El musical es un género que particularmente me gusta, uno de los motivos puede ser que este tipo de obras han sido los primeros espectaculos que he visto en teatro, y ha logrado cautivarme. Los musicales que se realizan en Buenos Aires son realmente cautivadores, sumando a esto a los artistas que forman parte de ellos.  La Desgracia es una obra tan entretenida como delirante, contando con caras ya conocidas en este ambiente, además que de por sí muy talentosas.Esta es una de las piezas musicales imperdibles de este año y se la puede disfrutar los lunes en el Galpón de Gevara.

Una terrible en enfermedad mortal llega al pueblo de Terranova sembrando el pánico en todos sus habitantes. El único doctor del pueblo trabaja arduamente junto a su enfermera Nora para encontrar la solución.  

La intendente Leonor pone el grito en el cielo al enterarse de que su hija Anita está infectada. Nada parece poder empeorar la situación hasta que, inesperadamente, el doctor es asesinado en su consultorio. 

A través de los testimonios de las tres principales sospechosas haremos un viaje en el tiempo para saber quién y por qué mató al doctor en medio de tan delicadas circunstancias.

En el pueblo de Terranova, una enfermedad asusta a toda la comunidad, causándole la denominada «Desgracia»  aquellos que se encuentran infectados. Resulta que dicha infección es transmitida por la vía sexual, y nada menos que la hija de la intendenta de la localidad ha sido una de las desgraciadas. Un médico, junto a su peculiar asistente y enfermera, se dedican a tratar a esta chica con el fin de curar esta enfermedad. La gran desgracia es que este doctor ha sido asesinado, así que la obra hace cuenta atrás para que el público se entere lo que realmente ha sucedido.

Si bien el argumento es simple,  es la forma en la que está planteada la que resulta imteresante. La desgracia no es una sola, sino que es el conjunto de los males que atraviesan a todos los personajes, desde los problemas más serios a los más bizarros.  La puesta no tiene un protagonista único,  la mayoría de los personajes tienen su momento para contar su historia, aunque cambie radicalmente el camino que recorre la obra. Es así como en un principio vemos como esa chica enferma pasa por el trauma de estar muriéndose,  pero aún así sim arrepentirse de haberse entregado al amor y el placer, aunque tenga consecuencias. Luego nos topamos con la historia de una enfermera ( con la particularidad de ser interpretada por el actor Mariano Condolucci) quién se siente apasionadamente atraida por el doctor del pueblo, que luego es asesinado, pero que antes deja muchos motivos para levantar sospechas de la gente que ha estado a su alrededor.  Al final se convierte en un absurdo que engloba de la mejor manera lo anteriormente sucedido, aunque no entendamos el porqué del homicidio o de la reacción de la gente ante los hechos.  Su desenlace es alocado y muy divertido , y sobre todo, musical.

Si hablamos de las actuaciones, estamos ante esas joyitas que derrochan talento desde lo artístico,  siendo uno de los puntos más fuertes de la obra.  Así podemos destacar a Mariano Condoluci en el rol de la enfermera, extremadamente histriónica y que sirve como enlace para mostrar el resto de la historias. Belén Ucar compone a un personaje simpático y rebelde, aquella chica que ha sufrido la desgracia y no le queda otra más que encontrarle un sentido a lo que resta de su vida. Otra sorpresa ha sido Andrea Lovera, en un principio pareciera que se trataba de un personaje de relleno, interpretando a la autoridad del pueblo, si bien en un principios no tiene tanta interacción en el relato, pero como había comentado antes, esta cambia radicalmete cambiando los protagonismos de la historia. Así,  nos encontramos con alguno de los momentos musicales más delirantes de la puesta, provocando risas aseguradas al público. El resto del elenco está más que correcto, todo al parecer se encuentra perfectamente pensado y coroeografiado , destacándose todo el trabajo artístico en su conjunto.

El galpón de guevara es un teatro que brinda un gran espacio para este tipo de producciones, La desgracia es un musical con todas las letras y aprovecha este lugar para desplegarse con soltura y brillantez. La recreación de los escenarios son notables, al igual que el uso de los vestuarios, en una combinación de un ambiente pueblerino con algunos toques modernos.

La desgracia es un excelente musical argentino , que reúne a los mejores talentos de este aclamado género.  Se trata de una obra cómica,  bizarra y sobre todo musical. Imperdible para los amantes , que no son pocos, de la comedia musical y muy recomendable para aquellos que quieren divertirse y disfrutar de muy buen teatro.

Libro y Letras: Juan Martín Delgado

Música original: Francisco Martínez Castro

Elenco: Andrea Lovera – Mariano Condoluci – Patricio Witis – Belén Ucar – Micaela Romano – Nahuel Adhami – Sol Bardi – Lucas Noacco – Chechu Vargas – Antonella Fittipaldi – Federico Stegmayer – Evelyn Basile.

Músicos: Francisco Martínez Castro (Piano) – Rodrigo Martínez Castro (Flauta/Guitarra acústica) – Nicolás Roldán (Batería) – Leandro Biera (Bajo) – Tomás Martin (Chelo) – Andrés Liendro (Violín) – Luis Aragona (Guitarra).

Dirección Vocal: Vicky Loescher

Coreografía: Juan Martín Delgado

Produccion Ejecutiva: Enrique Jáuregui

Asistencia en dirección: Evangelina Romero

Asistencia en coreografía: Maia Delgado

Dance Captain: Sol Bardi

Vestuario: Marisol Castañeda

Escenografía: Magalí Acha

Prensa: Bmz comunicaciones 

Maquillaje/Peinado: Adrián Llamosas

Diseño de sonido: Benjamin Engraff

Diseño de luces: Silvia Otero y Leandro Fretes

Diseño gráfico: Andrea Rodríguez Montelongo

Fotografía: Nacho Lunadei

Dirección Musical: Francisco Martínez Castro

Dirección General: Juan Martín Delgado

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“No me gustan esos musicales en los cuales cantan hasta cuando van al baño”, es un típico comentario de algunas personas sobre este tipo de espectáculos, pero la adaptación argentina del musical de Julia Jordan “Murder Ballad” en el Maipo Kabaret va a ser la excepción.

Sara, tras finalizar un apasionado pero tormentoso idilio con Tom, se cruza en el camino con Michael con quien inicia una relación calmada y estable y forma una familia. Años después Tom vuelve a aparecer en la vida de Sara y no podrá resistir la tentación de revivir la obsesiva relación que mantenían. La historia es contada por una narradora que pone de relieve el poder del amor, la pasión, la traición y la obsesión.

A través de canciones en todo momento, conoceremos la historia de Sara, quien de joven tuvo un gran amor con Tom, un chico que trabajaba en un bar en Nueva York, pero luego, la llama se apagó. Al pasar un tiempo la ilusión regresa con Michael, con quien encontrará otra vez el amor y una nueva vida como esposa y madre. Después de cierta estabilidad, Sara extrañará su vieja vida cuando se cruza nuevamente con Tom. Toda esta historia con su desenlace será contada por una narradora que merodea misteriosamente todo el tiempo.

A pesar de ser un musical en toda su extensión, no sentirás ningún ritmo repetido, ni una canción una y otra vez como disco rayado, al contrario, cada nota, cada melodía, te mantendrá al tanto de la historia y no querrás perderla en ningún momento.

Hay que aplaudir el talento de sus actores por cómo a través del canto construyen las voces de los personajes,  y definitivamente Florencia Otero, Germán Tripa Tripel, Patricio Arellano y Sofía Ragnone, fueron correctamente escogidos para el elenco. La dirección musical está muy bien trabajada, al igual que el entrenamiento vocal de los actores, y esa combinación hará que se te  pongan  los pelos de punta de tanto talento.  

En definitiva, por encima de la estética y puesta en escena están las potentes melodías  y voces que cuentan la historia de Sara y será muy difícil que no la quieras escuchar todos los miércoles a las 21:00 Hrs en Maipo Kabaret.

Ficha Técnica

Escrita por Julia Jordan

Música y letra: Juliana Nash

Adaptación: Marcelo Kotliar

Vestuario: Alejandra Robotti

Escenografía: Santiago «Tato» Fernández

Asistencia de dirección: Teresita Biafore

Dirección musical: Hernán Matorra

Dirección General: Juan Alvarez Prado

Producción ejecutiva: Juan Pablo Martínez – María Eugenia Martínez

Elenco: Florencia Otero, German Tripa Tripel, Patricio Arellano y Sofía Rangone

https://www.plateanet.com/Obras/murder-ballad

Ariana Marín

Horas de preparación en la cocina, esfuerzos desmedidos e invitados insoportables… Cualquier fiesta sorpresa falla si el agasajado no se presenta.

Ella y los amigos de su marido se confrontan en un cumpleaños sorpresa. La mujer, Andrea, lucha por complacerlos a ellos, un grupo de amigos machista y arrogante. Suponiendo, erróneamente, que eso la va a ayudar a reparar su crisis de pareja.
La Culpa de nada es una comedia dramática acerca de la crisis del lugar del hombre y la mujer en nuestra sociedad.
¿Cuánto esfuerzo podemos hacer para sostener aquello que elegimos?

Victoria Hladilo nos ofrece una comedia dramática en la que un grupo de amigos y la esposa del cumpleañero esperan a que llegue para festejar su día. A medida que transcurre la noche, los incidentes no se hacen esperar. Los códigos entre amigos se quiebran y la hipocresía sale a flote. La falta de diálogo y las malas decisiones hacen que peligren las relaciones de pareja.

La excelente caracterización de los personajes hace que sea fácil comprender los distintos puntos de vista que se sostienen, e invita al diálogo en el interior de una pareja sobre las expectativas que cada uno tiene con respecto a la relación y a la vida compartida.

El guión genera múltiples hipótesis en el espectador, causa gracia y sorprende constantemente. Si bien la temática no convoca a menos que sea una situación que uno atraviesa en lo personal, la trama resulta interesante: cautiva al espectador. Como los muebles vintage que tiene la escena, el debate acerca los roles que ocupan la mujer y el hombre en una pareja siguen teniendo actualidad aún hoy, en pleno 2017.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Victoria Hladilo

Actúan: Julián Doregger, Mariano Farrán, Victoria Hladilo, Sabrina Lara, Julieta Petruchi, Manuel Vignau

Vestuario: Laura Staffolani

Diseño de escenografía: Magali Acha

Diseño de luces: Magali Acha, Esteban Perroud

Diseño sonoro: Damián Turkieth

Realización de escenografia: Manuel Escudero

Música original: Gabriel Chwojnik

Fotografía: Luis Abadi

Diseño gráfico: Trineo

Asistencia técnica: Javier Baez, Lucas Imai

Asistencia de dirección: Mercedes Quinteros

Prensa: Simkin & Franco

Producción ejecutiva: German Garcia, Luciana Sanz

Coreografía: Margarita Molfino

Dirección: Victoria Hladilo

Funciones

El camarín de las musas: Mario Bravo 960
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Entrada: $ 250,00 – Viernes – 21:00 hs

Lara Salinas

Lobería es una ciudad de Buenos Aires, a unos 450 km de la capital. Allí
sucedieron los acontecimientos, los cuales la obra toma como disparador. Pero Lobería puede ser cualquier lugar del suburbano, o de la periferia capitalina, de ciertas zonas del país o … algún lugar en el profundo interior de nosotros.

Lobería alude a una entidad con connotaciones salvajes, ululante de sentidos, estados de nocturnidad incontrolada, un bañado espectral inmerso en luz lunar y aullidos… Algo de ese bestiario relata la obra de Pablo Cernadas. Soledad y su hija Nancy, esperan a Pastor, marido de una y padre de la otra, a que salga de prisión, lugar que ocupa en lugar de Momo, su socio delincuente. A Pastor le tocó perder y de alguna manera, cierto código delictivo, él lo acepta.
Momo, narco barrial, se encarga de la protección de su familia. Pero Momo
protege y también abusa, es tan generoso como brutal manipulador. Soledad intuye (o sabe) el tipo de relación que el delincuente propone a Nancy, su hija con retraso madurativo. Todos son de avería, Soledad lo es, pero Nancy es un ser inocente en el más amplio sentido de la palabra. Pero Soledad protege la inocencia de su hija o hay algo más ancestral en juego? El caso es que le pide a Pastor que mate a Momo y tome su lugar, como antes. En tanto Rulo, recogida de pequeña en las calles por Momo, e instigada a ser policía para su posterior utilización, es parte del asunto de ese mundillo delincuencial.
La obra tiene hallazgos, como la escena del sueño de Pastor, que alude a
inquietudes y dudas del personaje, que los actores resuelven con creatividad y
desenfado. También la introducción, con Soledad/Lobo en la pantalla, preludia e interroga sobre lo que vendrá.
Con buenas actuaciones, Elvira del Pilar (como Nancy) y Micaela Moyano (como
Rulo), sobresalen por el eficiente dibujo de sus personajes.
La iluminación utilizada con un criterio de puntuación escénica, realza el relato.
Tal vez, algunos ajustes en ciertos monólogos (con menos funcionalidad y un pathos más sutil) y el final (hay un dispositivo que produce una tautología
innecesaria. Y es de reflexionar si suma que canten), servirían a una mejor
narrativa del espectáculo.

Inreresante propuesta teatral

Estreno: viernes 25 de agosto, 23:15 hs.
Funciones: viernes, 23:15 hs.
Lugar: Espacio Del Borde (Chile 630. San Telmo)
Entrada: General $200-. Descuento a estudiantes y jubilados, $150-.
Reservas: 4300 6021

FB: Lobería Obra de teatro
Instagram: @loberiateatro
Twitter: @TeatroLoberia
Web: https://www.hacemosteatro.com/loberiateatro
 
Ficha artística y técnica:
Elenco: (por orden de aparición Grupo Teatral Lado B).
Tamara Mesri, Elvira del Pilar, Pablo Cernadas, Micaela Moyano, Fernando Iglesias.
Puesta en escena y movimiento: Carlota Berzal
Realización gráfica y video: Federico Tarántola
Vestuario: Lara J. Cendoya Yussem
Música: Diego Chicou
Foto: Mariana Bellone
Máscaras y objetos: Valeria Dalmon
Asistencia de dirección: Elvira del Pilar
Prensa: Octavia comunicación 
Libro, dirección y producción general: Pablo Cernadas

A. R Belano

Si tienes hermanos sabes lo cercano que pueden ser, pero al final, como son humanos como todos, y como todo humano tiene su vida, con un tiempo de separación, o a veces no tanta, pueden convertirse en completos extraños. Algo parecido pasa en la casa de la mamá de los hermanos Susana, Ana, Claudia y Sergio.

Luego de muchos años sin saber uno del otro los hermanos se reúnen otra vez en la casa de crianza, donde en una noche todos esos años que fueron huecos se llenaran de secretos y confesiones que se guardaron por tanto tiempo.

Durante toda la noche no hay ni un momento de descanso, tú como espectador sabes que aun faltan muchas cosas por decir entre ellos, se nota en sus cuerpos, se nota desde las palabras que parecen que tienen puntos suspensivos donde si despejas la mirada y regresas puede que te hayas perdido todo.

Debo aplaudir a Gota (Gonzalo de Otaola), director y dramaturgo de la pieza, por su primera obra. Desde las palabras se ve el trabajo de los personajes, cada voz está tan clara que es imposible confundirlos así sea con los ojos cerrados. Y conociendo tanto los personajes desde la dramaturgia no es raro que el escritor haya decidido también dirigir su primera pieza para terminar de moldearla.

La dinámica grupal que Gota logró hacer se nota a leguas. Cada uno de los actores mantienen su tensión, su secreto, su confesión, no sólo en su cabeza como texto, pero también en su cuerpo como una verdad que no es necesario que estén parados en el reflector central para ver qué les pasa por todo su ser.

Definitivamente todo el elenco de esta obra desde Gota hasta el iluminador tocaron un techo que estoy segura que pueden pasar y estaría agradecida de ver cómo llegan más alto.

Bravo.

Ficha técnica

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces:Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Espacio Callejón Humahuaca 3759 C.A.B.A.

Funciones: VIERNES 20:00 hs.

Entrada General $200.- / Descuentos  Est. Jub. $160.-

RESERVAS: Alternativa Teatral

Facebook: https://www.facebook.com/fugadeagua/

Ariana Marín

“La música del viento” encierra una original comedia romántica con tintes dramáticos, donde se experimentan sensaciones como el amor, odio, egoísmo, envidia, drama y sobre todo que invita a reflexionar sobre la confianza intrapersonal, y derribar los prejuicios en materia del amor.

Julia es una joven investigadora científica dedicada al trabajo académico. Para acceder a su doctorado realiza su primera salida de campo para recolectar muestras de suelo en un lugar del desierto de Atacama, en la puna jujeña. La acompaña Pedro, un joven vaqueano conocedor del mundo natural, quien será su guía y protección durante el tiempo que lleve la travesía. Los desencuentros entre dos culturas, dos formas opuestas de ver el mundo, los llevan a vivir una situación límite donde el mayor conflicto se manifiesta con el ambiente y donde el amor nace de la diversidad.

Cuando se observan obras de esta calidad, se hace evidente la sensibilidad de la directora, que puede llegar a lugares dentro de uno que solo un ser con esa capacidad puede lograr.

La dirección y el libro están a cargo de Merceditas Elordi, quien pudo haber caído en la clásica historia de “La Bella y la Bestia”, pero decidió darle unos giros interesantes con ribetes contemporáneos que mantienen expectante al público hasta el final.
Sin embargo, el punto más importante a resaltar en su trabajo es que, dentro de una producción donde hay dos actores en escena durante la totalidad del espectáculo, éste nunca pierde su atractivo, ni aburre a quien lo observa.
La aparición de los personajes desde que la gente ingresa a la sala, es tomado por el público como una propuesta interesante, que ya comienza a analizarlos desde el vamos.

Uno de los puntos altos del espectáculo es la labor de Edgardo Aguilar que, a través de una precisa puesta luces y también escenográfica en cuanto al aprovechamiento del espacio, genera una estética de aislamiento propia del desierto de Atacama. Para lograr ello, utiliza una gama de colores que van desde un frío celeste, hasta un cálido colorado, digno del infierno. Este complemento de iluminación dinámica y escenografía estática logra crear una realidad e introducir al espectador en ella.

Es altamente valorable la química que existe entre los protagonistas.

El personaje de Julia, representado por Sofía González, atraviesa un interesante recorrido interpretativo. En un principio, se muestra como una porteña “de edificio” que sólo piensa en su tesis y no tiene interés alguno por conectarse con la naturaleza, ni con su compañero, Pedro, a quien trata como un subordinado. Con el correr de la obra, Julia comienza a mostrar su lado más natural, saliendo completamente del molde anterior e ingresando en una etapa más sincera y humana. Es aquí donde se alcanza a comprender la estupenda calidad actoral de Sofía, quien interpreta sostenidamente dos facetas, y ambas resultan convincentes. Incluso también hay tiempo para sacarle sonrisas al público con sus saludos a la Pachamama.

El otro protagonista, Pedro (Patricio Paz), ya se gana la simpatía del público desde su primera línea. Conducido por un acento norteño que resulta amigable, logra un buen contrapunto con la irritable actitud Julia, en la primera parte de la obra. Así como su compañera, Pedro también comienza a desdoblarse y dejar de lado esos modismos antiguos de hombre cerrado de campo, y mostrar sus emociones, las cuales son interpretadas con una espontaneidad digna de un actor de su calaña.

Aquí es donde ocurre esa magia teatral, en donde el espectador siente la necesidad de un final feliz en esta historia de amor.
Una obra que está en cartel todos los sábados  a las 20 horas, en el teatro Patio de Actores, Lerma 568. C.A.B.A., Argentina.

FICHA TÉCNICA

Autora y directora: Merceditas Elordi.
Intérpretes: Sofía González y Patricio Paz.
Asistencia de dirección: Lucía Cibini.
Diseño de Iluminación y puesta de luces: Edgardo Aguilar.
Diseño y realización de escenografía: Edgardo Aguilar.
Diseño de vestuario: Edgardo Aguilar.
Arte gráfica: Paula Carranza.
Ilustración: Edgardo Aguilar.
Fotografía: Cristian Holzmann.

Nicolás Rodríguez Camino

Hubo un movimiento que irrumpió en EE.UU. a fines de los ´40 y que entre sus
influencias tenía el nihilismo, la absoluta falta de fe en el ideario político de cualquier tipo y color, los mandatos culturales establecidos. Ese movimiento
contracultural se denomide “Generación Beat”, y se los llamó “beatnicks”de quienes lo integraban, como una forma despectiva de señalarlos.

Sus principales y originales cultores: Jack Kerouac, William Burroughs, Allen
Ginsberg, Lucien Carr, David Kammerer, partiendo de la literatura, y más específicamente de la poesía, abrevaban en el uso de alucinógenos. con la justificación de expansión creativa, escritura automática, una liberalidad sexual explícita, alcohol, mucho alcohol, una mirada desdeñosa del “american way of life”, una apatía lúdica, juguetona hasta el límite de la violencia y todo, todo con la música de jazz como leitmotiv de sus postulados.
“En el camino”, de Kerouac, “El almuerzo desnudo”, de Burroughs (ambas adaptadas al cine por Walter Salles y David Cronenberg, respectivamente), “Aullido”, de Ginsberg, son algunas de las producciones del movimiento.
Se puede especular que la Generación Beat, golpeando las puertas del cielo de
una cultura americana, centrada en el concepto de propiedad y bienes de
consumo, será la vanguardia del hippismo, de la cultura rock y del replanteo de valores que los vientos de la Segunda Guerra, mostró como endebles para construir el supuesto mundo ideal.
La puesta en escena de Osvaldo Laport, basada en el texto de Francisco
Scarponi, se plantea como una serie de estampas, misceláneas de ese grupo de
amigos, decadentes y sofisticados, tan ilustrados como soeces, que comparten
ideas en común y una mirada peculiar sobre la vida.

El elenco trabaja con corrección. A tener en cuenta son algunos de los monólogos de los personajes: muestran los estados del inconsciente, sus debilidades, sus fortalezas. El de la actriz, Florencia Prada, que interpreta a Joan Vollmer, es potente y clarificador de las fisuras del movimiento.
La escenografía grafica la bohemia y leve sordidez que propone la estética
asumida, casi siempre envuelta en la bruma del humo de cigarrillos, que adjudica un dato que caracteriza a los personajes y alude a una metáfora de los sucesos: siendo escritores, ¿Qué es realidad? ¿Cuánto hay de ficción?
La dirección de Osvaldo Laport es criteriosa y resolutiva, para dar cuenta de la historia de este grupo de disconformes beatnicks.

A. R. Belano

El término «Bullying» es un concepto reciente que se asocia a un tipo de abuso del que hace mucho tiempo sucede. En la actualidad se ha tomado mucha conciencia sobre esta problemática que debe tenerse en cuenta en todo tipo de ambiente, siendo el escolar, uno de los lugares más predominantes que ataca a muchos niños en sentimiento de vulnerabilidad. El pequeño poni habla sobre el mismo bullying desde la mirada de unos padres que deben vivir en carne propia el sufrimiento de su hijo ¿Es posible proteger a los que más amamos aún cuando somos parte de ese problema?.

Una obra sobre el acoso escolar, esa dolorosa realidad en la que viven atrapados cada vez más niños y niñas de todo el mundo; una reflexión acerca de la libertad, el miedo y el instinto de protección; un retrato de la ceguera, la ineptitud y los prejuicios sociales de los adultos.

Alejandro Awada y Melina Petriella interpretan a dos padres que reciben la noticia de que su hijo de diez años es víctima de abuso en la escuela, este suceso aparentemente se debe a que el niño asiste al colegio todos los días con una mochila de la famosa serie My Little Pony. Un objeto tan simple resulta motivo de burlas de todo el ambiente escolar y sus padres se encuentran en la obligación de hacer algo para solucionar ello, el problema es que en la pareja no hay acuerdo mutuo en la forma que deben actuar por el bien del chico. A medida que la obra y las dificultades del escolar avanzan , surge el dilema en que si el problema es la víctima o el victimario. Si para estar bien hay que seguir la corriente de la mayoría o realmente las minorías tienen un motivo para merecer el maltrato que reciben, y son ellos los que deben cambiar de actitud. La importancia del relato recae en el peso que tienen los padres en cuanto al bienestar de sus hijos, es la toma de decisiones un elemento vital que puede ayudar a corregir el problema o ser parte de el. Su argumento se encuentra muy bien planteado, mientras que la referencia a la serie infantil se utiliza como un símbolo para conectar una historia que trata de la unión y la amistad con su contracara en nuestra realidad.

El peso de la obra también recae en las actuaciones de Awada y Petriella, ellos son solo una parte de la problemática que va mas allá de lo que pueden pensar o sentir. El público ve la historia desde el reflejo que aporta la mirada de estos personajes, el niño, la escuela y todo el entorno están presentes pero a través de ellos. Entre estas dos personas existe una competencia sobre la razón y cuál es el pensamiento correcto, las discusiones cobran el sentido de que ambos tienen sus argumentos para defender aunque el otro no esté de acuerdo y que además, sea perjudicial en cuanto al bienestar de su hijo. El vaivén de emociones hace que ellos logren bajar a tierra y reflexionar sobre lo que han hecho realmente mal y que para poder seguir adelante deben unirse. El trabajo actoral esta perfectamente marcado en esta cuestiones y se obtiene lo que buscaba ser.

La dirección está a cargo de Nelson Valente (Reconocido por la exitosa obra El loco y la camisa), su intención es destacar la puesta a través de sus actores, con una simple escenografía logra contar más de lo que puede verse. Un recurso escenográfico destacable ha sido el uso de un cuadro del niño, que en los cambios de escena , su rostro se transforma reflejando también el estado emocional general a medida que la obra avanza. Esto permite que los actores y el público puedan identificar los cambios de tiempo y espacio, mientras se reflexiona sobre los actos ocurrido anteriormente.

El pequeño poni es una interesante propuesta que nos permite reflexionar sobre este tipo de abuso pero desde otra mirada, la de los adultos que son responsables, ya que sus decisiones son vitales para poder afrontar esta problemática como debe ser. Con las destacadas actuaciones de Melina Petriella y Alejandro Awada estamos ante un polémico drama, que invita al espectador a disfrutar de buen teatro, con la posibilidad de pensar un poco mas sobre un tema que nos afecta como sociedad desde siempre y que resulta necesario tomar conciencia de ello.

Melina Petriella – Alejandro Awada

AUTOR: Paco Bezerra
ADAPTACIÓN: Ignacio Gómez Bustamante
DIRECCIÓN: Nelson Valente

DIRECTORA ASISTENTE: Nayla Pose
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VIDEO: Maxi Vecco
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Marcelo Cuervo
DISEÑO DE VESTUARIO: Daniela Dearti
OPERADOR DE VIDEO: Mariano Luna
DISEÑO GRÁFICO: Diego Heras
FOTOS: Alejandra López
PRENSA: SMW
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Luciano Greco
COORDINACIÓN TÉCNICA: Alberto López
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: Romina Chepe

Funciones: Sábados 22.15 hs, Domingos 18 hs

Entradas: $ 450. En boletería del teatro o por www.plateanet.com

Daniel Alvarez

El Mar de Noche es un grito ahogado. El desamor diseccionado. La soledad escandalosa con la que se topa un hombre lejos. La espera y su agonía. Los intentos antes de hundirse. El silencio que retumba después de cada palabra. No poder nombrar, porque lo que queda cuando el amor se ha retirado es un campo arrasado, escombros, la nada, un hueco.

Un hombre sentado en un sillón, a medio vestir, en un cuarto de hotel ubicado en alguna playa, allí recibe el sonido del mar rompiendo sus olas. Se percibe una desolación, un malestar, algo pasa aunque no sepamos qué. Busca una crema para curar una mancha en su cuerpo, pero al no encontrarla se pone nervioso y el relato se va transformando en algo más profundo, en una historia de amor, de desconsuelo. No diferencia el miedo de la angustia, pero sabe que el miedo se va y la angustia permanece. Espera a alguien, a un joven que lo ha dejado, y a pesar de la tristeza lo seguirá esperando hasta apagarse.

El relato contado con una voz que siente cada palabra que dice y la sutileza en los gestos va dibujando la muerte lenta del personaje. No hay ira, no hay odio, no hay culpa, no hay gritos, ni resentimientos, sólo unas lágrimas atravesadas por el agotamiento y dolor de una persona que es un desecho de lo que era, un hombre marcado por el desamor que necesita dejar de sentir tanta angustia, un cuerpo dejado en la agonía esperando la muerte.

Loza ha confesado que comenzó este trabajo con dos materiales como punto de partida: De Profundis, de Oscar Wilde, y Muerte en Venecia, de Thomas Mann. Y la idea de lo que puede provocar la falta de amor. El material fue escrito en distintas etapas. El texto le llegó luego a Cacace.

En la sala Apacheta, logran demostrar que menos es más, con la luz del ventanal que da a la calle, sentado en ese sillón, con una hermosa e incómoda intimidad, Machin se luce en una actuación majestuosa y logra sumergirnos en una pieza de amor desgarradora, no necesita nada más para contarnos ese fracaso amoroso, el cuál sacude al espectador con ese texto tan poéticamente desolador. Una obra que conmueve, que toca distintos aspectos que todos alguna vez hemos travesado, dedicada a solitarios, a quién alguna vez fue abandonado, insomne y sobreviviente del desamor.

Autor: Santiago Loza

Dirección: Guillermo Cacace

Actuación: Luis Machín

Diseño de vestuario: Magda Banach

Diseño de iluminación: David Seldes

Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowski

Diseño sonoro: Patricia Casares

Diseño gráfico: Leandro Ibarra

Fotografía: Alejandra López

Prensa: Duche&Zárate

Asistencia de dirección: Gastón Re

Producción comercial: Marcelo Riva

Dirección de producción: Romina Chepe

2 Funciones: Viernes a las 23 hs. y domingos a las 18 hs.

Entradas: $ 310.- Jubilados y estudiantes: $ 250.- / Reservas por Alternativa Teatral

Apacheta Sala Estudio – Pasco 623 – CABA / 4943-7900

Julieta Ale