él reniega de su madre, por la exclusiva alimentación a base de pollo que le dio. Como consecuencia, porta una camisa por la que asoman pechos rebeldes que expiden leche en cualquier momento y lugar. El tono agitador y más político lo aporta Selva, murguera de alma, largos rulos y actitud física intimidante. Una lesbiana asumida y orgullosa que saca los trapitos al sol de la vida en pareja. Por otro lado, el Dr. Donald, un confeso amante del orden y de la política derechista que, acompañado por su gato Mau, adoctrina al público con canciones polémicas. Los espectadores, como acompañantes que esperan en la guardia, se hacen partícipes de estos personajes queribles y extraños, herencia de intérpretes como Urdapilleta, Gasalla y también de Enrique Pinti.

El marco del centro de salud está pensado a partir de las propias vivencias del actor, en las que que el productor Lino Patalano supo ahondar, para impulsarlo en la construcción de este proyecto tan personal. Peloni es oriundo de Lanús, donde transcurrió una vida marcada por carencias económicas en un barrio que giraba en torno al Hospital Evita. Allí su madre obtuvo su primer trabajo como cuidadora de enfermos, allí falleció su padre chatarrero, allí trabajaron su tía y su abuela. Incluso Roberto inició una carrera de enfermería terminado el secundario, que abandonó cuando descubrió la magia del teatro en un taller barrial gratuito.

Protagonizó el musical más comercial The Rocky Horror Show, y El cabaret de los hombres perdidos, un formato mucho más under. También formó parte de Shrek, donde la gran interpretación de Lord Farquaad le valió el galardón de oro en los Premios Hugo 2015. Actualmente forma parte del programa televisivo Morfi, todos a la mesa, y de Cyrano de más acá, una adaptación criolla de la obra de Edmond Rostand.

Estamos frente a un actor al que le tocó el camino arduo, del que no reniega, sino que lo aprovecha para crear estos seres, basados en algunos aspectos de la realidad que le tocó vivir. Irreverentes, con ideologías muchas veces opuestas, que ante todo son sinceros y se muestran tal cual son. Pelonintensivo es un despliegue de talento y entrega creativa y física. Unipersonal mezcla de teatro, reality show y café concert, en el que estos variados personajes interactúan con otros que podemos ver a través de pantallas ubicadas en los laterales del escenario. Una propuesta original, divertida y desprejuiciada, que despierta risa y ternura.

Ficha técnico-artística:

Actor: Roberto Peloni

Libro: Sebastian Meschengieser, Roberto Peloni

Colaboración autoral: Elio Marchi

Escenografía y vestuario: Vanesa Abramovich

Diseño de luces: Gonzalo González

Diseño y grabación musical: Miguel Angel Cino

Arreglo vocal: Raul Oliveira

Diseño de maquillaje: Santiago Castro

Vestuarista: Susana Signorini

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño grafico: Pablo Sultani

Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán, Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Dirección audiovisual: Talo Silveyra (Nebraska Films)

Producción audiovisual: NUBE contenidos

Colaboración artística: Malena Guinzburg y Claudio Tolcachir

Coordinador de producción: Sebas Rojas

Producción ejecutiva: Tamara Bur

Producción artística: Lino Patalano

Sala: Maipo Kabaret – Esmeralda 443, CABA. Miércoles 21:00 y Viernes 23:30. Entradas desde $250

Melina Martire

Hermanos de sangre es la adaptación de un musical del West End , y que posteriormente tuvo su versión en Broadway. Ahora la producción se encuentra brindando funciones en el teatro del globo , y sin envidiarle nada a las propuestas comerciales , podemos verla de viernes a domingo con la participación estelar de Julia Zenko y gran elenco.

La obra de teatro musical de Willy Russell, dramaturgo y compositor, circunda supersticiones, pasiones e historias de vida y ahonda en el precio que se debe pagar cuando el vínculo de los hermanos se desgarra por una separación y los instala en dos familias y espacios diferentes.

Aún con estas realidades socio-económicas tan distintas los dos niños terminan siendo mejores amigos construyendo un vínculo particular a lo largo de los años.

La sra Johnstone (Julia Zenko) es una mujer a la que suceden dos cosas particulares , la primera es que la persiguen las desgracias, y la segunda es que no puede parar de concebir hijos . Estas dos cosas combinadas hacen que tenga constantes problemas económicos que no les permite criar adecuadamente a sus hijos , además de la amenaza de que el gobierno se los pueda quitar. Estando sola y abandonada por el hombre con quien estaba , comienza a trabajar en una mansión realizando la limpieza del lugar, todo parece marchar bien hasta que descubre que está nuevamente embarazada , no de un solo niño sino de dos , cosa que pone su vida en aprietos. La mujer para la que trabaja resulta que no podía tener hijos propios y su marido se niega a adoptar, al encontrarse el hombre fuera de la ciudad por un largo tiempo, le propone a la sra Johnstone que le regale a uno de sus hijos , una decisión dura pero que será la solución para ambas mujeres. A la fuerza los mellizos son separados y surje aquel mito de que si ellos en algún momento descubren su parentesco ambos morirán. El tiempo pasa y ellos se terminan conociéndose y convirtiéndose en grandes amigos a pesar de que los demás intenten evitarlo. El paso del tiempo hace que esta conexión sea inevitable y que el peligro siempre esté al acecho.

La propuesta resulta muy interesante desde su premisa , que aunque resulte predecible el desenlace , el público disfruta de todo el proceso en que transcurren los hechos. La obra se toma todo el tiempo necesario para construir la historia , desde la concepción del plan de separar a los niños , el crecimiento de estos hermanos desde su niñez hasta su vida adulta donde se marcan cada vez más las diferencias de clases sociales. Conocemos el amor , de los hermanos , de aquellas madres hacia sus hijos y también los errores que cada uno comete y sólo hacen que se cumpla ese destino supuestamente ya escrito.

La participación de Julia Zenko en la obra es más que notable , desde el carisma que emite con la interpretación de una madre sufrida hasta el potente registro vocal que posee. De todos modos el protagonismo para por el lado de sus hijos , quienes deben mostrar su crecimiento en todo el transcurso de la obra . Mariano Taccagni y Gonzalo Almada hacen de los hermanos Johnstone unos personajes inocentes y sinceros en sus emociones , cosa que va cambiando con el paso del tiempo de la brecha social. En general hay un buen trabajo del elenco , plasmado sobre todo en los números musicales , que insiste recordarnos las épocas de Marilyn Monroe.

La puesta escénica se mezcla con recursos audiovisuales que son útiles para ubicarnos en tiempo y lugar de los hechos . Las luces y escenario permiten el despliegue de los actores con total libertad , luciendose en números como los cierres de acto y los momentos donde nos recuerdan la profecía a cargo de Alejandro Vázquez como el narrador de la historia.

Hermanos de sangre es un musical que nos cuenta la tragedia de dos hermanos separados al nacer , que crecen juntos para cumplir un destino que se encuentra escrito. Lo interesante de la propuesta es ver todo el proceso en que los hechos suceden , dando a conocer los motivos por los cuales los personajes actúan y cometen errores. Una obra musical muy interesante , con una Julia Zenko que brilla con su presencia y una buena elección del elenco. Oportunidades hay para verla ya que tiene varias funciones en la semana , cosa que vale la pena apoyar a estos proyectos que no tiene de qué envidiarle al teatro más comercial.