Reseña: Triple salto mortal con pirueta

La semana pasada hemos tenido el placer de asistir a la obra «Triple salto mortal con pirueta», cuyos actores en escena compartieron una entrevista en el programa Inbox Matutino, del cual soy co-conductor. Hago mención a este detalle, ya que en dicha entrevista los actores pudieron plasmar a la perfección lo que deja esta obra de teatro. Se trata de una historia de dos personas, que luego de un acuerdo de mantener una relación abierta, todo cae a pique cuando las cosas no funcionan, y se genera la sensación de querer matar al otro, aunque eso no suceda. Se trata de un delicioso texto que se atreve a tocar temas como el aborto, el VIH de una forma inteligente, donde las decisiones son el mayor riesgo, y a su vez, la más grande responsabilidad.

Si algo nos había comentado el actor Horace Zuvi en la entrevista, es que a la hora de hacer la adaptación del texto del español Jesús Campo García, es que el mismísimo autor había dejado como condición que los personajes debían estar en escena con la ropa ensangrentada durante el desarrollo de la historia. Es así, que cuando el espectador entra a la sala del teatro porteño, se encuentra con una habitación, con la cama desordenada y llena de sangre, algo que puede resultar muy desconcertante. Los personajes comienzan la obra como si estuviesen muertos, como si cada uno hubiese asesinado al otro, esto no es ningún spoiler, sino más bien refleja ese sentimiento de violencia que a veces tienen el uno para el otro.

Ellos mantienen una pareja abierta, hasta esa parte todo parece resultar bien, pero son los deseos y la codicia los que complican las cosas. El es un calculador, muy interesado en el tema del dinero, también del sexo. Ella todo lo contrario, no le interesa mucho el sexo, tampoco el dinero , a pesar de que la fortuna de ambos provenga de su familia. Cómo había mencionado antes, la toma de decisiones (malas decisiones) es el detonante de los conflictos principales dentro de la historia, la obra no quiere dar una lección sobre si te metes en eso, eso te va a suceder, solo plantea los riesgos que están en juego cuando uno no reflexiona sobre ciertas cuestiones.

Las actuaciones son realmente exquisitas, Horace Zuvi conforma una actuación sólida, sobre un personaje frío y calculador. Laura Pelaye logra destacarse por interpretar a un personaje con mayor profundidad, con sentimientos que necesita expresarlos. Existe un química natural entre ambos personajes, y no porque se lleven bien, también por todo lo contrario, por aquel deseo interno de descargar toda su furia contra el otro.

Triple salto mortal con pirueta es una obra muy interesante que nos cuenta la historia de una pareja disfuncional , que a su vez toca temas que pueden parecer controvertidos pero que también están presentes en muchas parejas, lo importante es hablar de ello. El teatro porteño, en plena calle Corrientes, es el escenario ideal para que el público pueda acercarse a una propuesta tan atractiva como esta.

FICHA TÉCNICA

Día y horario:

sábados a las 20 hs. (hasta el 01 de junio de 2019).

Autor: Jesús Campos García.

Dirección: Alejandro Giles

Intérpretes:

Laura Pelaye

Horace Zuvi

Escenografía: Pablo Pastrana Greno

Musicalización: Guillosound

Gráfica: Valentina Zuvi Boulay

Duración: 70 min.

Valor de la entrada: $ 350

Crítica: Muere Monstruo Muere

Por Ignacio Festa

Cruz se mete dentro de un túnel oscuro. La luz se ve al final del pasadizo, donde el camino vuelve a salir al aire libre. Mientras maneja el patrullero, escucha en el mp3 el audio de una conversación del asesino con una psiquiatra del hospital donde está internado. El esposo de su amante, principal sospechoso del crimen de su mujer, dice que hay una voz en su mente que le dice reiterativamente “muere, monstruo, muere”. Cuando Cruz vuelve en sí se encuentra detenido a un costado de la ruta. La ilusión del sospechoso de que el culpable de degollar a las mujeres es un monstruo empieza a atraparlo a él también.

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Muere Monstruo Muere, la última película de Alejandro Fadel, es un thriller acerca de cómo el policía rural Cruz se enfrenta a la investigación de una sucesión de asesinatos. En zona de precordillera, varias mujeres aparecen decapitadas y parecen haber sido corrompidas. Francisca, la amante del policía, se convierte en una de las víctimas cuando aparece degollada en un descampado. En la escena del crimen, los compañeros de Cruz encuentran a David, esposo de la víctima. El marido, que es un desequilibrado mental, se vuelve el principal sospechoso del asesinato y es encerrado en un Psiquiátrico. Cuando habla con los médicos, David dice que el culpable de los crímenes es un monstruo y que escucha una voz en su cabeza que le susurra constantemente “muere, monstruo, muere”.

 

La resolución del caso terminará volviéndose una causa personal para Cruz. El policía siempre le reprochó a su amante no poder desprenderse de la carga que significaba su marido. Luego del asesinato de Francisca las cosas cambian. Cruz comienza a dudar de la existencia del monstruo. Empieza a perseguirse y obsesionarse com que el culpable de los asesinatos es un ser sobrenatural. La historia de David, al que él había descalificado tantas veces por su falta de cordura, se vuelve un tormento también para él. El hallazgo de una nueva víctima terminará desenmascarando al culpable de los asesinatos y hará que los personajes se choquen con algo peor que sus pensamientos.
Muere Monstruo Muere es un thriller que pierde su fuerza por querer ser una crítica a la violencia de género. Es atractivo porque propone utilizar la locura para generar suspenso. Encuentra el modo de retratar cómo los pensamientos pueden afectar lo que se presenta en la realidad, basándose en la distancia entre la razón y el delirio. Pero utilizar a un monstruo como vehículo para hablar de la violencia contra las mujeres se torna osado e inverosímil. La película se termina resolviendo de una manera desalentadora y poco atractiva que buscaba ser impactante y terrorífica

Calificación 5/10

Análisis: Path to mnemosyne para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Path to mnemosyne es un videojuego desarrollado por el estudio español devilish games, quienes han logrado brindar una experiencia de juego surrealista y muy interesante en su ejecución. Este juego nos pone en la piel de una niña que debe iniciar un viaje al interior de la memoria y de ahí en adelante comenzar a descubrir los misterios que vienen después.

En relación a su jugabilidad, este título se basa en la resolución de puzzles, donde vas avanzando a distintos escenarios que determinan las piezas de la memoria que se van armando. Si hay algo que se destaca en su jugabilidad, es la combinación que tiene con su estética surrealista y un tanto aterradora, en el que podemos ver partes del cuerpo, bebés, entre otros objetos montados de una forma muy particular. La dificultad es moderada, hay que prestar mucha atención en las pistas que nos van dejando a medida que avanzamos en el escenario, es muy necesario prestar mucha atención para la resolución de los enigmas, sino te quedarás trabajado a medio camino sin poder hacer algo al respecto.

El apartado técnico está muy bien cuidado y es muy interesante en su ejecución. Cómo antes había mencionado, parece que se trata de un mal sueño, las imágenes son el complemento para desarrollar la historia, ya que no existe ninguna introducción narrativa para explicar lo que estamos viendo. Por eso su ambientación es efectiva, ya que nos permite saber lo que el personaje principal está viviendo, siempre manteniendo el misterio sobre lo que está por venir. El apartado sonoro es sombrío , y muy acorde al estilo de juego que nos quieren brindar, puede resultar una experiencia un tanto abrumadora, pero aún así es muy interesante.

En su duración, el juego es bastante corto, puede que para aquellos que han sabido resolver los enigmas con facilidad, les resulte una experiencia a la que le ha faltado contenido. Este no es un aspecto muy negativo, porque de haber sido mucho más largo, la experiencia de resolución de puzzles habría sido un tanto agotadora, y a la vez repetitiva.

Path To Mnemosyne no es un juego para todos , no lo digo como algo malo, sino más bien para hacer esta recomendación informando lo que el juego realmente brinda. Este título nos deja una experiencia surrealista, algo abrumadora en su ambientación, pero que está muy bien ejecutada, que sabe mantener el misterio y entretener al jugador que quiera meterse en este mundo de pesadilla. Su jugabilidad está basada en la resolución de puzzles, con una dificultad moderada, que va acompañado a la construcción de su historia, que se va armando desde que uno comienza a controlar al personaje principal. Gran trabajo del estudio español Devilish Games , que nos ha dejado un título destacado en el amplio catálogo de indies en switch.

Calificación 8.5/10

Reseña: Vientos de levante

Por Victoria Seri 

La obra Vientos de levante se presenta en Del borde Espacio Teatral todos los sábados de mayo a las 20 horas. Se trata de una adaptación que realiza Cristian Palacios del texto de la dramaturga española Carolina África. El espectáculo cuenta con el apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires y es producido por la Compañía Nacional de Fósforos.

Vientos-6 b.jpgVientos de levante se le llama al viento procedente del este en el mediterráneo occidental. El título funciona como metáfora de lo que cuenta este drama que también tiene momentos de humor. Como nos sucede a todos en nuestras vidas, tenemos momentos y situaciones que se dan con más tranquilidad que otras que, nos puede sacudir como un viento tumultuoso. Depende de cómo se maneje uno ante las adversidades. El viento revuela o ayuda a despegar.

Me gustó mucho que haya varias historias en paralelo. Al comienzo parece que no se relacionan entre ellas,  pero después confluyen dentro del mismo hilo argumental. Relatos de amor y desamor, de familia, de amistad y de enfermedad,  son algunos de los disparadores de esta historia. Además se tocan dos temas considerados tabú ya que no abundan en la escena cultural, la enfermedad ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica) y la salud mental.

La adaptación del texto que realiza Palacios está muy bien resuelta, emociona y divierte por momentos. Con respecto a los actores, todos están naturales y hacen un trabajo muy profesional. También me ha gustado mucho la música utilizada a lo largo de la función. Viento de Levante es una gran opción para disfrutar.

 

Ficha artístico técnica

Texto: Carolina África / Adaptación: Cristian Palacios

Actúan: Ainhoa: Ana Victoria García / Pepa: Gisela Nomdedeu / Juan/Maxi: Fabio Prado / Sebastián/Antonio: Gabriel López /Ascensión/Carmen: María Ibarlín

Diseño de Vestuario: Natalia Alayón Bustamante / Diseño de Iluminación: Federico Genovés / Asistencia de Dirección: Tomás Graziano

Dirección: Cristian Palacios

Producción: Compañía Nacional de Fósforos

Duración: 60 minutos

Este espectáculo cuenta con el apoyo del CENTRO CULTURAL de ESPAÑA en BUENOS AIRES

Análisis: Super Dragon Ball Heroes: World Mission

 

Por Matias Dinardo

Estamos frente a una nueva entrega de videojuego de Dragon Ball, esta vez para Nintendo Switch y PC: Super Dragon Ball Heroes: World Mission. Es un juego de rol, cartas y estrategia que pone a servicio todos los personajes de la famosa saga.

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Somos un aficionado al juego que se quiere abrir paso en el mundo de las competencia de cartas de DB pero algo sale mal y los personajes terminan en la vida real. Esto provocará  nuevas situaciones dentro de la trama del anime con una gran cantidad de anomalías y una especie de universo alterno que es interesante para los que conocen la historia original. También nuevos luchadores creados para el juego y un nuevo villano.

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A nivel juego, es una partida de cartas tras otra, no mucho más, pero hay formas de que el gameplay nos vaya sorprendiendo con la enorme cantidad de material y estrategias a la hora de jugar. Hay un total de 1160 cartas y 350 personajes y mucho, mucho tiempo de juego. También tiene un modo multijugador, tanto local como online, súper interesante y que hace que el juego cierre de mejor manera.

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En el comienzo, puede resultar un tanto difícil, pero a medida que pasa el juego iremos entendiendo para donde va.  Las cartas, además, tienen la capacidad de fusionarse unas con otras para ser más poderosas. Depende de nosotros armar el mazo de cartas que nos represente y haga que nos lleve a ganar.

En definitiva, es un buen juego solo, y solo si, sos un gran fan de Dragon Ball.

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Nota: 7/10

 

Lo mejor:

  • Si sos fan de Dragon Ball TENÉS QUE JUGARLO
  • Enorme cantidad de horas de juego
  • Buen desarrollo de historia y personajes originales

 

Lo peor:  

  • En uno de los modos de juego, al perder  nos llevarán de vuelta al menú principal. Es algo molesto.
  • No hay espacios para explorar.
  • El tutorial es un poco largo, hay mucho que aprender.

Crítica: Traslasierra

Por Bruno Glas

Lo mínimo prescindible

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Una de las principales discusiones que, dentro de la crítica, suscitó el cine nacional hacia mediados de la década anterior, tenía que ver con la tendencia minimalista por la que apostaban muchos de los filmes del momento. El llamado “Nuevo Cine Argentino”, surgido en la década del noventa, hace rato ya se había consolidado. Los directores de esta camada tenían en su haber más de tres películas, y era posible asociar su nombre a caracteres determinados de su cine. Caetano, Trapero, Martel, Burman, Alonso y la lista sigue: cada uno de ellos había afianzado ya un estilo propio, asociado a una mirada sobre el mundo. Pero ocurre que el cine argentino de la década siguiente se mostraba imbuido de una cierta apatía. A diferencia de la corriente anterior, no había personajes delineados con particularidades, con rasgos definidos; se los veía abúlicos, desganados. Las intenciones de contar, de narrar de forma clásica, también parecían haber sido desplazadas. Se veía más bien el intento por construir ciertos climas, pero esta decisión terminaba por llevar el relato hacia una suerte de abismo nadista. El universo de estas películas desembocaba, entonces, en una especie de apatía y desidia vital. Claro que después llegaría “Historias extraordinarias” y este panorama volaría por los aires, pero esa es otra historia.
Todo esto viene a propósito de “Traslasierra”. Es que la película de Juan Pablo Sasiaín apela al minimalismo como fondo, contando una historia simple. Es cierto que logra construir personajes definidos, pero en su decisión de narrar con una distancia prudente termina por diluir cualquier conflicto. La trama sigue a Martín, interpretado por el mismo director, un artista joven que, junto a su novia, vuelve a la casa de su padre ubicada en las Sierras. Allí se encuentra con Coqui, una amiga de la infancia, que es ahora madre soltera, y por la que Martín aún tiene cierta atracción. Descubrirá que la hija de su amiga bien podría ser la suya. Al mismo tiempo recibe la noticia de que su actual pareja está embarazada, y sabe que su padre se halla en los últimos momentos de su vida.
Hay un acierto por parte del director, y es el de manejar las situaciones que rodean al protagonista con discreción, evitando cualquier sobresalto o dramatismo exagerado . Esto se muestra en la puesta de cámara: por ejemplo, en los momentos donde Martín y su novia están juntos en la cocina. Ella ya intuye que él siente algo por Coqui. Vemos muy poco de ambos: un plano escorzo que muestra apenas una parte del rostro del protagonista que le pregunta qué le sucede, mientras que ella permanece desenfocada. Esta escena por sí sola basta para mostrar la tensión que se percibe entre los dos. Lo mismo en la cena entre los tres personajes, cuando la incomodidad aparece siempre a través de lo que nunca se dice, pero se puede intuir perfectamente. Ahora bien: así como el tono bajo, contenido, resulta muy adecuado en estos momentos, también termina por anquilosar a la mayor parte de la película. Es que el desarrollo minimalista no parece otorgarle a la película mayor vuelo. Los miedos de Martín frente a los diversos problemas que lo atraviesan se exhiben casi siempre mediante diálogos que muy poco aportan (ver, sino, las múltiples conversaciones con su padre). Más tarde, cuando se termina por cerrar el vínculo de Martín con Coqui, comprendemos que ha llegado demasiado tarde: muy poco es lo que el filme mostró entre ambos como para que aquella escena tenga algún peso dramático. Y en la búsqueda de “Traslasierra” de narrar una historia chiquita, despojada, termina por quedarse en la superficie.

Calificación:  5/10

Reseña: Mamushka

Por Candela Otero

En un instante pasa la vida, la vida en un instante pasa.

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Una comedia que, a simple vista, cuenta la historia de una familia que se descontrola cuando se pierde una mamushka heredada de mucho valor, pero en realidad, busca contar algo más y aprovecha el género de la comedia para dar un interesante mensaje.

El elenco, encabezado por Flavia Palmiero, está integrado por adultos y jóvenes (entre los cuales está también la escritora de la obra, Natalia Filgueiras), quienes sorprenden con sólidas interpretaciones, y componen personajes muy diversos que llenan de elementos la historia.

Con una puesta en escena totalmente sobria (el único elemento del decorado es un sillón), integra momentos cómicos con simpáticas coreografías, que cuentan con música original muy bien realizada. Es interesante el uso del espacio, los pasillos se vuelven una extensión del escenario y muchas de las escenas transcurren allí.

 

Más allá de la risa, la obra parece decirnos que mientras pasamos nuestro tiempo enfocados en cosas de poca importancia, descuidamos los vínculos familiares y los aspectos verdaderamente importantes. Y sin que nos demos cuenta, la vida se nos pasa. Al menos, así le ocurre a la madre de esta familia, quien está enfocada en encontrar esa mamushka y no da cuenta de qué le está sucediendo a su marido o a sus hijos.

 

Ficha técnica

Elenco: Flavia Palmiero, Natalia Figueiras, Emiliano Figueredo, Ricardo Larrama, Thomas Lepera, Milagros Masini, Christian Sancho, Marcelo Serre y Goly Turilli.

 

Guión: Natalia Filgueiras

 

Dirección: Alejandra Rubio

 

Miércoles a las 21 hs. en el teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524)

Entradas por Plateanet o en la boletería.

Reseña: Una vez en la vida

La semana pasada tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra «Una vez en la vida», una puesta teatral que está basada en la película irlandesa llamada Once. Tenemos como a protagonista a un músico callejero irlandés y una inmigrante checa, en la que juntos colabora en un número que canciones que reflejan su floreciente amor.

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Si hay algo que trasluce en esta puesta en escena es su música, pero que no resulta solo un añadido para complementar con la historia, sino más bien es el elemento que pone a todos sus personajes en escena haciendo lo que mejor hacen. Eliseo Barrionuevo y Paula Reca demuestran una química y carisma que los hacen únicos en esta propuesta, acompañada por una narrativa enternecedora. La música es lo que llega a unir a estos personajes, pero hay más allá de ello, ya que tienen muchas cosas para contar de sus vidas, y que logran expresarse a través de las canciones y melodias que muestran en escena. La obra cuenta también con un humor particular, aunque existe un drama (El mismísimo amor), el relato resulta festivo en todo su transcurso, algo que sabe manejar con buen ritmo y sin perder el hilo de la historia. La obra cuenta con la presencia de guitarristas, violinistas, pianistas, acordeonistas, entre otros. Que como dato particular, son los mismos personajes que irrumpen en escena, donde tenemos talentos como Santiago Otero Ramos, Federico Coates, Mariela Passeri, María Armellin, entre otros artistas.

La sala del Metropolitan Sura aporta el espacio que se encuentra muy bien aprovechado, tanto por el elenco como por la escenografía, que si bien representan locaciones en Irlanda, los escenarios elegidos resultan más bien universales. Por el lado musical no hay mucho más que decir sobre la excelencia que brinda en ese aspecto. Las melodías son acordes al espíritu que la obra nos deja, hablándonos sobre los sueños, la alegría y el amor.

Una vez en la vida es una obra enternecedora, que merece ser vista como algo más que una adaptación musical. Paula Reca y Eliseo Barrionuevo nos dejan unos personajes muy carismáticos y divertidos, motivos por los cuales resulta muy fácil encariñarnos con ellos. Con una historia simple, pero emotiva, la obra también resulta muy atractiva en lo musical, aprovechando el talento de cada uno de sus intérpretes. Les recomendamos que vayan a ver esta tierna historia, ya que les dejará una sonrisa al terminar de verla.

· ELENCO ·
Eliseo Barrionuevo – Él
Paula Reca – Ella
Roberto Catarineu – Padre
Santiago Otero Ramos – Banquero
Mariela Passeri   – Barushka
Federico Yernazian – Billy
María Armellín – Reza
Federico Coates – Svec
Máximo Meyer – Andrej
Violeta Videla – Ex-novia
Nicolás Muñoz – Eamon
Mariano Cantarini – Emcce
Mariana Carnovali – Maja

· FICHA TECNICA ·
Director general  Julio Panno 
Dirección Musical  Tomas Mayer-Wolf
Director Vocal Sebastián Mazzoni
Traducción y Adaptación Lily Ann Martin y Pablo del Campo
Coreografía Verónica Pecollo
Diseño de Escenografía Santiago Fernandez 
Diseño Vestuario Ana Florencia Blejer
Diseño Luces Leonardo Muñoz y Julio Panno
Diseño de Peinado Daniel Laurito
Diseño de Maquillaje Carolina Pesce
Fotografía Nacho Lunadei
Prensa y Difusión WE Prensa
Comunicación Digital @Bushicontenidos
Contenido e Ideas DEL CAMPO GLOBAL
Dirección de Arte y Diseño Gráfico Mery Pastore Camino
Colaboración creativa Guido Balzaretti 
oordinadora Escenotécnica Micaela Monti
Producción Ejecutiva  Roro Pellegrini

Produccion General
JULIETA KALIK 

FUNCIONES 
Viernes a Domingos

LOCALIDADES $950, $800 y $600 PESOS

Reseña: Lo quiero ya

*GANADOR PREMIO HUGO a MEJOR MUSICAL OFF* (2017-2018)

*GANADOR PREMIO HUGO a MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF* (2017-2018)


En el Galpón de Guevara, los domingos, 19 hs, destinado a los ansiosos, a los que dicen «Lo quiero ya», pero también serán bienvenidos quienes creen que miran del lado de enfrente, los que no creen que están inmersos en la vorágine diaria.

Es una hermosa comedia musical, muy fresca, con impetús juveniles, con una impecable coreografía, una excelente puesta, donde se habla de este mundo moderno que nos toca transitar. La obra deja al desnudo el mensaje de una sociedad que quiere tenerlo, a veces, no importa qué, pero si ya.

Una musical acorde al relato, hay dinámica, fluye en el escenario, el libro de Marcelo Caballero y Martin Goldber, saben marcar los paréntesis, hace una foto donde logra congelar el momento de caos para llevar a la reflexión y se vuelve a sumergir en el vértigo que nos consume.

El mundo visto como una gran cadena, donde cada uno de nosotros es la pieza de un engranaje, que por suerte, lejos, está de ser perfecto. La música y letras, con canciones muy pegadizas, son de Juan Pablo Schapira, que junto a la coreografía de Marina Paz, logran en escena, un engranaje que funciona a las mil maravillas, gracias a la dirección musical de Juan Pablo Schapira y la dirección de actores de Martín Goldber.

La obra trata de la relación de como varios personajes, se cruzan en diferentes momentos y por razones distintas. Por ejemplo dos amigas que se reencuentran en un casting, una queda seleccionada y la otra no. Y a su vez, el director del casting, se engancha con la que ganó y la invita a salir. Esos dos personajes más adelante se terminarán cruzando con el Mago Iván, que ambiciona la fama, pero ameniza fiestitas de niños de 3 años y le pagan muy mal. A eso, está la cajera que trabaja en el peaje y que tiene algunos problemitas, los cuales no serán menores a la médica, que toma pastillas para poder dormir, para poder estar despierta, y la pareja que todo el tiempo se está peleando, pero si le preguntan como están, mientras miran sus celulares, dicen que todo bien, o una profesora de gimnasia, en búsqueda sentimental.

Realmente, como espectador, se encontrará con un musical, para tararear las canciones, para reflexionar, el inminente lunes que está por llegar, cuán lejos está de la historia que se está contando, y al finalizar promete nuestro caluroso aplauso por el excelente momento que nos hizo sentir.

Desde Butaca, les aconsejamos que bajen la ansiedad y que el próximo domingo, les despierte las ganas de Lo quiero ya.


Ficha técnico artística
Autoría: Marcelo Caballero, Martín Goldber

Elenco:
Alejo Antonelli
Karina Barda
Vicky Condomí
Federico Fedele
Lucien Gilabert
Julieta Rapetta
Juan Pablo Schapira
Estefanía Alati
Victoria Caceres
Macarena Forrester
Andrés Passeri
Lala Rossi
Nacho Zabala
Nahuel Quimey
Músicos:
Pablo Barone, Franco De Paoli, Gabriel Mathus, Juan Pablo Schapira
Vestuario:
Marcelo Caballero, Marina Paiz
Escenografía y diseño:
Vanessa Giraldo
Diseño de Luces
Marcelo Caballero
Director musical / Música y letras de canciones / letras de musicales / arreglos vocales
Juan Pablo Schapira
Stage Manager: Emiliana Di Pasquo, Luciana Lippi

Producción ejecutiva: Rosario Irusta

Dirección Coreográfica: Marina Paiz

Dirección general / diseño de imagen / puesta en escena / de actores
Marcelo Caballero

Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Antes, acerca de la infancia y la memoria

Por Pedro López

“Método, Método, ¿qué quieres de mí? Sabes que comí el fruto del inconsciente.”

                                                            Jules Laforgue

“Antes” pone en escena estas 3 piezas coreográficas donde prima el teatro de objetos y las artes visuales.

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Es una trilogía de la compañía Cuerpoequipaje dirigida por Tatiana Sandoval, docente de dirección escénica en el departamento de dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes. En sus palabras: “Antes  está inspirada en la ensoñación poética propia de la infancia. Junto a este valioso equipo de artistas, pienso el escenario como poesía visual”

El diseño de vestuario y los objetos que se utilizan son maravillosos y en verdad un verdadero acierto. Hay una enorme propuesta de acciones e imágenes que mutan a lo largo de la obra transformándola en un viaje que nos lleva a algún lugar sin nombre. Pero, a veces esto deviene en capricho más que en un proceso,  donde se profundiza cada propuesta hasta verse transformada orgánicamente. Aun así no hay que dejar de verla ya que no deja de ser única, inspiradora y muy vanguardista.

 

17h Parte l CONCIERTO PARA EQUIPAJE, 2015 (Homenaje a Tadeusz Kantor)

Pieza coreográfica para una mujer multiplicada, tres cajas y un violín.

Un poderoso territorio de fuerzas habita el escenario. Fuerzas anteriores a la palabra. Evocación y memoria rota. Surrealismo contemporáneo

17.20h Parte ll ÁFRICA, sueño de un viaje olvidado, 2016

Pieza coreográfica para performers, objetos y máscaras.

Caía en un pozo, como Alicia. Al llegar en ese territorio ancestral, me perdía, me transformaba, era otra. Vuelvo por la huella de un viaje olvidado.

Intervalo

 

18h Parte lll LACASA, 2017

Pieza coreográfica para cuatro mujeres, objetos y video.

Lo doméstico se trastoca. Las mujeres son ahora funámbulas. Casa amaneciendo en estado salvaje.

6 ÚNICAS FUNCIONES

Cuándo: los domingos 21 y 28 de abril y los domingos 5, 12, 19 y 26 de mayo a las 17 hs

Dónde: Teatro Payró

Dirección: San Martín 766

Entradas: $300/ Estud y Jub $250

Promoción: gremios, instituciones 2 x $400

Informes: 4312-5922

Duración total de la trilogía: 110 minutos con intervalo

Reservas por:http://www.teatropayro.com.ar/