Por Victoria Seri

Todos los domingos a las 11:30 horas en NÜN TEATRO BAR se presenta la obra Muñequita robada hasta el 25/11/2018, de la dramaturga y directora Nora Z. Wilson.

La historia de Muñequita robada hace foco en el rol estereotipado de las mujeres que sienten que deben ser madres y sucumben a la presión social sin importar si la maternidad es deseada o no.

Una madre vuelve al reencuentro de sus dos hijas y su sobrina después de 25 años de haberlas abandonado, cuando su hermana muere de cáncer. Durante el transcurso de la historia nos adentramos en un trasfondo familiar complicado pero feliz que atraviesa a estas cuatro mujeres de un modo distinto. Al mismo tiempo que deben seguir adelante y resolver otros temas, también deben enfrentar y atravesar el dolor por la pérdida de su madre/tía. ¿Cómo pueden superar y enfrentar el regreso inesperado de una madre, si ni siquiera confían que sea ella de verdad?

Impresionante el trabajo de las cuatro actrices en esta apuesta, además de actuar, cantan y bailan en escena.

Luján Marangos, Celeste Monsú, Fernanda Eugui y Adriana Miris se lucen con sus personajes.  Ellas asumen cuatro personalidades distintas desde la cuales cada una con su perspectiva nos cuentan su historia particular, de abandono, de soledad, de superación, de compañerismo y felicidad.

El trabajo de la directora Nora Z. Wilson es sumamente interesante y personal ya que logra realizar una historia que contiene mucha fuerza argumental y emocional.

Muñequita robada es una obra encantadora con mensajes de libertad, hermandad, soledad, rectificación y amor. Es posible perdonar y ser feliz, es posible comprender y mirar hacia adelante. Es posible sanar y lograr lo que nos proponemos.

Adoro los espacios teatrales como NÜN TEATRO BAR que cuentan con un lugar que considero esencial para hacer la previa o el post de la función. Muy amable la atención y el desayuno estuvo genial.

Equipo:

Autoría y dirección general del proyecto: Nora Z. Wilson

Elenco:

CAROLINA: Luján Marangos

ISABEL: Celeste Monsú

MAGUI: Fernanda Eugui

MUJER: Adriana Miris

Diseño de vestuario: Nora Z. Wilson

Escenografía: Ignacio Arca

Arreglos musicales: Mariano Kosiner Blanco

Diseño gráfico: Andrea D´Alu

Pobre el gil que algún día le toque lidiar con mi alma

Critica por Douglas Poito

Instagram @douglaspoito y  Twitter @dpTalento

La obra teatral “El Bosque del Silencio” se estará presentando todos los domingos de este mes de noviembre a las 20:30 horas en Vera Vera Teatro (Vera 108 CABA). En la historia de esta obra,  Pepe, Monona y Carson esperan a “Los Muchachos de Luz”. Preparan una fiesta. Hacen méritos para reencarnar en otro cuerpo y tener una vida mejor a la que han dejado. La cosa se pone difícil. Los Muchachos de la Luz no llegan y un “vivo”, El Licenciado, se suma de colado para “chapar” un cacho de luz y no morir con la “hijaputez” encima. Pepe, Monona y Carson -almas en espera- desesperan. Han recibido la orden de no dejar entrar a nadie sin número y menos a un “vivo”. Como si esto fuera poco; los pájaros no cantan, el tiempo es no tiempo y el viento y la lluvia son pura rareza. Un Perro cartero trae los mensajes de la Alta Luz. A través de la Lotería Nacional; Pepe, Monona y Carson, sabrán qué vientre les asignarán.

Es un espectáculo que pone de manifiesto a través de su dramaturgia el tema de la reencarnación, cuestión que lo hace muy interesante y llamativo para tenerlo como alternativa para disfrutar. Es una obra donde la dramaturgia se impone en primer plano y se roba los aplausos. Gabriela Romeo demuestra su casta y talento como dramaturga con un texto interesante, bien planteado y cargado de poesía. Vale la pena oír por medio de sus personajes lo delicado de sus palabras y frases, formando oraciones  de excelente dominio lingüístico y narrativo. Desde mi perspectiva un gran aplauso de pie para Gabriela Romeo como dramaturga. Más no puedo decir lo mismo en cuanto a su dirección y puesta en escena. En este sentido la obra se achica ya que la dirección tiene muchos desbalances y faltas de composición escénica. La puesta en escena es de baja calidad y se desperdicia momentos que podrían ser sutiles y llenas de poesía escénica. Las metáforas no deberían ser solo son textuales sino escénicas, en especial en una obra que tiene este tipo de textos surrealistas, sublimes o poéticos. Es una lástima porque no se aprovechó la calidad del texto y es inexplicable porque la dirección está a cargo de la propia autora. Técnicamente también tiene sus debilidades ya que visualmente la puesta es plana y carece de imágenes memorables. El diseño de luces en este punto es muy tosco, lo podemos apreciar con el contraluz utilizado. La música no fue bien seleccionada y no está presente en momentos donde debería estar. Una música bien seleccionada y adecuada realza un momento escénico y le permite subir el nivel a una puesta, en este  caso la obra está vacía. Ahora bien, las actuaciones están correctas y cumplen a cabalidad, destacándose sobremaneramente, desde mi punto de vista Hernán Sebastiani con el personaje de Carson. Es la actuación más sostenida en esta obra; los demás logran sus cometidos logrando buenos momentos y demostrando que son buenos actores, solo que les falló la dirección para estar de mejor nivel. Igual desde esta plataforma les invito a acercarse al Vera Vera Teatro los domingos y disfrutarla. Espero sus comentarios.

Ficha:

Dramaturgia y dirección: Gabriela Romeo

Actúan: Jorge Gregorio, Alejandra Ríos, Alfredo Sánchez, Hernán Sebastiani

Asistente general: Agustina Silvestrini

Diseño de luces: Horacio Novelle

Diseño gráfico: Mariana Rovito

Diseño de sonido: Claudio Mbayed

Fotos: Lula Gregorio Photography (@lulartph)

Por Victoria Seri

Como en los musicales es una nueva y fresca propuesta que se presenta en el Teatro Picadilly ubicado en la calle Corrientes los martes a las 20.30 horas.

El día 30/10 se llevó a cabo el estreno de la obra. Es una apuesta interesante desde lo artístico ya que el elenco es muy talentoso.  Son cuatro jóvenes los cuales con su corta edad ya poseen bastante experiencia actoral y musical.

El espectáculo está protagonizado por Lujan Blaksley, Thomas Lepera, Tomás Martínez y Bianca Cuscuna. Todo ellos se destacan por sus aptitudes musicales y voces increíbles. La idea y dirección está a cargo de Nicolás Medina. Él es otro joven talentoso quien lleva adelante por otro lado, un programa de radio llamado Los pochocleros, (también es una página web) en donde se brinda información y críticas de cine, series y teatro.

Como en los musicales no cuenta ninguna historia concreta. El hilo conductor son las canciones que cantan los cuatro adolescentes en escena. Todas las versiones de las canciones pertenecen a famosos musicales. Cada protagonista tiene su momento y posibilidad de lucirse individualmente en el escenario, ya que cantan de a uno y después hay canciones que cantan en grupo.

Además, los acompañan en el escenario dos pianistas que cambian de turno de acuerdo con la canción. También hay otros cantantes en escena. En ese sentido la idea consigue ser atractiva ya que en todas las funciones prometen distintos invitados que cantarán nuevas canciones que en otras funciones no lo han hecho. Esta dinámica hace que cada presentación sea única.

Claramente por cómo fue concebido, el espectáculo está destinado a un público específico.  Está dedicado a aquellos que estudian y conocen de comedia musical, siguen a los protagonistas y son fanáticos del género. Particularmente me hubiese gustado que se contextualice de alguna manera a las canciones que nos son presentadas para que no sea solamente un recital, una canción atrás de otra. Por ejemplo, a través de que los actores personifiquen enteramente los roles de esos personajes cuando cantan o simplemente a través de algún recurso visual, para que el espectador no se pierda y entienda de qué musical provienen esas canciones y el disfrute pueda ser completo.

Como en los musicales estrenó el martes 30 de octubre en el Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524) a las 20:30 horas. Con un equipo de trabajo joven y talentoso, te esperan para que vivas una noche a puro musical y diversión todos los martes de noviembre. Parte de lo recaudado será a beneficio de la asociación civil «El Leoncito Dan». Las entradas se pueden conseguir a través de PLATEANET o en la boletería del teatro a $350.

ELENCO   

Lujan Blaksley

Thomas Lepera

Tomás Martínez

Bianca Cuscuna

Ficha Técnica   

Idea Original y Dirección General: Nicolás Alan Medina

Dirección Musical: Astom

Asistente de Dirección: Sol Busetta   

Coreógrafa: Rocío Rodríguez Agostinelli

Pianista: Nicolás Andrés Rolando

Diseño grafico: Santiago Leguizamo

Prensa: 0KM Prensa

Por Victoria Seri

Qué lindo e inmenso lugar es el Centro Cultural San Martín. Siempre me sorprende gratamente, por su cartelera, por lo imponente del espacio y por su oferta cultural. La obra J. Timerman no es la excepción y se puede ver de jueves a domingo.

Eva Halac, directora y dramaturga, nos presenta su nueva obra cuya historia es ficción, pero está basada en datos reales. Tenemos que estar preparados para ver muchas voces representadas.

Durante los años setenta nacía una nueva voz, la cual representaba “la” otra perspectiva, y que era disidente con el gobierno militar que estaba en el poder. Específicamente la acción sucede en octubre del ‘71.  

Mientras que en Argentina se está viviendo un momento caótico y violento, la hija de Lanusse prepara su casamiento con un famoso cantante. Jacobo Timerman se enfrenta con Lanusse desde La Opinión, un diario orientado hacia los jóvenes y los estudiantes, que como el personaje repetirá varias veces a lo largo de la función, no contenía información sobre fútbol ni tenía fotos.  Estos personajes están situados en un momento delicado de la historia argentina y puntualmente el trabajo de Timerman como periodista reflejará una nostalgia por momentos no vividos.

Al mismo tiempo habrá mucha acción ya que en el país se están preparando elecciones y se cumple el aniversario de la muerte del Che Guevara, entre otras cosas. Para disfrutar del espectáculo no hay que saber de historia ya que la obra es muy dinámica y entretenida. Por momentos tiene algunos guiños y humor.

La sala es grande. Es interesante como está dispuesto el escenario. Este se encuentra en el medio de dos plateas, lo que hace que el espectador esté en constante estado de alerta y muy conectado con lo que está sucediendo en el lugar. La escenografía es sencilla y tiene mucha fuerza. Casi que las bambalinas se mezclan con el público y todo sucede ahí en frente tuyo, aprovechando todo el espacio.

Con respecto al trabajo actoral, todos los artistas se desempeñan maravillosamente en sus roles. Son grandes actores. Además, hay un poco de música en vivo, un piano que suena tranquilo, pero de manera imponente. Definitivamente muy recomendable.

Ficha Técnica

Autor: Eva Halac
Dirección: Eva Halac
Productor: Rocío Gómez Cantero
Elenco: Guillermo Aragonés, Leonardo Murúa, Carlos Scornik, Cristian Majolo, Mucio Manchini, Juan Pablo Galimberti, y Gregorio Scala. 
Escenografía: Micaela Sleigh
Música Original: Gustavo García Mendy
Vestuario: Micaela Sleigh
Iluminación: Miguel Solowej
Asistente de escenografía y Vestuario: Merlina García Brunelli
Asistente de dirección: Jennifer Aguirre
Diseño Gráfico: Andrea Torti
Prensa: Octavia Comunicación
Prensa del CCSM: María Sureda 

Estreno: sábado 29 de septiembre
Funciones: jueves, viernes, sábados 20:30h, domingos 20h
Importante: hasta el 28 de octubre, luego breve receso. Retoma funciones el jueves 22 de noviembre hasta el domingo 9 de diciembre.(sábado 8/12 no hay función por ser feriado)
Lugar: Centro Cultural San Martín, sala 3 (Sarmiento 1551)
Valor de las entradas: $220, día popular (jueves) $160
Compra de entradas: www.tuentrada.com y en boleterías de lunes a domingos de 11 a 21 h.
Duración: 75 min.

Un gran placer ha sido asistir al Teatro Nacional Cervantes por el estreno de la obra Enobarbo, escrita por Alejandro Acobino y dirigida por Osqui Guzmán. Una obra que con su contexto histórico, se mete en un entretenido delirio lleno de excesos y un gran homenaje a nuestro querido teatro.

Enobarbo significa «Barba de bronce» , un domicio Enobarbo de familia plebeya accedió al trono con Nerón. Esta obra ubicada en Roma , nos adentra en el gobierno de Nerón, un loco que ha sido gran amante del arte, y que dicho arte también ha sido culpable de grandes delirios durante su mandato. Durante la puesta se han encontrado varios matices del personaje principal, siendo en un principio un personaje torpe y tímido, hasta convertirse en un verdadero líder a pesar de su cuestionables decisiones.

Oqui Guzmán , quien dirige la puesta , también actúa y cumple un rol de director dentro de la misma obra. Su personaje Atticus, un esclavo que se gana la confianza del César, va relatando los sucesos además de ser un guía en los actos de los personajes. Pablo Fusco logra destacarse con el personaje de Nerón, un personaje que a pesar de sus excesos , han logrado mostrar en escena su lado más humano en los momentos de mayor fragilidad. El resto del elenco se suma de manera muy efectiva en este delirio con muchos guiños a la situación social y política de nuestra actualidad.

El trabajo técnico y escenográfico funciona a la perfección para adentrarse en la antigua Roma , una ambientación perfecta dentro de un espacio acogedor, como lo es la sala Oreste Caviglia del Teatro Cervantes. Toca también destacar los vestuarios de los personajes , que desde su sencillez, se adapta a la época en que transita la obra con ciertos tintes de modernidad.

Enobarbo es una obra hecha para el espectador amante del teatro, ya que es un homenaje a lo más puro de este arte. Se trata de una propuesta ágil, delirante y muy entretenida, que no tiene miedo de jugar con la crítica social y política, con reminiscencias a nuestra actualidad. Gran trabajo en la dirección de Osqui Guzmán, que ha logrado junto a todo el equipo de la producción, dejarnos una pieza teatral memorable.

Enobarbo se presentará a partir del jueves 18 de octubre a las 21 h en la sala Orestes Caviglia del Teatro Nacional Argentino – Teatro Cervantes.

Daniel Alvarez

En el Teatro Líquido del Espacio Callejón, en octubre, las funciones son los martes a las 20:30, Valeria Radioactiva con dramaturgia y dirección de Javier Daulte.

Es la historia de Valeria, una escritora de culebrones, donde mezcla realidad con ficción. Se encuentra abocada a un proyecto del mayor éxito en cuanto a rating. En la ficción, una fórmula secreta para lograr la inmortalidad mezclada con hijos no reconocidos, algo de incesto, un caso de espionaje industrial y un éxito en el público este drama de 3000 capìtulos, mientras que abajo del escenario, Valeria se alimenta de las realidades, que giran en su cabeza para ser el motor que impulse a esa ficción. Una mujer, dura, exigente consigo mismo, enamorada pero a quien le cuesta confesar sus sentimientos. Un entorno que la respeta a su manera, un gran juego donde todo el tiempo como quien salta de la hornalla al fuego, así es como manipula la realidad y la ficción.

Excelente labor de la actriz Maria Onetto, caracterizada por la versatilidad para llevar los dos personajes, el de Valeria y Amalia. Me animaría a decir que de ese papel, María Onetto se adueñó. El actor Héctor Díaz, quien se pone en el papel de un actor de culebrones, está imperdible. El actor Jorge Gentile, muy dúctil, en sintonía con María Onetto, un gran desempeño profesional. El resto del elenco Agustín Daulte, Maida Adrenacci, Inés Palombo, Daniela Pantano, acompañan a la obra, con una alta calidad en la recreación de sus personajes.

Tiene la puesta la cualidad de emocionar, dejando dando vueltas, como se puede lograr hacer vibrar al público, en las fibras más íntimas, al seguir un culebrón y en paralelo, quienes los arman pueden ser tan descarnados en su vida personal, al bajar de un escenario.

Aclaramos que Espacio Callejón, se habla de TEATRO LIQUIDO porque se basa en un colectivo creativo. TEATRO LÍQUIDO es la iniciativa de Javier Daulte, Héctor Díaz, Silvia Gómez Giusto, María Marull y Paula Marull.

Las radiaciones de Valeria son fluorescentes. El público está dispuesto a absorberlas, porque si bien no hay una fórmula para la inmortalidad, si hay recetas para pasarla bien. Y Valeria Radioactiva, es una de las mejores opciones para disfrutar de nuestro tiempo libre.

Por Agustín Arosa.

El encuentro de dos hermanas en un departamento de río de Janeiro revive no sólo pequeños avatares de sus vidas sino también la dramática serie de episodios de una tercera. A lo largo de la obra, afectos, miedos, desencuentros y despedidas se sucederán en una cálida escena.

Dos actrices sentadas charlando es un llamado de atención inicial. Dos actrices evocando en escena una narración impone, ahora, un estado de alerta. ¿Qué pueden hacer las palabras en medio de tamaño armado escénico? Esto debe destacarse de ”Cae la Noche Tropical”: el riesgo de matar el drama con la sutileza de un texto vedettisimo, ofreciéndole ¡encima! la escenificación de una conversación.

Nada que temer: dos maestras sentadas trabajando invierten un universo; unx creería en la gracia de ver sobre tablas lo que la narración oculta, y sin embargo exponer la narración es lo que nos conduce a una escena invisible, pero imponentemente sensible. Seguro que no es el magnífico dominio prosódico de las tres actrices (que poco abunda hoy); tampoco es la meticulosa caracterización que tan cómodamente performan como propia piel. Algo más sucede.

La actuación de Orazi es meritoria, su manejo vocal y sentido del ritmo la dotan de una presencia nítida. Por su parte, Manso inunda cada detalle con una excepcional vivencia, su enorme talento transforma la nimiedad en objeto de admiración. Pelicori es sencillamente una sístole, un cuerpo emotivo implacable.

Sobre el algo más: que las narrativas tengan efectos de realidad no es novedad, ahora bien, que las narrativas tengan efectos de drama en la realidad dramática es algo que la pieza se traía entre manos. Con esto no me refiero al texto, sino al intrigante fenómeno del relato de un relato de un personaje que escinde en conflicto a otrxs como reactualizando sus propias vivencias.

En “Cae la Noche Tropical” las palabras maestras de Puig contornean los afectos inefables, la fina versión de Loza & Messiez invita y la dirección habilita. Pero innegablemente la actuación propone y dispone, impone.

Las funciones se ofrecerán, hasta el 16 de diciembre, de miércoles a domingos a las 20.30 hs.

Duración (aproximada): 105 minutos

Platea: $220. Miércoles y jueves (días populares): $110

Por Victoria Seri

CHAU (me porté como quien soy) es una historia de amor. En uno de los diálogos al comienzo de la obra, una le pregunta a la otra ¿qué es la poesía para vos? Y ella le contesta “vos sos poesía”. Y así comienza la historia. CHAU es un espectáculo de amor y de compañerismo, en el cual se utilizan textos de poesías como forma de diálogo. Cada texto tiene una fuerza distinta y con cada una de las poesías se desarrolla un momento distinto de la trama. Estas mujeres nos cuentan como la pareja se conoció, la vivencia de un momento trágico, como es la perdida de un hijo, como transitaron su separación y después de un tiempo cuando se reencontraron. Para ello se utilizaron textos de autores diversos como Alfonsina Storni, Rubén Darío, Amado Nervo, entre otros. Lo más encantador sucede cuando los personajes nadan y se transportan alrededor de las palabras de esos textos.

Con respecto a la música, su rol es importante en el espectáculo, es decir, ayuda a potenciar determinadas situaciones.  Hay versiones de temas tales como “contra la corriente” a puro ritmo, a cargo de Carolina Curci y al final hay una versión a puro rock de “Puerto Pollenza”.

La escenografía es sencilla pero poderosa, y feminista, formada por partes de otras escenografías. Frases como por ejemplo “Ni una menos” y “cuando una mujer dice no es no” adornan el espacio.  Algo que me pareció maravilloso es como las poesías se mezclan con otros textos y expresiones que aparecen para acompañar al texto principal. Las protagonistas mechan dichos de la coyuntura actual tales como “saca tu rosario de mis ovarios” y “lo personal es político”.

El trabajo que realizan las actrices Thelma Demarchi y Yara Ribas es excelente. Sienten, expresan y representan las poesías de una forma hermosa y fluida. La dramaturgia y la dirección están a cargo de Martín Marcou quien hace un trabajo bien interesante abordando en sus obras temáticas relacionadas con la diversidad sexual y de género.

El espacio de teatro Tole Tole cuyo responsable es el director del espectáculo, se encuentra ubicado en una esquina en la calle Pasteur 683. Es un lugar ameno con propuestas muy atrayentes para el público.

Ficha técnico-artística

Actúan: Thelma Demarchi, Yara Ribas

Vestuario: Graciana Buldrini

Escenografía: Graciana Buldrini

Diseño de luces: Gonzalo Perez

Canciones: Carolina Curci

Teaser: Gabriel Ignacio Aranda, Tomás Colson

Fotografía: Liza Dombrowski, Maria Ines Persico Baldomir

Diseño gráfico: Ivana Bianchetto

Prensa: Mutuverría Pr + Media + CM

Producción: Espacio Tole Tole Teatro

Dirección: Martín Marcou

ESPACIO TOLE TOLE TEATRO
Pasteur 683 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 3972-4042
Web: http://espaciotoletole.com.ar
Entrada: $ 200,00 / $ 180,00 – Jueves – 21:00 hs – Hasta el 01/11/2018 

En el Barrio de Devoto, el domingo 28 de octubre, de 20 a 22, fiesta gran fiesta, estuve en el “teatro Fitito”, un teatro con el  nombre de un pequeño pero gran auto.

Cuatro obras de 15’ cada una. Como lugar de espera una hermosa terraza y con dos salas de 30 a 50 personas, cada una.

Las actuaciones todas impecables. Muy logrado el clima, teniendo en cuenta, que en 15’ hay que capturar la atención del espectador para guiarlo  a ingresar a la zona de conflicto y cerrar un desenlace. Un trabajo excelente en las cuatro obras vistas, todas en un medido tono de comedia, para reír.

En mi caso, la primera fue “En 15” con dramaturgia y dirección de  Natalia Gualtieri. ¡Qué mejor momento! Una noche de bodas, para enterarse de secretos acerca de  tu pareja. Una pareja interpretada por la actriz/actor: Flor D’Agostino y Juan Ignacio Pugliese.

Luego le siguió “Amarte”, un texto de Pablo Albarello, con dirección de Gaby Fiorito, con las actuaciones de Matías Rodríguez Davila, un joven de 30 años, que decide irse al espacio exterior, contratado por la NASA, y se encuentra con una excelente actriz como Gabriela Granda y lo dejamos ahí..como sigue.., porque pierde la gracia el contarlo. Pero les puedo asegurar que se van descostillar de la risa.

Luego de un merecido descanso, de encuentro con dos obras de humor, ¿Qué pasaría si nos encontramos en una peluquería, con una señora muy preocupada por  sus claritos en el pelo mientras se escucha que es la “Última llamada”?. Nombre de la obra: Ultima llamada, con dramaturgia y dirección de Rocío Carrillo, con las actuaciones de Graciela Franzetti y Silvina Bello.

Y para finalizar, como frutilla del postre, “Milva loves Milton”, una excelente comedia con dramaturgia de Eduardo Grilli, donde una pareja interpretada por la actriz Martina Zapico y el actor Ulises Pafundi, con dirección de Sebastián Bauzá.  La obra versa sobre el  planteo filosófico de que es más grave si la afición por los burros en el Hipódromo del lado de Milton, o es más peligroso el hábito goloso de comer helado de Milva. Una pareja que se hace querible,  porque Milva se plantea todo el tiempo si se merece que Milton sea querible.

Nosotros como espectadores nos planteamos sobre este arte tan maravillosa y mágico que puede ser el teatro que con adecuados diálogos, dichos en forma oportuna, sin necesidad de gran tecnología y  con una adecuada dirección, logran que  queramos volver al teatro, una y otra vez, sea caminando, en un sulky o hasta en un Fitito.

Consultar la cartelera: https://teatrofitito.wixsite.com/fitito/en-cartel

Ciclo 4: próximo 11 y 25 de noviembre

• de Natalia Gualtieri
• Con Flor D´Agostino y juan Ignacio Pagliere
• Dirección: Natalia Gualtieri
• Funciones Domingos 20:00hs y 21:10hs – Sala 2

Ultima llamada

• De Rocío Carrillo
• Con Graciela Franzetti y Silvina Bailo
• Asistencia y Escenografía Demián Ledesma Becerra
• DirecciónRocío Carrillo
• Funciones Domingos 20:00hs y 21:10hs – Sala 1

Amarte

• de Pablo Albarello
• Con Matías Rodríguez Davila y Gabriela Granda
• Dirección Gaby Fiorito
• Funciones Domingos 20:30hs y 21:40hs – Sala 1

Milva Loves Milton

• de Eduardo Grilli
• Con Martina Zapico y Ulises Pafundi
• Dirección Sebastián Bauzá
• Funciones Domingos 20:30hs y 21:40hs – Sala 2