He vuelto a un teatro que siempre me da gusto pisar y se llama El Damero. Me gusta porque siempre se ha tenido un buen recibimiento desde que uno llega por parte de Gina Picirilli, directora y dramaturga, que hace de este espacio su casa y también la del espectador. Luego de asistir a su nueva propuesta llamada preciosa ridiculez he quedado encantado en la forma que hace y deshace con su teatro. La obra en cuestión se trata de una comedia que se mete en el teatro dentro del teatro, que adapta a molière y sigue el curso de su preciosa locura.

Una compañía teatral se dispone a hacer la función de “Las preciosas ridículas” de Molière, pero hay una actriz que faltó y el director, que también actúa, entiende que “el show debe continuar” y la función se hará de todos modos; con amantes, ex esposas, ausencias y revanchas. “Preciosa Ridiculez” refleja el espíritu de Molière más vivo que nunca haciendo de las suyas, y mostrando su vigencia descarnada ante la necesidad de figurar de un grupo de gente que supuestamente tiene por objetivo hacer buen teatro respetando la entidad de los clásicos.

Al ingresar puedes llegar a confundirte y creer que fuiste a ver la obra equivocada. Una compañía de teatro clásico nos presenta «Las preciosas Ridículas » de Moliére ,una adaptación que parece ser fiel y seria de aquel clásico. Los actores entran profundamente en aquella historia, es lo que el espectador ve, pero son los detalles los que te hacen creer que estás viendo algo distinto, algo realmente absurdo pero que te mantiene en vilo , provocando una inquietud de lo más entretenida.

La obra que denota su absurdo en la historia, no llega a resultar algo sin sentido , sino que todo está perfectamente cuidado aunque no se note, esa es su idea. Tanto el vestuario , como el vocablo en sus diálogos se mezclan entre lo clásico y lo moderno. Rompe con cualquier estructura clásica , pero mantiene la escencia de la historia que se quiere contar.

Los actores en escena logran engañar al espectador con su supuesta inexperiencia que lleva a la ridiculez , la cuarta pared a veces no existe , la gente está presente en ese íntimo espacio que la sala brinda. Gran trabajo actoral en el que se ven muchos personajes en escena , y que cada uno logra aportar su momento ridículo y divertido, también resultado de una dirección medida que equilibra la interacción de los actores.

Preciosa ridiculez hace gala a su título , es una obra que juega con lo que es absurdo pero que al final se convierte en algo bello y sumamente entretenido. Gran trabajo de Gina Picirilli que abre las puertas de su casa para brindar una obra fiel a su estilo, con un excelente manejo del espacio y los actores. Esta obra es una propuesta que invita al público a divertirse y a acercarse al teatro clásico con una interesante vuelta de tuerca.

Ficha técnica.

Adaptación, puesta en escena y dirección: Gina Piccirilli.

Asistente de dirección: Laura Muñoz.

Elenco: Solange Verina, Marina Wein, Dante Iemma, Facu Martín, Sebastián Urban, Adrián Molteni, Rafa Ocampo y Patricia Cugat.

Diseño de iluminación: Marcelo López Cariló.

Diseño de Escenografía y Vestuario: Pepe Uría.
Realización de Vestuario: María Giuliani.

Realización de Escenografía: Matias Gutiérrez Glesser.

Fotografía: Emiliano Rojas y Sergio Yankelevich.
Diseño gráfico: Emiliano Rojas.
Producción: Antonella Lucini y Daniel Fazio.

Todos los sábados a las 21hs., en el teatro El Damero, Deán Funes 506, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 2060-2278 o por Alternativa Teatral. Costo de entrada: $250 (Descuentos para estudiantes y jubilados $220).

Si Lacan ya nos había dejado en claro que es la intervención del lenguaje la que transforma al hombre en sujeto, esta obra de Cesar Brie nos lo deja en claro de principio a fin.

Once actores-bailarines jóvenes que logran conjugar virtuosismo corporal, buena proyección de la voz y sólidas interpretaciones, despliegan una galería de seres subyugados por la palabra.

Cada personaje compartirá recuerdos en los que la palabra del Otro mortifica, condiciona, reprime. Las palabras regresan con fuerza, impregnando fragmentos de escenas conflictivas, violentas, traumáticas, a veces tragicómicas, creando cuadros que se van encadenando y superponiendo dando como resultado una gran composición caleidoscópica que captura la mirada del espectador , dialogando con su propio inconsciente hasta permitirle confirmar cuán semejantes somos.

Hay historias que remiten a experiencias públicas y otras que se sumergen en la intimidad del ámbito privado, El espectador, sin embargo, encontrará a todas igualmente conmovedoras.

Intérpretes: Micaela Sol Carzino, Sofía Diambra, Sebastián Gui, Iván Hochman, Gabriela Ledo González, Florencia Michalewicz, Ignacio Orrego, Abril Piterbarg, Liza Taylor, y Alejandro Parente

Música original: Pablo Brie

Arreglos: Matías Wilson

Vestuario: Sharon Luscher

Video: Juan Barone

Fotos: Hernán Paulos

Diseño gráfico: Sebastián Carzino

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente de dirección: Ignacio Gómez Bustamante y Nelson Valente

Idea y dirección: César Brie

Trailer de Juan Barone: https://www.youtube.com/watch?v=MOzg8YXehIs

REESTRENO 2018: domingo 6 de mayo 17 hs.

Funciones: domingos 17 hs.

Duración: 60 minutos

SANTOS 4040

Santos Dumont 4040

http://www.santos4040.com.ar/

Entradas: $ 250 y $ 200 (descuentos a jubilados y estudiantes)

Reservas: www.alternativateatral.com

Gabriela Lema

¿Es posible combinar la cumbia con el tango? ¿Cuál sería el procedimiento para lograr esta fusión? La propuesta teatral, Tango Villero responde estos interrogantes. Asume el desafío de mezclar estos dos géneros musicales, sumamente dispares.

Tango Villero fusiona el canto con la actuación. Reinventa la típica comedia musical, regentada por grandes emplazamientos como El Gran Rex o El teatro Colón. El elenco es reducido, al igual que el escenario. Sebastián Ziliotto es intérprete y creador de esta obra. Presta su voz pero no se transfigura en un personaje, como ocurre en la comedia musical. Esto también se aplica a los bailarines, quienes sólo acompañan al artista. Marcela Dibon y Walter Amaya muestran a los espectadores los pasos típicos de un tango como es la cumparsita. Este nombre responde al himno popular y cultural de Uruguay. Los compositores Gerardo Matos Rodríguez o Carlos Gardel fueron los pioneros y máximos representantes de este baile. Gracias a sus melodías, la cumparsita alcanzó éxito en Latinoamérica.

El título de esta puesta en escena no pasa desapercibido, ya que tango y cumbia forman parte de nuestra identidad cultural. Sebastián Ziliotto traspone renombradas “cumbias villeras” a un ritmo lento y pausado. Invoca y apela al conocimiento del público con canciones tales como “Mabel” del grupo musical Los pibes chorros, “Sos botón” de Flor de Piedra o “Paisaje” de Gilda. Los espectadores no pueden resistir la tentación de cantar a la misma par que el intérprete el estribillo “Borracho yo voy cantando, con mis amigos voy festejando un triunfo más…”. Los temas giran en torno a las fiestas, las mujeres, los enredos amorosos, así como las situaciones sociales. Asimismo, para hacer esta fusión más creíble, el elenco se viste acorde al atuendo que llevan los cantantes de estas cumbias y recurre a diversos clichés. “¡Tómate el palo!, “Ta re piola!”, “¡A la gilada ni cabida!” o “¡Tirate un paso!”.

Esta representación teatral desea mostrar cuán parecidos son los inicios y las formas del tango y la cumbia. Ambos comparten códigos, lenguajes y contextos. He aquí, una propuesta innovadora a la par que desafiante. La única discrepancia radica en el ritmo. Hay determinados momentos en los cuales se pierde la verdadera esencia de la cumbia debido a la premisa de focalizarse demasiado en la fusión.

El espectador no puede permanecer impasible ante esta obra, la cual propicia un clima familiar y distendido entre el público y el equipo técnico.

Intérprete: Sebastián Ziliotto

Dirección y puesta en escena: Gabriel Villalba

Dirección musical y arreglos: Mariano Frumento

Músicos: Mariano Frumento, Nicolás Radicchi, Pablo Yamil
Bailarines: Marcela Dibon y Walter Amaya
Locución: Martín Wullich

Coreografía y asistencia de dirección: Anita Gutiérrez

Vestuario: Alina Paz Torres Claro

Diseño gráfico y audiovisual: Pamela Dávalos

Comunicación: Ann López Musa
Producción musical: Jorge Soldera

Producción ejecutiva: Pato Rébora

Producción Comercial: Cecilia Riegui
Idea: Sebastián Ziliotto

Prensa: BMZ Comunicaciones

Desde el 17 de mayo, todos los jueves a las 21:00

8 ÚNICAS FUNCIONES

El Método Kairós Teatro – El Salvador 4530

Localidades: $ 300.-

Entradas en venta en Alternativa Teatral.

Redes Sociales

Facebook e Instagram @TangoVillero

América Arana

El pasado sábado 9 de junio, finalizó la puesta de Trascendentales y Minitas en el Centro Cultural Borges. Ambos espectáculos de danza contemporánea fueron a mi sensibilidad como abrir una caja de música para quedar atrapado en el movimiento.

Con música instrumental de piano, empecemos contando Transcendentales, que es la puesta de veta más formal, donde se va contando la evolución de la mujer. Me pareció muy interesante, mientras se baila, algunas frases, para entender más acabadamente, lo que se está expresando en danza. Son alrededor de 15 mujeres en escenas, que gritan en un momento, “Nos vamos a rebelar” o “La escritura me rehace, es liberadora”. Como objetos auxiliares y como escenario, una silla y un escritorio. El perfecto movimiento en danza acompañado de la música apropiada. Me llamó mucho la atención cuando llegan al siglo XX, como con las teclas de la máquina de escribir se logra acompasar con el piano y se logra un baile, en un escenario con la iluminación y vestuario propios para la ocasión. Si debo destacar cual fue de los pasajes el que más me gustó, es cuando se baila en base a la música que es el live motiv de Amelié.

Luego le sigue Minitas, que es la parte más distendida de la noche, que produce risa en el público, algo maravillo de ser logrado a partir de la Danza. En el aspecto musical se aplicaron diversas canciones de Edith Piaf, se relata la vida de la mujer, quien desea cumplir con sus deberes conyugales, siguiendo las instrucciones del libro La esposa perfecta. Mujeres sumisas, no muy duchas con la gastronomía, que bailan en un todo momento, que adoptan diferentes personalidades y en diversos lugares. Pasan por diversas dificultades, desde no saber cocinar, a jugar en el guardarropa para cambiarse, a limpiar la casa, a brindar con algunas copitas de más.

Estimamos que volverán, porque tienen público ávido de verlas. Seguramente muchos se quedaron con las ganas de ver lo transcendentales que pueden ser estas mujeres que son mucho más que minitas, que están bien plantadas en escena, que saben gracias a una excepcional dirección teatral y musical, que la rebelión de las mujeres, viene avanzando expresándose en una suerte de coreografía danzante poniendole enfásis al movimiento y a la imagen.

Diana Decunto

Cuatro historias contadas por sus protagonistas, por ellas, las que conviven con el adjetivo: género femenino.

Damas con emociones, con un humor basado en los extremos emocionales. En esencia, estas cuatro mujeres arriban al escenario para contarnos sus experiencias. La primera, ha sido abandonada por su marido, quien se ha fugado con la directora de la obra y nos comparte sus inseguridades y miedos.

La segunda es una futbolista, una guerrera en el campo de batalla, que fue acumulando “no se pueden”, esos sellos atávicos de la sumisión, despertándose, todo ese rencor contenido y estallando, en una proclama liberadora, con un alto corte humorístico.

La tercera es una guía de turismo, que nos lleva con su sketch, en un viaje a Rusia, donde el paseo, es para que se ajusten los cinturones, plagado de mucho humor. La cuarta dama es una hipocondríaca, desbordada, con una bata y una cofia, internada en algún lugar, con algunos temitas, pendientes de resolver y que los comparte con el público, imprimiendo lo mejor del humor.

Que mejor explicación, que aplica a este monologazo, su Dossier que dice: “unas monas con navajas. En bata. En Rusia. Rebeldes. En un vacío existencial. Monologazo o la transmutación del diálogo interno en un sopapo ardiente que te amiga con la soledad”.

En un teatro muy diferente a mi gusto, el Teatro NO Avestruz, por su ubicación en Palermo Hollywood que lo saca del circuito de teatros, y lo hace una propuesta interesante para una salida nocturna un viernes a las 22:30.

Este hermoso escenario, con una salida a un hermoso patio de una acogedora casa, invita a esta temporada teatral 2018, mayo / junio, con una promoción de 2 x 1 y con una frase que dice “No aflojes, vení al teatro”. A esta tarjeta de presentación agreguemos la invitación para adentrarnos más, saliendo de lo superficial de la epidermis, para conocer a cuatro mujeres, que les aseguro, van a lograr hacernos entrar en calor y olvidarnos que estamos entrando en el invierno.

Ficha técnica:

Elenco:

Mariela Barcos

Vicky Brudny

Marcela De Grande

Valeria Zylberberg

Foto: Alejandra Piedrabuena

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa: Kazeta Prensa

Dirección: Alejo Samban

Duración: 70 minutos

Funciones: viernes de junio 22:30 h. NoAvestruz.Humboldt 1857

Reservas: noavestruz.com.ar/reservasnoavestruz.com.ar/reservas

Jueves 7 de junio a las 21 hs, en el ND Ateneo, asistí a la función estreno de la obra “UP La Fórmula de la Felicidad”. Un título muy sugestivo y milagroso si alguien tuviese la receta para producir felicidad. Es una comedia musical, creo que sería un error, encasillarla como público destinatario «solo a los jóvenes», o decir frases trilladas como «la obra abarca la temática de los jóvenes actuales». La definiría como las rutas que los adultos debiéramos recorrer para intentar entender a los jóvenes y comprender el universo en el que están inmersos y las líneas imaginarias que los atraviesan.

Inclusive con algunos tópicos que abarca la obra, me sentí identificada con mis frustraciones, angustias que viví, durante mi adolescencia, hace cuarenta años atrás. Además es palpable el tratamiento que hace la obra, a esa etapa, la que nadie le da la profundidad que tiene, que es el despojarse del slogan de ser adolescente, para pasar a ser adulto. Es imposible pensar que un día del calendario, alguien se va a dormir como adolescente y se despierta como adulto. La obra esa temática la expone muy bien. Como comedia musical salí más que complacida, porque el elenco, me llamó mucho la atención, está muy bien plantado, hay seguridad escénica, se mueven como pez en el agua arriba y abajo del escenario. Se sientan en las butacas, caminan por los pasillos, con ese sello distintivo de mucha soltura y naturalidad. La selección de voces, muy logrado, armónico, los cuadros coreográficos de gran logro artístico y la música acompaña dando su ritmo vital. La puesta contó al finalizar con una respuesta masiva del público quien aplaudió con mucho entusiasmo.

El guión versa sobre un grupo de jóvenes que se reúnen para realizar una fiesta. Aparece una droga llama UP que dicen tener la fórmula de la felicidad. Y ahí dejamos. No contamos más. La idea original libro y letra es de Alejandra Rubio, quien pidió el apoyo por parte del público para divulgarla porque la obra nació a partir de una prueba piloto y fue creciendo. Como dice su directora, la obra tiene un alto impacto visual y emocional. La música acompaña a ese vértigo es de Ian Shifres y una excelente coreografía de Matías Napp. La obra cuenta con la fuerza, la polenta, la frescura de un elenco joven que le pone mucha garra, que abarca el escenario y que va entre las gradas, amalgamándose con el público, para contar esta historia, donde en canciones afloran temas de actualidad como el bullying, los excesos y aquellas emociones que hacen que el adolescente reaccione de diferente manera según el momento que le toca vivir pero no cambia con el paso del tiempo el proceso de aprender a convivir con las angustias como ha sido la primera vez, la elección sexual, el miedo al fracaso, al que vendrá, a la incomprensión esas barreras invisibles entre padres e hijos. Desde el punto de vista artístico, e inclusive la temática, la obra me evocó el estilo y la calidad de la película Amor sin Barreras (West Side Story) (1961) con escenas coreográficas del mismo tenor, por ejemplo, en la película el paso coreográfico donde cantan e interpretan «Quiero Vivir en América». Muchos, tal vez, no tengan ni siquiera referencias de lo que estoy hablando pero para que se den una somera idea estoy haciendo mención a un film que recibió 11 premios Oscar. Espero que ustedes tengan la oportunidad de apreciar que la propuesta es sólida, donde nada esta dejado al azar, porque tener la fórmula no es fácil, pero si pueden proponerse, un jueves a las 21 hs, acercarse a la felicidad, por dos horas, con una obra que se las trae.

FICHA TECNICA

• Actores:

Walter Bruno, Bruno CoccIa, Gonzalo Gravano, Esteban Velasquez, Rocio Pardo, Nicolas Zubiría, Yamila Saud,Mili Masini, Lowrdez Lujan Blaksley, Yisus Rendería, Camila SolMunari, Oscar Villalba.

• Iluminación: Matías Sendón
• Dirección Musical: Ian Shifres
• Vestuario: Alejandra Robotti
• Música Original: Ian Shifres
• Libro: Alejandra Rubio
• Guitarra: Octavio Estrin
• Bajo: Tomás Shifres
• Letras: Alejandra Rubio
• Diseño Coreográfico: Matías Napp
• Batería: Martín Mordkowicz
• Teclado:Ian Shifres
• Dirección General: Alejandra Rubio
• Idea Original: Alejandra Rubio

Reseña Diana Decunto

LA LUNA QUE TE PARIÓ, – La luna natal, el corazón de la emoción –

Obra que va a escena imbuida de un halo de meditación, perfomática, una propuesta distinta a las que estamos acostumbrados a ver, pero justamente quizás eso la haga más interesante.

El escenario es circular, los espectadores, ven desde algún angulo de ese círculo a los doce cubos, donde un actor o actriz, en escena representan algún signo zodiacal. La propuesta de la obra es cruzar la astrología y el teatro. Pero no por eso es necesario que el público crea en el destino regido por los astros y su poder en el equilibrio universal. Es el marco poético elegido por Tamara Alamprese, quien tuvo a cargo la dirección y guion. Esta pieza perfomática está presente los sábados, a las 23 hs, en Cultural Freire, en Freire 1090. La misma se ha presentado en la India, en el Festival Internacional de Teatro Odisha Cuttak.

La música es importante en la obra, hay cuencos, con los sonidos de las campanitas, violín, la tabla, shehnai, y otros instrumentos tradicionales hindúes que lo hacen muy apasionante.

Una obra de 90 minutos, la cual no decae en ningún momento, donde cada elemento del zodiaco está presente y que se deja ver cualquier sábado, sin importar si es luna llena o no, si está despejado o no, porque no es cualquier luna, sino la Luna que te parió

Se ha estrenado en el teatro el nacional la adaptación teatral de la película Dos más dos , un film de Diego Kaplan que tenía como protagonistas a Adrián Suár , Julieta Díaz , Carla Peterson y Juan Minujin. La historia toma como temática central el intercambio de parejas , dominado por la cultura Swinger. En esta ocasión el elenco está encabezado por Fernán Mirás, Eleonora Wexler, Julieta Zylberberg y Luciano Cáceres.

El éxito que ha tenido el film se debe a la reflexión que brinda sobre las parejas , en relación al público que está dirigido. Si bien esto no está hecho para un tipo de público específico, pero si podemos notar que hay mayor identificación en aquellas parejas que llevan años juntas, en el que puede existir el planteo de alternativas para mantener viva la pasión. ¿El intercambio de parejas es realmente una alternativa ? ¿Es algo apto para todos ? Estamos ante un tema que aún en nuestra generación sigue siendo tabú, sobre esa relación de existe entre el amor y la exclusividad física. La obra pone en escena a una pareja común y corriente , a un hombre bastante cerrado en relación a la sexualidad, a una mujer que ha aceptado esos términos pero con el pasar de los años siente que quiere o necesita algo más. Cualquier pareja se puede reflejar en estos temas , una forma quizá simple o muy compleja de satisfacer su deseo con otro pero dejando de lado la infidelidad o el concepto que se tiene de ella. La puesta teatral es bastante fiel al material fílmico, realizando algunos cambios por necesidad teatral , debido a que los solo los cuatro protagonistas están en escena. Existe una resolución ágil para mantener la escencia de lo que se ha visto en la película , y poder explorar un poco más a los personajes en cuestión.

Podemos notar que la adaptación teatral se hace mucho más íntima y cercana con el espectador, el proceso en el que dos parejas amigas deciden arreglar dicho intercambio sexual es mucho más lento pero se torna más interesante ya que el público puede empatizar mejor con los personajes, sobre todo con los que se disponen a hacer un cambio bastante brusco en sus vidas. Obviamente no falta el humor , que se olvida de ese tabú y nos pone al sexo como ese elemento de placer que es, quitando el lado sentimental de lado. Así el espectador logra reírse de aquello que quizá pueden llegar a reprimir , más si está en la butaca sentado junto a su pareja. El relato se libera de prejuicios (con ellos incluidos ) y es lo que funciona, volviendo también al replanteo de las relaciones de pareja , los celos y la fidelidad pero desde otro punto de vista.

Los actores en escena cumplen con ese legado que habían dejado los intérpretes del film. Si bien la escencia de los personajes prácticamente están intactos , cada uno de los actores dejan parte de sí mismo para hacer de su trabajo algo peculiar. Fernán Mirás y Eleonora Wexler son los que más empatía con el público provocan , ellos son los que deben cambiar su comportamiento, arriesgar su vida de parejas por intentar algo nuevo. El conservador y ella dispuesta a cambiarlo todo, aunque sigue siendo fiel a su estilo y sentimientos. La pareja compuesta por Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg es la que sirve como pie para animar al trato , a hacer el intercambio sexual . Se trata de una pareja aparentemente abierta en todo sentido , aunque también existe el conflicto entre ellos y cosas que deben aprender de sus amigos.

La puesta en escena es vistosa , con varios cambios de escenografía que nos coloca en ambiente por aquellos sitios que recorre el film. El nivel de producción es alto y acompaña perfectamente al relato, con una notable dirección de los actores por parte de Marcos Carnevale.

Dos más dos es una adaptación necesaria , que logra entretener al mismo nivel que el film , y además profundizar a sus personajes generando mayor empatía con el público. Para aquellos que no vieron la película es una buena opción para acercarse a la historia, que busca reflexionar y acercarse a un tema que siempre fue tabú. Es una propuesta teatral bien actuará , ideal para parejas aunque entretenida para todo el público.

Ficha técnica “DOS MAS DOS”

Autores: Juan Vera / Daniel Cúparo

Elenco: Eleonora Wexler, Fernán Mirás, Luciano Cáceres y Julieta Zylberberg.

Dirección: Marcos Carnevale

Diseño de Escenografía: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño de Vestuario: Ana Markarián

Diseño Gráfico: Protto Esnaola

Música Original: Nico Posse & Mono Morello

Prensa y Comunicación: Vanesa Bafaro

Producción Ejecutiva: Edgardo Alba / Nicolás Ventura

Producción General: Adrián Suar – Nacho Laviaguerre

FUNCIONES

MIÉRCOLES 20.00 H.

JUEVES 21.45 H.

VIERNES 20.00 H.

SÁBADOS 21.45 H.

DOMINGO 19.00 H.

Entradas a la venta por

www.plateanet.com

5236-3000

o en boletería de “El Nacional Sancor Seguros”

(Av. Corrientes 960, de 10.00 a 20.00 H.)

En el Teatro Ladran Sancho en su segundo año se representa NenaMala que entra dentro del teatro no convencional. Se debe tratar de no encasillar a las obras pero es muy difícil no hacerlo, al momento, de escribir la reseña. Para mí cae en “no convencional”, todo aquello a lo que no estamos acostumbrados a ver. NenaMala es una mezcla de teatro de terror con ficción, géneros sobre los cuales no hay muchas puestas en escena en Buenos Aires, en la actualidad.

La obra redobla el desafío porque logra excelentes efectos e imágenes, con recursos simples, pero no por eso le restan verosimilitud, lo cual la hace muy meritoria. Es una obra con un texto profundo, exquisitos dicen quienes ofrecen esta propuesta que aborda la filosofía sobre la vida y la muerte.

El tema fue escrito y dirigido por Juan Sere. La puesta está a cargo del grupo Rojo Accidente. El relato comienza en un faro, donde un viejo, intuye que la muerte se acerca mientras lo cuida su nieto Gordon. Un joven, tímido, quien en un intento por salvar a su abuelo, toma coraje y se lanza a aventuras para intentar salvarlo.

Gordon en busca de medicamentos llegará a una ciudad azotada por la peste. Es una obra con muchas metáforas porque ese encuentro con el mundo representa crecer.

El elenco actoral logra adentrar al público en un clima muy logrado. Hay actuaciones, algunas más destacables que otras, pero en general el nivel es muy bueno de todos. La labor del director Seré se palpa porque no es nada fácil mantener la tensión en este tipo de obras.

NENAMALA, es una alegoría cruel de una noche que vale por muchas, donde la plástica, lo perfomático, invitan a la versatilidad, plasman pensamientos profundos en boca de sus personajes, con puntos de encuentro que permiten una obra singular donde la platea se mantiene expectante a los diálogo y a lo próximo que está por ocurrir porque a lo largo de su desarrollo, la idea de la vida y la muerte penden de un hilo.

Ficha Técnica
Actúan: Pablo Bronstein, Gastón Filgueira Oria, Mariano Sayavedra, Marcos Krivocapich, Nicolás Levin, Andrés Granier, María Belén Ribelli, Carolina Stegmayer, Rosa Ortíz Pereyra, Luis Mancini y María Agustina Trimarco.
Diseño de máscaras: Juan Ignacio Fiori
Escenografía: Juan Fiori
Vestuario: Nicolás Levín y Belén Ribelli
Diseño de luces: Fidel Semería
Música original: Eloy Vicario Malich
Operación de sonido: Ulises D´Atri
Fotografía: Alba Cuenca y Estudio Levín
Ilustrador: Pedro Mancini
Prensa: Boca en Boca Prensa&Difusión
Dramaturgia: Juan Seré
Dirección: Juan Seré

Lunes 21hs / Guardia Vieja 3811

Reseña de Lara Salinas .

Sin golpes bajos, ni intenciones pedagógicas, ni alecciones de algún tipo, la puesta en escena presenta un tema que se encuentra invisibilizado en la actualidad: la eutanasia, la posibilidad de facilitarle a un familiar la muerte que desea pero que –muchas veces– no está en condiciones de expresar, y las emociones que surgen en torno a la decisión de acceder a ella.

Es de noche. Dos hermanos esperan a un hombre que practicará un servicio en la casa: esta persona fue citada para ponerle fin a la vida de Gloria, que ya no manifiesta deseos por vivir.

Uno de los motivos por los que esta puesta en escena es tan singular tiene que ver con los dilemas éticos que la sustentan. A medida que el espectador escucha las discusiones fraternas, recibe más información sobre el estado en el que se encuentra Gloria, su vida y su vínculo con ambos personajes, y estará en condiciones de reflexionar respecto de las posturas que ambos sostienen, pero no de tomar partido por una decisión particular. En eso está la riqueza de la puesta en escena: a pesar de ahondar en una reflexión ética, impide que el espectador imponga una sentencia moralista. En vez de determinar qué está “bien” o “mal”, las emociones y las diferentes reacciones que atraviesan los hermanos ganan nuestra atención.

La empatía con los personajes es facilitada desde un primer momento por la disposición escénica. Los espectadores rodean a los actores y se encuentran tan cerca que, los de primera fila, prácticamente pueden pisar el escenario. Se trata de una sala nueva del Camarín de las Musas, un galpón alargado y tan cercano a la calle que invita a sacar la obra a la vereda: a volver a conversar sobre la eutanasia y el suicidio asistido, que fueron abandonados hace años por los medios de comunicación masivos, cuando los debates en el Congreso fueron dejados de lado.

Lourdes Invierno y Dennis Smith (en reemplazo de Karina Hernández) dan vida a dos personajes que exponen la fragilidad de la condición humana. Pero a pesar de ser incapaces de juzgar a ciencia cierta si la decisión que tomaron es la forma correcta de enfrentar el problema y de los límites que les impone la soledad en la que cada uno está inmerso, el cariño se manifiesta e ilumina la escena antes del aplauso. El amor se manifiesta, a pesar que durante toda la obra estuvo latente. Contagiados por esa energía, los actores se despiden con un abrazo, una vez que los personajes los abandonan.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Actúan: Lourdes Invierno, Karina Hernández*

*En las funciones de 12, 19 y 26 de mayo, el rol de Karina Hernández fue interpretado por Dennis Smith.

Dramaturgia: Constanza Boquet, Dennis Smith

Diseño Lumínico: Christian Gadea

Fotografía: Gustavo Maggi

Comunicación: BMZ Comunicaciones

Realización de Arte: Lourdes Invierno

Producción Ejecutiva: Carola Parra

Producción General: Lourdes Invierno y Diego de Paula

Dirección: Dennis Smith

Sábados 20 hs en El Camarín de las Musas, 960 (CABA).
Para reservar las entradas ingresar al camarindelasmusas.com o llamar al 4862-0655

Lara Salinas