El precio de no tener libertad

Siempre se habla de que la libertad tiene precio, lo que no nos dicen es qué tan caro es el valor que debemos pagar a la sociedad por ser quien somos y qué pasaría si decidiéramos hacer caso omiso a esa deuda, la de ser libres, pero lo que más duele es la elección del encierro, esto es incalculable y sus consecuencias son drásticas en nosotros.

El cine ha retratado los malintencionados esfuerzos de la sociedad para intentar convertir a las personas, quitarles la libertad mediante tortuosas terapias, tal es el caso de dos filmes que recuerdo: Boy earased (Joel Eagarton, 2018) y Temblores (Jayro Bustamante, 2019), pero esto no es una ficción, es una realidad latente hoy en día que puede estar pasando a cualquiera, incluso al más cercano.

«Diez años después de que su familia lo hiciera ir a una terapia de conversión para intentar eliminar su homosexualidad, un acontecimiento inesperado permite el reencuentro de Matías con Alejandro, su antiguo tutor y terapeuta. Las heridas de una vida trazada por la represión, el dolor, las luchas internas y el amor negado se exponen en un duelo entre estos dos hombres quebrados por el pasado» Es la reseña de la obra original de Paul Caballero.

Luego de la gira que realizó por Bogotá, Madrid, San Juan de Puerto Rico, Nueva York y Copenhague, Reconversos se estrena en Buenos Aires con únicas funciones los viernes de abril.
Paul Caballero además del autor, es el escritor y coprotagonista de esta historia, junto a Cristian Mariani van a dejar en la mesa un drama sentido y realista. Mariani en este rol expresa la represión que el personaje le exige, el dolor contenido durante años y las ganas de querer expresar lo que realmente siente, quitarse las máscaras que la sociedad le impone. El actor cordobés realiza un ejercicio íntimo de Matías, un joven que puede ser cualquiera de los lectores de esta reseña.

Paul Caballero por su lado maneja su texto de la mejor manera, Reconversos es todo el imaginario de él representado en esta obra. Su personaje es ambivalente y nos lleva desde el humor hasta el desprecio, mostrando el perfil típico de las personas manipuladoras: El carisma y el «poder de la verdad» cómo medio de control hacia las personas vulnerables. Reconversos es una obra que es capaz de atravesar la comedia, el suspenso y el melodrama sin confundir los géneros. Los actores trabajan bien a sus personajes por lo que se pueden entender y empatizar desde el comienzo.

Reconversos nos muestra las consecuencias de no pagar el precio por nuestra libertad, la condena social y sobre todo, la cruz que cargaremos siempre por no decir quienes somos.
«No se puede corregir a la naturaleza, árbol que nace torcido jamás su tronco endereza».


Reconversos está disponible los viernes a las 22:30 en el Teatro Buenos Aires (Corrientes 1699)
Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Con esta obra tengo una cuestión muy personal, la estaba por ir a ver un jueves de marzo en 2020, ese día me llamaron para decir que la obra se suspendía por motivo de que habían llegado los primeros casos de COVID a la Argentina y el país de encontraba en alerta, luego de eso se dicta la cuarentena obligatoria y lo demás es historia conocida. Tras dos años de ausencia este musical regresa en un momento en el que la nueva normalidad nos permite nuevamente asistir al teatro y festejar un musical de estás dimensiones.

En cuanto a la historia, nos llevan a una fábrica de zapatos y que tras la muerte de su dueño, su hijo Charlie debe tomar las riendas de una empresa que va en picada. Este personaje llevaba tiempo huyendo de lo que fue su herencia, pero al encontrarse con la responsabilidad de muchas personas que dependen del trabajo en ese lugar, decide buscar alguna forma para volver a poner en pie la fábrica. Tras encontrarse con una dama en apuros, conoce a Lola, quien es una Drag Queen que a pesar de saber defenderse sola, tiene problemas con sus botas taco aguja, que no resisten su fuerza en todas sus presentaciones. Es así como sale la idea de que la empresa de zapatos empiece a realizar botas para Drag Queens, lo que lleva a qué el emprendimiento caiga en en los prejuicios de la gente de un pueblo chico que debe aprender a aceptar al otro tal cual es.

Actualmente es una de las obras teatrales que mejor despliegue escénico cuenta, con una producción que seguramente no es fácil de hacer pero que aún así se tomó el riesgo de llevarla a cabo en estos tiempos. Su primera temporada, aunque corta, resultó bastante exitosa y uno de los motivos además de su producción es la convocatoria que tiene personalidades como Martin Bossi y Fernando Dente. El musical es muy querido en Buenos Aires, y se nota la pasión este trabajo denotado también en la presencia de un ensamble impecable. La idea de esta propuesta es hacer una fiesta, y además colocar un mensaje de aceptación, que se logra con creces.

La obra se lleva a cabo con muchos pasos de comedia , si bien nos tomamos un tiempo para la reflexión sobre los prejuicios hacia el otro, nunca olvida de su espíritu alegre y la idea de en todo momento sacar una sonrisa al público. Es cierto que en algunos momentos, el personaje de Lola (interpretado por Martin Bossi) suele resultar un poco excesiva en la realización de chistes aunque la experiencia en general es más que satisfactoria. Dente y Bossi son los que mayor presencia cuentan en la obra , Bossi haciendo de Simón y Lola, siendo está última que regala momentos de de esplendor y más cuando se encuentra en compañía de su equipo de Drag Queens. En el caso de Dente, sus números musicales van más por el lado del desarrollo del personaje , con un tono más reflexivo pero que al final llega a unirse a la fiesta. También toca destacar la incorporación de Laura Esquivel, quien hace de una de las trabajadoras de la fábrica y quién resulta tener un interés más personal con el protagonista

El teatro astral es ideal para esta producción, no solo se ha trabajado en la escenografía de la obra en el mismo escenario sino que esto también involucra a todo el teatro, como en la iluminación. En un momento el brillo y las luces tipo neon se hacen presentes y nos sorprendemos de la producción que se ha hecho en toda la sala para que en los momentos más festivos sea toda la sala la que participe.

Kinky Boots es una de las obras más festivas y alegres que podés encontrar actualmente en la cartelera teatral. Se trata de una obra enorme en su producción en el que también se nota que se le ha dado mucho cariño. Sus protagonistas son muy carismáticos y también cuenta con un ensamble que hace la experiencia más grande de lo que es. Una mención especial para las Drag Queens que además de las Botas, son las grandes protagonista de un show muy alegre y que también nos regala un lindo mensaje de aceptación.

Revolución sexual

El sexo seduce, vende, mueve las piezas de una sociedad y su política, es capaz de acabar con la guerra. El gran poder del sexo se subestima, sabemos que nuestra forma de relacionarnos y tomar decisiones está relacionada con el. ¿Puede la prohibición del mismo acabar con los conflictos entre pueblos?, la idea no suena tan descabellada y más aún en la última etapa del imperio griego.

«Lisístrata es una de las comedias más leídas y representadas de la historia de la humanidad. Con objeto de terminar la guerra contra Esparta que desangra a toda Grecia desde el año 431, las mujeres se apoderan de la Acrópolis donde se guarda el tesoro que los atenienses necesitan para hacer la guerra». Esta es la sinopsis de la obra que no es ayer tampoco de hace rato, Aristófanes la escribió hace 2500 años, Agustina Gatto y Silvia Gómez Giusto adaptan este clásico a una manera más canchera y moderna, dejando a claro que los tiempos no han cambiado.

Matías Broglia, Fabian Carrasco, Camilo Polotto Javkin y Marcelo Pozzi forman parte de este elenco que irá mutando entre sus personajes, pues sus actuaciones irán más allá de la edad y género, dándole a esta comedia un toque ligero y fresco. Este cuarteto hará de atenienses y espartanas pero también de los opresores.
Con todo carisma, se volverá un concierto de carcajada el perfomance de estos.

Juan Pérez Pardo y Axel Sthaler componen y tocan la música en vivo, además de entonar los coros. En Lisistrata se nota un ambiente rock que va desde la vestimenta inicial de los actores hecha por Lucía García hasta en el lenguaje corporal. Silvia Gómez Giusto compone a una Lisistrata postmoderna, de cuero y rockera que más que una revolución sexual para hacer la paz, es la muestra de que los tiempos no han cambiado.

Lisistrata esta disponible los domingos a las 17 horas en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Por Eloy Rossen

Las bellezas imposibles

En una sala del barrio de Parque Patricios, nueve jóvenes interpelan la idea de “lo bello” en el arte, entregando sus cuerpos y sentires a una experiencia dinámica que mezcla performance con danza. “Fuego fauno” se instala como una duda en el medio de la escena y no deja de preguntarse cómo desencadenar algo distinto por fuera de la norma.

Considerado un dios profético que revelaba el porvenir, el Fauno era llamado por el nombre de “fatuo”, del latín fatuari: estar poseído de delirio profético. Un fuego fauno, o fatuo, no es más que una cosa ilusoria, un acaecimiento divino que predice el porvenir. Soñando con otros porvenires, “Fuego fauno” desestructura el cliché, crea nuevos sentimientos, desata el deseo, desarma todo sólo para buscar nuevos afectos e investigar por fuera del régimen normalizador. En una creación que oscila entre la danza y la performance, nueve intérpretes trabajan sobre nada más que un espacio vacío, proponiendo una construcción de lo sensible en medio del desastre.
En un contexto signado por el ritmo de la producción y la eficiencia, “Fuego fauno” aborda el tránsito y la modificación de estos jóvenes cuerpos en un tiempo que se entiende como ceremonial. A partir de la idea del ritual, la obra toma prestada imágenes y escenas tanto de la pintura barroca como de las poses de las vedettes de Hollywood, en una búsqueda por nuevos efectos y conexiones escénicas. En el marco de un proceso de composición colectiva, el elenco de la obra se valió de entrenamientos con profesionales de diversas disciplinas -como voguing o ballet-, habiendo tenido ensayos con maestros como Pablo Fermani -fundador de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea-. El diseño musical, a cargo de Uriel Martinez, dialoga cercanamente con los ritmos cambiantes de la puesta y resulta esencial para la construcción de un ambiente propio de un ritual. De esta manera, y mediante la gestación de escenas a partir de improvisaciones grupales, los intérpretes retoman múltiples referencias y concepciones en torno a “lo bello” a lo largo de la historia, con el fin de crear otras posibilidades frente a la establecida, otras figuras frente a las instaladas. “Fuego fauno” se establece como una trinchera frente al común denominador, e intenta resignificar el propio origen ceremonial del arte, para poner en jaque todos los paradigmas establecidos.

La obra no se construye desde una teatralidad, sino a partir del tránsito de los intérpretes por distintos estadíos. Realizada bajo el techo abierto del Galpón Face, se permite que la luz, las nubes e incluso la lluvia intervengan en la creación escénica, generando que cada función sea irrepetible y que las características del día también afecten al desarrollo del trabajo corporal. Asimismo, existen momentos de contacto puro con el público, estableciendo diálogos con la mirada y rompiendo con la concepción de una cuarta pared. Los cuerpos entran y salen del espacio orgánicamente, sin estar determinados por el tiempo de la música ni una coreografía preestablecida, e incluso permitiendo momentos de improvisación. Sin pretender un efecto ya pensado, la puesta se lanza al encuentro con el público y con los propios intérpretes, trabajando con las diferentes condiciones que el día trae consigo.

Prescindiendo de la palabra o la actuación, la obra elabora un flujo colectivo que se expande desde el escenario hasta la subjetividad del espectador, generando una impactante belleza amorfa que inunda la sala. Como una oda al desacato, como una urgencia por crear los sentires todavía no vistos o anulados, “Fuego fauno” se piensa como un diseño abierto de todas las posibilidades dentro de lo imposible.

“Fuego fauno” está todos los domingos a las 16.00h en el Galpón Face. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral.

El lamento del flamenco

La música española une a sus descendientes en América, esta es la tierra que escogieron nuestros ancestros para radicarse hace siglos, el mestizaje con los nativos y demás etnias, hizo de América latina una tierra rica de tradiciones y aunque no sepamos bailar flamenco, esta música nos llena de energía y las ganas de gritar un tremendo olé. Más allá de lo que escuchamos, ¿Conocemos la vida de estos intérpretes?

«Miguel de Molina vivió la mayor parte de su vida exiliado en la Argentina. Llegó a Buenos Aires en 1942 escapando del franquismo, que lo perseguía por republicano y homosexual. Y aquí murió en 1993. Lo que el unipersonal Miguel de Molina al desnudo imagina es el hipotético regreso del famoso cantante de coplas a Madrid, tras 50 años de ausencia, para contar de una vez y para siempre toda “la verdad verdadera” sobre su vida, ante una platea de incisivos –cuando no despiadados– periodistas» Esta es la sinopsis del pamplones Angel Ruiz.

Confieso no haber investigado sobre Miguel Ángel Molina antes de esta obra, si reconocí un par de canciones que solían colocar en los patios españoles de mi país, lo cual trajo de inmediato recuerdos. Angel Ruiz le da vida y voz a este personaje, aunque su vida fue trágica pero se convirtió en una leyenda del flamenco.

En su imaginario, Ruiz crea la supuesta llegada a España del intérprete, para ello cuenta su biografía de inicio a fin. Un mogollón de emociones recorren el cuerpo de los espectadores mientras Ruiz canta las canciones de Miguel Ángel Molina, con una gran dosis de humor y momentos muy conmovedores, el show se vuelve único e imposible de no poder aplaudir. César Belda interpreta la música en vivo en su piano, a su vez interactúa con el personaje. Esta interacción hace del monólogo más acompañado y humano, junto a la historia que Miguel Ángel Ruiz compone.

Junto a la dirección de Feliz Estaire, Miguel Ángel Molina: al desnudo se vuelve un show difícil de poder olvidar pues más que un monólogo, es una historia y el homenaje a una leyenda del flamenco, icono LGBT y máximo exponente de la cultura española.

Miguel De Molina al desnudo está disponible los miércoles a las 21:30 en el El Picadero (ppasaje Enrique Santos Discépolo 1859)

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web
Instagram: cachalote94

Por Sofía Luna Roberts

La directora Josefina Pieres nos presenta “Madres”, una comedia musical interpretada por Florencia Otero, Sabrina Garciarena, Viviana Puerta y la nueva incorporación de Anita Martínez. Ganadoras del premio Estrella de Mar 2022 a mejor comedia musical en Mar del Plata, estas madres acaban de arribar a Buenos Aires para contarnos sus historias personales sin filtro alguno. Las pueden encontrar en el Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660) todos los viernes a las 21:30 hs y los sábados a las 19:30 hs.

La obra comienza presentando a una madre primeriza que está en sus últimas semanas de embarazo, y sus tres amigas (ya madres) le organizan un baby shower para festejar esta nueva etapa que está por nacer en la vida de todas ellas. A lo largo de 90 minutos se irán sucediendo las opuestas historias y experiencias de cada una de las protagonistas a través de canciones, bailes, llantos, enojos y pura emoción. Relatan miles de maneras de vivir la maternidad quitándose de encima los prejuicios y presiones que les impone la sociedad y comienzan a cuestionarse y rebelarse contra la tarea de ser madres.

Arriba del escenario se da a conocer una sola locación, que sería el interior de la casa de la madre primeriza. Es interesante el desplazamiento que realiza cada actriz dentro del espacio ya que son tan diferentes entre sí: sus maneras de caminar, de vestir, de hablar, de enfrentar la maternidad. Sin embargo, logran una armonía tan destacada que genera mucha empatía con el público en general. La incorporación de música y coreografía le da el toque fundamental para convertir esta obra en un musical muy entretenido con canciones que describen perfectamente tanto las experiencias de ellas, como las de muchas que se encuentran sentadas en las butacas disfrutando del espectáculo.

Se generan situaciones de identificación inmediata ya que no son las típicas historias que siempre escuchamos sobre madres felices que festejan y generan ilusiones de tener y cuidar un bebé. Sino que se corren de la mirada romantizada de la maternidad y cuentan historias reales de mujeres que son madres y, al mismo tiempo, trabajadoras y son hijas que deben hacerse cargo de sus propias madres también. Hablan sobre la gran diferencia que existe entre ellas y sus parejas, los padres, la injusticia de tener que ocuparse de todo y de todos. Sin embargo, nunca dejan atrás la valentía y la fuerza que deben sostener al enfrentarse a todo tipo de inseguridades y seguir adelante por el bienestar de sus hijos. Todo esto se vuelve dinámico gracias al humor, los chistes y la empatía que emanan estas cuatro actrices. 

Josefina Pieres nos trae un musical imperdible que cumple con el objetivo de hacer reír, reflexionar y emocionar haciendo hincapié en un tema fundamental para el género femenino, la maternidad, en tiempos de empoderamiento, decontrucciones varias y de un feminismo cada vez más presente. 

Reseña “La Madonnita” 

Por Sofía Luna Roberts

Se estrena una nueva y delicada versión de “La Madonnita” – pieza escrita por Mauricio Kartun- pero esta vez bajo la atenta mirada de la directora Malena Miramontes Boim. La obra volvió al ruedo después de su primer estreno hace veinte años atrás y estará en escena los domingos a las 19:30 hs en la sala Ítaca Teatro (Humahuaca 4027), del barrio porteño de Almagro.

“La Madonnita” explora la complejidad de la psicología humana y sus vínculos. Con diálogos detallistas, los personajes interpretan una historia de amor que pone en primer plano la fricción entre el deseo, el sexo y la poesía. La obra nos traslada a un altillo caluroso del Parque Lezama a principios del siglo XX, en donde un fotógrafo de galería (Rubén Parisi) tiene como trabajo principal sacar postales pornográficas de su mujer (Natalia Pascale), con el objetivo de comercializarlas dentro de la clase trabajadora inmigrante (Darío Serantes). 

Arriba del escenario nos encontramos con un estudio de fotografía que también es hogar y comedor del fotógrafo y su mujer/sirvienta. La escenografía nos sumerge de una manera directa a ese estudio claustrofóbico, lleno de vestuarios, alfombras, luces que impregnan en los rostros de los artistas y la infaltable cámara que capta cada postal en donde La Mandonnita es sometida para el deseo del otro. Los hombres se desplazan por todo el espacio hablando de sexo con sobreentendidos y gestos alusivos. Se desarrollan juegos coloquiales hechos de palabras en desuso y con una trabajada prosa rítmica.

Las actuaciones de los tres protagonistas son excelentes, la directora logra que Parisi y Serantes manejen sus personajes con astucia, casi inhumanos, con movimientos burlescos casi como muñecos de feria, con una entonación porteña a la antigua que remite a las películas viejas. Natalia Pascale es quien menos se presenta en escena, sin embargo es de la que todos hablan: La Mandonnita. Un dato interesante y que agrega mucha creatividad a la pieza es que su personaje es muda, por ende, su trabajo corporal es fundamental ya que define su personaje con cierta deformidad con una enorme destreza. En su mirada se puede reflejar el gran poder que tiene pero, al mismo tiempo, la profunda tristeza al ser usada como objeto de deseo.

Malena Miramontes Boim nos invita a sumergirnos en este estudio fotográfico mostrándonos el lado negativo del amor a partir de la desnudez y la ambivalencia de este sentimiento, que suele corromperse cuando la posesión y la cosificación hacia el ser amado entra en escena. Nos induce otra perspectiva en donde el público oscila entre la risa y la conmoción dentro de un universo poético convocante. 

La otra historia

Mucho se sabe de Eva Perón. Evita, cómo fue llamada por la gente, fue y sigue siendo un personaje popular que no solo trascendió la historia de Argentina, sino también del mundo.
Un icono nacional y popular. Estigmatizado, odiado, querido, amado, admirado. No hay puntos medios en Eva Perón, o Eva Duarte pues de su pasado se dice mucho, más que chismes sobre ella… Poco sabemos de los otros Duarte.

«Aun cuando aparece apenas como un personaje sugerido en el texto, la controvertida Eva Perón es la protagonista indiscutible de Los otros Duarte, y su historia es repasada desde la mirada de los otros: sus medios hermanos, aquellos para los que las biografías y los libros de historia no supieron guardar ningún lugar. Es a través de sus ojos, de sus amores». Es la sinopsis de Gastón Quiroga.

José Manuel Espeche, Guillermo Flores y Cecilia Sgariglia son los protagonistas de esta historia. Los otros Duarte que ven desde la distancia el resurgimiento de su media hermana, su final y las dictaduras posteriores. Esta comedia dramática dirigida por Marcelo Velasquez atraviesa tres décadas de la historia contemporánea argentina. Una obra semibiografica de Eva Perón pero desde un punto de vista que no conocemos: su otra familia.

El texto nos regala una gran dosis de comedia y realismo argentino. Este viaje histórico mediante terceros allegados, nos da una visión más directa de lo sucedido entre los 40 y 70’s. El trío de actores conformados por Espeche, Flores y Sgariglia tiene una química estupenda. Los tres hacen de estos hermanos de una manera muy unida. Cada uno con una personalidad muy definida y marcada por los acontecimientos.

Los otros Duarte es una obra comprometida con el país, lo que significó una etapa que dividió la historia en dos, el valor de la familia y el poder de un apellido.

Disponible los lunes a las 20 horas en el teatro El Pueblo (Lavalle 3636) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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Buenos Aires, marzo de 2022.- MINI BEAT POWER ROCKERS, el éxito de Discovery Kids, llega por primera vez al teatro con un espectáculo musical increíble para los más chicos. Carlos, Wat, Fuz, Myo y la genial niñera adolescente Dolores, traen las canciones que todos conocen y muchas sorpresas más para disfrutar en familia de un maravilloso show de luz, sonido y visitas increíbles. Con la dirección de Adrían Di Bastiano y la producción general de Painita Producciones y MundoLoco Animation Studios.

Algo increíble está pasando en la guardería. Los Mini Beat Power Rockers están ensayando sus canciones favoritas para dar un gran concierto. Dolores los sorprenderá con una increíble máquina, “El pasionometro”, un aparato capaz de captar la pasión, el trabajo grupal y el amor por la música a través de los colores. Wat, Carlos, Fuz y Myo buscarán activarlo y conseguir ser trasladados mágicamente a distintos lugares donde podrán vivir increíbles recitales.

Con una puesta en escena increíble, los más pequeños de la familia vivirán un día inolvidable en el que por primera vez los Mini Beat Power Rockers se presentan en vivo con sus canciones más conocidas como: “Una banda muy alucinante”, “Ya no tengo miedo”, “Tarántula Tarantela”, “Síguelo a Carlos”, “Desconectada” y “El rap de mi primera palabra”, entre otras. Así que… ¡todos a bailar!

MINI BEAT POWER ROCKERS
Es una serie original desarrollada por Discovery Kids junto a MundoLoco CGI, el estudio de animación fundado por Juan José Campanella. Cuenta las aventuras de FUZ, WAT, MYO y CARLOS, un grupo de amigos que sueñan con ser la banda de rock más grande de la historia. Cada día, mientras sus padres trabajan, ellos se divierten en la guardería haciendo lo que más les gusta ¡tocar música! pero DOLORES, la joven niñera a cargo del lugar, sólo quiere tranquilidad para poder conectarse a su mundo de las redes sociales. Se emite por Discovery Kids de lunes a viernes a las 11:00 hs.
MINI BEAT POWER ROCKERS
Show en Vivo

14, 15 y 16 de abril
¡Estreno Mundial!

Teatro Ópera Orbis Seguros
(Av. Corrientes 860 – CABA)

Entradas a la venta por Ticketek y la boletería del teatro

Delirios que salvan

Cuando parece que el fin ya está o el panorama se vuelve oscuro, los delirios se vuelven un método de escape ante lo inminente. El soñar despierto o más bien, dejar que el sueño toque la realidad, para que este hable por sí mismo, se manifieste en el cuerpo y te proteja ante el horror.

Una tela, una mañana de otoño, final de nueve de la mañana, una canción que no se recuerda, chismes de clientas, un romance imposible y el tiempo que pasa cada vez más lento antes del caos. Dalia Elnecavé es la mujer del vestido verde en esta obra. Con un carisma sin igual, la actriz dará su ponencia en un limitado espacio, donde solo tendrá opciones a dos posturas. A pesar de las limitaciones que establece el guión debido a la trama (la cual es mejor no revelar), Elnecavé da todo de sí para ofrecernos un personaje entrañable. Nadina Fushimi es la responsable de recrear lo preciso de esta escenografía, la cual a primera vista parecerá abstracta pero luego que la trama vaya avanzando y las luces tenues de Leandra Rodriguez muestren la totalidad de la escena,

Sin el trío de Aruzzi, Elnecavé y Carrá, La Mujer del Vestido Verde no sería posible. El compromiso y conexión entre las tres la hacen destacable.
El tocar un tema tan sensible para la historia contemporánea argentina, hacerlo de manera sensible y con una visión fresca pero comprometida, convierten en esta obra una excelente decisión para un sábado a fin de tarde.
Es en este monólogo donde la sutileza, la poesía, la cruda realidad y el humor juegan parte para recordar las historias de aquellos que no quieren ser olvidados.

La mujer del vestido verde está disponible los sábados a las 18 horas en el Método Kairos (El Salvador 4530). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Instagram: cachalote94