La caricia del quién no se va

Todos hemos perdido a alguien, ese vacío que deja la partida física de que se va es irreparable, sentimos que nos falta y que por más que hagamos, no podremos tener a ese ser querido de vuelta con nosotros. Pero a veces en sueños o en alguna presencia espiritual, se nos aparece y nos da una caricia aquel que extrañamos.

Diego Licht escribe una tierna comedia musical cuya premisa es la siguiente: «Ariel visita a su abuela por última vez.
Pero lejos de encontrarse con la tristeza de una despedida, reviven juntos su historia,
las canciones que acompañaron sus vidas y comparten una sorpresa muy especial»

Junto a Irene Almus y el propio Diego Licht llega La Bobe, una obra de teatro donde los actores entregan todo de si dejando simpatía y conmoción en los actores.
Las risas no van a faltar en esta historia tan familiar y cercana. Mediante recorridos a aquella música de antaño que solíamos escuchar con nuestras abuelas y tías, esos boleros y tangos que al volver a escucharlos se nos mueven todos los recuerdos; se proyecta esta historia.

Bajo la dirección de Gabi Goldberg, los actores estarán en constante movimiento, cantando y recordando, sin mirarse pues uno sabe que el otro está presente. Este recurso tan sencillo pero eficaz, aporta un grado de realismo mágico en la obra, dónde vemos qué tan fuerte son las relaciones familiares, tan fuertes que pueden trascender cualquier plano astral.

La escenografía de Debora Teplitzki y la música en vivo de Esteban Rozenszain hacen de la La Bobe un show único, para ver con la familia o amigos, una historia que trasciende la religión y espiritualidad.

La Bobe es una obra tierna y totalmente cautivadora, Irene Almus está increíble en este papel tan entrañable. Disponible los domingos a las 18 en El Método Kairos (El Salvador 4530) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Eloy Rossen

Otras acepciones del desamor

“Cemento” es un relato epistolar hecho escena, un amor náufrago reunido entre fotos viejas y memorias, una confesión melancólica que se hace vida entre el amante solitario y la audiencia.
Leonel Elizondo interpreta “Cemento”, una de las obras ganadoras del Premio Estímulo a la creación y producción de las Artes Escénicas del Banco Ciudad, en el amplio escenario del Espacio Callejón.

Un recuerdo íntimo sobre dos amantes que se dan el nombre el uno al otro cuando se ven por primera vez y resuelven la muerte de una parte de ellos cuando se separan definitivamente: Cemento y Terry. La puesta, que hace un mero uso de proyecciones y música de una banda en vivo, obliga al protagonista a inundar con su despliegue artístico el vacío infinito que le dejó Cemento, ejecutando ese despliegue de manera orgánica y preciosa. Terry hace de su fallecimiento amoroso, una serie de preguntas resonantes en la audiencia: “¿Cuántas formas tenemos de morir? ¿Puedo morirme en tu boca? ¿Cómo se empezaba otra vez?” En un afán por redefinir el desamor, el texto dramático de Consuelo Iturraspe muestra otros lentes de lo que se entiende por muerte, por abandono y por dolor.

La obra intencionalmente toma una historia no debida para hablar de un común denominador, que se replica sinceramente en el público: un amor entre dos hombres en la década de los ‘80. La patologización de la homosexualidad por la epidemia del VIH, sin desconsiderar el gran avance de las organizaciones de la comunidad LGBT+, caracteriza esos años como un terreno con pocas trincheras para esconderse. El amor entre Terry y Cemento también se ve influenciado por esa amenaza exterior, y las huellas de esa normatividad heterosexual sin dudas son percibidas en el soliloquio del protagonista. Entre silencios opacos y risas cómplices, la actuación de Leonel Elizondo construye la comunicación entre las butacas y la escena como un intercambio de historias en cartas escritas a mano. A partir de esa ternura y genuidad, “Cemento” trabaja el relato desde todos esos restos que abandona el otro y se vuelven un peso mortal en nosotros: fotografías, ropa, videos, anécdotas, momentos.

La puesta se constituye de manera simple y austera, utilizando no más que un sillón de un cuerpo, mientras que la materialidad de la obra se ve protagonizada por la presencia de un proyector y de la banda en vivo. La recreación de estas rememoraciones amorosas se construyen a partir de canciones de la banda que se conjugan con la escena o la intervención de los músicos como intérpretes en la historia, o bien incluso con la luz modificando el tamaño del espacio según el efecto buscado. De igual forma, las preguntas de Terry se proyectan en una extensa tela que separa la escena, haciendo uso de las dudas como vehículo que motoriza el devenir del relato y generando una contraposición con la corporalidad del protagonista que resulta llamativa, pero aún así orgánica. De este modo, el diseño de la puesta connota una plasticidad mixta que se vincula estrechamente con la trama: en la imposibilidad de expresar con un único lenguaje el vacío del desamor, se apelan a todas las formas de comunicación para hablar de eso que no se puede nombrar.

Atravesando los desafíos que implica transicionar de un lenguaje a otro, “Cemento” construye otra definición del dolor en la íntima confesión de un abandonado. Cruda pero encantadora, la obra reflexiona sobre todas las formas de morir en un “adiós” sin morir en el intento.

“Cemento” está todos los viernes a las 20.00hs en el Espacio Callejón. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral. .

Puccini y otros homenajes

El Teatro Colón se vuelve a vestir de gala (como en cada presentación) para homenajear al gran compositor Toscano Giacomo Pucchini (1858- 1924). Junto a la Orquesta Sinfónica Estable y la dirección de Mario Perusso se dió un emotivo concierto donde más que dar honor a Pucchini, hubo momentos totalmente emotivos.

La noche del sábado 14 de mayo a pesar de la fresca noche, los asistentes no faltaron y llenaron todo el anfiteatro del Colón. Una vez todos los espectadores estaban en sus lugares, a las 20 horas se dió entrada a los músicos, seguido de enormes aplausos de bienvenida. Ya en sus respectivas posiciones, el Concertino número uno Freddy Varela Montero comenzó a afinar a la orquesta, luego de eso se le otorgaron flores de bienvenida al gran director Mario Perusso. La entrada de los cantantes liricos fue una total sensación.

Directo desde Eslovenia llega la soprano Rebeka Lokar, su trayectoria es amplia y ha recorrido importante teatros liricos en ciudades como Turín, Nápoles, Valencia, Shangai, Tokio y Zagreb; su entrada supuso el suspiro de los asistentes ya que la cantante radia elegancia y carisma. Este era su debut en el Teatro Colón.

Desde Córdoba llega el orgullo nacional, el tenor Gustavo Porta. Se formó en el Colón y debutó por primera vez en 1996. Su talento y constancia lo hizo interpretar en teatros liricos en las ciudades de Darmstadt, Torino, Berlín, Tokio, Tel Aviv y Beijing.
La química entre ambos cantantes fue estupenda, ambos interpretaban a sus personajes de una manera entregada y conmovedora.

El concierto estuvo dividido en dos partes y cuatro actos en los cuales se interpretaron grandes éxitos de Giacomo Puccini, entre ellos temas como La fanciulla del West, Senza mamma, Madame butterfly y Manon Lescaut. La presencia de los cantantes líricos fue en conjunto pero también tuvieron momentos en solitario donde sus voces se pudieron contemplar mucho más.

Antes de terminar el concierto sucedió el gran momento de la noche, el concertino número uno de la orquesta otorgó una placa de honor a su director Mario Perusso. Los aplausos se replicaron por todo el teatro, también no faltaron las alabanzas a Perusso y los músicos. El músico porteño agradeció el reconocimiento y recordó las palabras que siempre da en los ensayos, habló sobre el amor que hay que poner a cada instrumento y a la orquesta, agradeció a Puccini y mencionó que pronto se cumplen 100 años de su fallecimiento. Los abrazos tampoco faltaron.

El homenaje a Puccini estuvo cargado de emociones y aplausos, una noche donde el Colón se vistió de gala para interpretar al gran compositor toscano, pero también para reconocer el valor de los músicos de la Orquesta Estable y su dirección.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Vassa: La madre patria

El Teatro Regio, parte del Complejo Teatral de Buenos Aires, aloja por fin la pieza de Felicitas Kamien obturada por la crisis sanitaria: una reversión de la obra del dramaturgo ruso Gorki “Vassa Zheleznova”, protagonizada por Tortonese en un grotesco destellante.

Escenario de una Argentina al borde del colapso, la obra remite a una familia de clase alta recluida en una mansión que se extiende hasta por fuera de los límites del proscenio. Un padre postrado que dubita entre la vida y la muerte, tres hijos desagradecidos y corroídos por el dinero, y Vassa, la mujer que pretende contener este circo delirante, son quienes llevan adelante la cómica pieza. La puesta en escena propone un realismo mentiroso que permite que se cuele el absurdo: una camilla en el medio del living, un sistema de alarma de juguete y actuaciones llevadas al límite. Humberto Tortonese retorna al teatro encarnando el grotesco personaje de la madre, de vuelta asombrando al público con esa corporalidad tan suya que parece poder albergar a infinitos seres.

En la reversión de Kamien, la Rusia revolucionaria se ve trocada por una Argentina en pleno estallido social, con crisis financieras y revueltas civiles que rodean la mansión familiar y la acechan. Durante la obra, se filtran espías de ese afuera que dialoga constantemente con el drama familiar interno: cada vez que los personajes salen, se colocan un chaleco antibalas y chequean la cotización del dólar para ir a cambiar, y cada vez que se encuentran dentro, especulan con la venta de bienes personales y la firma de contratos. En un intento por desentenderse del contexto social, las preocupaciones entre los parientes son controladas por el direccionamiento, la cantidad y el movimiento del dinero, muchas veces incluso ignorando el cuerpo del padre sujetado en la cama o la figura silenciosa de la ama de casa que en realidad lo escucha todo. El foco se encuentra puesto, a su vez, en cómo los personajes se intentan controlar unos a otros con el poder de la plata, generando una comedia de enredos entre operaciones ocultas y puñales por la espalda. Como un retrato distorsionado de nuestra sociedad, los personajes van develando sus facetas más intrínsecas en un grotesco puro, soltando las facetas y modales de clase con el suceder de una crisis inevitable, tanto personal como pública. Resulta una apuesta interesante colocar el texto dramático de Gorki en el contexto de una Argentina no tan distante a la que aguarda fuera de la sala teatral, muchas veces reflejando en el público los detalles de esa furia y pasión grotesca que nos desencadena la incertidumbre de un escenario común en constante crisis.

Con intervalos y aportes comiquisimos, Tortonese sabe cómo atrapar a la audiencia en un simple movimiento: ya en la figura de esa mujer fumando al lado de su marido, su presencia se percibe hasta en la última fila. Sin dudas, Tortonese interpreta de una manera contundente y atrapante, trayendo a la vida a una madre controladora y compulsiva que se entiende también como una madre cívica y patria. Vassa es asimismo ese intento avasallante por encontrar estructuras y descansos donde parece no haberlos, de contener a los hijos que parecen fugarse de la nación materna y de proteger a una familia al borde del quiebre. “Vassa” cautiva de una manera cómplice, jugando con los guiños cómicos que el público ya comprende de antemano y haciendo de ese juego un espectáculo. Honesta y grotescamente realista, la obra se inserta en la agenda cultural como un imposible de no ver.

“Vassa” está todos los jueves a las 20.00hs en el Teatro Regio. Podés conseguir tus entradas a través de la página del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Por Sofía Luna Roberts

Una obra cargada de ironía, humor negro y pura teatralidad son algunas de las características más llamativas de “Tarascones”, una pieza teatral escrita por Gonzalo Demaría y dirigida por Ciro Zorzoli. Con interpretaciones estelares que van de la mano de Paola Barrientos, Alejandra Flechner, Eugenia Guerty y Susana Pampín. Éstas mujeres nos invitan a su tradicional tarde de té todos los martes a las 20 hs y los sábados 20:30 hs en el Metropolitan Suran (Av. Corrientes 1343), para descubrir de qué se tratan sus reuniones entre charlas, juegos de cartas y las infaltables masitas dulces.

“Tarascones” nos sumerge en ese living burgués, de la casa de Raquel, con una fuerte presencia de adornos y vestiduras que embellecen el espacio donde Zulma, Martita y Estela se despliegan para ponerse cómodas y disfrutar una merienda con amigas. Pero la rutina de estas señoras paquetas es interrumpida por el suceso inesperado de un crimen, que transformará la reunión en una hoguera donde no dejarán ningún cabo suelto y los trapitos saldrán a la luz del fuego. En esta obra la hipocresía, la impunidad y la monstruosidad no quedarán fuera de la escena, es más, serán pioneras para el desarrollo de un discurso social que resalta la gran capacidad de una clase alta que condena y discrimina para tapar sus propias miserias.

La caracterización detallista de las protagonistas toma gran lugar con respecto a lo visual, ya que están construidas al borde de la caricatura y tanto sus vestimentas como sus gestualidades disponen de una “extrema teatralidad”. Ésta puede verse directamente en sus maquillajes, pelucas, las uñas postizas que utilizan, los modos de circular en el espacio al igual que en los rostros de cada una de las actrices que toman una forma particular para dirigirse tanto a ellas mismas como al público. La escenografía, iluminación y la música son precisos para dar cuenta de ese tono burlón, un híbrido entre lo grotesco, vulgar y refinado, que sobrevuela todo lo material. También el empleo del lenguaje ocupa un lugar importante, debido a que la escritura en verso de Gonzalo Demaría responde a la necesidad de resignificar el discurso de los personajes. Al darle una escritura elaborada, versificada, adquieren automáticamente esas situaciones vulgares que se dan entre esas mujeres una cierta musicalidad propia que es ennoblecido por ese lenguaje minuciosamente trabajado.

El humor es otra característica muy destacada, porque se encuentra presente en toda la pieza teatral complementando esos signos ordinarios y refuerza algunas ideas que tienen que ver más con un comentario social. Es gracias al humor que se permite decir y oír muchas cosas que, de otros modos, resultan muy duras de asumir como propias. El discurso contiene una mezcla entre lo cómico y la fusión de géneros que son claves en el texto, ésto provoca que el conflicto sea algo más “digerible” y divertido al mismo tiempo.

Zorzoli nos trae una comedia y un drama con un contenido de pura reflexión social, política y cultural, ya que éstas mujeres reflejan el imaginario de una clase alta llena de prejuicios e hipocresía. Es un teatro que habla de nosotros pero siempre desde una mirada artística, dando cuenta de ciertos comportamientos que nos definen como seres humanos. “Tarascones” logra un balance perfecto entre lo cómico y lo trágico gracias a la mezcla de un talento actoral y escénico espectacular logrando en el público un extraño sentimiento de empatía, y dejándonos con muchas preguntas acerca de los estereotipos que nos habitan como sociedad.

LLEGA UN NUEVO SHOW OFICIAL DEL ÉXITO DE PEPPA PIG. El 15 de mayo será el estreno de la gira nacional en el Teatro Ópera Orbis en Buenos Aires. El espectáculo «Las aventuras de Peppa Pig» se presentará además en Rosario, Córdoba y Bahía Blanca para luego despedirse en CABA en Vacaciones de Invierno.

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Dirigido por Adrian Di Bastiano y la producción general de Painita Producciones y Alicudi Entertainment, este espectáculo marca el regreso de uno de los personajes favoritos de los niños. Peppa Pig pertenece a la familia de marcas Hasbro eOne.

Sinopsis del show
«Las aventuras de Peppa Pig»
Comienzan las clases y Peppa con sus amigos se reúnen en la escuela con su querida Señorita Gacela. Es un lugar de encuentro divertido donde aprenderán muchas cosas, incluyo yendo de campamento compartiendo y descubriendo lo mágico de la Naturaleza. Lo que más le gusta a Peppa es aprender en compañía de sus amigos, por eso acompaña a Suzy oveja, Pedro Pony, Gerald Jirafa y su pequeño hermano George.
Entre todos nos propondrán una genial tarde de diversión asegurada, con canciones, cuentos y muchísimas sorpresas.


PEPPA PIG es una serie original desarrollada por Hasbro eOne y se emite todos los días por Discovery Kids.
LAS AVENTURAS DE PEPPA PIG
Nuevo show oficial en vivo

15 de mayo ¡Estreno!
Teatro Ópera Orbis Seguros (Av. Corrientes 860 – CABA)
Entradas a la venta por Ticketek y la boletería del teatro

11 y 12 de junio Bahía Blanca – Teatro Plaza
2 y 3 de julio Córdoba – Espacio Quality
9 y 10 de julio Buenos Aires – Teatro Ópera Orbis
13 y 14 de julio Rosario – Teatro Broadway
Vacaciones de Invierno. Del 16 al 31 de julio. Teatro Ópera Orbis

PASE SANITARIO: de acuerdo a lo dispuesto por las autoridades nacionales y provinciales, es requisito que los mayores de 13 años presenten Pase Sanitario válido vigente para poder ingresar al recinto.

La pasión de Clarice Lispector

Clarice Lispector (1920-1977) fue una escritora ucraniana radicada en Brasil, su estilo y escritura formó parte del altar de escritores brasileños y latinoamericanos del siglo XX.
Desde traducciones, cuentos, poesía, ensayos y novelas, la carrera de Lispector fue prolifica, entre sus obras destaco La Pasión según GH (1964) una novela que con pocos recursos supo crear una gran historia.

Marcelo Velasquez es el encargado de adaptar este libro al monólogo que Mercedes Fraile interpreta. La premisa es sencilla pero abre un abanico de reflexiones, descripciones y profundidad: Una mujer de alta clase de Río de Janeiro se da cuenta que su empleada doméstica se fue, en su afán de detallar y organizar decide ir al cuarto de su antigua empleada, al abrirlo nota que una cucaracha sale del Placard, entonces se la come. Si bien esta descripción puede ser repulsiva, la novela y el monólogo son un torbellino lirico. Mereces Fraile interpreta a GH, y lo hace de maravilla, su actuación merecen todos los aplausos. ¡Qué gran trabajo!

La escenografía de Ariel Vaccaro es innovadora y abstracta. Un conjunto de tarimas que en rompecabezas, se mueven y se adaptan. Este monólogo rompe la cuarta pared pero de forma discreta, se conjuga una dosis de humor dentro del texto y Fraile lo hace ameno. El diseño audiovisual de Nico y Victoria Di Cocco mediante un cortometraje que causa suspenso, es impecable.

La pasión según GH es un deleite sin igual, una Mercedes Fraile impecable y un texto que vale la pena leer.

Disponible los domingos a las 17:30 en el portón Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web
Instagram: cachalote94

Las risas están en el protocolo

El subgénero postapocaliptico puede parecer angustiante hoy en día, si bien resurgió luego de los acontecimientos globales que ya conocemos, a veces hay producciones artísticas que sobresalen y dan una mirada refrescante.

«En una ciudad arrasada por una epidemia, nuestros protagonistas se reúnen en uno de los pocos sitios que aún quedan en pie, un exclusivo restaurant-bunker, donde se está permitido acceder al privilegio más escaso y codiciado por la humanidad, el encuentro con el otro. Allí, ellos darán rienda no tan suelta, a sus más mundanos placeres: comer, beber, cantar y bailar. Por supuesto que todo bajo estrictas normativas a cumplir y ante la mirada inquisidora de un implacable camarero». Este el texto de la obra de Martín Henderson, la cual también dirige y actúa.

Dolores Ocampo, Leonardo Saggese y Martin Henderson forman parte del elenco de esta tragicomedia. A estilo de 28 days later versión argentina, esta comedia oscura llega con fuerza y se divide en dos actos muy distintos entre sí. El primero lo cómico e histriónico de la situación protocolar de un curioso restaurante de alta categoría con un solo empleado, acá Matías Henderson brilla con su papel de mozo metiche, estresante y apegado a los protocolos. Dolores Ocampo con su carisma, entrega y dotes vocales nos van a dejar atónitos. El segundo acto llega más hacia el lado del subgénero postapocaliptico, lo cual da un giro de tuerca y va hacia lo macabro, tenso y thriller, pero sin dejar perder la comedia.

La escenografía de Christian Gadea y Martin Henderson es imaginativa, sencilla pero ningún recurso se desaprovecha. La cámara de desinfección está muy bien realizada.El almacén del fin del mundo es una ingeniosa comedia dónde lo absurdo, lo trágico y lo postapocaliptico convergen muy bien. Martin Henderson y Dolores Ocampo están de maravilla.

Disponible los viernes a las 20 horas en el Teatro Extranjero (Valentín Gómez 3378) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

El Centro de Experimentación del Teatro Colón estrena Bosque de Creadoras



Una propuesta que reúne a una generación de compositoras radicales del programa de Música Expandida de la Escuela de Arte y Patrimonio de la Universidad Nacional de San Martín: Victoria Barca, Cecilia De Feo, Maga Clavijo, Ailín Grad, Camila Reboratti y Carola Zelaschi.

El jueves 19, viernes 20 y sábado 21 de mayo a las 20:00 horas, y el domingo 22 de mayo a las 17:00 horas, el Centro de Experimentación del Teatro Colón presenta Bosque de creadoras, una obra performática e instalativa que pondrá en escena a una generación de compositoras radicales, donde cada una propondrá un recorrido físico por postas en la sala, en las que desarrollarán sus universos de instrumentos y obras.



La producción será dirigida por el director de Música Expandida, Escuela de Arte y Patrimonio de la Universidad de San Martín, Sebastián Verea. La escenografía estará a cargo de Noelia González Svoboda, la iluminación es de Sebastián Viola y Luis Casella Horn, y la presentación contará con la interpretación y puesta en escena de obras e instalaciones de las compositoras Victoria Barca, Cecilia De Feo, Maga Clavijo, Ailín Grad, Camila Reboratti y Carola Zelaschi.



Acerca de la residencia

A lo largo de dos semanas de residencia, el Centro de Experimentación del Teatro Colón pone en el centro de la escena a una generación de compositoras radicales del programa de Música Expandida de la Escuela de Arte y Patrimonio de la Universidad Nacional de San Martín. Desde una perspectiva moderna de la composición, la luthería y el pensamiento transdisciplinar, hibridan técnicas y herramientas para presentar seis piezas originales en un recorrido que, sutilmente, las conecta y pone en diálogo.

Acerca de las producciones

Brenda Hillman empieza el poema Sutra de la Teoría de Cuerdas con una declaración sobre los tipos personales que existen en la poesía. El “yo”, escribe, “es una aguja que algunos encuentran útil, aunque el hilo, por supuesto, es una sombra.”

El hilo que teje estas seis obras es precisamente la puesta en sombra del “yo” que atraviesa el tiempo y experimenta el mundo, una duda necesaria sobre la ilusión de ser alguien que está en el centro de la conciencia produciendo memorias. Cada trabajo nos desplaza de nuestro centro aparente, y el recorrido por las seis experiencias nos convierte en la aguja ilusoria de Hillman, tejiendo una continuidad frágil que, sabemos, puede romperse en cualquier momento.



Las entradas se encuentran a la venta y podrán adquirirse de manera online a través de http://www.teatrocolon.org.ar.



También de manera presencial en la boletería del Teatro Colón (Tucumán 1171) de lunes a sábados de 09:00 a 20:00 horas y domingos de 09:00 a 17:00 horas, y en el local de Tu Entrada que funciona en la calle Viamonte 560 (Local 5) de lunes a viernes de 09:00 a 16:00 horas.

La magia del Teatro Colón

Es uno de los destinos más codiciados por los turistas nacionales e internacionales que visitan Buenos Aires. Para quienes son porteños pero nunca han entrado, es un misterio magnético, para quienes pudieron ver la ópera, ballet o sinfónica, un sueño hecho realidad.

Luego de dos años de cierre debido a la panademia, el Teatro Colón tiene el honor de traer una ópera poco conocida en el ámbito internacional: El Cónsul.

Cuando se piensa en Ópera nos imaginamos las grandes representaciones italianas, es que estos la inventaron y la hicieron un género sotisficado que, a pesar de los tiempos actuales dónde la música popular electrónica tiene más peso, la ópera sigue con ganas de vivir… ¿Pero una ópera en inglés? El cónsul es una ópera compuesta por Gian Carlo Menotti (1911-2007). Estrenada en 1950 en Filadelfia, esta fue la confirmación del gran poderío artístico del italiano radicado en Estados Unidos.

Justin Brown es el director musical de este magno evento, él junto a un gran equipo de profesionales y artistas, adaptan esta ópera que habla sobre la burocracia, la corrupción estatal y la perdida de la esperanza. En tres actos se divide la historia ambientada en un país posiblemente ubicado en Europa oriental, sus personajes son presionados por un gobierno corrupto, estos solicitan una visa pero esta nunca es otorgada por las torres de papeles que deben presentar y las trabas burocráticas. ¿Podrán salir del país?, ¿Podrán tener el tan ansiado sello?

Leonardo Neiva (barítono), Carla Filipcic Holm (soprano), Adriana Mostrángelo (soprano), Virginia Correa Dupuy (mezzosoprano), Héctor Guedes (bajo), Pablo Urban (Tenor), Alejandro Spies (Barítono), Marisú Pavón (Soprano), Marina Silva (Soprano), Rocío Arbizu (Mezzosoprano) y Sebastián Sorarrain (Barítono) forman parte del grupo de cantantes liricos de esta ópera.

Jorge Ferrari con su escenografía y vestuario nos trae un ambiente gris, monótono y tedioso, emula a las oficinas donde el tiempo pasa lento y los ánimos se adormecen, a su vez también caracteriza la opresión del sistema hacia sus ciudadanos en este escenario giratorio. Rubén Szuchmacher dirige la escena de esta ambiciosa ópera. Su visión de El cónsul está puesta ante nosotros, podemos ser parte de una situación que nos identifica pues hemos estado eternas horas yendo y viniendo en alguna oficina estatal.

El cónsul es una ópera en inglés que quizá no conozcamos antes de entrar, pero una vez que salgamos estaremos satisfechos por el resultado y el gran trabajo de categoría que siempre ha hecho, hace y hará El teatro Colón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Instagram: cachalote94