La compañía Lírica “G. Verdi” domingo 12 y sábado 25 de noviembre del 2017 nos volvió a sorprender con otro espectáculo de alta calidad: la opera IL Trovatore de Giuseppe Verdi.

Este sábado 25 de noviembre, a sala llena, en el Teatro Asturias, todos los presentes se pusieron de pie para ovacionar por el nivel alcanzado en la puesta, la belleza de la pieza seleccionada, la interpretación coral, l acompañamiento de piano y los solistas.

Como nos tiene acostumbrada la reggio: Adriana Segal, ha logrado en base a una excelente dirección general y de escena, donde iluminación, puesta y vestuario logran que las obras de Giuseppe Verdi, se disfruten en su totalidad.

La dirección musical de solistas y acompañamiento al piano fue de Susana Cardonnet quien demostró sus 30 años de experiencia en repertorio lírico como maestra interna del Teatro Colón. La dirección musical de la obra estuvo a cargo de Ramiro Soto Monllor, quien es director de la compañía de ópera “G.Verdi” desde el 2011. Además de ser Director de la Orquesta Escuela de San Isidro del PPOE y Director Titular de la Orquesta Sinfónica Juvenil de la Municipalidad de San Isidro, entre alguno de sus méritos.

IL Trovatore es una ópera de cuatro actos con música de Giusepppe Verdi y libreto de Salvatore Cammarano y Leone Bardare basado en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Fue el mismo Verdi quien tuvo la idea de componer una ópera sobre el tema de García Gutiérrez, encargando a Salvatore Cammarano la redacción del libreto. El poeta napolitano murió súbitamente en el año 1852, poco después de concluir el libreto, y Verdi, que deseaba hacer algunos añadidos y modificaciones, recurrió a la intervención de un colaborador de Cammarano, Leone Emanuele Bardare, quien trabajó bajo las precisas instrucciones del compositor, cambió la métrica de la canción de Azucena y añadió el cantable de Luna (Il balen del suo sorriso – II.3) y el de Leonora (D’amor sull’ali rosee – IV.1). El mismo Verdi, por otro lado, intervino personalmente sobre los versos finales de la ópera, abreviándolos. Cuando se le encomendó esta obra, Bardare tenía 32 años, iniciaba su carrera de libretista y con el tiempo llegaría a escribir los textos de más de quince óperas

Las obras de Verdi se caracterizan por la fuerza en lo musical acompañado de letras poéticas con metáforas de mucha belleza expresiva.

El coro lírico de Compañía Verdi, tuvo un excelente desempeño tanto en lo musical como en el desenvolvimiento actoral, en una puesta visual de excelentes logros. Pudiendo nombrar la participación coral a lo largo de la obra como ser en el Acto I / Escena I – Coro All’erta, all’erta! (Ferrando, Familiari, Armigeri). En el Acto II con cuatro coros, uno de ellos, los gitanos cantando el coro del yunque y en el Acto III: Coro Or co’ dadi, ma fra poco (Armigeri, Ferrando)

Los solistas además de nombrarlos debemos agradecer tener la oportunidad de que compartan su arte con el público como Gabriel Rabinovich como el Conde de Luna, o la soprano rosarina Mariana Pedroza que encarnó el papel de Leonora.

Marcelo Boluña en el papel de Ferrando. En la interpretación de Manrico estuvo a cargo de Fermín Prieto, integrante actualmente del Coro Estable del Teatro Colón quien tuvo un destacable desenvolvimiento y la cantante Mairín Rodriguez en el papel de Azucena, quien ha sido ganadora en el Concurso de Canto Dr. Alejandro Cordero de la Fundación del Teatro Colón (2016). Quien ha brillado en escena tanto en su registro vocal como en su calidad interpretativa.

Adriana Segal con cincuenta y cinco años comprometida con la música y con la ópera en especial podemos decir que las obras que nacen producto de su tesón y voluntad, tienen su impronta personal de la pasión con que las encara, el trabajo serio y arduo de todo un equipo que tiene un amor incondicional por la ópera dando evidencias el producto final de la alegría, respeto y camaradería de quienes la acompañan. Muchas gracias a todos y por favor sigan sorprendiéndonos con más espectáculos donde siempre contarán con un público incondicional que les retribuirá con aplausos y ovaciones en agradecimiento a toda su labor.

sábado, 25 de noviembre de 2017

IL TROVATORE- OPERA DE GIUSEPPE VERDI

LIBRETTO DE SALVATORE CAMMARANO Y LEONE BARDARE BASADO EN LA OBRA TEATRAL DE ANTONIO GRACIA GUTIERREZ

DIRECTORA GENERAL Y DE ESCENA –ADRIANA SEGAL

DIRECTO MUSICAL – RAMIRO SOTOMONLLOR

DIRECCION MUSICAL SOLISTAS Y ACOMPAÑAMIENTO AL PIANO –SUSAN CARDONNET

VESTUARIO-SYDNEY PAGE

ILUMINACION – ADRIANA SEGAL

CIA.LIRICA GIUSPEPE VERDI

TEATRO ASTURIAS

CORO

Soprano Mezzosoprano Tenores

Aguirre Silvia Carfagna Margarita Benitez Alberto

Gontad Isabel Cichesi Graciela Bertone Ivan

Huertas Alejandra Kloss Elsa Cena Eduardo

Ibañez Florencia Korngold Mónica Cena Pablo

Kass Tamara Maggi Romina Dommenichino Daniel

Sergeichuk Paulina Porro Silvia Losasso Martín

Ventura Marta Ripoli Carmen Macia Pablo

Rafaelli Sandra Romero Alicia Page Sydney

Romero Mónica Reinhardt David

Sala Gabriel

Barítonos y Bajos Contraalto

Adúriz Bravo Agustín Grifa Norma

Lagomarsino Raúl

Ramos Marcelo

Verro Jorge

Diana Decunto

Segunda temporada de una obra que se las trae donde siete personajes se ponen la camiseta de empleados mostrando como transcurren sus vidas en diferentes momentos del día: al levantarse, ir a trabajar, almorzar y volver a su hogar.

Con aroma a empleado y perfume de teatro

La dirección y coordinación general de José Mehrez ha logrado un producto final de excelente estética donde los actores se mueven como el pez en el agua, mientras el público no para de reír la mayor parte del tiempo.

El secreto del éxito es en recrear estereotipo de situaciones, caracterización de personajes, exageraciones reflejadas en escenas sin diálogo pero que la imagen habla por sí sola.

Las actuaciones son impecables, gozan de la frescura y fuerza de la juventud de quienes la interpretan, es muy dinámica la puesta en escena y muy versátiles los papeles que hacen y se nota una excelente sinergia en el equipo. Actúan Lucila Chedufau, Matías Corradino, Valentina de La Fuente, Priscila Lombardo, Fernando Morales, Florencia Rebecchi, Ignacio Torres

Algunos ejemplos de personajes que me despertaron risa fueron los diferentes tipos de guardias de seguridad que reciben a los empleados a la mañana, para que les franqueen el molinete de acceso, o estar en un subte y decir que hay «olor a empleado» , el cuidador de un museo, o la situación de un empleado que atiende al mostrador y a su vez atiende llamadas telefónicas. Y las mujeres que conforman el público se van enterando de la vida personal del empleado que las tiene que atender y le van dando consejos. Todo lo contado es un botón de muestra y lo importante es la plástica y el contexto con que abordan las historias.

Asistí a la última función del año 2017, esperemos que haya una tercer temporada, porque vale la pena que mucha más gente vaya a ver la obra, porque el público se merece el placer de disfrutar la puesta con una serie de sketchs de excelente humor y en el fondo para reflexionar sobre los arquetipos y la rutina de las oficinas donde los personajes están algo exagerados pero tampoco transponen los límites verosímiles que nos rodea la vida moderna.

Confiamos en su regreso e invitamos al público que no duden si los encuentran en cartelera porque si lo que usted busca es divertirse y aprender a reconocer el «olor a empleado» se la recomendamos, todo el equipo humano que hace Empleados, no los van a defraudar, disponen de un empleado para cada gusto.

Ficha técnica

Actúan: Lucila Chedufau, Matías Corradino, Valentina de La Fuente, Priscila Lombardo, Fernando Morales, Florencia Rebecchi, Ignacio Torres

Ilustración y diseño gráfico: Petre

Diseño y programación multimedia: Ivan Tchacoff

Asistencia técnica: Julián Limardo

Fotografía: Luis Arancibia

Música original: Marcelo Duclós /José Mehrez

Asistencia de dirección: Lucila Chedufau

Dramaturgia, dirección y coordinación general: José Mehrez

Funciones: viernes 23.30 hs.

Duración: 65 minutos

TEATRO DEL ABASTO

Humahuaca 3549, 4865-0014

Reservas http://www.teatrodelabasto.com

Entrada: $ 180 / $ 130 (jubilados y estudiantes).

Diana Decunto

Todos conocemos el clásico de Shakespeare “Romeo y Julieta”, la historia de amor y odio más famosa de todos los tiempos. El odio aparentemente inexplicable entre dos familias, Montesco y Capuleto, se mantendrán en esta versión libre del clásico de William Shakespeare, lo que dará un giro inesperado será el papel que juega Romeo y su hermano Pietro, que luchará para mantener en secreto, pero al mismo tiempo complacer a su hermano, la condición de Romeo ya que en el pueblo del siglo XX en donde transcurre la historia, Romeo, quien sufre de síndrome de Down, correrá un gran riesgo si se da a conocer de su existencia.

Si esperan ver la típica historia de Romeo y Julieta pues es mejor que lean la obra en vez de ver “los hermanos Montesco” ya que al entrar a la sala estarán apunto de ver una versión totalmente libre de la historia de William Shakespeare donde además de los temas principales de amor y odio se agregará la concientización sobre el síndrome de Down.

Sin duda es inesperado el hecho de que el famoso Romeo tenga otra perspectiva, pero es inteligente tomar un clásico para poder concientizar a las personas sobre la inclusión de las personas con síndrome de Down en nuestra sociedad. Hacernos conscientes de que no son personas distintas a las demás, ellos aman odian y vuelven amar tal cual todos lo hacemos.

Los hermanos Montesco te darán una versión totalmente distinta a la de William Shakespeare que es sumamente agradable, divertida y sobre todo tierna ya que te ablanda el corazón el como Romeo hará todo lo posible para poder conseguir a la mujer que ama.

Ficha Técnica:

Elenco:

Romeo: Pedro Molina

Pietro: Agustín Maradei

Mercucio: Santiago García

Benvolio: Pablo Neville

Julieta: Lucía Ferrari

Teobaldo: Pablo Scorcelli

Sra. Capuleto: Paola Medrano

Sr. Capuleto: Fernando Pardo

Sr. Montesco: Facundo Ponce

Nodriza: Ana González

Cedrina: Cinthia Ávila

Paris: Agustín Oberto

Ensamble: Leticia Loffler, Camila Otreras, Paula Calzia, Milagros Binay, Mónica Cano, Giuliana Ferro

Dramaturgia y Dirección General: Juan Ignacio Acosta V.

Asistencia de Dirección: Agostina Fischietti – Mariano Carabajal

Dirección musical, guitarra y percusión: Martín Carusi

Piano: Gregorio Seva

Coreografía: Mariana Moschetto

Diseño de vestuario y escenografía: Cecilia Zuvialde

Diseño de luces: Ariel Campos Mendieta

Diseño de maquillaje: Agostina Fischietti

Máscaras protagonistas: Yanina Orieta

Realización escenográfica: Dolores Riera

Fotografía: Alejandro Carmona – Fuentes 2 Fernández

Diseño gráfico: Fuentes 2 Fernández

Prensa: Cakatúa FUNCIONES: Sábado 20 y 22hs. Entradas en boletería o en Alternativa Teatral: $200 gral / $150 (jubilados, estudiantes, personas con discapacidad). Teatro: Patio de Actores – Dirección: Lerma 568

Ariana Marín

El Cirujismo Espacio Cultural parece cerrado, toqué timbre y me atendieron muy amablemente, es un espacio íntimo, de barrio, de amigos. Al entrar a la sala uno tiene la misma sensación. Y la obra Casi Humanos parece encajar en ese mundo. Empieza de la mano de Miriam Fontes, continúa con Julián Bellegia y Ángel Blanco, y se va desarrollando pausadamente pero con mucho drama y chistes ácidos.

El tabú es el gran personaje de la obra, y que nos pasa a los seres humanos en esta sociedad donde nos queremos poner en el lugar del otro, pero se nos hace tan difícil que preferimos reír o huir de esas situaciones. ¿El Argentino es un ser casi humano? ¿Es tan complicado tocar ciertos temas? ¿Nos cuesta tanto ponernos en la piel ajena? ¿Nos sentimos tan superados como para reírnos de las vicisitudes del otro? La obra nos plantea eso, por momentos de manera cruda y por momentos de manera más suave.

El espectador siempre está al borde del ataque de risa, pero la tragedia de los temas que se tocan hace que en algunos momentos se contenga la respiración. ¿Por qué? Porque Lau, Juan y Mau los personajes nos hacen sentir que somos ellos, que prejuzgamos, que discriminamos, que tememos, que amamos, que deseamos, que somos humanos casi humanos por todas esas imperfecciones que llevamos a diario cuando salimos a la calle y vamos al trabajo, y hablamos con nuestros vecinos, amigos y familia.

Los actores se la juegan, ponen el cuerpo a los personajes, por momentos tímidamente y por momentos de manera fuerte y contundente. La obra termina y deja el debate de lo complejo que somos en la actualidad y de lo que ocultamos, muchas veces, hasta de nosotros mismos como Jekyll a Mr. Hyde.

Ficha Técnica:

Elenco: Julián Bellegia, Miriam Fontes y Ángel Blanco

Autor y Dirección General: Vani Szlatyner

Diseño Gráfico: Juan Anfossi – Griff Producciones

Fotografías: Gianni Mestichelli

Asistencia en Escenografía y Vestuario: Julieta Tomaselli

Asesoramiento Artístico General: Julián Belleggia, Ángel Blanco y Vani Szlatyner

Diseño de Luces: Vani Szlatyner y Yaya Firpo

Técnico el luces: Augusto Useda Vargas

Peluquería: Silvia Blanco

Realización de Jaulas: El Changuito Cañero

Asistente de Producción: Matías Chiarini

Productora Ejecutiva: Jimena Aguilar – Didascalias Entretenimiento

Producción General: Julián Belleggia y Ángel Blanco

Las funciones se realizarán los JUEVES de Noviembre a las 22:30h. en el TEATRO CIRUJISMO ESPACIO CULTURAL, Deán Funes 1267.
Duración del espectáculo: 75 min.
ENTRADAS: $200 – en boletería del teatro o por ALTERNATIVA TEATRAL
http://www.alternativateatral.com/ficha_obra.asp?codigo_obra=53868
Reservas: casihumanosok@gmail.com
Facebook: CasiHumanosOk / Twitter: CasiHumanosOk / Instagram: CasiHumanosOk

Alejandra Martínez

La noche de viernes se había vuelto fría. Llegue al Camarín de las Musas media hora antes de las 23. Retire mi entrada y me indicaron por donde podía ingresar a la sala. Allí fui. Vi el banner de la obra colocado en una gran ventana por la cual se podía ver a los actores, y al director haciendo correcciones técnicas en escena, algo que me llamo poderosamente la atención La gente fue llegando y había buena vibración pese a la temperatura. Ingresamos. Las localidades eran pocas y el espacio compacto, pero muy cálido. Nos fuimos acomodando sin mayor dificultad y rápidamente. Los interpretes ya estaban ubicados y esperando. Apagamos los celulares y la función comenzó. Nuestra protagonista bebe vino y mira cada tanto por la ventana. Esa misma ventana que había captado mi interés al ingreso. A un costado de la escena, una pianista y cantante musicaliza en vivo. Y en las penumbras puede distinguirse una figura en un cuadro. La luz ira dando claridad, con sutileza casi imperceptible veremos esa pintura en estupenda composición y armonía de formas y colores. Ana va a cocinar una tortilla a la española, el plato favorito de su madre, el día de su cumpleaños. Tal vez como pretexto para poner en orden sus pensamientos y como puerta inconsciente al más allá, le escribe en un cuaderno y nos cuenta las desventuras de su propia maternidad. Del otro lado de la vida y la realidad, la destinataria de estas palabras, figura central del cuadro colgado en la pared, comienza a moverse y a oírla. Con la dificultad propia de un fantasma, no puede ser percibida por su hija. Pero entabla un dialogo a través de nosotros, contándonos y comentado lo que oye. Ana habla sobre su dificultad de adaptarse y sobre su incertidumbre por la falta de un plan. En el trascurso de este entrecruce de realidades y vínculos desencontrados, cocina. Corta papas, saluda a la gente que pasa por la calle (sorprendido por ver a una chica cocinando y con público) prende el fuego y toma otra copa. Una sucesión de aromas irán invadiendo el espacio y una voz dulce y poderosa nos alimentara los oídos con sus melodías. Diálogos y observaciones a veces profundas, otras graciosas. Simples. Humanas. Después te cuento habla sobre encontrarse con uno mismo y con el otro. Metáfora fabulosamente corporizada en la puesta en escena por el director, que ha abierto puertas que se atraviesan en los momentos oportunos y le otorgado la energía y el lugar adecuado a cada estimulo desplegado en el escenario. El libro es estupendo. Reflexivo y divertido. Con grandes momentos y plagado de detalles. Las actuaciones son precisas y efectivas. La Ana de Cecilia Pertusi es profunda y verdadera, Cristina Dramisino compone a una madre entrañable que todos quisiéramos tener y la voz e interpretación de Sonia Kovalivker, en el piano, es encantadora. La escenografía y el vestuario tienen el tono exacto y adecuado. La luz sutil y perfecta. Y la sala tiene la estructura y calidez que requiere la puesta. Es una obra sencilla y maravillosa, plagada de recursos y sensaciones que mezclan logrando su punto justo para que se produzca el encuentro y la magia suceda. Maximiliano Pouchan. Ficha técnica Ana: Cecilia Pertusi Madre: Cristina Dramisino Música en vivo y Pintura: Sonia Kovalivker. Escenografía e iluminación: Eduardo Perez Winter Vestuario: Nury Bertone. Gráfica: Florencia Huerga Fotografía: Victoria De Feo Prensa y Difusión: Carolina Alfonso Asistencia de Dirección: Oscar Duarte Dramaturgia: Adriana Gomez Piperno Adaptación y dirección: Juan Arena Duracion: 60 minutos Funciones: Viernes 23hs Camarín de Las Musas – Mario Bravo 960 Reservas 4862 – 0655 Entradas: $ 250 y $200 (estudiantes y jubilados con acreditación, menores de 30 2 x 1)

Historias humanas verosímiles donde la comunicación se realiza y en algunos momentos se dificulta a través del celular.

Persiguiendo móviles

La historia se inicia cuando una hija treintañera, con todos sus mambos, deja a la madre en el aeropuerto, para que ésta tome un poco de aire, con un viaje. Para que estén comunicadas, la hija no tiene la mejor idea, que regalarle un celular de última generación. La madre, cuando recibe el regalo, no entiende cómo usarlo pero aprovecha el tiempo de las esperas del aeropuerto para leer el manual de instrucciones. Empieza a familiarizarse con el uso y se termina fanatizando. La otra historia paralela, es una exitosa empresaria que ha llegado al aeropuerto, para viajar por razones de negocio. Toda comunicación con su hijo es a través del móvil. Ambas mujeres están en el mismo aeropuerto, se produce un atentado, del cual no se dan mayores detalles porque no hacen a la historia. El tema es que ambas mujeres han salido ilesas y comparten el mismo hotel que ha puesto a disposición de los damnificados la compañía aérea.

La trama transcurre en intentar comunicarse. Por un lado, madres que pretende avisar a sus respectivos hijas e hijos, que no les paso nada. Y a su vez, ambos jóvenes han visto las noticias y quieren saber si ellas están bien. Son dos historias en paralelo que a medida que avanza aparecen puntos de encuentro.

Es una comedia de enriedos que en algunos momentos si nos ponemos a pensar el hecho de un atentado, el no poder comunicarte o si hacerlo, cuán útil puede ser un móvil en un momento tan terrible. Pero la comedia soslaya el tema pero resalta las confusiones y cuán grave puede ser una mala comunicación.

Me llamó a la reflexión cuando la madre dialoga con la hija: “ no sé si esto que te voy a decir lo pudiera hacer si estuviese frente a vos”. Me puse a pensar, este abuso, tal vez del móvil, cuánto depende de nuestra necesidad de ser escuchados y entendidos por el otro. La falla tal vez radique en pretender ser una escucha egoísta donde justamente no le damos peso al que ésta del otro lado. Es bueno porque a veces rompe paredes y es malo porque la escucha no funciona sino es de a dos.

En la historia terminan desatándose nudos, todos son felices y cazan perdices. Aquellos que lo deseen pueden profundizar sobre el mensaje que da la obra y le permitirá recrear nuevas variantes de análisis. En los jóvenes, les veo difícil está capacidad, porque es una generación que no sabe lo que es vivir sin un móvil pero al ver en escena lo que vivimos cotidianamente, tal vez, les despierte ganas de pensar sobre el tema. Y la última opción es apreciar un momento agradable de distracción, de risa por momentos.

Pasar setenta placenteros minutos de paso de comedia se lo debemos al autor Sergi Belbel con la excelente adaptación de Jorge Azurmendi quién también tuvo a cargo la dirección de la obra, con la participación de las actrices Ana Maria Castel y Cristina Dramisino, dos modelos de madre diferente, interpretadas maravillosamente. Un hijo Hernán Muñoa que sufre muy agradablemente a su madre y Heidi Fauth, que se acomoda perfecta en el plano de comedia y que deseamos que continúe con el género porque le sienta muy bien.

Para aquellos que la vieron, encontré muchos puntos en común con la película italiana (2016) que toca el mismo tema Perfectos Desconocidos (Perfetti Sconosciuti). La obra de teatro no es tan sarcástica, pero las reacciones frente al aparatito me parecieron en ambas muy bien explotadas. Traigo a colación la similitud entre película y obra de teatro porque me parece una manera más de animarlos a ir a ver la obra de teatro con semejante tarjeta de presentación. Les propongo que después de verla, manden muchos whatsapps para recomendarla.

Ficha técnica

Diana Decunto

Empleado cama adentro es una obra muy particular , desde un principio notamos su intento de homenajear/parodiar a las telenovelas. Una novela presentada por una caracterización de Virginia Lago en su programa Historias del corazón , dicho programa se trata de un absurdo sin fin, pero un absurdo que entretiene y mucho más.

“Empleado cama adentro” es una obra que traslada el formato de las telenovelas al género musical.

Amor, envidia, atracción, venganza, son alguno de los sentimientos que suceden dentro de una casa en el barrio de la Horqueta donde conviven una familia y sus empleados.

Chiche, Ernesto, Gastón, Mandy, La Nona, Chester, Irupé y Rosemary encarnan así esta atrapante novela presentada por Virginia en su programa televisivo (Historias del Corazón).

La parodia que se realiza sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y nos comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas. La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas son los elementos que contienen la historia. Puede ser que parezca absurdo e inverosímil, pero si uno se pone en recordar muchos de los culebrones que existen , no está tan lejos de ellos , lo que hace la obra es homenajear y parodiar aquello que tanto caracteriza a las amadas novelas.

Si bien es una obra de teatro musical , éste más bien funciona como un añadido que como una condición para que se desarrolle la obra, siendo funcional a ella como una forma de complementar los recursos de la puesta escénica. Si bien en muchos aspectos puede resultar un disparate , podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.

Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función , de darnos a entender sobre de qué va esta obra y cuál es su intención , divertir al espectador.

En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno. Así mismo se ven los actores , cada uno tiene su personaje y su espacio , jugando con el estereotipo que poseen. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.

El viernes 24 de noviembre es la última función de Empleado cama adentro , presentándose en el Teatro Border, del barrio de Palermo. Se trata de una obra absurda y musical, que se adentra en el mundo de las novelas de una forma muy peculiar y sobre todo divertida. Ideal para pasar un viernes por la noche y reírse un rato disfrutando de buen teatro.

ELENCO

Mariel Velez, Matías Prieto Peccia, Jair Almar, Lucila Madeo, Belén Becerra, Camila Aldet, Javier Valdez, Rochi Contardi, Belén Cruz y la participación especial de Julián Sierra.

REESTRENO: 10 de Noviembre

FUNCIONES: 3 funciones.

DÍA Y HORARIO DE FUNCION: Viernes 23:00hrs

TEATRO:

TEATRO BORDER

Godoy Cruz 1838.

Tel: 5236-6183

DURACIÓN: 1:30hrs.

LOCALIDADES: $200. Entradas en venta en boletería del teatro o por Plateanet.

Promoción 2×1 con Club La Nación.

FACEBOOK @empleadocamadentro / INSTAGRAM: @empleadocamadentro

FICHA TÉCNICA

Libro y Letras: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo, David Monteros

Dirección y coreografía: Matías Prieto Peccia

Asistencia de Dirección: Florencia Druetta
Diseño de iluminación: Christian Camacho Solano
Escenografía: Giulano Benedetti
Vestuarista: Carla Torrico Ramírez
Diseño de logo: Romina Torrico Ramírez y Bheret Arnal
Diseño Gráfico: Matías Gordon para Iarok Design
Fotografía y Producción Audiovisual: Catrina Factory

Redes y Comunicación: Daiana Vera, Camila Aldet, Matias Prieto Peccia, Ro Torrico Ramírez.
Producción Ejecutiva: Romina Torrico Ramírez
Producción General: Matías Prieto Peccia y Romina Torrico Ramírez

Una luz como eje central y cinco entidades despojadas de todo, solamente sus anatomías, sus huesos transmitiendo sin diálogo mensajes a ser captados por el publico.

Huesos sin fisuras.

La dirección es de Leticia Mazur, y está interpretado por Lucas Cánepa, Ana D´orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi, Gianluca Zonzini. La bailarina María Kuhmichel pertenece al Grupo G5, también en estos días, está haciendo otra obra danza teatro que se encuentra en cartelera con un estilo parecido.

En la gacetilla del espectáculo buscaba el nombre del autor y menciona a Fernando Alarcón y Manuel Hermelo con el rol de acompañantes del pensamiento. Me parece muy acertada la definición porque la obra a partir de una gran luz en escena, que podría ser interpretada como el sol y esas entidades alrededor interactuan.

La obra se centra en un mundo de sensaciones representadas en el movimiento tales como miedo, aproximaciones, acercamientos, acompañado con la música de fondo de Patricio Lisandro Ortiz, y de golpe el silencio pero el movimiento como un péndulo que nunca para.

La obra promueve la libre expresión de los personajes, la precisión en los movimientos, la sincronización entre ellos. La puesta en escena es muy buena, pero mientras la iba viendo y pensaba en la crónica que debía realizar, no podía evitar pensar todos los que estábamos en platea cuan similar y cuan distinto estaríamos elaborando las secuencias de imágenes en nuestra mente a partir de lo que capta la retina y escuchamos en nuestros oídos.

La realización es en el teatro EL GALPÓN DE GUEVARA los días martes a las 21. Sus protagonistas tendrán por misión llegar hasta el hueso de la historia descubriendo y reinventándose alrededor de esa la luz principal que les dará un sentido a sus vidas.

El regreso es una obra de Brian Friel, estrenada en 1977. Cuenta la historia de Frank Butler, un oficial del ejército irlandés que, tras lograr la hazaña de rescatar a un grupo de personas en una misión de Naciones Unidas, regresa a su pueblo como un héroe. Ese día de celebraciones termina siendo una tragedia gracias a que se destapa un secreto familiar que cambia su destino y arrasa con toda la gloria con la que regresa al hogar.

La obra transcurre en sólo esas 24 horas donde la vida y la muerte de este hombre se tocan en el mejor y peor momento de su vida. Pero la historia no transcurre de manera lineal, sino que se va representando de a episodios en los que los distintos personajes, miembros de la familia, hacen o dicen cosas que podrían haber cambiado el resultado de los acontecimientos. Y la decisión de qué episodios se representan y cuáles no es de un personaje/director, que va contando la historia según un registro escrito que encuentra de la misma. Este personaje, a quien llaman “el hombre”, se presenta en el comienzo de la pieza, llama a todos los personajes para presentarlos a ellos y luego los va llamando a cada uno según quién sea necesario para representar cada episodio.

Este recurso metalingüístico no es algo novedoso y muestra una clara intertextualidad con la obra “Seis personajes en busca de un autor” de Luigi Pirandello, estrenada en 1921 y que sí constituyó una novedad para la época, ya que presentaba procedimientos que, en el teatro moderno, no se desarrollaron completamente hasta la década del ‘60.

Hoy en día, en la vasta oferta teatral porteña, creo que es importante poner en escena obras que generen algún tipo de vínculo con el público y tengan relevancia en cuanto a la historia, cosa que cuesta encontrar en producciones de este tipo u otras como, por ejemplo, “Escenas de la vida conyugal” de Ingmar Bergman, estrenada en 1973.

Lo más destacable son las actuaciones, todas muy parejas y excelentes caracterizaciones, de estilo realista. Agustín Alezzo es un director con gran prestigio como maestro de actores y en esta pieza se puede observar que claramente el foco está puesto en su métier, la cual aplaudimos.

Funciones: de jueves a domingos, 20:30 hs. 
Última función: 25 de noviembre
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal.
Entradas: Pullman $200-, Platea $250-. Día popular (jueves).

Ficha técnica:
Elenco:
Carlos Kaspar –  El Señor
Claudio Amato – Charlie
Alejandro Fain – Frank
Sol Fassi – Tina
Bernardo Forteza – Padre Tom
Stefania Koessl – Anna
Lorena Saizar – Helen
Federico Tombetti – Sean
Magela Zanotta – Myriam

Equipo Creativo:
Dirección: Agustín Alezzo
Asistente de Dirección: Edgardo Millán
Escenografía: Marta Albertinazzi 
Adaptación Escenográfica: Jorge Ferrari
Asistente de Escenografía: Luciana Uzal 
Diseño de Vestuario: Analía Morales
Iluminación: Chango Monti
Asistente de Iluminación: Magdalena Berretta Miguez
Música: Grupo The Oxers + The Border Reivers
Productor Ejecutivo: Ezequiel Procopio
Traducción de Texto: Marina Durañona
Producción Artística: Sebas Rojas

Sol Grünschläger

AYÚDAME A MIRAR EL MAR

A principios del siglo XX, el flujo inmigratorio trajo a Antonio, desde la hermosa Italia entonces hambreada, dejando a María, su prometida, en su país. Ya en un tiempo contemporáneo al nuestro, Roni se marcha a vivir su aventura europea y en uno de sus tantos trabajos, conoce a Evangelina, una cantante italiana. Primero se hacen amigos, hasta que sin darse cuenta, un sentimiento más profundo los desborda.

El Puente Azul es una historia de distancias, de melancolía, de amores y soledad, de encuentros y alegrías, de individuos en búsqueda de un futuro soñado, arrastrados por un espíritu de aventura ó por una ilusión.
También narra la dureza de la vida del inmigrante a principios de siglo XX: jornadas de trabajo agotadoras, conventillos donde vivían hacinados, paga magra… y la distancia. Semanas, meses, para recibir una misiva de sus seres queridos. También cuenta los días azarosos, de descubrimiento y sorpresa de un argentino de este tiempo por Europa, en una suerte de viaje iniciático. Y el encuentro en Francia, de una mujer audaz como él, también inmigrante.

Con formato de epistolario (no importa si son cartas, whatsapps, mensajes de texto, facebook, etc) la historia permite un viaje temporal y acortar las distancias, cruzar el puente azul del inmensurable mar.
Antonio y María, Roni y Evangelina, tendrán encuentros, desencuentros, palabras como caricias, pensamientos como flores, se tendrán a sí mismos para ofrendarse al otro.

Pocos elementos de vestuario son suficientes para que los personajes muten: un pañuelo, una campera, un prendedor, una gorra, un chaleco… y las canciones. El Puente Azul es un bello pretexto para escuchar hermosas palabras de amor,
canciones que expresan sentimientos encontrados, un decir evocador.

Las actuaciones de Dolores Ocampo y Mariano Mazzei son simplemente
cautivantes, transportan al espectador por diferentes estados con maestría. Un violín y un piano, más una escenografía despojada sirven para mostrar un mundo con todos sus matices. La música en vivo interpretada por Nicolás Reboredo (violín) y Fernando Abinarrate (piano) es de tal impronta, que impone el ritmo del espectáculo.

La dirección de Emiliano Dionisi es precisa y sugerente. Es claro que maneja a la perfección los recursos adecuados para construir un espectáculo de calidad.

Estreno: sábado 23 de septiembre, 20:00 h.
Funciones: sábados, 20:00 h.
Función en el marco de la Bienal de Arte Joven: sábado 30 de septiembre, 20:00 h. (entrada libre y gratuita)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)
Informes: 4524-7997. Boleterías, de lunes a viernes de 11 a 21 h.
Entradas: $200-.
Duración: 65 min.

Ficha técnica:
Texto y música: Fernando Albinarrate
Idea original: Mariano Mazzei
Intérpretes: Dolores Ocampo /Mariano Mazzei
Piano: Fernando Albinarrate
Violín: Nicolas Reboredo
Diseño de vestuario: Marisol Castañeda
Diseño de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Diseño Coreográfico: Alejandro Ibarra
Diseño de Iluminación: Claudio del Bianco
Asistente de iluminación: Martin Fernández Paponi
Entrenamiento vocal: Anahí Scharovsky
Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra
Producción general: Compañía Criolla
Fotografía: Lau Castro
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Director asistente: Juan José Barocelli
Dirección general: Emiliano Dionisi

A. R. Belano