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El viernes pasado tuvimos el placer de asistir al teatro NUN para presenciar una obra llamada «Carne de consumo personal». Se trata de un monólogo creado e interpretado por Jorge Thefs , dónde nos cuenta en primera persona un relato que trata temas como la gordofobia y la aceptación personal.
Carne de consumo personal sirve como una catarsis hecha monólogo, dónde el intérprete se presenta de una forma distendida hacía el público, pero en dónde luego inicia un intenso texto con un carácter personal. Sus primeras palabras hacen alusión a su peso, que con sus más de 100 kilos actuales, no sabe si vale más vivo o vebdiendose como una pieza de carne. De esta manera presenciamos un relato sobre los prejuicios, no tanto sobre lo exterior que ya conocemos, sino aquellos prejuicios internos, de los que quizá no todos vivimos en carne propia. La obra nos da espacio también para hablar de los amores, los sueños y la superación , la comida puede ser parte de nosotros, pero no es todo lo que nos define.
La obra se lleva a cabo a través de una puesta perfomática, dónde también se realiza un excelente uso de recursos audiovisuales que acompañan de manera inteligente al texto, que si bien es breve, es conciso. Jorge nos deja un excelente trabajo en lo actoral, ya que deja todo en el escenario en sus cuarenta minutos de obra, dónde literalmente expone el alma y su cuerpo para transmitir lo que quiere contar. Justamente hablando del cuerpo, la obra cuenta con un desnudo que ataca cualquier prejuicio, que aunque no sea algo muy usual de ver en teatro, es efectivo a la hora de materializar el mensaje de la obra.
Carne de consumo personal puede parecer una obra desafiante y provocadora, pero en realidad resulta ser la demostración más sensible que un autor puede mostrar en un escenario, su historia en carne propia.
Carne de consumo personal puede verse los viernes a las 23 horas en Nün teatro bar (Juan Ramírez de Velazco 419). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.
Noche porteña, pizza y cerveza y un galpón, cabaret, stand up comedy, drag show y conventillos, ¿Qué puede salir mal?
Chacarita se llenó de risas con el show ofrecido por el trío Cassata el sábado a la noche. ¿El resultado?, pues nada más que mejillas hinchadas.
» Juntas conquistaron a la audiencia desde su debut. Erotizaron a generaciones enteras. Disfrutaron y celebraron las mieles del éxito. Hoy, con mucho taco gastado, vuelven a reunirse para nuestro deleite.» Es la sinopsis del show que Silvina Chivi Garcia, Mariano Mandetta, Javier Marra, Leticia Vetrano ofrecen en el Galpón Guevara.
Frutilla, Vainilla y Chocolate (Irma, Berta y Pepa). Un trío que triunfó en los 70-80’s y vuelven para celebrar el aniversario de su debut, ya casi que a la edad de su jubilación y con lumbares, con muchos chismes y resentimientos, pero sobre todo mucha tela que cortar y tacos gastados.
Silvina Chivi Garcia, Mariano Mandetta, Javier Marra, Leticia Vetrano tienen una energía increíble y momentos en solitario para poder brillar. Mediante sus puestas en stand up comedy, acrobacias, bailes grupales y humor improvisado, este cuarteto destila veneno, escarcha y un show inigualable para desconectar un sábado a la noche.
El Trio Cassata llega con fuerza al Galpón Guevara con un humor muy drag, mucho lipsync y un espectáculo que hará reír al público adulto y a toda Chacarita. PD: Estén preparados para un humor picante y +18.
Taco gastado está disponible los sábados a las 22 horas en El Galpón Guevara (Guevara 326 ) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Ha llegado el momento de retomar la historia de nuestro samurái.
Desde Sucker Punch nos llegaba en 2020 la interesantísima y curiosísima historia de Jin Sakai, un samurái al que le han arrebatado todo y que luchará por recuperarlo.
Ahora en 2021 vuelven a sorprendernos con la Director’s Cut que incluye varios detalles bastante llamativos en los que nos centraremos. Si tenéis curiosidad por saber qué nos pareció la versión original, podéis verla en la web.
Nuevas misiones en un nuevo mapa
La nueva edición de Ghost of Tsushima nos ofrece una nueva localización, la Isla de Iki donde descubriremos más sobre el pasado de Jin.
Esta isla es más pequeña que las principales y por tanto nos ofrece menos opciones de interacción, no obstante, resulta muy interesante completarla. A pesar de que podemos acceder a ella en cuanto iniciamos el acto segundo del juego, recomiendo hacerlo al finalizar el mismo ya que el nivel de esta nueva zona es bastante elevado y los enemigos suponen un verdadero desafío.
Además de añadir historia y algún que otro enemigo curioso, la nueva zona nos deleita con dos nuevas interacciones y es que, para los más detallistas, ahora podremos acariciar a los monos y gatos de esta zona tras tocar una melodía con la flauta.
Nuevas funciones para la nueva generación
Como era de esperar esta nueva edición del juego trae algunas modificaciones interesantes en cuanto al juego en su versión para PS5.
En primer lugar, destaca la nueva opción de jugado en la que podemos ponerlo en blanco y negro y a 3:4 de pantalla homenajeando el cine de samuráis dando como resultado una experiencia realmente gratificante.
En segundo lugar, han modificado el combate ligeramente en cuanto a que ahora podemos fijar enemigos, aunque personalmente no termino de hacerme a este sistema que me resulta cuanto menos complicado de fijar realmente al enemigo.
En tercer lugar, la guía que ofrece el viento ha variado ligeramente y de manera casi constante y sin apenas notarlo nos irá guiando durante toda nuestra aventura sin necesidad de tener que recurrir a él obligatoriamente.
En cuarto y último lugar (al menos que yo haya notado), contamos un plus consistente en sacarle algo de potencial al mando. Debemos tener en cuenta que este juego ha salido también en PS4 por lo que las actualizaciones no llegan a ser del todo punteras. En este punto encontramos que sí tenemos sonido a través del mando cuando vamos a caballo y que este variará según si vamos por agua, hierba o tierra, pero no tenemos apenas nada más.
En este aspecto, aunque sí ofrece algunas mejoras en cuanto a jugabilidad, no añade apenas contenido exclusivo para la nueva generación por lo que personalmente se me queda algo escaso.
Conclusiones
Si no jugaste Ghost of Tsushima en su momento, ahora ya no hay excusa. La nueva actualización mejora la base (que ya era buena) y añade nuevo e interesantísimo contenido que despejará las dudas que quedaron de la historia principal. Nuevas localizaciones y nuevos enemigos terminan de coronar un excelente juego. Aunque se queda a medias en la nueva generación, completa de manera magistral la anterior.
Todos necesitamos a un Roberto A medida que avanza la tecnología somos más dependientes a esta, un día sin celular o acceso a los medios puede parecer una tortura para muchos, para otros es una desconexión necesaria.Ya que tenemos a Google en nuestras manos, nada nos faltará, pero… ¿Y si mejor tenemos a un Roberto?
»Una pareja de clase media atraviesa un momento complicado en su relación cuando aparece Roberto, un personaje de procedencia incierta, imperante, incisivo e inoportuno quien tratará de aconsejarlos influyendo en la resolución de sus conflictos. ¿Quién es? ¿Qué quiere? Mariano y Carla se ven envueltos en una tríada un tanto demencial y tratarán de acomodarse o terminar la relación de la peor manera» Es la sinopsis de la obra dirige y escribe Matías Alarcon. Ariel Li Gotti, Pablo Palacio y Gisella Sirera son los encargados de dar vida a estos personajes en esta divertida comedia. Internet, conflicto familiar y social, tecnología y muchas risas son parte del cóctel que Roberto dijo ofrece.
Ariel Li Gotti es el alma y fuerza de esta obra su interpretación de este quisquilloso e entrometido agente tecnológico nos hará reír sin parar, le calza perfecto el rol. Palacio y Sirera son los perfectos acompañantes que deberán decidir si quedarse o no con Roberto. Roberto es la analogía directa a la tecnología y cómo esta determina nuestras decisiones, sea para bien o para mal no podemos deshacernos del teléfono, ni de Google, de las noticias ni de lo que hay más allá.
Roberto dijo es una comedia amena ideal para un plan de viernes por la noche, para desconectarse del celular por una hora y disfrutar de los Robertos que interfieren en vidas ajenas pero aún así no podemos zafar. Roberto dijo está disponible los viernes a las 22 horas en el Teatro NoAvestruz (Humboldt 1857 ) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Para los argentinos la memoria es un valor importante en la sociedad, el tener presente el pasado y sus hechos oscuros para que no se vuelvan a repetir y sobre todo, recordar a las víctimas de aquellas barbaries, es parte de la conciencia colectiva de este país.
Cada 24 de marzo se conmemora el Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia, este día reivindica a las víctimas fatales, desaparecidos y la lucha constante que se vivió luego del golpe de estado en 1976.
Hace 20 años se celebra el Festival de Teatro por la Identidad, la finalidad de este evento es ofrecer una amplia variedad de obras (desde las que tienen a reconocidos artistas hasta puestas del under) cuya clara relación se basa en la identidad, la memoria y las luchas sociales.
Este festival se desarrolló en el Teatro Nacional Cervantes (del 8 al 11 del mes en curso). Fueron cuatro las puestas en escena de distintos directores: Idénticos, La Trastornada, Lo que quieren las Guachas y Algo de Ricardo. Tuve el honor de ver la primera de estas.
»Uno. Uno mismo. Un otro. Doce otros. Doce actores. Un público. Personas que evocan quienes fueron y quienes son. Doce monólogos para ser dichos. Surgidos de un concurso entre otros cientos de monólogos. Doce actores. Idénticos a sí mismos, y distintos. Iguales, distintos. Idénticos» Es la sinopsis de esta puesta en escena la cual cuenta con la dirección general de Daniel Veronese.
Daniel Fanego, Malena Sánchez, Gonzalo Urtizberea, Marta Lubos, Maria Onetto, Dalia Guttman, Maiamar Abrodos, Martín Salazar, Marcelo Xicarts, Lautaro Delgado, Alejandro Viola, Marina Bellati. Son doce actores dirigidos y guiados por diferentes dramaturgos y directores.
Un festival ameno cargado de risas, aplausos, conmoción pero sobre todo: El sentimiento de saber quienes somos y el por qué estamos acá. Cada monólogo tiene su propia esencia y mensaje, unos más relacionados que otros al contenido del Festival, sin embargo se vuelven un deleite dramatúrgico para recordar.
Sigamos teniendo memoria y sigamos exigiendo justicia.
El domingo por la tarde, El Calibán fue el punto de encuentro entre los espectadores y el estreno de Fortaleza mujer en la hoguera de lo inconcluso. Dos actrices en escena, efectos de sonido y música en vivo y una escenografía destacada.
Al ingresar a la sala, se distribuye a los asistentes con distancias adecuadas al protocolo – cabe mencionar, con los recaudos necesarios, desde el registro de la temperatura corporal hasta la provisión de desinfectante para manos – y las actrices ya se encuentran en escena. El ambiente está repleto de humo, un efecto intrigante, y viste un paisaje fogoso, que a su vez da forma al círculo en que se sitúan las dos mujeres.
Quizás el guion resulta complejo de descifrar, recorre los extremos entre el sinsentido y la profunda crítica social a favor del feminismo, la libertad y la igualdad, entre otros puntos, así como la paradoja de caer en las trampas de aquello de lo que se quiere escapar. Los personajes van desde la representación actoral de los parlamentos, hasta la reflexión personal sobre la existencia y la muerte. Parecen mezclarse estos dos extremos, y por momentos el espectador no sabe si está viendo dos artistas ensayando un discurso filosófico, o dos filósofas presentándose a la vida con las máscaras que les permiten enfrentarla. Aun con esta carga de profundidad, abundan los momentos de humor, sobre todo frente a la química entre las dos actrices excelentes que encarnan a los personajes.
Los fragmentos se interconectan a través de lapsos musicales y sonidos terrenales que mantienen la tensión para continuar atendiendo a la línea de la obra. La escenografía acompaña con despliegues sorpresivos exitosos, y los juegos de luces también son protagonistas esenciales en el desarrollo de la obra.
Recomiendo la obra especialmente a los fanáticos de la filosofía y los cuestionamientos existenciales, a aquellos que tienen ganas de hacerse planteos al ritmo de este espectáculo que propone desentramar poco a poco los mensajes que oculta en sus vaivenes. Les invito a situarse en el punto de vista que nos regala el autor y perderse en sus profundidades.
Puedes ver Fortaleza mujer en la hoguera de lo inconcluso los Domingos a las 19 horas en Teatro Caliban (México 1428) Les escribió Denise González para La Butaca Web.
«Chicos Lindos» es una obra performática «Freak» que busca romper los estereotipos de la belleza masculina y pone en cuestionamiento el daño producido por el patriarcado sobre el hombre.Intrépida, desafiante y necesaria.
Esas palabras podrían describir esta producción de Gabriel Gavila (Autor y director del proyecto). 6 Actores en un escenario despojado sin más que una guitarra y ellos mismos desafían constantemente al espectador con temáticas como el rol del hombre y sus obligaciones impuestas por la sociedad. Desmantela el patriarcado desde un punto de vista inédito y reluce la esencia masculina en su totalidad, generando que el espectador se lleve algo para pensar y charlar con otros.
En una obra sin escenografía ni demasiado vestuario (los actores usan solo un short y unas vendas) queda sumamente expuesta la capacidad del autor y los actores debido a que nada los protege. Se los vé vulnerables y a partir de ahí es de donde trabajan.
Escena tras escena se puede ver un gran nivel de conexión entre los actores y entre intérpretes y texto, sin dudas creen en lo que representan.Una obra difícil de olvidar, además de necesaria desde hace ya tiempo, que representa lo que es el arte: Una crítica a la sociedad a través de la representación.
¿Cuántas veces hemos querido escapar de esta realidad?El mundo en el que vivimos y sus problemas, la vida adulta y sus presiones, son lanzas que van hacia los más sensibles, especialmente a los artistas, quienes intensifican aún más el exterior y lo llevan al interior. »¿Viajar a la adultez y reconciliarse con un pasado plagado de heridas asimilando la realidad; o quedarse para siempre en un mundo lúdico de imaginación y locura?» Es la pregunta que establece Catalina Piotti en Pompidú, obra que escribe y dirige.
Lamentablemente para Érica (el personaje principal de esta obra interpretado magistralmente por Malena Ratner) no es cuestión de escapar, es que la realidad que vive solo está en su cabeza y así como también las voces que oye, en especial la de su lado más positivo, contenedor y que la alienta a seguir creando (Jose Gimenez Zapiola).
Pompidú trata una condición psiquiátrica con la que conviven muchas personas en el mundo pero no la romantiza, al contrario, el tratamiento es sincero y conmovedor. Todo lo que vemos acá es producto de la mente de la protagonista, a su vez vemos al personaje de Eugenia Bonel (tía de Érica) que intentará hacer lo posible para estabilizarla y conectarla a la realidad. La química entre Ratner y Gimenez Zapiola (El purre), va más allá de la relación sentimental que tienen fuera de tablas, los personajes que interpretan se vuelven sostén del otro ante el mundo hostil. Hay una carga poética hermosa en los diálogos de Piotti la cual hace que llegue más, a su vez el libreto de la autora nos hace reflexionar y empatizar con las personas que padecen esta condición.
Serafín Ali es quien musicaliza la obra con su guitarra para darle más sentimiento. Tomás Fiallegas es quien recrea esta escenografía abstracta y entrañable donde la bicicleta que maneja el personaje que interpreta El Purre tendrá todo el espacio para lucirse.
Pompidú es una obra que llega a lo más profundo, nos conecta con nuestra imaginación y nos hace comprender que ocurre en las mentes de aquellas personas donde existe más de una realidad. Pompidú está disponible los jueves a las 20:00 en el Centro cultural San Martin (Sarmiento 1551) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Un año más, se acaba el verano y vuelve septiembre, y con su llegada escapan esos días de calma, de paz interior que llamamos vacaciones. Pero el mundo video lúdico actúa muchas veces como puerta de escape de una realidad no deseada, siendo Lake una de esas fugas.
El equipo de Gamious, se estrena fuera del mundo móvil con Lake un título en el que encarnamos a Meredith Weiss, una programadora estresada por el ajetreo de la vida en la ciudad, que por una suma de circunstancias tendrá que pasar dos semanas ocupándose del trabajo de su padre: repartir el correo en Providence Oaks, un pequeño pueblo alrededor de un lago.
El pueblo natal de Meredith es la típica población cuyos habitantes más no pueden desear más el abandonarla. Un lugar tranquilo, íntimo y muy permisivo con una vida simple y relajada, que sin embargo no puede proporcionar esperanzas laborales para empleos no rurales, ni experiencias sociales amplias.
Igual que muchos otros, hace más de una década que nuestra protagonista abandonó este lugar, para macharse a estudiar a la ciudad. Convirtiéndose en una programadora de éxito y olvidando sus raíces. Pero la vida es paciente, y el pasado siempre termina llamando a la puerta. Durante las dos semanas que debe encargarse de repartir los distintos paquetes y las cartas del pueblo, Meredith se reencontrará con viejos conocidos, lugares que fueron una parte importante de su pasado, y nuevas caras.
Las comparaciones son odiosas, pero la premisa base de este título recuerda mucho a la obra de Infinite Fall lanzada en 2017, Night In the Woods, la cual trata con el volver al hogar de una forma superior en todos los aspectos a este título.
Y es que Lake es un viaje muy tranquilo y desde luego muy bonito. Y ahí termina. No reinventa nada en ningún momento, ni presenta ningún giro de guion destacable, que sorprenda al espectador. Es una vuelta al pasado, un viaje bonito por los recuerdos, y una desconexión con el mundo real, tanto narrativamente, como Jugablemente es una experiencia muy “chill” para el jugador. ¿Ha sido largo tu día? No pasa nada, puedes tomar las riendas de la vieja y fiable furgoneta de repartos y dar una vuelta por el precioso pueblo de Providence Oaks. Jugablemente, el sistema de repartos es bastante simple, y tiene como enemigo la obra de Hideo Kojima, Death Stranding, con una premisa “similar” en cuanto a repartir paquetes se refiere. Desde luego el equipo de Gamious no tiene los recursos ni las habilidades de un grupo tal como Kojima Productions, pero tras probar un título tan trabajado a la hora de gamificar el coger un paquete, y transportarlo del punto A al punto B es imposible volver a mirar a los ojos el resto de títulos que utilicen mecánicas similares de la misma forma.
Igual que es mucho más simple Jugablemente, también es mucho más fácil, y como ya hemos nombrado anteriormente, tranquilo. No hay ningún peligro a la hora del reparto, la conducción es simple y nuestra furgoneta es indestructible. Además, es difícil colisionar contra otros coches puesto que la cantidad de conductores del pueblo es muy reducida. Casi tanto como el número de habitantes, ya que en muchas ocasiones se siente que te encuentras en un pueblo fantasma. Los personajes principales tienen nombre, historia y diálogos, pero el resto de las personas que puedas encontrar por el pueblo son meros modelados que con suerte recorrerán entera una calle antes de entrar en un bucle. Hay que ser consciente de que el equipo responsable de Lake cuenta con recursos reducidos, pero puestos a desarrollar una vida tranquila y apacible, que visualmente consiguen bastante bien, que menos que dedicar algo de tiempo a sus habitantes.
El punto fuerte de Lake es su apartado visual. Circular por este pueblo es una experiencia maravillosa si disfrutas de un buen paisaje. El juego se ha diseñado en base a los modelados que conforman toda la zona de Providence Oaks, y además es capaz de entregar un rendimiento elevado con un ordenador de recursos moderados. Pero más allá de estas bonitas postales, se esconden zonas vacías, de mero trámite entre paquete y paquete. La banda sonora no es nada muy complejo, y hay momentos en los que se nota una falta de desarrollo en cuanto al sonido del ambiente. Cuando conduzcamos nuestra furgoneta podremos escuchar la emisora local, que emula de forma característica una radio rural típica, en la que se reproducirán los distintos temas que conforman la banda sonora del título.
En conclusión, Lake es un título que ofrece un viaje precioso a los orígenes del protagonista, pero que no ha querido mojarse en cuanto al mensaje que pretende transmitir. Queda como una aventura relajante, un recuerdo que guardar como bonito, pero no muy transgresor. No vengas al pueblo de Providence a buscar respuestas a tu vida actual porque no las encontrarás. Pero lo que si que te llevarás a casa serán unas vacaciones en uno de los pueblos más bonitos edificados alrededor de un lago.
El fin de semana pasado tuvimos el placer de asistir a una función del espectáculo llamado Si Mon Die , una obra/show en el que el plato principal de la noche es la música y la improvisación. De la mano de Marcos Rauch en la dirección (En vivo) nos brindaron una noche sumamente divertida en la que el público es participe y también responsable de todo lo que sucede en las noches de fin de semana en el método Kairos.
La movida se Si Mon Dieu es la siguiente, se trata de un show de improvisación, en la que su director se encuentra presente y les da a los actores una serie de pautas para que puedan hacer su actos con el poder de la improvisación. También toca aclarar que hay un acompañamiento musical, con Juan Ignacio López en el piano, quien también debe improvisar para musicalizar todos los momentos que surgen producto de la improvisación. En esta velada se proponen 6 desafíos, en las que siempre va a participar el público al colocar las reglas que los personajes deben cumplir con sus personajes. Así iniciamos con situaciones en las que había un cartero al que le faltaba una mano, una monja barrabrava que al estornudar canta una canción de Britney Spears y un gaucho con problemas personales con su hermano (interpretado por el mismo actor). La locura sigue al formar una rueda en la que dos personajes tienen un rol particular con otro, y que al girar van cambiando las situaciones, formando una historia con cada dupla. También vemos un vídeo colocado al azar dónde dos actores elegidos esa misma noche, deben hacer un divertido doblaje de lo que sucede en pantalla.
Si Mon Dieu no da descanso en ningún momento, las risas siempre están presentes y somos nosotros quienes interferimos en ello. Un buen público hace que el show salga a flote, aunque los expertos en el escenario reman cualquier situación. La noche fue muy amena, y quisiera repetir la experiencia para saber cómo cambia el espectáculo con un público renovado. Se trata de una experiencia imperdible para pasar una noche de finde a puras risas.
Si Mon Dieu se presenta los viernes a las 21 horas y sábados 22:30 en El método Kairos (El salvador 4530). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web
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