Amor lunar.

En una noche de martes por la ciudad de Buenos Aires, tuvimos el placer de disfrutar de la obra «Te quiero hasta la Luna» una puesta que lleva 7 temporadas en cartel y que ahora se muda a la calle corrientes con una propuesta renovada y con nuevos actores. Julia y Pablo se conocieron a los siete años, fueron amigos, novios, y a los veintisiete años se separaron…, pero ya habían pagado su sueño: un viaje a la luna.

Este viaje a la luna se lleva a cabo de todos modos, a pesar que nuestros protagonistas se encuentren separados, ya que este resultaba ser el sueño que tenían desde que nació su amor en la niñez. Obviamente este viaje sirve para poder aclarar los tantos sobre lo que sucedió con sus vidas, y con ello, recordar aquellos tiempos en la que los sueños podían contra cualquier cosa.

Los actores que forman parte de esta obra renovada son Alan Madanés y Carolina Kopelioff . Este dúo tiene una química y simpatía increíble, transmiten ternura y risas a los espectadores. La puesta en escena de Matías Puricelli y Francisco Ruiz Barlett y Sofía González Gil hacen posible esta atmosfera de amor lunar.

Te quiero hasta la luna funciona por lo que es, una comedia romántica simple pero aún así puede convencer su simpático viaje, debido a la energía que entregan los actores y que nos deja pensando en la siguiente pregunta: ¿Es posible un amor incondicional desde la niñez hasta el fin?

Te quiero hasta la luna está disponible los martes a las 21 horas en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343).

Más allá del Lago de lo Cisnes

Al pensar en Ballet una sola imagen se nos viene a la cabeza: Elegancia.
Cuerpos esbeltos, delicadeza, meticulosidad, coordinación y belleza es lo que caracteriza una puesta en escena.
Nuestras pupilas siempre estarán dilatadas a ver un show del Cascanueces o del Lago de los cisnes, al salir nuestras emociones estarán a flor de piel, mas si vemos este espectáculo en el Teatro mas importante del país, el siempre admirado e imponente Teatro Colón, pero… ¿Qué pasa cuando se cierra el telón?

»Luciana y David son dos bailarines del Teatro Colón capaces de obrar milagros. Fueron bendecidos con la gracia, el ritmo y la plasticidad. Pero sus privilegios de bailarines de élite no los protegen de la fatalidad: viven acechados por el error, la falla, el azar. ¿Luciana y David dominan sus cuerpos o sus cuerpos los dominan a ellos?». Es la sinopsis de la obra de Alejandro Quesada y Florencia Werchowsky.

Luciana Barrirero y David Gómez son bailarines pertenecientes al equipo de Ballet estable del Colón, por primera vez vemos a figuras angeladas cara a cara y desnudos, aunque no en el sentido literal, sino de forma humana. Sus miedos, inseguridades, presiones e historias son parte de lo que vamos a conocer en esta obra.

Florencia Werchowsky es quien dirige esta obra interactiva, donde los actores (bailarines) estarán interactuando de manera rígida con una voz en off (Alejandro Quesada) que les indica qué hacer, les da instrucciones de lo que pueden comer y no, los confronta y contradice. Los personajes (reales) se verán sometidos por la presión de nunca fallar y no perder la figura necesaria para ser estrellas de ballet (hasta que la fecha del vencimiento del cuerpo se los permita)

Barrirero y Gómez nos regalan una hora de intimismo, revelaciones personales que nos hacen conectar pues más allá de ser estrellas son personas con problemas reales. También veremos un despliegue de su talento (orquestado por una coreografía de ellos mismos) que nos dejarán deslumbrados.

Esta obra irá a desnudar el alma de dos estrellas del Teatro Colón y nos permitirá ver que hay más allá del show, espectáculos que han maravillado a lo porteños y visitantes.

Dos bailarines desnudos está disponible los lunes a las 20 horas en el CC 25 de mayo (Av Triunvirato 4444 ). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Mafalda es un espectáculo teatral protagonizado por Celeste Campos y que desde el viernes pasado se trasladó al horario de las 22:30 en el Teatro Border de Palermo. Es un acierto el cambio de horario, ya que al aprovechar la flexibilización de las restricciones horarias, podemos disfrutar de una excelente previa de viernes a la noche a pura carcajada.

Mafalda es un monólogo creado por la misma Celeste Campos, dónde interpreta a una mujer de 80 años pero con una vitalidad mayor de quién les escribe de 30. Para no andar contando todo lo que sucede en este relato, vamos a decir que nos cuentan la gran gira que se mandó nuestra protagonista. Una salida en la que conocemos anécdotas que incluyen sexo, drogas, música y disparatadas situaciones. Si, la locura la sentimos desde un principio, el espectador también es participe del show, ya que si queremos se nos permite grabar para subir alguna historia o interactuar con la misma Mafalda.

La obra tuvo un cambio de horario y consigo un cambio de espacio. Pasando de la tradicional sala de teatro, a un salón del mismo teatro, donde se ofrece una experiencia más descontracturada. Con la posibilidad de pedir una picada y algo para tomar, somos los amigos de Mafalda a los que nos va a contar su alocada anécdota.

Mafalda es un espectáculo que se disfruta de principio a fin, es un monólogo que no se priva de lo políticamente incorrecto y con ellos nos regala muchas risas durante la velada. Mafalda es bastante guaranga, pero tiene un gran carisma para hacernos reír mucho en un viernes a la noche, y así olvidar los problemas de la semana.

Mafalda está disponible los días viernes a las 22:30 horas en Border Teatro (Godoy Cruz 1838). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web

La maldad

¿Qué tan malvado puede ser el humano?, ¿Nacemos o nos hacemos personas oscuras?

Son preguntas que la sociedad y la ciencia intentan explicar, ¿Qué pasa por la mente de una persona cuando asesina? Hay casos que dejan conmocionada a la población, hoy en día se registran en los archivos criminales y en las manchas históricas oscuras de una localidad.

»El pasado y los pensamientos nocturnos se entrecruzan en un viaje interminable. Un relato que gira en círculos hipnóticos en un intento feroz por sobrevivir al silencio. La violencia machista y la incapacidad de huir de las propias limitaciones brotan con el sudor de un cuerpo eufórico y abatido. Lo que se oculta y no se dice. Lo que no sucede y se inventa. Chancho está basada en un suceso real ocurrido en Córdoba Capital. el primer caso caratulado como “femicidio” en esa ciudad. La obra recompone de manera ficcional la biografía del asesino sin dejar de lado aquel hecho brutal y aberrante.» Es la sinopsis de la obra de Agustín Meneses, la cual dirige Mercedes Jacobo.

Javier Medina se pone en la piel de este femicida, lo vemos en ropa deportiva moviéndose por todos lados y jugando una pirámide de aluminio, nos lleva hacia lo más profundo de la psiquis y somos testigos de los orígenes de la maldad de su personaje.

Tal cual como si estuviéramos en un episodio de la serie de David Lynch »Mindhunter», quedamos horrorizados ante el perfil psicocriminal del personaje, todo esto gracias a una buena actuación de Medina, que va desde la inocencia en primera instancia hasta ir descendiendo hasta lo más oscuro.Vamos construyendo los hechos en base a la información dosificada.

Los relatos criminales vistos desde la perspectiva del quien lo comete suelen ser interesantes pues no buscamos empatía, queremos conocer el porqué, hay una cierta morbosidad casi innata hacia la maldad ajena y sobre chismear cada detalle de los hechos. El texto de Agustín Meneses nos da esos recursos con este monólogo bien ejecutado y perturbador, donde una canción de Sumo nos hará no hablar de ciertas cosas.

Chacho está disponible los viernes a las 21 horas en el Teatro La Gloria (Yatay 890)
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Locura de amor.

La historia ha retratado de manera injusta a Juana I de Castilla (alias La Loca), su escepticismo religioso y el amor fueron la condena que la llevó a más de cuarenta años de encierro, cuestionando su cordura, incluso hoy en día. La sucesora del trono de Castilla pagó las consecuencias de sus decisiones en vida, los historiadores hacen revisión de los hechos, ¿Estaba Juana realmente loca?

»Juana La Loca es una épica romántica sobre una de las mujeres más famosas de la historia. Su prisión durante más de cuarenta años fue su paraíso, pues allí voló un alma pura rodeada por la crueldad y la ambición de los hombres.
Traicionada por su padre, su marido y su propio hijo, Juana La Loca no es un unipersonal. Se trata de una magnética obra en donde esta convive con su madre, Isabel La Católica; su nieto Felipe II su incondicional Leonor y fundamentalmente, con el causante de su supuesta locura: Felipe El Hermoso. Juana La Loca habla de la locura del amor no correspondido. De las brutales pasiones del poder, y de la magia del deseo fabricado.» Es la sinopsis del texto de Pepe Cibrián Campoy, monólogo lírico dirigido por Ana Padilla.

Una silla antigua, una sólida y segura actriz reflexionando luego de un sueño, al despertar hablará consigo misma y sobre sus deseos. Su madre, su esposo y su familia serán aquellos quienes hablarán con ella durante su cautiverio.
María Seghini da potencia a este monólogo, su actuación es asombrosa, potente e histriónica. Durante 80 minutos mantiene el ritmo, su voz no flaquea al usar el texto cortesano y poético de Cibrián, memoriza cada línea sin titubear. se demuestra una habilidad que solo da la experiencia para conservar la voz y que esta no se quiebre.

Seghini, nos hace entrar en la cabeza de Juana de una manera en la que podemos ver otra versión de este personaje histórico, no desde su locura sino sus pensamientos reales, su visión disruptiva para aquella época hacia la sexualidad, el amor, la corte real y Dios.Juana La Loca es la versión que necesitamos de Juana I de Castilla, una mirada profunda, poética de una mujer condenada por la historia.

Juana La Loca está disponible los jueves a las 20:30 en el Patio de actores (Lerma 568) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

No es lo mismo respirar que seguir.

Presiones externas e internas

Vivir en Buenos Aires puede volverte loco, si no estás preparado para el ritmo de una ciudad grande, sea esta u otra, te puede consumir. Una vez entramos a la etapa adulta hay cosas que debemos sacrificar, una de ellas son nuestros sueños y metas, todo para poder entrar en el sistema y no quedar excluido, si no eres lo que se te indica que seas, estás expulsado. Solo sobreviven los más aptos.

»Oscuridad total, caos, desesperación voraz por lograr objetivos y alcanzar metas imaginarias. Llegar para pertenecer, mostrar para existir. El tiempo va en cuenta regresiva y Valeria, Manuel, Clara y Leo están muy apuradxs por llegar… ¿A dónde? Ni ellxs lo saben.». Así describe su obra  Jowy Sztryk, la cual también actúa.
¿Para cuándo el hijo?, ¿Para cuándo la novia?, ¿Para cuándo te recibes?, ¿Para cuándo el trabajo?.  Para cuando eres lo que queremos que sea. Parte de las preguntas que pondrán presión a estos personajes. La presión es el factor será el  energizante de La carrera.

La increíble escenografía de Vanesa Abramovich asemeja a una ciudad caótica como la vida de estos personajes, rojo neón el color que forma el cuadrado donde estos estarán encerrados e intentarán escapar, un reloj en cuenta regresiva nos hace pensar que la obra va a explotar. El diseño de luces de Fer Provenzano es el plus necesario para introducirnos en este estrés personal, todas estas emociones y elementos son ejecutados en la magistral dirección de Fernanda Provenzano.
Martina Alonso, Alejandro Monetta, Jowy Sztryk, Agustín Vera son los encargados de interpretar a estos neuróticos personajes consumidos por el estrés, las demandas sociales y la presión de alcanzar el éxito. Estarán en constante movimiento, trote y montados en la carrera donde uno de ellos logrará tener lo que desea (o no). 

Sin Fernanda Provenzano y su dirección esta obra pudiera haber salido mal debido a su hiperactividad, gracias a ella no fue así. El producto se disfruta pero sobre todo se siente y nos identificamos, porque ¿Cuántas veces nos han exigido que seamos aquello que no queremos ser?

La carrera: No es lo mismo respirar que seguir, está disponible los miércoles a las 21 en el Método Kairós (El Salvador 4530)
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por: Marie Alvarez

@yosoylahermanadeshakespeare

Leonardo «Tusam» es hijo único del reconocido mentalista e hipnotizador Juan José Tusam (1932-1999), famoso gracias a sus numerosas apariciones en la televisión argentina desde mediados de los ‘60s,  y de quien fuese su mujer y asistente escénica, la «sugestiva Zulma». Siguiendo el legado de su padre desde niño, Tusam (hijo) hoy cuenta entre sus méritos ser el anfitrión del programa «Super humanos» en el canal History Channel además de tener una fuerte presencia en redes sociales: lleva un canal de Youtube, un podcast en Spotify («Tusam medita») y en su cuenta de Instagram, donde se anuncia como hipnotizador y coach, le siguen más 24 mil personas. 

En la noche del pasado martes 24 de agosto, presentó su espectáculo unipersonal «Puede fallar» en el Teatro Nacional Seguros de la calle Corrientes con una sala prácticamente llena, salvo por los protocolos covid. 

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La velada comienza con Tusam dando unas palabras de bienvenida y luego rememorando sus comienzos ayudándose de un video proyectado en la gran pantalla que hace de fondo de escena. Allí muestra el registro de su primera presentación televisiva en el programa «Finalísima» (año 1990), cuando con apenas 16 años intentó hacer un truco que consistía en encerrarse en un barril lleno de agua, donde debía permanecer la mayor cantidad de tiempo gracias al control mental. Lamentablemente el truco salió y tuvo que ser auxiliado para no ahogarse: ese fue el suceso que da pie al título del espectáculo; «Puede fallar» fue el comentario hecho por su padre en aquel momento.

Acto seguido comenta el origen del sobrenombre «Tusam», explicando que es un acrónimo de las palabras «técnica», «unción», «sabiduría», «amor» y «mística» y que este representa su filosofía de vida, iniciada por su padre.  De ritmo ameno, Tusam guía a la audiencia a través de un recorrido anecdótico a partir de sus propias experiencias y aprendizajes.  Insististe en que el hacer constante es la clave del éxito y que si bien a veces «puede fallar», el truco consiste en seguir intentando; o en otras palabras, que «querer es poder».

En varias oportunidades el showman pide voluntarios de la platea que lo ayuden a demostrar sus trucos (la cama de clavos, la hipnosis conjunta, el cuerpo «duro», la conductividad lumínica) y también se toma un momento para guiar una meditación conjunta que sirve como «invitación a conectarnos con nosotros mismos y recuperar nuestra respiración como guía para transformarnos y despertar nuestro poder personal», tal como reza el programa.

El público ríe y acompaña el espectáculo, que por momentos adquiere un tono nostálgico, cuando Tusam habla de sus inicios o de su familia. Hábil manejando a la audiencia y con una puesta simple apoyada por la técnica de luces, sonido y filmación en vivo, mantiene la atención de grandes y chicos a lo largo de la hora y media que dura el show. Espectáculo recomendado para toda la familia, especialmente para aquellos que siguieron las hazañas de padre e hijo en televisión y también para aquellos valientes que deseen tomar parte de algún ejercicio de hipnosis. 

• ¿Y sabes cómo llaman al cuarto de libra con queso en París?

Esta es una de las frases mas icónicas de Pulp fiction, película emblema de Tarantino, la cual cuenta con uno de los guiones mas agiles de la historia del cine.

El cine es mi mayor debilidad y obsesión, en el encuentro mi refugio pues nada mejor que conectar y entrar en una ficción para escapar de la realidad. El cine hace lo que el teatro (o ningún arte) no puede, aún así establecen una relación simbiótica con sensaciones similares.

Catalina Piotti como toda cinéfila a igual que yo, sabe la importancia del cine en la cultura y en la sociedad, más aun en Latinoamérica, región que busca su identidad cinematográfica ante el imperio que es Hollywood.
Desde ese punto parte la protagonista de esta historia establece un monologo posterior a una muestra de proyección de escenas de películas emblemáticas para la humanidad.

»Atrapada en un apasionado e intenso proceso creativo, Leticia Marraro, una joven guionista, depositará sus últimas esperanzas en el I-Ching, un oráculo chino milenario. Sufre de insomnio y ansiedad y ha perdido contacto con el mundo exterior. Su anhelo más profundo es triunfar en Hollywood pero, tal deseo pone en juego a su identidad. Sus contradicciones la atormentan.

Leticia, le alquila un cuarto a Amelia, una chica inocente, romántica y supersticiosa. En ella encuentra inspiración para crear una nueva historia. El límite entre la ficción y la realidad comenzará a desdibujarse». Es la sinopsis de la obra que escribe y dirige Piotti. Luciana Caisutti y Catalina Cofone Pollack son las protagonistas de esta historia donde la realidad se distorsiona en noches de insomnio y películas.

I-ching es el oráculo chino que no va a definir el destino de las protagonistas, sino sirve de base argumental para el desarrollo de la historia, el mayor peso es la representación de collages de escenas fílmicas a cargo de Natalia González Steblack, siendo esta puesta audiovisual el mayor protagonista (y factor que juega en contra a la historia) Hay un uso de la comedia bien atinado e interpretaciones que van por arriba de lo normal, aún así las actrices son simpáticas y entregadas a la obra.

Hay una tonelada de referencias cinematográficas acá que para los cinéfilos es un deleite pero para quien no las conoce puede que sea una confusión, sin embargo la proyección audiovisual sirve de soporte. Es clara la fijación de Piotti por el cine de Tarantino pues el mayor peso referencial (hasta la mítica escena de baile de Pulp fiction representan las actrices)

I-ching muestra la crisis de cada artista ante el proceso creativo, también el aislamiento que sufren estas personas al no poder encajar e identificarse con la sociedad. Es una obra simpática donde el mayor deleite está en las referencias cinéfilas y en la proyección de escenas.

I-ching está disponible los domingos a las 20:30 en el teatro Border (Godoy cruz 1838)
Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Muerte blanca

En los noventas, Pepe Cibrián Campoy estrena »Drácula», uno de los principales y mas importantes musicales de Argentina, millones de personas la vieron dentro y fuera de las fronteras, siendo un show recordado de época 1/1 cuya última puesta en escena fue en 2016. Pepe antes, durante y después de Drácula no paró de escribir y producir musicales de alta producción, este año pandémico regresa a el Teatro El Cubo con Infierno blanco: »La vida es una mierda y en esa mierda vivo yo».

‘La obra cuenta la historia de Patrick Salisbury (Maximiliano Areitio), un joven periodista oriundo de Francia decide anteponer su vocación antes que el profundo amor hacia su pareja: Charly Sommerset (Luis Machuca) un joven centrado, honesto, soñador y caritativo. Sin embargo, Patrick no duda cuando le llega la propuesta de entrevistar a Bertil Olafson (Lautaro Calzona), el más importante dealer de droga y armamento clandestino del mundo. Para eso decide viajar a la ciudad de Bergen en Noruega, en donde Bertil tiene su centro de operaciones. Allí se ve profundamente atraído por este personaje ambiguo no solo en lo sexual, sino también en su comportamiento, y toma la decisión de quedarse en Los Fiordos, abandonando sin mas explicación a Charly».

Las drogas es un tema tocado en reiteradas ocasiones, generalmente es asociado a dos factores: Vida callejera y estratos bajos o vació existencial en la alta clase. Ambos motivos son válidos pero no son los únicos, el mensaje de Pepe es claro en este musical, aunque el tema está mas que trillado, se le da un enfoque distinto.

El elenco está conformado por Lautaro Israel Calzona Luis Machuca, Maximiliano Areitio, Lucila Franco Esteinou, Aldana Moriconi, Claudia Duce, Diego Soler, Nacho Marino, Felipe Bou Abdo, Ludmila Piovano, Paloma Cacciavillani, Brisa Aparicio, Pamela Nieves Rosenstock, Melody Szulfman y Tomás Vila. El cuerpo de baile está conformado por Yonathan Anchoverri Castro, Cecilia Cavallero, Mateo Falbo, Nicole Giménez, Melina Florencia Quiroz, Pedro Raimondi, Leila Vidriales.
Pepe dirige, escribe tanto el libreto como la música y también produce este musical de dos horas.

Con una producción aparatosa con el diseño de luces de Cibrián, música de Ariel Dansker y también Cibrián; este musical es una mezcla de géneros que van desde lo romántico, drama, comedia y suspenso. Hay parte en especial donde involucran al público haciendo de la obra una experiencia 4D, la cual es excelente.
En algunas ocasiones el volumen del sonido está muy por encima, por lo que puede aturdir, pero es algo que se puede ajustar para las próximas funciones. El mayor valor de Infierno blanco es la puesta en escena simple pero eficiente, el hipnotizador diseño de luces, la coreografía de Santiago Errecalde y todo el equipo técnico y actoral involucrado, se vuelve un deleite en muchas partes sobre todo en las escenas de baile grupal. Pepe Cibrián es una leyenda del teatro musical que vuelve a pesar de las circunstancias actuales.

Infierno blanco está disponible los sábados y domingos a las 20 horas en el Teatro el Cubo (Zelaya 3035) en el corazón del abasto.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reparar lazos

En el cine hollywoodense se ve a la pesca como una actividad íntima entre padres e hijos o hermanos, momentos silenciosos y de mucha paciencia donde se espera más que atrapar a un buena presa, entablar una comunicación y reparar lazos. Si bien hay otras formas de hacerlo además de la pesca en distintas culturas y sin distinguir el género, es esta la primera imagen que Cazón evocó en mí.

»Un hombre sentado en un muelle se organiza para pescar un cazón (cría de Tiburón), en su quilombo por buscar las lanzas, carnadas y demás artilugios de la pesca, comienza a reflexionar sobre los lazos familiares que perdió, para ello contacta a su hermano que luego de años por fin tendrán un reencuentro, el pescador amateur promete pescar  un cazón para  él ero tiene ciertas dificultades» Rodrigo Paredes protagoniza y escribe esta obra dirigida por Federico Buso y llevada al Espacio Callejón.

Este monólogo se vuelve íntimo y entrañable, nos hace reflexionar sobre qué hemos perdido y por qué dejamos a alejar a personas que realmente queremos, son muchos los factores que distancian a dos personas, sin embargo siempre está la intención de querer reparar lazos.
Paredes entrega todo de sí en este monólogo donde más allá de pescar un cazón, irá pescando sentimientos y recuerdos familiares, por lo que vamos a conectar de inmediato con su personaje.
Cazón es un monólogo para ver con la familia o para extrañarla, disfrutar, reír y sensibilizar. 

Cazón está disponible los viernes a las 21 horas en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759)
Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.