Martes 21 hs, en el Centro Cultural 25 de Mayo, la obra “Cuando llueve” de Anthony Black, con traducción de Rafael Spregelburd.

Hay lluvias de muchas clases, desde la llovizna hasta el temporal. Así esta obra recorre desde el día de sol a pleno, va pasando por un cielo de diferentes matices, cada vez, se va poniendo más gris, hasta que llega el temporal.

La historia comienza identificando a sus personajes: un matrimonio conformado por Alan e Inés. También Ana, la hermana de Alan y pareja de Louis.

Inés maestra de escuela, Louis profesor de filosofía, Ana la escritora inconclusa y Alan el devoto de las estadísticas. El tiempo va transcurriendo, Louis y Ana, se distancian.

A estas dos parejas les pasarán cosas en la vida muy conmovedoras. La pieza, a partir de los disparadores, en cada espectador, levantará conclusiones muy variadas. En mi caso me hace reflexionar sobre la capacidad de resiliencia o no del ser humano, el inconformismo de los que exigen más a pesar de estar afectivamente abrigados, los extremos de la vida: el blanco y el negro.

Es interesante el estilo en el que está contada la historia. La escenografía utiliza recursos de última tecnología. No estamos acostumbrados en estas latitudes a ver efectos escenográficos mediante la digitalización de imágenes.

Además, de los aspectos técnicos, está contada al estilo de una documental, donde los personajes tienen muy bien marcados los espacios de tiempo y lugar. Donde la imagen es un complemento de un guion que ya de por sí es robusto.

Esta pieza es el éxito internacional de la renombrada compañía teatral canadiense 2b Theatre que presentó esta obra en New York, Edimburgo y Mumbai. Ahora llega a Buenos Aires en colaboración con su autor y director original Anthony Black, traducida y adaptada por Rafael Spregelburd quien también actúa junto a Gloria Carrá, Matthieu Perpoint y Moro Anghileri.

2b Theatre es una compañía canadiense con sede en Halifax. Muy reconocida en su país por haberse presentado en más de 45 ciudades y 10 países de los 5 continentes.

En el dossier de “Cuando llueve” Anthony Black, reconoce la importancia de la traducción del inglés original al español, Black dice “ha iluminado nuevas miradas sobre la obra”. Además plantea la necesidad de llegar hasta la médula, con preguntas, a las cuales, los seres humanos insistimos en querer encontrar una explicación, aunque nunca tendremos a ciencia cierta una respuesta. Una de ellas es ¿Por qué hacemos las cosas que hacemos?

Sugiero que no se pierdan “Cuando llueve”, les aseguro que no se van arrepentir. Es una invitación a una llovizna, en la que no necesita paraguas, no se mojarán, pero sin embargo, acompañarán en ese refrán que dice: Siempre que llovió, paró.

Ficha técnico artística

Autoría:Anthony Black

Traducción:Rafael Spregelburd

Actúan:Moro Anghileri, Gloria Carrá, Matthieu Perpoint, Rafael Spregelburd

Vestuario:Macarena Garcia, Leesa Hamilton

Diseño De Proyección:Nick Bottomley

Redes Sociales:Jésica Converti, Yamila Melgarejo Veliz

Sonido:Christian Barry

Fotografía:Juan Pardo Goicochea

Asistencia De Producción:Florencia Bracco, Fernando Vallejos

Asistencia de dirección:Javier Kussrow

Prensa: Duche&Zarate

Producción ejecutiva: Sebastián Romero

Producción: Aldana Illán, Máximo Maciel Bo, Analía Thiele

Producción general: 2b Theatre

Coordinación técnica: Maria Jimena Vidal Alvarez

Dirección: Anthony Black

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
Av Triunvirato 4444 – Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4524-7997 internos 212
Web: http://www.cc25.org/
Martes – 21:00 hs – Del 18/09/2018 al 02/10/2018, Del 16/10/2018 al 23/10/2018 y Del 13/11/2018 al 27/11/2018

Reseña Diana Decunto

Voley: La final es una obra que combina el teatro físico con el musical, se arma una cancha de voley en medio del escenario, el público puede ser espectador dentro de todos los ángulos que el espacio ocupa. La obra no es sólo un partido de voley , sino un conjunto de historias de personajes sumidos en la tensión que un partido nos trae. Se trata de una propuesta de Nicolás Manasseri , que logra sorprender con su original propuesta y la excelente sincronía de los actores, en una puesta coreográfica y musical.

La obra nos traslada a un escenario donde se va a dar un partido de voley , existen dos equipos dentro de esta historia, el femenino y el masculino. Ambos equipos colaboran entre sí para desarrollar todas las historias, siendo un gran trabajo actoral cuidado hasta en cada detalle.

Cabe destacar el trabajo de todos los actores , que prácticamente dejan todo en el escenario. En sus 60 minutos de duración, los artistas en el escenario cantan , corren , saltan; lo que supone un cansancio físico, pero la obra en ningún momento decae. El trabajo actoral también se destaca en lo musical, el rock se hace presenta en esta puesta , y cada uno de los intérpretes hacen lo suyo con la misma intensidad en que la obra se lleva a cabo.
El ensamble y la puesta, realizados por Nicolás Mansseri y María Fernanda Provenzano, se destacan por su prolijidad, su sincronicidad y su cuidada distribución espacial. Resulta muy efectiva siendo una propuesta en 360 grados , donde el espectador puede disfrutar de la propuesta en cualquiera de los ángulos donde se encuentra , algo que se debe mucho al cuidado trabajo de dirección.

Voley: La final es una original propuesta que nos trae la intensidad de un partido de voley al escenario. Una propuesta perfectamente coreografiada , gracias al trabajo de dirección y al talento de los actores. Es una obra para no perderse, destacándose también la música de Alejandro Roig, y que en su conjunto nos brindan una más interesante puesta en escena.

Viernes – 21.30hs

En el marco del Proyecto Nexo, un puente artístico entre Italia y Argentina, se presentarán entre septiembre y octubre, en el Teatro Método Kairos, de Palermo y Banfield Teatro Ensamble, cuatro obras de las cuales tres fueron gestadas en colaboración entre el Sementerie Artistiche, Banfield Teatro Ensamble y Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires.

Este domingo 16 de setiembre a las 18 hs tuve el placer de estar presente para admirar la obra “Lontano Blu”. La historia comienza con una actriz ensayando un monologo, sobre la muerte. Esta actriz, no está segura como hacer su monologo. Tiene un compañero de escena que explica las dudas que la invaden. Se muestra las diferentes formas en que se lo podría encarar. A medida que la obra avanza, se hace disruptiva en el espacio. Si hablamos de la muerte es imposible no hablar de la vida. La interrupción que se produce es con la realidad, en imágenes y en palabras se recorre desde el nacimiento hasta la muerte.

No es una obra fácil de reseñar, es un lujo dentro del teatro, con mayúsculas, hay una plasticidad en los actores, una libertad escénica, un libro atrás sólido, una calidad interpretativa de alto nivel, la hace una pieza dramática donde el público se pone de pie para aplaudir, como reconocimiento a la excelente labor.

Tienen la oportunidad de contar con otras fechas en septiembre, en Lomas de Zamora y en Capital Federal.

Para quienes les interese tengan presente en Banfield Teatro Ensamble realiza la segunda parte del Seminario “Aproximación a Stanislawsky”, con un estudio de montaje de “La gaviota”, de Anton Chèjov (desde el 13 de setiembre hasta el jueves 4 de octubre de 19 a 23 hs).

Cierro la reseña con esta frase de la pieza: “Conozco una manera de que te olvides de tu muerte. Acordate de la mía.» Uno de los potentes diálogos de Ignacio Bustamante, en boca de este binomio actoral Manuela De Meo y Pietro Traldi. Los invito a verla, porque tampoco la olvidarán.

Por Gonzalo Borzino

Un canto de aprecio a las cosas simples de la vida: la historia de cuatro jóvenes newyorkinos que intentan vivir con plenitud, felicidad y amor, desafiando una ciudad que trata de tragarlos, hundiéndolos en el olvido de las grandes urbes. Por un lado esta Deb (Manuela del Campo), una estudiante cínica con un sueño demasiado grande, quien conocerá a Warren (Lisandro Nesis), un romántico frustrado que busca dejar su marca en el mundo. En otra parte, pero no demasiado lejos, Jason (Argentino Molinuevo) y Claire (Sofia Rangone), una pareja en reciente convivencia, deben sortear los obstáculos que conlleva tener vidas acuestas, los secretos de ella contra las particularidades de él. En suma, es una lucha de egos desesperados por no ahogarse en las masas anónimas.

Musicalizada por Mariano Homps quien, a pesar de contar solamente con un piano para acompañar a los actores, logra que las historias se desenvuelvan bella y emotivamente. Las voces de los cuatro personajes transmiten eficazmente su constante personalidad y estado anímico, como un espejo sonoro, fiel a las vibraciones del alma. Los cuatro lograron adaptar las canciones a sus personajes de una forma sumamente natural y con un lenguaje corporal muy propio. El trabajo de dirección en esta área ha sido sublime.

En contenido narrativo, sin embargo, no dispone de un trabajo innovador. Con una disposición que plantearía un relato coral (al menos en principio), las historias se enredan en las calles de la gran manzana pero de forma tan sutil que al poco tiempo se perciben como dos líneas paralelamente trazadas que apenas interactúan entre sí. Lo que por un lado funciona como un reflejo de ciudadanos anónimos, falla en la estructura general quedando como dos historias con contenido un tanto decepcionante.

Otro punto negativo es el trabajo escenográfico el cual, a pesar de haber dispuesto una clara propuesta minimalista, apenas hace uso de las relecturas de los distintos objetos. Las sillas son sillas que se mantienen a la vista, y los personajes que en ellas se sientan no desaparecen de la diégesis del relato, por más que se queden quietos en el fondo. La gran diferencia con la obra original radicó en la forma del recinto teatral, ya que en el under newyorkino los personajes interactuaban con el público, además de salir y entrar por distintas puertas a los laterales, no teniendo que empaquetarse en los límites de un escenario clásico. Al no disponer de estas libertades, se debieron optar por alternativas de disposición espacial para una obra que se la pasa dando saltos. Y, debido a su condición elemental, este vago trabajo escénico es algo difícil de ignorar, resultando aburrido a la vista.

Una obra musical exportada del mundo anglosajón, escrita y compuesta por el americano Adam Gwon (String, Cake Off). En su décimo año desde su estreno en el Off-Broadway, llega al teatro Border por los martes de septiembre y Octubre. Si ven al musical por la musicalización, la armonía actoral y el trabajo corporal, esta es una obra que vale la pena. De lo contrario, será algo más de todos los días.

Ficha técnica

Título de la obra: Como todos los días

Género: Musical

Teatro: Teatro Border, Godoy Cruz 1838. CABA.

Duración: 80 minutos

Estreno: 11 de septiembre – únicas 8 funciones

Funciones: Todos los martes a las 20.30 hs

Precio: $300

Promoción: 2×1 con Club La Nación

Entradas a la venta en el teatro o por Plateanet: https://www.plateanet.com/Obras/como-todos-los-dias

Elenco: Lisandro Nesis, Michel Hersch, Manuela del Campo, Argentino Molinuevo, Sofía Rangone y Macarena Giraldez

Dirección: Colton Pometta

Dirección Musical: Mariano Homps

Libro, letra y música: Adam Gwon

Dirección de arte: Natalia Roscelli

Comunicación y prensa: Lucila Chain

Producción ejecutiva: Juana Civit

Producción general: Mario Micheloni

En el mes de la primavera, Radar de los trabajadores, agrupación de índole sindical de nuestro país, apuesta a crear una red de producciones culturales. En esta oportunidad, el segundo festival artístico, de jueves a domingo, durante el mes de setiembre, a la gorra, con 90 espectáculos, 15 salas y 700 artistas (bailarines, cantantes actrices, actores, directores, coreógrafos, etc.).

Se realizan diferentes manifestaciones culturales, en varias sedes. Tuve la oportunidad, el sábado 15 de setiembre, de ser espectador de la propuesta “Varieté Danzas” “Mujer” y “Luces, sueños y colores”, realizada en el Auditórium Malvinas Argentinas de la Asociación Bancaria. Una hermosa noche de humor, de danza contemporánea, baile folklórico.

Hay muchos espectáculos a la gorra, inclusive infantiles, los sábados y domingo desde las 15 hs. El circuito, además de Capital Federal en la sede de la Asociación Bancaria, Sala Caras y Caretas, La máscara, Hasta Trilce, Teatro Empire , Auditorio APSEE, Sala El Tipográfico, además se extiende a Avellaneda en el Teatro Roma, la Casa de la cultura de Merlo, o el centro cultural de Ezeiza.

Para consultar la grilla con las salas y horarios de espectáculos se accede a la página https://www.radardelostrabajadores.com.

Las reservas de entradas a 0 $ (cero pesos) es en la mismo página, seleccionado el evento y la cantidad de personas que deseen ir.

Levantan como propuesta, el primer concurso de literatura infantil y juvenil, “Imaginer{ias, Vuelan las palabras” hasta el 30 de noviembre se pueden presentar trabajos. Quienes estén interesados, para conocer las condiciones, pueden acceder a la página:

http://www.atecapital.org/noticia/concurso-de-literatura-infantil-y-juvenil-vuelan-las-palabras

Radar del Trabajador, es un espacio de los trabajadores recreado para que los trabajadores artísticos puedan mantener encendida la fogata de la cultura.

Páginas de consulta

https://www.radardelostrabajadores.com

Tuvimos el placer de ver la obra Ciervo pie blanco, obra de Leandro Silva que se presenta los martes en el teatro El extranjero. Cabe destacar desde un principio el excelente trabajo realizado tanto por su director Juan Martín Cervetto como el de cada uno de los actores en escena. Se trata de un atrapante drama familiar, donde las obligaciones y el deseo de una vida distinta se interponen ante el aislamiento, que tarde o temprano caerá en la desestabilización.

Una familia decide dejar la cómoda ciudad para irse a un lugar más propicio para el cuidado de “Caye” el menor de los tres hijos que sufre un padecimiento inusual. Este sitio nuevo que aparenta ser ideal y próspero para Caye, no lo es para el resto de la familia que se ve envuelta en una contradicción; abandonar la nueva tierra fría para cumplir sus propios proyectos o simplemente olvidarlos y quedarse a cambio de que Caye recupere su fuerza y mejore su vida.

Caye es una persona especial , aquel hijo que tuvieron que aislar para evitar los peligros que conlleva vivir en sociedad. Por eso la familia , o al menos quien la comanda , decide irse a vivir al monte , un sitio en el que podrán mantener seguro a este muchacho. El problema principal no dista mucho de la realidad , muchas personas se ven obligadas a tomar decisiones difíciles para proteger a quienes aman o sienten que tiene la responsabilidad de hacerlo. ¿Hasta qué punto puede sostenerse eso ? ¿Está bien arrastrar a otros a una vida que no eligieron? Se trata de un drama familiar sobre las emociones , sobre la protección de los seres queridos y la búsqueda de una vida propia en algunos personajes. Son los hermanos de Caye quienes toman el camino de la rebeldía, sobre aquella vida que les tocó vivir , con una interesante relación entre los hermanos que tienen pensamientos parecidos pero su actuar es distinto y lleva a la confrontación entre ambos.

El personaje de Jorge Lorenzo es uno de los más interesantes en esta puesta . Siendo el patriarca de la familia , es quien tiene la responsabilidad y la culpa sobre la vida que todos están llevando, es tal su rigidez y terquedad , que es difícil poder descifrar sus emociones tanto para los personajes como en el espectador. Una vez que el conflicto alcanza su clímax , el personaje se deja ver puro y razonable, más que destacable interpretación. No hay que olvidarse de Caye, interpretado por Emmanuel Martínez, se trata de un niño que es puro , libre de secretos y emociones escondidas. La fragilidad de este muchacho se transmite efectivamente en el espectador y es quien le da sentido al relato. El trabajo actoral es de excelencia, muy bien equilibrado el desarrollo de todos los personajes.

Ciervo pie blanco es una obra para no dejarla pasar , se trata de una historia que atrapa desde un principio y que nos regala sobresalientes actuaciones. Un drama sobre la familia , las decisiones y el peso emocional que esto conlleva. Altamente recomendable…

De la obra de Edward Allan Baker, en el Método Kairós, los viernes a las 23 hs, se está representando “Al norte de Providence”, bajo la dirección de Gastón Cocchiarale.

La historia de dos hermanos, los cuales hace tiempo no se ven y se encuentran afectivamente distanciados. Bobbie interpretado por el actor Tomas Pintos Kramer, vive en un lugar despreciable y lo viene a buscar su hermana Carol, con la interpretación de Malena López. En esa habitación se desarrolla este encuentro donde cada uno se rescata a sí mismo, a partir de confesiones que los unen y que nunca se habían atrevido a contar, debido a un hecho en el pasado, cargando con las culpas y bajo la presión de una realidad actual que es el disparador que motiva el encuentro.

Las obras de este neoyorkino, Baker, se caracterizan por ser de un acto y han sido producidas en Estados Unidos, Canadá y Europa. Baker ha sido merecedor del premio 25 Anniversary Award for Teatrical Excellence otorgado pr The Ensemble Studio Theatre de New York.

Una obra intimista, donde el elenco tiene la oportunidad de fluir con las emociones, con un alto nivel interpretativo y de exigencia, demostrando ambos, su calidad interpretativa, a partir de su experiencia y capacitación en el ámbito teatral con grandes como Agustín Alezzo en el caso de Pinto Kramer, de Claudio Tolcachir para Malena y el director Gastón Cocchiarale que como actor se ha destacado en trabajos en cine y TV como “El Clan” de Pablo Trapero, “Permitidos” de Ariel Winograd.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Edward Allan Backer

Actúan: Malena López, Tomás Pinto Kramer

Diseño de luces: Jorge Ferro

Diseño gráfico:Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección: Julieta Schapira, Bianca Vicari

Dirección:Gastón Cocchiarale

Duración: 45 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
El Salvador 4530
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4831-9663
Web: http://www.elmetodokairos.com.ar

Viernes – 23:00 hs – Hasta el 28/09/2018

Reseña Diana Decunto

El triunvirato de sacerdotes que gobierna en la ciudad bien podría ser una representación de la edad media. Aunque no hay notables en esta obra, la casta de esta religión, con sus particulares rituales, mantiene viva esa relación de poder con el pueblo, y sobre todo los que no están a favor de sus creencias: los ateos.

Tres sacerdotes espiritistas gobiernan en triunvirato y afrontan una crisis social que no podrán detener a pesar de las infructuosas, crueles y absurdas acciones que llevarán a cabo para impedir la anunciada rebelión. Ninguno de los tres sabrá cómo evitarla sin apelar a las directivas del Gran Líder, con quien se querrán comunicar, inútilmente, a través de una güija rota. El absurdo se impone: este Gran Líder se convierte así en un oscuro y temible Godot, sobre el que se especula toda clase de características y pretensiones que hay que satisfacer, incluso la del sacrificio humano

La apariencia que difiere en los tres gobernantes no solo es el color en su apariencia, sino en el poder y los intereses de cada uno. Este camino de conflicto, a veces puede ser la única manera de avanzar.

FICHA TÉCNICA

Reparto personajes:

Sacerdote Primero: Eduardo Veliz

Sacerdote Segundo: Juan Palacios

Sacerdote Tercero: Darío Serantes

Esclava- Grecia: Lucía Sempértegui

Asmodeo: Checho Castrillón

Astarté: Jorge Landaco

Dramaturgia, puesta en escena y dirección: Karen Koch

Diseño de escenografía y vestuario: Claudia Facciolo

Diseño y puesta de luces: Julio López

Realización de escenografía: Claudia Facciolo y Hernán Nocquet

Realización de vestuario: Ángela Cruz

Fotografía: Fernando Walter

Diseño gráfico: Camila Cantero

Realización audiovisual: Sergio Grimblat

Funciones: Domingos 19hs

El Estepario Teatro. Medrano 484

Entradas: $250

Descuentos a jubilados y estudiantes

Reservas en www.alternativateatral.com.ar

Trailer https://www.youtube.com/watch?v=GWsi1KZk_mY

En su tercer temporada, en el Teatro El Cubo, los viernes, 20:30 hs, “El sueño de Nahuel”, obra de teatro con dramaturgia y dirección de Matías Exequiel Cancemi.

Historia, vista desde la inclusión, porque nos permite adentrarnos en el mundo de las capacidades diferentes, compartir el diario vivir dentro del ámbito familiar. También exalta el amor maternal, contra viento y marea, sin importar los obstáculos que se presenten.

El actor Mariano Carabajal interpreta a Nahuel, un adulto con retraso madurativo, la actriz Mariela Bonilla en el papel de Laura, la madre de Nahuel. Una mujer divorciada, viviendo para y por su hijo. El padre de Nahuel es Marcos interpretado por el actor Eduardo Pizzini y en el personaje de Paula, la terapista ocupacional, la actriz Micaela Zaikoski.

Al final de la obra Mariano, comentó en el momento de los aplausos, que la historia está basada en un hecho real, y viendo la obra, me puse a pensar cuantas historias serán iguales a la narrada.

Las actuaciones del elenco son excelentes, cada uno de los personajes consustanciado con su papel, dando la mirada desde cada rol.

Tiene un cuerpo de baile, con escenas coreográficas de Soledad Noelia Ravazzoli, que artísticamente profundizan en la idea desde otra forma de expresión: la danza.

Un obra sin tapujos. El autor y director Cancemi, ha logrado un planteo tan humano del tema, que logra conmover al espectador.

En el dossier menciona la frase de Nick Vujicic, director de una organización para personas con discapacidades físicas, que dice: “El miedo es la discapacidad más grande de todas” a la cual me adhiero. Pero también es importante entender, y la obra nos hace reflexionar sobre cuán capacitados estamos o no, para acompañar individual y socialmente a los familiares que cuidan de familiares con discapacidades físicas.

Ficha técnico artístico

Dirección general y dramaturgia: Matías Exequiel Cancemi

Actúan:

Nahuel … Mariano Carabajal

Laura…….Mariela Bonilla

Marcos…..Eduardo Pizzini

Paula……Micaela Zaikoski

Patricia Marquez..Karina Otero.

Cuerpo de baile:

Rocío Alamos | Fernando Benitez Ortiz

Agustina Buzzo |Nahuel Casini Soyo

Mora Díaz |Nahuel Guzmán

Mariel Muñoz |Agustina Ojeda

Emilia Ramos |Antonio Vlasic

Candela Zubeldia

Dirección Actores: Carlos Álvarez

Coreografías: Soledad Noelia Ravazzoli

Asistente Coreografías: Nahuel Casini Soto

Compositor: Maximiliano Spoltore

Vesturario: Wilfrida Zarza

TEATRO EL CUBO

• Zelaya 3053
• Capital Federal- Buenos Aires – Argentina
• Teléfonos: 4941-4954
• Web:http://www.cuboabasto.com.ar
• Viernes – 20:30 hs

Reseña: Laura Pacheco Mora

A pocos de ustedes, les resultará indiferente esta obra de características tan particulares y atípicas, del maestro Alejandro Jodorowsky, quien se define a sí mismo como “limpiador de sombras, ladrón de sueños, devorador de luciérnagas, y constructor de castillos en el aire”, siempre tan controversial y cuestionado, como todo artista que propone algo diferente.

Se trata de un artista polifacético, escritor, director, cineasta, actor y dramaturgo; que es además el creador de la Psicomagia y en esta ocasión, nos convoca para una reflexión personal a partir de la dramatización de su filosofía del entendimiento del inconsciente.

Esto es en realidad, una grata y liberadora invitación al “no racionalizar”, en términos de nuestros prejuicios, tabúes, miedos, presiones y mandatos sociales impuestos, e intentar un ejercicio de autoconocimiento a través de actos que nos permitan dialogar con el “lenguaje enloquecido, simbólico y onírico” de esta parte de nuestra psiquis, estableciendo así una sintonía que nos posibilita tocar puntos de traumas, inhibiciones y conflictos (de otra forma inaccesibles) para desnudarlos y sanarlos; todo esto, en un marco lúdico y dramático.

El juego que todos jugamos, es una completa y permanente crítica a esta sociedad de mentalidad cerrada y estructurada, representada por un gran cuadrado, que forma parte de la escenografía y nos espera, cambiando de color y matices; éste se irá desestructurando a lo largo de la puesta en escena, para representarnos la necesidad de romper los moldes y la rigidez de nuestros pensamientos y emociones.

El ficticio director “Ernesto”, se burla de los actores y de esta propuesta teatral desde el comienzo hasta el fin, dando a entender la poca importancia del contenido de la misma y situándonos en el “aquí y ahora”.

… “La obra tiene que ser como un traje, a la medida del actor, por eso siempre fluctúa …” si tengo un teatro, actores y público, debo hacer una obra que sirva para algo” … “el espectador debe dejar el teatro sintiéndose completamente diferente” … “los actores no son solo actores, son seres humanos” e interactúan con el público, intentando llevarlo a la reflexión.

En definitiva, Jodorowsky nos recuerda que la vida es un juego, tenemos que liberar nuestra mente, cuestionarnos todos los aspectos de nuestra vida y tomar conciencia de que vivimos dentro de una jaula mental, y nos cuestiona que sucedería si nos atrevemos a dudar de todo y de todos, hasta de nosotros mismos.

La propuesta recorre todos los temas, limitaciones, prejuicios y las caretas que elegimos ponernos a diario para interactuar y ser aceptados en sociedad, sin descubrir quiénes somos realmente reprimiendo nuestra verdadera esencia.

Resulta genial la idea de introducir a un actor que hace de “no actor”, en una clara metáfora que alude a los excluidos y marginados de la sociedad. Además, debemos cuidar nuestra columna vertebral, como representación de la fuerza vital que nos sostiene y permite avanzar en nuestra vida, alimentada siempre por la necesidad y la búsqueda de aceptación.

Me llevo y le agradezco a este juego la posibilidad que nos da de experimentar la visión de que lo importante en esta obra, como en la vida misma, no son las representaciones, sino lo que estas significan.

Le pregunto a cada uno: ¿Sabemos qué significado e importancia le damos a nuestro camino y hacia dónde queremos llegar?… ¿la carrera que corremos, cada uno a su ritmo, resuena en nuestro interior?… ¿qué estamos haciendo con nuestros instantes? ¿entendemos que la vida está hecha solo de momentos? ¿Quién sos?

Esta obra, es altamente recomendable, contribuye a nuestro crecimiento, introspección y sanación.

Como dijo Jodorowsky: “Somos todos esclavos de nuestro personaje, creado primeramente por la familia, luego por la sociedad y tercero por la cultura. El camino de la transformación, es liberarse de la esclavitud. Detrás de mil máscaras, soy auténtico.”