A las 23:57, en el Teatro Kairos, arranca El Juego, una obra teatral dentro del carácter experimental que es una propuesta diferente, donde sus protagonistas sentados en una mesa de tres patas, en plena sesión de espiritismo, con el juego de la copa logrando hablar con espíritus.

Es una obra a la que no estamos acostumbrados, porque las luces se apagan, ruidos de ultratumba y muertos que contestan. Lo importante es no olvidarse que es un juego, donde se busca a Tomas, al primo de una de ellas que ha desaparecido y que nunca volvieron a encontrar donde, otros espíritus los intentarán guiar Alrededor de la mesa de esoterismo, hay testigos con máscaras, donde algunos sintonizan con el resto.

El libro, la idea y dirección es de Francisco Ruiz Barlett, quien es actor, escritor y compositor y que se ha destacado en obras como La Naranja Mecánica (Dir. Manuel González Gil), El Otro lado de la Cama (Dir. Manuel González Gil), Te Quiero hasta la Luna (Dir. Matías Puricelli), Puta que llora, Puta que Canta (Dir. Griselda Siciliani).

Una pieza teatral, con paradigmas nuevos, en el teatro se ha experimentado con la risa, con la emoción, porque negarle un espacio al miedo, darle la oportunidad, que aparezca en una escena. El cine lo ha logrado porque privarse de esa sensación en el teatro sin por ello olvidarse que hay jugadores en escena. No es recomendable para personas impresionables, o sufran dolencias cardíacas, el resto tiene vía libre, para saber cómo enfrentar los miedos propios y ajenos, descubrir cuales son nuestros límites.

Ficha técnico artística

Idea: Francisco Ruiz Barlett

Libro: Francisco Ruiz Barlett

Actúan: Azul Araya, Ayelén Benitez, juan campos, micaela figueroa, Lucía García Paredes, Nahuel Iervasi, Nicolás Iervasi, Solana Montenegro, Sofía Navarrete, Lisa Ortiz, Carolina Peiretti, Valentina Ponzetti, Brigitte Torres

Máscaras, Antonella Pachina

Diseño de vestuario: Sofía González Gil

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Música original: Nahuel Iervasi

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Nacho Lunadei

Asistencia de dirección: Lucía García Paredes

Colaboración artística: Matías Puricelli

Dirección:Francisco Ruiz Barlett

Huesito Caracú es una obra de teatro familiar que se puede ver los sábados y domingos en el teatro El Picadero. Uno de los más aspectos más interesantes de esta puesta, es que se trata de una historia que cuenta con el libro de Hugo Midón, gran exponente del teatro para toda la familia, y que hace poco hemos podido revivir obras de su autoría como Vivitos y coleando. Huesito Caracú se trata nada más y nada menos que una comedia musical gauchesca, que fue estrenada por Midón 2001, y que regresa con una nueva versión que cuenta con mucho talento y diversión asegurada.

Este musical cuenta la historia de un gauchito joven, que por su ternura interna y por su rudeza externa, recibió el apodo de Huesito Caracú. El deberá luchar contra el malvado Cocorito, quién es dueño de la energía eléctrica, y hace todo lo posible para mantener a huesito a su familia en la oscuridad. También el amor llega a las puertas de Huesito, siendo Flor su amada, pero que cuenta con el inconveniente de ser la novia del Cocorito. Todos viven una aventura en el que claramente se denota su esencia campestre, junto a su música folclórica, pero que a su vez logra combinar y jugar con elementos modernos en el terreno de lo musical.

Emiliano Dionisi, director de la obra , ha encontrado la manera perfecta de llegar al público con algo que es propiamente nuestro pero que necesita ser comprensible para todo el público, sobre todo para los más chicos. El Folklore, el campo , el campo, son elementos que todos podemos reconocer en el suelo argentino, y que a su vez es una historia tan universal que puede suceder en cualquier sitio. La obra resulta también atemporal, ya que nos introduce temas sobre el suministro de la energía eléctrica, el abuso de la gente de mayor poder y el derecho a la huelga, cosas que están reflejadas en situaciones de la actualidad. Todo esto está montado a través de una ingeniosa puesta escénica, en donde el absurdo es un elemento primordial para el disfrute de la obra. Los números musicales son variados y muy entretenidos , siendo comprensible y disfrutable para público de cualquier edad.

En cuanto al trabajo actoral, hay que destacar a cada uno de los artistas en escena por la gran labor realizada. Últimamente es un placer ver a Laura Oliva en producciones de carácter musical, se trata de una artista que cuenta con un gran carisma, sobre todo para la comedia, y que ha logrado crecer en lo musical, debido a las exigencias vocales que se requiere. La pareja de Oliva y Patricio Wittis cuenta con un aliciente cómico que brinda los momentos más cómicos de la obra. El papel de Huesito lo interpreta el actor Guido Botto Fiora, siendo un personaje carismático y querible, que junto a Vanesa Butera (interpreta a Flor) conforman una pareja de la cual el público siempre esperara su final feliz. Roberto Peloni es el villano de la historia, del que si bien siempre hay matices, ya que al final los malos no son tan malos en realidad, aunque es un placer poder vivir las locuras del personaje. Completan el elenco Horacio San Yar, que se roba unas alocadas escenas como el padre de Cocorito, y los actores Leandro Chavarria y Ramiro Delgado, quienes demuestran sus capacidades multiusos en distintos e histriónicos personajes.

Huesito Caracú es una obra muy agradable de ver y una experiencia sumamente entretenida para toda la familia. Se trata de una puesta llena de talento, con una historia que nos habla sobre el amor, el folklore, los valores y la familia. A no olvidarse del nombre de Hugo Midón, que es sinónimo de teatro para toda la familia y de calidad.

El elenco, por orden alfabético, está integrado por Guido Botto Fiora, Vanesa Butera, Leandro Chavarría, Ramiro Delgado, Laura Oliva, Roberto Peloni, Patricio Witis y Horacio San Yar.

Músicos en Escena

Guitarra: Julián Midón; Violín: Carlos Rodríguez; Saxo alto y flauta Traversa: Bernardo Monk; Bajo: Ignacio Long; Batería y percusión: Facundo Flores.

Por Sebastián Sabio
La oscuridad que hay en el fondo de la empresa.

«tracción a sangre» nos habla de tres obreros que trabajan en una planta de energía, Goyo, Jota y Sáenz, quienes deben trabajar sin detenerse para evitar que la empresa deje de producir energía a cambio de salarios miserables y en condiciones deplorables para satisfacer a sus jefes bajo la excusa de que «así se mueve el mundo”. Con grandes actuaciones de Manuel de la Serna, Lucas lanzani y Miguel Angel Vigna, se puede apreciar la simbolizacion de los obreros y sus pensamientos. Llenos de dureza y con un cuerpo deformado por el trabajo, estos personajes retratan al trabajador qué realiza tareas monótonas a través de la fuerza y donde se le pide qué no use el pensamiento.
La obra plantea un mundo muy claro y perfectamente establecido. esto permite qué sea muy fácil entenderlo desde un comienzo a pesar de no imitar exactamente al mundo real. Con críticas hacia la sociedad, hacia el capitalismo y al sistema laboral en general, este proyecto nos transporta a una realidad cercana qué vive entre nosotros todos los días.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y dirección Víctor Chacón

Actúan Manuel de la Serna, Lucas Ranzani y Miguel Angel Vigna

Asistencia Javier Grinstein

Escenografía Maira Benito Revollo

Iluminación Diego Todorovich

Contribución coreográfica Elizabeth Restrepo

Entrenamiento Percutivo Alejandro Larocca

Prensa Tehagolaprensa

Diseño Luciano Saiz

Teatro Pan y Arte (Boedo 876, CABA)

Funciones: viernes 23hs (junio y julio)

Entradas: $300

Reservas por Alternativa Teatral

En el teatro La Mueca, jueves a las 21 hs, antes de su gira por España, con libro y dirección de Pepe Cibrián, en un unipersonal, el actor y director Nicolás Pérez Costa, con una magnífico nivel interpretativo, en esta ocasión, poniéndose en la piel de Juana la Loca.

Juana, fue reina de Castilla de 1504 a 1555, cincuenta y un años de reinado. En 1496 contrajo matrimonio con Felipe, el archiduque de Austria, Vivió mucho tiempo encerrada por orden de su padre Fernando el Católico y luego su hijo el rey Carlos I.

Es la breve introducción a una dramaturgia, con un libro teatral que pisa fuerte, con el sello de calidad de Pepe Cibrián, que le da en este caso a Nicolás, la posibilidad de desplegar las alas, de poder demostrar arriba del escenario, todo el talento como actor y en el personaje recrear el sufrimiento de una mujer, en esa época, arrastrada por las intrigas de palacio.

El actor Nicolás Pérez Costa, del que estamos acostumbrados interpretar clásicos, con mucha creatividad y despliegue, como ha sido Romeo y Julieta de Shakespeare u Oscar Wilde, con esta obra de Juana La Loca, ha redoblado la apuesta, dandole a la dramaturgia, la fuerza de expresión y el sentimiento necesario.

Es un monólogo que demanda un gran esfuerzo para el actor porque es un parlamento de mucha carga emocional, intensidad, que no da tregua y Nicolás, logra llenar la escena con un despliegue maravilloso.

Desdoblándose en varios personajes, al mismo tiempo. Las escenas más fuerte, con excelentemente realización desde la dirección y la actuación es el ríspido diálogo entre Felipe y Juana.

La pieza teatral, está construída, para exigir mucho esfuerzo corporal e interpretativo del protagónico, y les puedo asegurar,que está superado con creces. La producción teatral este año, es muy proficua, de alta calidad, donde mucha gente, está generando productos artísticos de alto contenido con una calidad excelsa.

Cuando en una obra, el público, logra acompañar a los protagonistas, en sus sentimientos, eso indica que a esta Juana, a pesar de su posible locura, merece ser aplaudida, hasta el cansancio.

Ficha técnico artística
Libro: Pepe Cibrian Campoy
Actúan: Nicolás Pérez Costa
Diseño de vestuario: Coral Barcos
Diseño de luces: Nicolás Pérez Costa
Realización de vestuario:Coral Barcos
Fotografía:Nicolás Oviedo
Diseño gráfico:Camila Diez, Nicolás Oviedo
Asistencia general:Paula Aguilar
Prensa:Shirly Potaz
Asistente de prensa: Pilar Prado
Producción ejecutiva:Emiliano Miguez
Coordinación general:Camila Otreras
Dirección general:Pepe Cibrian Campoy

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Matías Dinardo
“Potestad” es un obra escrita por Eduardo «Tato» Pavlovsky en el año 1987 que tuvo su primera puesta en escena dirigido por Norman Brinsky y protagonizado por el propio Pavlovsky. Este hito teatral de hace más de 30 años, volvió a la cartelera porteña en una nueva versión nuevamente dirigida por Brinsky y, esta vez, protagonizada por una mujer: la gran María Onetto.

El texto toca temas como la represión, la tortura y la desaparición de personas desde un personaje masculino, un ex represor. María Onetto despliega, en lo que es su primer unipersonal, una verdadera audacia y naturalidad para moverse dentro de los cánones de este hombre, con una frescura propia que genera empatía con el personaje al que vamos descubriendo su lado terrible y oscuro. No hay pantomima, no se busca el realismo sino más bien crear capas de significado mediante una puesta escueta pero potente, con un vestuario maravilloso realizado por Renata Schussheim, que presenta una estética proveniente del teatro noh de Japón.
La grandilocuencia de la interpretación de María Onetto radica en la capacidad de masticar emoción en los textos más simples y “pasar” como si nada los textos más complejos, como si de equilibrar se tratara, generando una mezcla que se vuelve contundente a la hora de abordar el texto que, por supuesto, no pierde su vigencia y postura humanística, necesaria en los tiempos que corren.
“Potestad” es una gran propuesta dentro de la inmensa cartelera porteña, para reconectarse con un teatro que indaga, se reinventa y nos trae al presente textos de nuestro pasado actual con mucho acierto.

Por Daniel Álvarez

100 metros cuadrados es la obra que protagoniza Florencia Bertotti junto a María Valenzuela y Stefano Di Gregorio en la sala del multitabaris. Es una obra de la que en su sinopsis no sabes mucho de lo que va a tratar, pero sí que te habla sobre las cosas inesperadas que suceden en la vida y el valor que tiene en estos momentos. Se trata de una historia entretenida, y que en un punto de la trama se vuelve muy emotiva sin perder el hilo humorístico con el que la obra cuenta.

Es necesario comentar muy poco sobre la trama de este espectáculo para no estropear la experiencia al espectador. Lo que puedo contarles es que al principio hay un departamento que está en venta a un muy bajo costo, porque cuenta con con una cláusula muy particular. Una mujer mayor de edad y algo enferma vive ahí y quiere quedarse en la casa que está vendiendo como inquilina hasta el día que se muera. Una chica está interesada en la compra del departamento como una inversión a futuro, y termina encontrándose con esta mujer con la que tienen muchas discusiones, y también pasan buenos momentos. Es así como la historia sigue su curso y terminan pasando cosas inesperadas que ayudan a los personajes a entenderse mejor a si mismo y valorar las cosas que realmente son importantes. Su curso es bastante cómico aunque deja su espacio para la emotividad en el segundo tramo, sin perder su esencia inicial.

Lo mejor que nos deja la obra, son las actuaciones de Florencia Bertotti y María Valenzuela, que juntas hacen un dúo con mucho carisma y humor para las risas del espectador. El papel de Stefano Di Gregorio es mucho menor en relación a sus compañeras pero logra tener sus momentos que sirven para los saltos temporales dentro de la historia.

En cuanto a la escenografia, podemos ver el espacio de un departamento antiguo, bello y muy amplio. Esa amplitud que nos deja la sala del multitabaris permite que los actores puedan desplegarse libremente por todo los espacios del escenario, estando estos bastante bien aprovechados.

100 metros cuadrados es una obra muy entretenida y a la vez emotiva, que nos regala muy buenas actuaciones de Florencia Bertotti y María Valenzuela, siendo una gran dupla teatral. La obra se puede ver de miércoles a domingos en el teatro multitabaris, así que es una buena opción para pasar un buen rato, reírse y también emocionarse.

Funciones: Miércoles, jueves y domingo 20 hs /Viernes 21 hs /Sábado 20 y 22 hs

Teatro: Multitabaris Comafi – Avda. Corrientes 831

Entradas $ 900.- en la boletería del teatro o por plateanet

Por Victoria Seri
Cuando todavía había ciruelos se presenta en el Teatro Pan y Arte de Boedo, hasta el mes de julio, los viernes a las 20.30 hs.

Sol Martínez, dramaturga y directora, nos plantea una mirada distinta a la historia de Ana Frank y su familia que ya conocemos. Porque en el diario de Ana Frank nos introducimos en la vida clandestina y persecución por la que tuvieron que atravesar durante el nazismo. Sin embargo, esta historia está contada cuando todavía había ciruelos.
Por algún tiempo, inclusive ya comenzada la guerra las niñas Ana y Margot tenían una linda y modesta vida junto a sus padres. Tenían sueños, fantasías y se comportaban como las niñas que eran. Antes de ser delatadas, descubiertas y transportadas por esos trenes tan temidos por ellas a los campos de exterminio, la familia anhelaba tener una vida próspera, estudiar, leer, escribir y disfrutar. Aunque ya empezaban a ser estigmatizados por su religión dentro de lo posible llevaban una vida normal, permitiéndose caprichos, peleas y también diversiones.
Disfrute mucho esta propuesta, me pareció un logro la intimidad que se consigue en el escenario para los relatos que se dan entre el grupo familiar y entre las hermanas. El escenario despojado de materiales innecesarios con el fin de que prevalezcan los diálogos y la dinámica actoral que fue lograda bajo estas circunstancias, es esencial para lograr emocionar al público. Una historia contada con amor y respeto e interpretada de la misma manera.

Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Sol Martínez
Actúan: Nicole Muriel Camba, Magdalena Giorgio, Daniel Goglino, Celina Rodriguez, Coti Simioni
Iluminación: Lucia Feijoó
Diseño: Luciano Saiz
Fotografía: Daniel Ambrueso
Asesoramiento de vestuario: Marina Díaz
Asistencia de dirección: Natalia Spera
Dirección: Sol Martínez
Web: http://www.panyarte.com.ar
Duración: 60 minutos

Miércoles a las 21 hs, en el Chacarerean Teatre, un Gustavo Garzón en estado puro, con dramaturgia y dirección de Marina Otero.

En esta obra, no es posible separar al actor Gustavo Garzón de su personaje, porque una parte de la propuesta es compartir con el público y su partenaire, Marina Otero, fragmentos biográficos de su vida.

La primera parte del espectáculo, el desafío es plantear con humor una historia de vida, donde hay tramos que no son simples de contar y menos haberlos transitado. Para el público, lo más encantador, es escuchar hablar desde el llano, sin tapujos acerca de como es la vida de un actor, el medio teatral, televisivo, los vínculos y con valentía habla de lo importante, su cáncer de lengua. Hoy tiene la suerte y en primera persona, de decir que está curado, pero para esa época, aproximadamente tres años atrás, las propuestas laborales, según lo contado en escena, coincidencia o no, cayeron totalmente.

Este primer tramo, Gustavo lo sella, recordando con mucho respeto y amor a su ex compañera de la vida, Alicia Zanca. A esta altura del espectáculo las emociones han desbordado al público, descubriendo a una versión de Gustavo, padre de familia, un actor enamorado del oficio y el coraje que tiene para andar por la vida.

La narración continúa acerca del proceso interno de resiliencia, donde nos relata como busca la ayuda hacia afuera, encontrando a Marina Otero. La cual se involucra en este recorrido autobiográfico, compartiendo sus impresiones, y como se gestó esta obra, que estamos hoy viendo en el Chacarerean.

La obra, que dice tener un rumbo desconocido, pero que no es así, porque ofrece humor, música, show, además es una demostración innegable que desde el teatro se pueden dar “buenas lecciones de vida”, y me parece maravilloso el desafío.

No continuamos dando pormenores, porque les aseguro que lo importante es vivir todo lo que resta del espectáculo, donde termina con un final de alegría, el público sube al escenario para bailar y cantar. Gustavo se lo ve dichoso de compartir el escenario junto a sus hijos.

En lo personal, me pega mucho, porque conozco que además de ser una figura pública, Gustavo,

es un ser humano, luchador, que cree en lo que hace, y lo he visto participar en congresos sobre discapacidad, y plantear temas de fondo, como por ejemplo, cómo en otras partes del mundo, existe una verdadera red de protección a los discapacitados, con planes y programas, que prevén dar solución a la desaparición biológica de los familiares directos, por el inexorable paso del tiempo. Y luego de ese planteo, verlo subirse a un escenario para cantar y darle para adelante, me parece admirable, Garzón predica con el ejemplo y no me cabe la menor duda, que el público es generoso y retribuirá con creces, todo ese amor.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña por Ricci

Amor de película nos habla de los vínculos fugaces y de los deseos individuales. Los cinco personajes tienen un objetivo en común: presentar un buen guion de película que tenga todos los condimentos para que eso suceda.

La obra es autoría y dirección de Hector Díaz. Como director lo hemos visto en otras oportunidades pero como autor es su primera obra. La obra surge de un grupo de creación colectiva fundado por Javier Daulte llamado “Teatro Líquido” compuesto por cinco dramaturgos, incluido el propio Daulte, con la idea de supervisarse entre ellos desde las primeras hojas escritas hasta el estreno.

Díaz llega para instalarse como dramaturgo en el ámbito teatral contándonos una obra llena de ritmo y comicidad, ubicando su historia en el ámbito del cine. La obra comienza con una primera escena llena de potencia que instala un dinamismo que jamas decae , sostenida por un grupo de excelentes actores/actrices. La historia cuenta con un productor (Rubén de la Torre), estereotipo del hombre decadente, y su asistente (María Inés Sancerni),un tanto demandante de su atención por falta de amor, que deciden unir a un guionista (Gerardo Chendo), imagen del cinéfilo solitario anclado en el pasado, con una exitosa youtuber (Luli Torn), representación de los centennials y la posmodernidad, para que escriban una historia en conjunto. Completando el grupo de personajes delirantes tenemos al funcionario del instituto del cine (Javier Niklison) que puede ayudar con el proyecto a cambio de algunos pedidos. El personaje del productor les pide a los guionistas que escriban una “comedia elástica” llena de amor, emoción y ritmo; y eso mismo es lo que nos brinda el directo: una comedia delirante para todo el publico.

La escenografía a cargo de Alicia Leloutre, José Escobar y Julieta Kompel nos muestra un espacio claro y conciso dividido en dos partes: por un lado la oficina cool y por el otro la casa desordenada del cinéfilo cuarentón. La iluminación es de Sebastián Francia y el vestuario de Jam Monti y Betina Andreose.

Amor de película. Jueves 21 hs. Espacio Callejon (Humahuaca 3759)

Por José Rossi

La obra “Cerca: Melodía inconclusa de una pareja” de Eduardo “Tato” Pavlovsky, es llevada a cabo por el director Juan Washington Felice Astorga de manera muy particular, proponiéndonos una escenografía circular, con una base de metal que la hace girar sobre su propio eje, dando a conocer los distintos espacios de lo que sería la casa de una pareja adulta joven (interpretados por Cumelén Sanz, Marcos Casetta).

En esta casa, creada a partir de elementos realistas ubicados en la cotidianeidad de nuestro tiempo, las vicisitudes de esta pareja hacen que su relación penda de un hilo. Las preguntas y respuestas existenciales lanzadas y respondidas por los aires de la boca los personajes, crean momentos de tensión y a veces de humor. ¿Qué es el amor? ¿El amor se acaba? ¿Qué pasa cuando el amor se acaba? ¿O acaso sabemos desde el principio que el amor se va a acabar y por eso debemos disfrutarlo desde el primer momento? A través de textos y parlamentos poéticos, se busca dar una respuesta a este tipo de interrogantes, o simplemente ponerlos en juego para que el espectador saque sus propias conclusiones.

La obra es un despliegue de destreza, ritmo y virtuosismo. Está llena de significantes y simbología, sobre la cual, los espectadores deben elaborar hipótesis por encima de las reflexiones que los personajes confusamente plantean. Se juega con la música y la iluminación para romper los efectos de la cuarta pared y se busca por momentos un vínculo más íntimo con el espectador.

Estos aturdidos y confundidos personajes, darán un recorrido por toda la obra para sortear la cotidianeidad que los asfixia e intentar darle una respuesta al problema existencia que los acoge.

Funciones los días Viernes a las 23 Hs. En el Teatro No Avestruz

Duración: 50 minutos

Teatro No Avestruz

Humboldt 1857