La otra historia

Mucho se sabe de Eva Perón. Evita, cómo fue llamada por la gente, fue y sigue siendo un personaje popular que no solo trascendió la historia de Argentina, sino también del mundo.
Un icono nacional y popular. Estigmatizado, odiado, querido, amado, admirado. No hay puntos medios en Eva Perón, o Eva Duarte pues de su pasado se dice mucho, más que chismes sobre ella… Poco sabemos de los otros Duarte.

«Aun cuando aparece apenas como un personaje sugerido en el texto, la controvertida Eva Perón es la protagonista indiscutible de Los otros Duarte, y su historia es repasada desde la mirada de los otros: sus medios hermanos, aquellos para los que las biografías y los libros de historia no supieron guardar ningún lugar. Es a través de sus ojos, de sus amores». Es la sinopsis de Gastón Quiroga.

José Manuel Espeche, Guillermo Flores y Cecilia Sgariglia son los protagonistas de esta historia. Los otros Duarte que ven desde la distancia el resurgimiento de su media hermana, su final y las dictaduras posteriores. Esta comedia dramática dirigida por Marcelo Velasquez atraviesa tres décadas de la historia contemporánea argentina. Una obra semibiografica de Eva Perón pero desde un punto de vista que no conocemos: su otra familia.

El texto nos regala una gran dosis de comedia y realismo argentino. Este viaje histórico mediante terceros allegados, nos da una visión más directa de lo sucedido entre los 40 y 70’s. El trío de actores conformados por Espeche, Flores y Sgariglia tiene una química estupenda. Los tres hacen de estos hermanos de una manera muy unida. Cada uno con una personalidad muy definida y marcada por los acontecimientos.

Los otros Duarte es una obra comprometida con el país, lo que significó una etapa que dividió la historia en dos, el valor de la familia y el poder de un apellido.

Disponible los lunes a las 20 horas en el teatro El Pueblo (Lavalle 3636) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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Buenos Aires, marzo de 2022.- MINI BEAT POWER ROCKERS, el éxito de Discovery Kids, llega por primera vez al teatro con un espectáculo musical increíble para los más chicos. Carlos, Wat, Fuz, Myo y la genial niñera adolescente Dolores, traen las canciones que todos conocen y muchas sorpresas más para disfrutar en familia de un maravilloso show de luz, sonido y visitas increíbles. Con la dirección de Adrían Di Bastiano y la producción general de Painita Producciones y MundoLoco Animation Studios.

Algo increíble está pasando en la guardería. Los Mini Beat Power Rockers están ensayando sus canciones favoritas para dar un gran concierto. Dolores los sorprenderá con una increíble máquina, “El pasionometro”, un aparato capaz de captar la pasión, el trabajo grupal y el amor por la música a través de los colores. Wat, Carlos, Fuz y Myo buscarán activarlo y conseguir ser trasladados mágicamente a distintos lugares donde podrán vivir increíbles recitales.

Con una puesta en escena increíble, los más pequeños de la familia vivirán un día inolvidable en el que por primera vez los Mini Beat Power Rockers se presentan en vivo con sus canciones más conocidas como: “Una banda muy alucinante”, “Ya no tengo miedo”, “Tarántula Tarantela”, “Síguelo a Carlos”, “Desconectada” y “El rap de mi primera palabra”, entre otras. Así que… ¡todos a bailar!

MINI BEAT POWER ROCKERS
Es una serie original desarrollada por Discovery Kids junto a MundoLoco CGI, el estudio de animación fundado por Juan José Campanella. Cuenta las aventuras de FUZ, WAT, MYO y CARLOS, un grupo de amigos que sueñan con ser la banda de rock más grande de la historia. Cada día, mientras sus padres trabajan, ellos se divierten en la guardería haciendo lo que más les gusta ¡tocar música! pero DOLORES, la joven niñera a cargo del lugar, sólo quiere tranquilidad para poder conectarse a su mundo de las redes sociales. Se emite por Discovery Kids de lunes a viernes a las 11:00 hs.
MINI BEAT POWER ROCKERS
Show en Vivo

14, 15 y 16 de abril
¡Estreno Mundial!

Teatro Ópera Orbis Seguros
(Av. Corrientes 860 – CABA)

Entradas a la venta por Ticketek y la boletería del teatro

Delirios que salvan

Cuando parece que el fin ya está o el panorama se vuelve oscuro, los delirios se vuelven un método de escape ante lo inminente. El soñar despierto o más bien, dejar que el sueño toque la realidad, para que este hable por sí mismo, se manifieste en el cuerpo y te proteja ante el horror.

Una tela, una mañana de otoño, final de nueve de la mañana, una canción que no se recuerda, chismes de clientas, un romance imposible y el tiempo que pasa cada vez más lento antes del caos. Dalia Elnecavé es la mujer del vestido verde en esta obra. Con un carisma sin igual, la actriz dará su ponencia en un limitado espacio, donde solo tendrá opciones a dos posturas. A pesar de las limitaciones que establece el guión debido a la trama (la cual es mejor no revelar), Elnecavé da todo de sí para ofrecernos un personaje entrañable. Nadina Fushimi es la responsable de recrear lo preciso de esta escenografía, la cual a primera vista parecerá abstracta pero luego que la trama vaya avanzando y las luces tenues de Leandra Rodriguez muestren la totalidad de la escena,

Sin el trío de Aruzzi, Elnecavé y Carrá, La Mujer del Vestido Verde no sería posible. El compromiso y conexión entre las tres la hacen destacable.
El tocar un tema tan sensible para la historia contemporánea argentina, hacerlo de manera sensible y con una visión fresca pero comprometida, convierten en esta obra una excelente decisión para un sábado a fin de tarde.
Es en este monólogo donde la sutileza, la poesía, la cruda realidad y el humor juegan parte para recordar las historias de aquellos que no quieren ser olvidados.

La mujer del vestido verde está disponible los sábados a las 18 horas en el Método Kairos (El Salvador 4530). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Las mil y una voces

Todos conocemos las historias de ‘Las mil y una noches’, complicación de cuentos medievales del oriente medio (persia en su mayoría). Desde Alí babá, Aladino, las alfombras mágicas, el genio,el ábrete sésamo y el Sultán Sharhriar… Todos estos en relato tienen un narrador encontrado, una narradora: Scheherezade.
Scheherezade es la voz de la mil y una noches, en un mundo tan abstracto al occidental, ¿Hay otras Scheherzades que tengan la oportunidad de contar su historia?. ¿Hay alguna Scheherezade argentina?

»Esto no es una obra. Tampoco es un ensayo. Mil y una preguntas que se vuelven narraciones, o narraciones que devienen en preguntas. Doce cuerpos en escena buscando alguna respuesta posible. ¿La hay?» Es la reseña de la obra experimental de Sebastían Suñé y Jimena del Pozo Peñalva.



Atiana Ramoa, Camila Peralta, Cecilia “Fabu” Rodríguez, Karina Hernández, La Pichi, Lucía Adúriz, Nashy-Nashai, Nicole Vázquez, Nina Brugo, Rebe, Sabrina Lara, Sara Córdoba. Es el amplio elenco de esta obra, en este se encuentran actrices profesionales y no profesionales. Todas con historias muy distintas entre sí pero unidas por el feminismo, movimiento que no se vuelve único ya que el material demuestra los diferentes tipos de feminismo, aquel que incluye desde trabajadoras sexuales, corporalidades diversas, mujeres trans e identidades de género y raciales.

Gonzalo Córdoba Esteves es quien realiza la atractiva escenografía de esta obra: Mesas de madera movibles, una escalera y sillas, forman parte de los elementos que se adaptarán a los distintos actos que se presenten. Marisol Castañeda es quien realiza estas delicadas y hermosas burkas negras en las cuales las actrices, van a mutar hasta poder ser la Scherezade de la historia. El apartado audiovisual está conformado por la música original de Marie Perticari, la cual nos lleva a lo experimental árabe, lo instrumental y lo urbano, junto a las visuales de Gonzalo Quintana, nos introducen aún más en la dirección de Jimena del Pozo.

Jimena del Pozo es capaz de mostrar 12 historias entrelazadas entre sí con un texto disruptivo, sagaz y original, el cual viene a replantear nuestra visión del feminismo desde los medios, la sociedad, la política y lo personal. Jimena del Pozo nos trae sus mil y doce noches en un show que combina la comedia, el drama, la crítica y la autocrítica y una mirada directa a los problemas sociopolíticos que siguen estando y no son fábulas orientales.

¿Una y mil? se presenta en el Complejo Cultural San Martin los miércoles y viernes a las 20:30hs. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Sofía Luna Roberts

El director y dramaturgo Flavio Abraldes nos presenta su obra “90 cts” sumergiéndonos en la crisis del 2001 y nos invita a reflexionar sobre las desigualdades sociales vigentes. Con la interpretación de Brenda Fabregat, Daniel Ibarra, Antonella Fittipaldi, Diego Lorenzo y Flore Marsal, esta pieza teatral se presenta todos los miércoles a las 22 hs en el Teatro El Grito (Costa Rica 5459).

En algún lugar suburbano se exhibe un contexto de crisis social, de caída de gobierno, de cacerolazo. La escena nos reconstruye la cruda realidad de una familia de clase media baja, la cual recibe la visita de una enviada de la municipalidad y les plantea que deben irse de su propiedad ofreciéndoles una indemnización muy baja. Cada uno de los personajes tendrá una mirada particular frente a la situación del país y frente a la decisión que deben tomar: quedarse a resistir o abandonar sus pertenencias e irse. Se comienza a presenciar las opiniones, intereses y necesidades de una familia fragmentada en donde la insatisfacción y la decepción toman los primeros asientos. Se dan cuenta de lo distinta que es su realidad a la que soñaron de chicos.

Nos hallamos con una escenografía de lo más interesante, con el objetivo de representar el estilo de vida en el que se encuentran los personajes: sillones sucios y escritos, un baño donde la pulcritud quedó afuera y una supuesta terraza con vista a ese lugar periférico en el que conviven. Al costado de la acción se encuentra una pantalla de televisión que ayuda mucho a ambientar cada vez más lo que los personajes nos tratan de comunicar, la transmisión de videos y fotos capta nuestra atención al mostrarnos lo que sucede en los márgenes de una ciudad.

La obra está contextualizada en Diciembre del 2001 pero, al mismo tiempo, podría decirse que transcurre en un tiempo indefinido del último milenio ya que el director no delimitó un marco geográfico ni temporal para contar algo que sucede en todos lados y todo el tiempo. Abraldes comenta “La obra habla sobre algo que es cíclico. Hoy en día veo a muchos jóvenes con problemas no resueltos sobre su futuro, y al mismo tiempo veo que para solucionar eso se plantean las mismas medidas que nos han llevado a situaciones de crisis como la de 2001. Resulta desesperante que se reciclen todos estos temas”.

Flavio Abraldes recurre al constante uso del humor para descomprimir permitiéndonos una libre visualización, ya que te puede descargar a la hora de ver un drama. “90 cts” nos invita a volver a mirarnos en el espejo y revisar el estado de nuestros vínculos, al preguntarnos cuán parecida es nuestra vida a la que soñamos de chicos. El director destaca el rol significativo de las artes escénicas y comenta que “el teatro tiene la capacidad de hacer bajar la guardia y de seducir al espectador. Es una actividad en la que a través del entretenimiento se puede proponer una idea transformadora. Y mi objetivo es que el público pueda salir de mi obra haciéndose preguntas que antes no se había hecho”.

Por Sofía Luna Roberts

A partir del texto “El coloquio de los perros” de Miguel de Cervantes, el director Hernán Gené, nos presenta una alternativa que no deja de llamar la atención. “El coloquio de las perras” finaliza su gira por la Argentina este domingo 20 de marzo a las 19 hs en el Cine Teatro El Plata, del barrio de Mataderos (Avenida Juan Bautista Alberdi 5765).

Con excelentes interpretaciones de las actrices Esther Acevedo, Amaranta Munana y Georgina Rey, la obra cobra vida a partir de éstas perras que pueden hablar, pensar y rebelarse contra lo dicho previamente sobre ellas. Acompañadas de un piano feroz y canciones auténticas, las perras nos cuentan sus vidas de actrices, de madres, de hijas, de profesionales, de heroínas anónimas. Quieren hacer la diferencia y usar el don de la palabra para hacer una crítica social, para cuestionar sus roles impuestos por la sociedad; sin dejar de lado los chistes, las risas y la diversión que emanan generando en el espectador esa necesidad de seguir viendo y escuchando atentamente.

La puesta en escena es sencilla pero suficiente, no está ambientada en un espacio/tiempo concreto pero nos podemos dar cuenta de que ciertas historias están contadas desde un tiempo específico. Nos encontramos con una perra caniche que nos presenta la obra y se sienta frente a un piano, al otro costado del escenario, una perra labrador y un ovejero alemán serán las protagonistas de estos interesantes relatos que cuentan en su programa de radio. Le dan voz a lo que necesita ser dicho ahora y siempre: la igualdad es imprescindible y urgente, nos hace fuertes y libres. Es interesante cómo se producen saltos constantes entre la obra de Cervantes, el programa de radio y las historias personales de las protagonistas que van apareciendo y nos van guiando hacia la idea central de la obra.

Tres mujeres empoderadas que se divierten y nos emocionan, que cantan para rebelarse ante la injusticia, que nos muestran las dificultades que han tenido durante su vida, que nos hablan del rol (siempre secundario) de la mujer, que protestan por la inmoralidad incluso en su propia profesión. Con esta idea en mente, el director nos propone que desde el humor y la risa nos podamos encontrar con esa ola de emociones y reflexiones que tengan que ver con el fortalecimiento femenino. Todo esto es posible gracias a un montaje limpio, lúdico, contemporáneo y bello que destacan el talento y las capacidades físicas como interpretativas de las actrices.

Una entretenida propuesta llena de música y comedia, con tres extraordinarias actrices que se convierten en perras para hacernos disfrutar de todo lo que tienen que reivindicar. Hernán Gené nos presenta un texto corrosivo y muy bien estructurado, uniendo de manera muy ágil las escenas de la obra original con los momentos de tinte feminista. Estas perras dan vuelta el relato para contarlo desde otra perspectiva, porque se cansaron de quedarse calladas y se subieron al escenario para hacerse oír.

Esperar ver un calamar gigante

El amor nos Cega y controla. Cuando este es tan fuerte no nos permite ver la realidad, es como estar sumergido en lo profundo de la fosa de las marianas, esperando ver un calamar gigante. ¿Podrá el submarino salir a la superficie para poder darnos cuenta de lo que es verdad?

»Un día Bruno le anuncia a Dalmaro que se irá a una expedición al centro de la Tierra para poder encontrar al calamar gigante que siempre se le aparece en sus sueños. Dalmaro buscará y encontrará refugio en sus dos mejores amigos, El Neto y La Neta, en su bajo, en su cama y en la luz que da su lámpara». Es la reseña de la obra escrita y dirigida por Jimena Aguilar.

Con una ambiciosa puesta en escena audiovisual, la obra de Jimena Aguilar trae debates filosóficos en el plató, reflexiones sobre las relaciones de pareja y el significado del tiempo.

Con un elenco joven y talentoso conformado por: Guido Botto Fiora, Natalia Casielles, Matias Dinardo, Camila Peralta y Juan Tupac Soler. Estos personajes van a transitar entre periodos de tiempo asincrónicos, relatando mas que una historia, su visión sobre la vida.

Sin duda el apartado audiovisual es lo mas sorprendente de esta obra, las pupilas estarán dilatadas en aquellos momentos donde los nombres de los títulos aparezcan en sabanas o proyectados en la pared, los efectos de luces hipnóticos y una música en vivo interpretado electrónica que nos introduce en esta obra existencialista.

Los factores técnicos mencionados en el anterior párrafo son gracias a Mantrixa (Visuales), Ricardo Sica (Iluminación) y la propia Jimena Aguilar en la parte sonora.

Una circunstancia denominada mundo es una obra experimental, dinámica y atrapante que posee una magia inmediata, diálogos bien ejecutados y armados, una historia que interpela a cualquiera, todo es esto gracias a sus personajes y su nivel de actuación.

Una circunstancia denominada mundo está disponible en el Espacio Callejón los lunes a las 21 horas (Humahuaca 3759)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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Salvaje y pasional

«Los placeres violentos tienen finales violentos». Esta es una frase del episodio final de la primera temporada de la serie de HBO, Westworld.
Aunque se trate de una serie de sci-fi e inteligencia artificial, rescato la frase pues no está para nada alejada de la realidad. Parte de la pasión conlleva sus riesgos, pues esta puede conducir a escenarios y finales que no prevemos. Nos cega el éxtasis de la misma.

»Una mujer transita los días envuelta en sus costumbres naturales, que como la luz del sol le marcan el paso del tiempo. En medio de ese día en el que las costumbres emergen como aquello que se repite sin parar, decide dejar esa inercia que la amarra y enfrentar la noche, transformándose en un animal plagado de venganzas. Las mujeres gritan, los animales gritan, los hombres también gritan». Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Natalia Villamil.

Laura Nevole es la actriz de este potente monólogo. Con una fuerza tenaz, ella transita distintos estados, arrancando con el temple, la ira, el clímax y termina en el sosiego de la desesperanza. Nevole en su perfomance transmite tensión y asombro al espectador. Podemos ver su cuerpo hablar y gritar. Entrega todo en los 40 minutos de su perfomance. Rodrigo González Garillo es el encargado de la escenografía la cual es caracterizada por una pared con una amplia ventana, una sala de rejas y una cerca de alambre, la misma sirve para dos momentos esenciales de la obra. Carla Rimole es quien coordina la coreografía y lenguaje corporal de Nevole, ambas se complementan para darle voz a este personaje.

Como una vaca mirando un tren es un potente monólogo que deja pasmado al espectador. Es el clímax de las pasiones femeninas. Una voz que se vuelve el eco de muchas mujeres que dan todo por sí mismas y sus acciones.

Está disponible los domingos a las 19 horas en el Teatro El Pueblo (Lavalle 3636) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Por Sofía Luna Roberts

El Instituto Italiano de Cultura, el Teatro Coliseo y el Complejo Teatral de Buenos Aires, en el marco del ciclo Italia XXI, presentan el estreno del espectáculo de ballet contemporáneo “Cantata” del coreógrafo internacional Mauro Bigonzetti. La obra puede verse a partir del 19 de Marzo hasta el 24 de Abril y se presentará en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Corrientes 1530). “Cantata” los espera los días Martes y Miércoles a las 20:30 hs y los Sábados y Domingos a las 15 hs.

El Ballet Contemporáneo del San Martín, dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Diego Poblete, nos invita a un viaje efusivo y energético por las afueras de un pueblo en el sur de Italia, hundiéndose en las profundidades del Mediterráneo. Se trata de una obra muy poco narrativa y argumental, que genera un clima colectivo y emocional permitiéndonos conectar con lo instintivo del ser humano a través del movimiento, el sonido, el color y la corporeidad.

La coreografía explora las diferentes facetas de la relación entre el hombre y la mujer: seducción, peleas, celos. Va tomando forma con escenas más pequeñas en donde, cuadro tras cuadro, los bailarines se van alternando en los diferentes roles. Logran una sincronía y conexión que pocas veces he visto, ya que si bien el ballet que muestran es muy libre, es necesario que vayan iguales y que se produzca una coexistencia entre la música y sus cuerpos.

Destaco muchísimo la música del Grupo ASSURD con Enza Pagliara y Enza Alessandra Prestia reinterpretando la tradición musical del sur de Italia y exponiendo su potencia expresiva. Serenatas napolitanas, pizzicas salentinas, tammurriatas de Campania (todas formas musicales asociadas a la danza), canciones de cuna y de protesta son algunos de los ritmos que el grupo musical nos brinda sobre el escenario. La música se convierte en una especie de coreografía con movimientos violentos y enérgicos, con un lenguaje que tiene algo de salvaje, de visceral, que nos atrapa como espectadores y nos sumerge en ese mundo gestual y expresivo.

Mauro Bigonzetti nos trata de decir algo con esta pieza, trata de comunicarse con nosotros independientemente de la lengua, la cultura, la religión o las experiencias. “Cantata” es exigente, vivaz y pasional como un pueblo que, mediante el uso del cuerpo, logra expresar un lenguaje honesto y directo.

Mi distancia cerca de la tuya

Es difícil lidiar con las personas siendo introvertido. Las habilidades sociales pueda que se aprendan pero capaz hay personas que no están destinadas a ser extrovertidos. Cada quien plantea su modo de llevar la distancia que se impone ante el otro, pero esta se puede volver hostil, incómoda y termina alejando a quiénes quieres.
Por suerte al teatro venimos a reírnos un rato, este es el único medio en que podemos romper el hielo y distancias mediante sus sus historias.

«Maria y Luis transitan los primeros días de una convivencia. Cuelgan cuadros, buscan mascota, miden las proporciones de su nueva existencia. Mientras esperan la llegada de su cama, entra Carina, una ex novia de Luis. La mamá de Carina está enferma y Carina, ahora, se hace llamar Rina. Al igual que Maria y Luis, no sabe bien qué hace en ese lugar» Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Mía Miceli.

Olivia Daiez, Agustín Daulte y Julia Zlotnik, son los personajes de esta comedia presentada en el Espacio Callejón. Con un tono de comedia seca e incómoda, los personajes marcarán una distancia que termina formando muros entre ellos sobre todo porque no hay espacio para la expresión y la abertura emocional. Olivia Daiez es el alma de la obra. Su carácter cerrado, obsesivo, meticuloso y sobrepensante nos hará reír a carcajadas en momentos donde este no congenie con los demás. En sus silencios y mirada, la actriz va a transmitir emociones distintas, ¿Puede ser que el personaje de María se abra ante los demás?

La escenografía de José Escobar recrea muy bien un monoambiente de recién mudados, este se enfoca en los detalles del mismo. Mia Miceli nos ofrece un guión bien escrito y personajes marcados, dónde las dosis de humor estarán presentes en cada momento, siendo tierno el resultado final.

Cerca tuyo o de ti es una obra donde no importa las obsesiones por los detalles o lo exacto, sino la manera en que cómo buscamos abrirnos ante el otro.

Disponible los viernes a las 22:30 en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759). Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.
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