Por Maximiliano Pouchan

Comencemos por el final. Me gustaron mucho los Chicos Feos.

Gabriel Gavila y compañía, despliegan en escena un show enérgico, inteligente, plagado de matices y estímulos que se suceden vertiginosamente.

El espectáculo, no es solo un grupo de muchachos bonitos, que entre humoradas y provocaciones sexuales, bailan y muestran el cuerpo. Hay algo más. Es un show confesional, sus protagonistas se desnudan completamente y podemos conocer sus partes íntimas pero también su intimidad. Hacemos un recorrido sobre su pasado, sus miedos, sus partes vulnerables y su mirada del mundo. Sin pudores vemos todo, nos invitan a ver de cerca, dándonos el gusto de mirar lo que queremos ver.Aunque todo puede ser mentira. Y esta mentira los hace más interesantes y atractivos.

Su director hace alarde de control. Esta cuidado con minuciosidad el registro actoral. Parecen todo salido de una obra de improvisaciones.

Gavila esta escena, los toca, los mueve, los ordena a gusto. Nos recuerda su nombre a cada rato. Resalta los valores de su obra y declara su superioridad, su rol de Dios de esta ficción. Es como un grito desesperado pidiendo atención y cariño. Pareciera que el show, en el fondo, se trata de eso.

Es trash, kistch, posmoderno, divertido, no convencional. Es una obra de filosofía adolescente en calzones, que se bajan porque si, para provocar. Explicitan cosas que en otros espectáculos de este tipo, laten en cada minuto de escenario. Se permiten ser lo que son y nos invita, a nosotros espectadores a relajarnos y disfrutar sin culpas.Me gustan los chicos feos, porque son lindos. Y me dejaron con ganas de más.

VIERNES 23HS en LA SODERIA Vidal 2549 Reservas: 4543-1728

Ficha Técnica:

Autor y director: Gabriel Gavila.

Elenco: Gabriel Gavila, Victor Wolf, Marcelo Salas, Lior Telezon, Leandro Sturla, Javier Roldán, Gonzalo Cetraro, Gonzalo Bourren, Gerónimo Campese, Federico Sorrentino, Emmanuel Martinez y Adro Verbén.

Fotografía: Ana Rodriguez.

Make up: Melina Acuña.

Vestuario y Escenografía: Ileana Vallejos.

Comunicación audiovisual: Leandro Sturla – Emmanuel Martinez.

Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.

Stage Manager: Joaco Balverde.

Selección Musical: Joaco Balverde y Gabriel Gavila.

Colaborador Artístico: Luciano Crispi.

Diseño de luces: Lucas Ontivero

Supervisión Artística: «Iti El Hermoso».

Reseña: Gonzalo Borzino

Un vestuario de futbol vacio. O no tan vacio, ya que hay dos gatos gigantescos en medio del mismo. Estos son las mascotas del equipo que esperan el entretiempo para salir a animar, encarnados por Juan Isola y Guido Losantos. Están ansiosos, expectantes y acabarán hablando de más; revelando secretos de sí mismos justo antes de ser interrumpidos por un jugador, interpretado por Facundo Aquinos, que escapó de la cancha por tener una crisis existencial cuántica. Y a partir de ahí todo es cuesta abajo y cualquier añadido sobre el argumento entorpecería el saboreo de tan conflictivo enredo de egos. Sin embargo, desde su síntesis se pueden esperar multiversos colisionado, debates filosóficos y el análisis científico del anarquismo… Ni DC se atrevió a tanto.

Siendo la novena dramaturgia escrita por el uruguayo Santiago Sanguinetti, el gato de Schrödinger es un espectáculo de humor que roza, con cierta tosquedad, el campo de las teorías cuánticas. Esto, que en un principio podría resultar aberrantemente confuso, se convierte en el cenit de la obra dotándola de una peculiar profundidad que adentrará al espectador en un mundo fascinante de posibilidades adversas y, quizás, lo influenciará en su forma de ver el mundo. Como parte de las obras seleccionadas para el III festival Internacional de Dramaturgia, es evidente que un cierto nivel de excelencia es esperable.

Dirigidos por Pablo Seijo, los actores ejecutan sus diálogos recitándolos, con esa monotonía típica de teatro monologista que debe desenredar una idea sin que su lengua se trabe. Algo similar ocurre al momento de ejecutar las líneas humorísticas que, si bien tienen un ritmo orgánico, pueden parecer un poco forzado, denotando el artificio. Esto se hace más notorio con los chistes o agresiones cómicas relacionadas a la homosexualidad, las cuales intentarían parodiar un poco el entorno futbolero y particularmente argento que se vive en las canchas y en las intimidades de «los machos». Y es que, en realidad, una parte secundaria de la obra se dedica a la fragilidad del ser, que incluso perteneciendo a un entorno duro como lo es el mundo deportivo, puede tener un interior absolutamente destructible. A pesar de los músculos, hay conciencia. A pesar de los bailes, hay abrumadores pesares. A pesar de ser apreciado, hay soledad.

La gestualidad es el elemento clave, actoralmente hablando. Es atreves de ella que la verdadera transmisión de lo absurdo llega a nosotros, y por medio de la cual obviamos la verborragia que lanzan por momentos los personajes, que parecen haber sido poseídos por un filosofo de antaño por un lapsus de tiempo breve. A veces demasiado exagerada, acompaña el sentido del humor bizarro hasta el punto en que una reacción desmedida parece la forma verosímil de recibir semejantes situaciones. Juan Isola es uno de los que más se luce en este aspecto, siempre siendo capaz de entregar una interpretación ágil y cómica. Al salir, uno de los presentes exclamó «¡No podía creer estarme enamorando de la actuación de un peluche que ni expresiones faciales tiene!».

Habiendo sido estrenada en el 2016 y siendo el próximo lunes la última función, al menos en el espacio Timbre 4, no puedo sino recomendar fuertemente que vayan a presenciar esta experiencia cuántica ¿Sera este universo uno de los infinitos donde la verán y sus vidas cambiaran para bien? Solo ustedes lo sabrán, si se dignan a mirar al interior de la caja del gato.

Autoría: Santiago Sanguinetti

Elenco: Horacio Acosta, Facundo Aquinos, Pablo Cura, Juan Isola, Guido Losantos, Mauro Malaspina y Emanuel Parga.

Vestuario: Magda Banach

Asistencia de vestuario: Luciana Hernández

Realización disfraces mascotas: Ricardo Rosas

Escenografía: Ariel Vaccaro

Iluminación: Matías Sendón

Diseño sonoro: Zypce

Fotografías: Dafna Szleifer

Fotografía en gráfica: Nacho Iasparra

Producción: Poppy Murray

Asistente de dirección: Arturo Alonso

Dirección: Pablo Seijo

Esta pieza es una coproducción entre Festival Internacional de Dramaturgia, Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), TIMBRe 4 y Plataforma Fluorescente.

Estreno: 4 de junio 2018

Funciones: lunes 21 hs. hasta el 3 de septiembre 2018

Duración: 80 minutos

Teatro TIMBRe4

México 3554, CABA, www.timbre4.com

Reservas y compra de entradas: timbre4.com/ alternativateatral.com / boletería del teatro. Entradas: $ 300 y $ 250 (estudiantes y jubilados), $ 150 (post 80 o sub 28, o alumnos de Timbre) y 2×1 Club La Nación

Reseña: Laura Pacheco Mora

¡ÚLTIMA FUNCIÓN ESTE DOMINGO A LAS 18 HS.!!    ¡ANTES DEL DESCANSO HASTA OCTUBRE! y… ESTAMOS TODOS INVITADOS A TOMAR EL TÉ …

… la mente es una herramienta poderosa y la imaginación suele ser muy peligrosa… el límite lo delinea cada uno …

La historia desnuda el drama de Teresa tras la muerte de su mejor amiga, Conejo.

Una obra en tiempo real, una hora en la vida de Teresa.

Teresa sueña que es una liebre o no lo es, no lo sabe.  Se lo dijo su amiga Conejo. Siempre es la hora del té en su casa.  San Jorge la protege. Teresa es la parte rota y maravillosa de sí misma.  Ama bailar, baila con la melancolía de saberse doble, triple, infinita…

La historia transcurre en la casa de Liebre, en una suerte de reunión, donde se invita al público a interactuar en principio como invitados, y luego sucesivamente como parte de las vivencias, recuerdos y sentimientos de la protagonista y de Conejo, su mejor amiga, que aparece de forma esporádica a través de todo el desarrollo de la obra como una especie de alter ego, recuerdo o evocación, que a su vez cumple diferentes roles en su presente:  la de guía, la de confidente y hasta la de consejera, recordándonos al mismo tiempo que ella no está presente en forma real.

La duda invade al espectador en forma constante, a través de la participación que le permite encontrar y entender la puesta de forma intuitiva y sensorial y esto, se constituye en una experiencia única e irrepetible, tanto para los actores como para nosotros, fluctuando en cada función y, si se quiere, trazando un paralelismo con los bordes de la vida y nuestro inconsciente… o no.… esto sólo se descubre transitándola y es un proceso puramente personal, en el que crecemos como seres humanos.

Es una obra atrevida, provocadora, que toca un tema aún delicado y estigmatizado con mucha cintura y respeto, como es la esquizofrenia, desde un lugar humano, amable y con plena libertad, simplemente es una condición.  La obra da luz a tanta oscuridad y en ese espacio, en esa hora de la vida de Teresa… TODO ES POSIBLE…  quedando a criterio del espectador, contestar preguntas, en el caso que surgieran.

Si bien, en la puesta de escena, vemos a dos increíbles actrices, los reales actores son tres, ya que el trabajo del sonidista Mariano Asseff es fundamental para lograr la armonía.

No existe en la oferta porteña, una obra similar, ni existirá; esto debido a que es cíclica y fluctúa como la vida. Te golpea y es muy oportuno en estos tiempos en los que debería ser historia antigua, el ocultar a familiares o amigos enfermos y en los que es imperativo el despertar.

Nos preguntamos hasta qué punto son los otros los que padecen una enfermedad, puesto que nos desnudamos ante la mirada de Teresa, quien te dice esa verdad cruda que no querés escuchar y funciona como el espejo que evitamos ver.

La intención es contarnos una historia más, sin hacer tanta propaganda del genial trabajo que lograron y seguramente, sin tomar dimensión que adquiere la obra. Personalmente, me sumergí en un sueño, sentí mis miserias, vi mis oscuridades y, tuve la sensación de estar dentro de una película de David Lynch.

Tuve el agrado de sorprenderme, asombrarme, admirar y disfrutar un texto exquisito y quedar atónita ante la brillante actuación de Florencia Naftulewicz, quién, además, es una de las dramaturgas.

Queda claro que estamos aquí ante la presencia de un real equipo de artistas, que además de ser súper talentosos, ama lo que hace.

Y todo esto gracias al talento de las directoras Pilar Boyle y Sharon Luscher; las actrices Florencia Naftulewicz y Fernanda Rodriguez, que dejan el alma en cada función y la dramaturga Jimena Gonzalez.

Personalmente, les agradezco este enorme aporte al arte, a la vida y a cada uno de nosotros.

Actúan: Florencia Naftulewicz y Fernanda Rodríguez

Sonido en vivo: Mariano Asseff

Diseño de escenografía: Teresa está Liebre

Realización escenográfica: Jackie Ferreira, Jair Bellante y Mariano Asseff

Diseño y realización de iluminación: Leandro Crocco

Diseño de sonido y diseño gráfico: Mariano Asseff

Fotografía: Agostina Gladiali

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia: Luca Capobianco

Dramaturgia: Jimena Gonzalez y Florencia Naftulewicz

Dirección: Pilar Boyle y Sharon Luscher

REESTRENO:domingo 20 de mayo 2018

Funciones: domingos 18 hs. 

Duración: 60 minutos.

TEATRO QUIRÓN

Av. La Plata 1331

(https://goo.gl/maps/x9ToJ5poQdB2)

 Reservas por: Alternativa Teatral

 Entrada general: $150

Dentro del marco del Ciclo de Dramaturgias Itinerantes, durante el mes de Agosto en El Sabato, Espacio Cultural Económicas, que festeja su vigésimo aniversario de funcionamiento, se dieron varias obras en cartelera, todas a la gorra.

Tuve la oportunidad de ver la última función, el sábado 25 de agosto, a las 20:30, de la obra Talk (fem.) Reflexiones sistemáticas y recurrentes, en versión libre de Martín Brunetti, basada en Talk 300 mg de Hernán Bongiorno.

Es un texto y una puesta muy interesante, sobre la soledad, en mujeres jóvenes, que han tenido decepciones sentimentales y que están en la búsqueda permanente de la pareja, que en el mientras tanto, sufren: depresión, frustración, ansiedad, que no las lleva precisamente por el buen camino.

El mensaje está excelentemente representado, en una obra que tiende a la perfomático. Las tres actrices, logran ponerle una garra, que logran mostrar cuán grande puede ser un vacío sentimental y cuánto daño puede producir. El objetivo de la obra es reflexionar en voz alta sobre una problemática, actual y que en ningún momento, intenta justificar el exceso. Me pareció una obra impecable en cuanto a formato, forma y contenido, para plantear uno de los problemas de las mujeres jóvenes que no logran relaciones estables.

La voz en off es de Adriana La Gata Varela, el vestuario es acorde a cada una de las situaciones a cargo de Gabriel Jaime.

Una propuesta más que interesante, estimo que volverán pronto. El dossier de la obra anuncia que su destino final es Barcelona. Tres actrices Lara Crespo, Jimena Grandinetti y Celine Brasseur, que lograrán con esta dramaturgia itinerante, acercar a las mujeres de varios lugares, en la reflexión sobre los problemas cotidianos y mostrar los fantasmas que pueden asolar al alma de hombres y mujeres.

Ficha Técnico Artística:

Dramaturgia: Martín Brunetti

Actúan: Celine Brasseur, Lara Crespo y Jimena Grandinetti

Vestuario: Gabriel Jaime

Escenografía: Ana Latini

Diseño de luces: Demián Lorenzo

Musicalización: Benja Martinez

Operación de luces: Darío Errico

Fotografía: Violeta Maison VM Audiovisual

PR + Media + CM: Mutuverría

Asistente de dirección: Mercedes Arguimbau

Dirección: Martín Brunetti

Duración: 50 minutos

Reseña Diana Decunto

Con puesta y dirección de Daniel Dibiase, los jueves a las 21:30 en el teatro Tadron, se encienden las luces, para presentar el conflicto de pareja, planteado por la dramaturga Beatriz Mosquera.

La obra, es de corte argentino y está trasladada a un momento de la historia, donde estaban de moda, en las mujeres, hacerse la toca y usar los pantalones acampanados.

Los personajes centrales son marido y mujer, un matrimonio joven, con dos hijos, donde predomina la frustración, del marido, en el ámbito laboral, por no llegar a fin de mes. El renunciamiento a los estudios, de la esposa, en pos de tener los hijos y en ambos, el profundo sentimiento de fracaso, en el matrimonio.

Este sinceramiento, se da en un día muy especial, en el festejo de aniversario de casados; los invitados intentan calmar la situación, pero terminan echando más leña al fuego.

No seguiremos contando más, porque lo importante de la obra, son los diálogos, en boca de sus personajes. Excelente la actuación de la actriz: Silvana Seewald, en el papel de esposa resentida, junto al actor Cristian Thorsen, ese marido, mutante entre sentimientos culposos a tomar la actitud de la defensiva, donde la queja del personaje, es que su generación hizo las cosas a destiempo. La actriz Rosario Garcia Coni y el actor Ramiro Gatti, que también se lucen en sus papeles, con sus dramas y una confesión, que es uno de los detonantes.

Se preguntarán el porqué de La luna en la taza. Tiene mucho que ver con la búsqueda, con el hecho de no darse por vencido, de no renunciar a los sueños. Por eso, la invitación está abierta, a que el público encuentre como dijo Gastón Breyer sobre el teatro, “la mirada y la escucha deseante”.

Ficha técnico artístico

Dramaturgia:Beatriz Mosquera

Actúan: Rosario García Coni, Ramiro Gatti, Silvana Seewald, Cristian Thorsen

Vestuario y escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Fabián Molina Candela

Diseño sonoro: Sebastian Berenguer, Daniel Dibiase

Fotografía: Carlos Aguado

Diseño gráfico: Diego Berenguer

Asistencia de dirección: Violeta Parodi

Prensa: Simkin & Franco

Producción técnica: Sebastián Ferreyra

Producción ejecutiva: Sebastian Berenguer

Puesta en escena y dirección general: Daniel Dibiase

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

TADRON TEATRO Y CAFÉ

Niceto Vega 4802

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 4777-7976

Web: http://www.tadronteatro.com.ar

Jueves – 21:30 hs – Hasta el 20/09/2018

¿Es posible vivir del recuerdo? ¿Puede la añoranza convertirse en una cárcel del alma y del cuerpo? La obra teatral escrita y dirigida por Alberto Cattán nos enfrenta a este interrogante, representado en numerosas ocasiones bajo piezas como La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca. Tita y Nené, “bombones para un entierro” muestra cómo se desmorona la convivencia de dos hermanas tras la muerte de su madre. Este hecho irrumpe de manera violenta en sus vidas, ya que ambas se ven obligadas a aprehender la realidad. Esta intelección se tiñe de rasgos dramáticos a la par que cómicos.

Tras volver del entierro de su progenitora, Tita y Nené no saben cómo han de reconducir sus vidas, las cuales parecen estar ausentes de cualquier propósito. Ambas se sientan lo más lejanamente posible la una de la otra, dando comienzo a un incandescente diálogo en el cual afloran vicisitudes y angustias contenidas durante tantos años. Se liberan de sus ataduras al verse enfrentadas por primera vez ante la inmensidad de una casa familiar. Aparecen querellas, tales como la inquietud acerca de deshacerse o no de la vivienda, la herencia y la oportunidad de ser independiente. Estos problemas se ven agravados por el lugar en el cual residen, donde los rumores y “el que dirán” son el caldo de cultivo en sus existencias.

Las contradicciones respecto a las posiciones políticas también incrementan la dificultad para seguir sosteniendo una vida solitaria, atada a recuerdos. La presencia de un inquilino acrecienta aún más estas opiniones disímiles, pues este personaje huyó de la guerra y pasa los días atemorizado. La reunión entre estos tres protagonistas suscita muchas risas frente a un clima embriagado por la pesadumbre y la oscuridad.

No sólo el recuerdo, sino también el hogar familiar van carcomiendo progresivamente los cuerpos de ambas figuras femeninas, quienes deberán tomar una decisión drástica o, bien resignarse ante una existencia cruel y monótona.

Tita y Nené, “bombones para un entierro” es una pieza teatral destinada a ser vista por todos y cada uno de nosotros. Reúne de manera magistral dos géneros sumamente contradictorios, el drama y la comedia.

Ficha técnica

Elenco: Graciela Baduán, Paula Rubinsztein y Marcelo Bello

Diseño sonoro: Miguel Ortiz

Escenografía e iluminación: Alejandro Arteta

Diseño de imagen y fotografías: María Labella

Asistente de dirección: Marcelo Risatti

Dramaturgia y Dirección: Alberto Cattan

Teatro NoAvestruz (Humboldt 1857, CABA)

Funciones: domingos 20:30hs

Entradas: $250 / Reservas:http://www.noavestruz.com.ar/reservas

América Arana

El violinista en el tejado es la gran propuesta p que hemos tenido este año , y que tras su paso exitoso hace unos meses en el teatro astral , se muda al teatro El nacional para extender su temporada sobre las tablas porteñas. Encabezado por Raúl Lavié y un excepcional elenco , la obra nos habla sobre las tradiciones, de aquellos valores sagrados que se dan dentro de una familia y en la comunidad, que a veces es necesario romperse y adecuarse al cambio. se trata de una obra llena de talento y sensibilidad.

Esta historia se sitúa en Rusia, en un pequeño pueblito de Anatevka, en el siglo XIX. Allí encontramos a Tavye, un trabajador lechero con su esposa y tres hijas en plena adolescencia. El conflicto de la obra es mantener la tradición como siempre lo fue en esa época y el futuro matrimonio de sus hijas, que es casarse con su misma religión, al padre se le debe pedir la mano de la hija, y que el futuro marido tenga un buen pasar económico para que ella tenga una vida feliz. Pero todo sale al revés. Ninguna de sus hijas cumplen con las tradiciones y deciden actuar según sus sentimientos, la obra se centra en la adaptación de estos hechos , la relación con la familia y los cambios sociales que ocurren en el momento donde transcurre la historia.
Con un gran elenco de actores, cantantes y bailarines, la obra con un intervalo de por medio, es muy entretenida. Destacadas las participaciones de Raúl Lavié y Julia Calvo en los roles de los padres de familia, uno de los mejores momentos de la obra transcurre a raíz de un sueño en el que ellos están presentes, una escena de gran despliegue visual y excepcional trabajo de los actores tanto en lo humorístico como en lo musical. En este estreno hemos visto nuevas incorporaciones como Rocío igarzabal y facundo Magrané, quienes se unieron al elenco y se han integrado de manera efectiva destacándose en sus personajes. La obra tiene un gran trabajo actoral en todo su conjunto, estando a la altura de la producción, que nada tiene que envidiarle a Broadway.

El musical es un género difícil de realizar por los costos que esto conlleva, pero por suerte es un género que en Buenos Aires tiene muchos seguidores, motivo por el cual se sigue apostando por este tipo de producciones. Sobresale el trabajo de escenografía y vestuario, con una correcta ambientación de época . Es importante destacar la presencia de músicos en vivos , algo que se debe valorar en cualquier propuesta musical.

El violinista en el tejado es una obra sobre las costumbres y las tradiciones , interesante reflexión sobre la sociedad patriarcal y de fueron surgiendo cambios a través de los años. Una obra llena de ternura y de talento que acompañan una historia para todo público. Estamos ante un gran musical que ha llegado para quedarse. Enhorabuena.

TEATRO EL NACIONAL – Avenida Corrientes 960 – CABA – 4326-4218
Funciones: Miércoles y Jueves 20.30 hs. – Viernes 20.00 hs. – Sábados 19.00 hs. y Domingos 19.3 0 hs.
Localidades: $900 – $700 y $500
https://www.plateanet.com/Obras/el-violinista-en-el-tejado_

Un fin de semana, en una casa de descanso, una noche de lluvia, una pareja joven, Mecha y Lucas, abren la escena jugando a la oca, donde todo es felicidad y armonía.

Pero, esa noche, no es un fin de semana de semana cualquiera. Ellos se darán cuenta que vivirán, cada uno a su manera, “La noche que volvimos del paraíso”. Ese momento de creer que esta todo bien, comienza a aflorar un quiebre, que es el inicio de contar lo que hace mucho estaba creciendo: el egoísmo, el olvidarse de los sentimientos del otro. Hay un antes y un después de poder decírselo al otro, un reaccionar y una respuesta.

Textos de Paolo Sambrini, excelentes las interpretaciones de Romina Julieta Ruiz, Paolo Sambrini. Una excelente puesta una escena, un diálogo, donde juegan el presente, el pasado y el futuro, la discusión sobre el amor eterno o no. El espectador logra desde su butaca compartir ese clima.

Una puesta que lleva a la reflexión, sobre la relación de pareja, sobre los vericuetos que tiene el amor, como una delgada línea, separa paraíso de infierno y como podemos luchar por intentar volver al paraíso.

Desde el 05 de Agosto, 2018

El Método Kairós Teatro – El Salvador 4530 – Palermo – Tel: 4831-9663

Ficha técnica:

• Actúan: Romina Julieta Ruiz, Paolo Sambrini
• Texto: Paolo Sambrini
• Vestuario y Escenografía: Lula Rojo, Juan Manuel Sequeira
• Diseño de luces: Oh!-tero Producciones
• Diseño De Sonido: Juan Ignacio López, Santiago Questa, Ezequiel Chicho Scillone
• Audiovisuales: Selene Guida, Diego Saggiorato
• Operación de luces: Samir Carrillo
• Operación de sonido y video: Santiago Questa
• Fotografía: Nacho Lunadei
• Diseño gráfico: Juan Cruz Gómez
• Asistencia de dirección: Pachi Lucas
• Producción ejecutiva: Juan Bautista Sasiain
• Dirección: Paolo Sambrini
• Redes SocialesInstagram y Facebook @lanocheobraok

Reseña Diana Decunto

Los sábados y domingos, a las 16:30, en el Centro de la Cooperaciòn, un espectáculo para niños a partir de los tres añitos, un teatro para ser compartido con la familia.

El Grupo Kukla en su séptimo año y con merecidos premios a cuesta, pone en escena Circus Focus Bokus.

Es un espectáculo que nada tiene que envidiar al Teatro Negro de Praga, con títeres, clowns, laser y efectos especiales creado y dirigido por Antoaneta Madjarova. Quien se ha formado en el Instituto Superior de Música y Danza, especialidad piano y en la Facultad de títeres de la Universidad Nacional de Teatro y Cine de Sofía, Bulgaria.

La obra ha sido justamente galardonada con los premios ACE, Teatro del mundo y ATINA, que ya fue celebrada por más de 250000 espectadores de Argentina, Singapur, Vietnam, Hong-Kong, Chile, Uruguay y Brasil.

El teatro negro, tiene una magia especial, tiene ese milagro que hace quedar con la boca abierta no solamente a niños. Poseen una magia, que las hace especial , donde imagen y música (jazz, música clásica, rock and roll, música electrónica, percusión africana y clásica) se confunden creando una hermoso climax. La historia comienza cuando por culpa de una tormentosa lluvia, cuatro clowns entran a guarecerse en un circo, pero los confunden con los artistas, el show debe comenzar y se ven obligados a hacer la función. Marionetas muy flexibles, de mucha gracia y elegancia, son la delicia de padres y niños.

Los invito a ver este teatro, que tiene la peculiaridad, que la oscuridad trae muchas alegrías, en lugar de miedo, sea el lugar de encuentro para pasar un buen momento familiar, para que la imaginación, de los niños, vuele muy alto.

Ficha técnica

Idea, puesta en escena y dirección: Antoaneta Madjarova

Diseño de Escenografía, Títeres y Vestuario: Giselle Bosio, Leandro Lucanera

Realización: G. Bosio, L. Lucanera, Lorena de la Fuente y Emanuel Nievas

Vestuario: Sara y Alejandro Bologna

Selección musical: Antoaneta Madjarova y Nicolay Gospodinov

Edición: Sergio Blostein – 440 producciones musicales

Voces en off: Fabio Aste y A. Madjarova

Diseño de luces: Matías Noval y A. Madjarova

Fotos: Bacatafotografía

Intérpretes: Daniela Ocampos, Manuel de la Serna, Cintia Santa Cruz y Federico Coppola

Teatro de la Cooperación.

Sábados y Domingos 16:30

Duración: 56 min.

Reseña Diana Decunto

Antes de realizar la reseña debo admitir que me he reído demasiado en la función de prensa que se ha hecho de la obra «Warangas». Pero toca aclarar que su humor es bastante particular, negro y con todos los prejuicios posibles. Pero ahí es donde funciona la parodia donde nada ni nadie se salva de estos «Putos» amos de la comedia y el musical. Warangas es una obra que invita al público a reírse de todo y todos, no apto para personas sensibles.

A modo de café concert, los actores inician la noche mediante un número musical a modo de presentación. «Pasen y vean» es lo que nos dicen, un show bizarro es lo que vamos a ver, superan el límite de lo moralmente permitido y es por ello que funciona, solo si el público se atreve a meterse en ese juego de humor bastante zafado.

Pablo Sultani es el primero que sube al escenario en solitario para encarnar a un cantante que quiere brindar al público sus encantadoras canciones de amor y sexo (Bastante explícito). Una parodia a la música de Cacho Castaña es lo más fuerte que vamos a escuchar , y que ese es el momento donde el público o entiende su característico humor o se espanta de todo lo que el show nos da. Si el espectador logra superar esa prueba, lo demás es todo un delirio que nos hará sacar muchísimas carcajadas.

Pablo Sultani, Roberto Peloni, Ana Devin, Georgina Tirotta, Julián Sierra y Celeste Campos son los actores responsables de esta gran noche. Ellos, ya experimentados en el terreno de la comedia musical , exploran el terreno de la comedia de forma histriónica, dejando espacio para el lucimiento a cada uno de los artistas. Podemos destacar momentos como en el que Julián Sierra interpreta a Jenny con una muñeca a su imagen , a Sultani en su monólogo sobre los homosexuales y a las actrices en un número en el que se burlan del patriarcado utilizando pañuelos verdes. No todo es un sinsentido, sino más bien crítica muchos aspectos de la sociedad con su negrísimo humor.

Ahora en el Maipo Kabaret, esta obra es ideal para pasar una noche divertida y relajarse tomando alguna bebida mientras disfrutas las locuras de estos seres. Cabe también destacar la presencia de músicos en vivo , que también se meten en el juego que arman los actores , ya que toda la gente presente es parte de esta Nigth Show.

Warangas Night Show es una obra muy divertida , pero que su humor no es para cualquiera. Su título hace gala a lo que es el show, guarango en todas sus letras. Los actores logran explotar al máximo su talento en la comedia y lo musical, dejando al público un espectáculo completo , ideal para arrancar la semana a puras carcajadas.

“WARANGAS” (Night Show)

Desde el martes 07 de agosto, todos los martes a las 20:30 hs

MAIPO KABARET – Esmeralda 443

Elenco (por orden alfabético)

Celeste Campos

Ana Devin

Roberto Peloni

Julián Sierra

Pablo Sultani

Georgina Tirotta

Piano: Pablo Citarella

Guitarra y Arreglos Vocales: Raúl Oliveira

Vestuario: Ana Devin

Realización de Vestuario: Luli Gemelli

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Pablo Sultani

Comunicación: BMZ Comunicaciones

Producción Ejecutiva: Natalia Eugenio

Producción General: Ezequiel Comeron – Roberto Peloni

Dirección General: Roberto Peloni

“WARANGAS” (Night Show)

Desde el martes 07 de agosto, todos los martes a las 21:30

MAIPO KABARET – Esmeralda 443

Entradas desde $300.-

En la boletería del teatro o PLATEANET