EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA (First Man) dirigida por Damien Chazelle con guion de Nicole Perlman y Josh Singer, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong de James R. Hansen. // Crítica de CJ. COLANTONIO.

Desde un primer momento la película nos presenta a un hombre que -en soledad- debe tomar decisiones en las peores circunstancias -en específico- encerrado en una máquina de prueba con grandes probabilidades de perder la vida.

La película en sí habla de todos los riesgos que un ser humano toma para llegar a algo que es superior a uno, desde la cantidad de muertes en pruebas que suceden alrededor de éste sueño, como un discurso de Kennedy del 25 de mayo de 1961 sobre el porqué ir a la luna.  En ése instante, reafirma algo que es muy importante para su sociedad y que -desde mi punto de vista- tiene que ver con pensar en grande, de alguna manera rechaza los pensamientos mediocres, en contracara a un país que elevaba los impuestos.

“Nosotros elegimos ir a la luna, no porque sea fácil, sino porque es difícil, porque ésta meta, servirá para organizar y probar lo mejor de nuestras energías y habilidades (…) lo haremos primero, antes que termine esta década y porque debemos ser audaces.”*

No tiene nada que ver a un país como el nuestro que aunque tuvimos un presidente que nos habló de la estratósfera, lo hizo con menos elegancia y confundiendo los actos heroicos.

Ésta es una película que habla sobre ésos actos heroicos porque el conflicto no es en específico con una persona, es con una sociedad y con nosotros mismos; justamente para que el cambio de paradigma se produzca.  Por eso es tan importante ganar un mundial de fútbol en nuestro país, o tener un Maradona, porque de alguna manera nos hace creer en nosotros, y lo capaces que podemos ser como nación.

Aún así, sigue siendo un misterio si realmente se fue a la luna o Stanley Kubrick nos hizo una extraordinaria pantomima que varios se llevaron a la tumba porque entienden que podrían aniquilar lo más importante en una nación, que sería el pensamiento sobre sí mismos.

Si no, analicen.  Aunque la misión Apolo 11 es la más conocida y recordada, después del 20 de julio de 1969, el hombre ha pisado la luna sólo en cinco ocasiones más; y la última hace 46 años.  Éstas son: Apolo 12 (1969), 14 (1971), 15 (1971), 16 (1972) y 17 (1972). Como dato adicional, han sido 18 los afortunados astronautas que han llegado a la órbita lunar en éstas seis misiones.  Sin embargo, de todos ellos, solo 12 consiguieron pisar la Luna, pues siempre debía haber un astronauta orbitando alrededor de la Luna en la nave de regreso.

El otro conflicto, tiene que ver en cómo recuperarse de la muerte de un ser querido (no contaré más para NO SPOILEAR, aunque sucede en los primeros 10 minutos) y cómo cada uno se transita el duelo.

Otro revés dentro del relato es la incógnita, no sólo de saber si van a poder llegar a la luna, sino si iban a poder regresar; y la manera de resolverlo en familia se produce con una pregunta de uno de sus hijos, algo que me pareció forzado.  Investigando encontré una entrevista de sus hijos –a quienes los consultaron por dos años para la escritura del guión- donde confirman que eso no fue así porque tenían alrededor de 5 y 12 años respectivamente, y lo veían con cierta ingenuidad.

Sin embargo, pese a los tics constantes que le encuentro a Ryan Gosling, sus hijos reconocieron estar satisfechos con la representación de su padre.

Ésta es una adaptación de Nicole Perlman y Josh Singer, basado en el libro First Man: The Life of Neil A. Armstrong de James R. Hansen que trata sobre la preparación de la misión espacial a la Luna Apolo 11 que se produjo en el año 1969 y que desde mi punto de vista, es un relato psicológico que logra un eficaz equilibrio entre algo de la vida personal del astronauta que pisó la luna y la difícil misión.

Puedes ver una crítica de video en el canal de YouTube de la Butaca Web o Instagram.

*(Discurso Kennedy 25/05/1961: https://www.youtube.com/watch?v=po7scJhJMfs)

(Calificación: 8/10)

ALGO CELOSA (Jalouse), dirigida por David y Stéphane Foenkinos con Karin Viard (La familia Bélier, Delicatesen) – Crítica por CJ. Colantonio.

Los hermanos Foenkinos se unen en la dirección para adentrarse en el mundo femenino -como uno de ellos ya lo demostró y con creces en “La delicadeza”- del cual tienen un avezado conocimiento.  Su interés radica en las oportunidades que le ofrece una mujer que ronda los cincuenta y que lidia con la inevitable transformación que sucede cuando se adentra en la menopausia.

El título es una ironía, porque para ella éste momento se manifiesta así, pero tiene que ver en cómo una persona se acepta así misma y más en estos tiempos donde hasta las actrices de cincuenta años parecen olvidadas.  Para ello, los guionistas, eligen a una profesora de literatura, para dotarla de un lenguaje inteligente y en primera instancia la enfrentan a su hija de dieciocho años que además es bailarina de ballet.

Con la soberbia interpretación de Karin Viard (La familia Bélier, Delicatesen), el relato se arma con minuciosidad para no caer en el cliché misógino que juzga sin piedad a la mujer como una neurótica y amargada; y convierte las conductas tóxicas en graciosas.  Es una estrategia arriesgada para que el público caiga en la trampa de juzgar al personaje al límite de rechazarlo, pero comprenda en carne propia, la lucha de una mujer en esta situación.

(Calificación: 7.5/10)

NUESTRA HERMANA MENOR (Unimashi Diary) de Kore-Eda Hirokazu (selección oficial de Cannes 2015 y Premio del Público en el Festival de San Sebastián 2015) – Crítica por CJ. Colantonio.

Del mismo director “De tal padre, tal hijo” llega de manera tardía “Nuestra hermana menor”, una película que es su segunda adaptación de un manga japonés galardonado en 2013 (lo había hecho antes con Air Doll) y que en esta ocasión mereció el Premio del Público del Festival de San Sebastián en 2015 y fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes ése mismo año.

La película cuenta la historia de tres hermanas que tras la muerte de su padre, conocen a una media hermana de catorce años, y juntas aprenden el reto que merece vivir en un hogar con padres ausentes, pero no carente de luz y respeto, algo que la cultura japonesa tiene arraigado en su cultura.

Las actuaciones de las cuatro actrices que retrataron a las hermanas asombran por su realismo y la complicidad que logran entre ellas, a tal punto que fueron premiadas o nominadas en los premios de la Academia Japonesa.  Además de las cuidadas composiciones, el color, y los árboles de cerezos, que invitan a una experiencia visual, la película nos habla de la importancia de la aceptación y el perdón, y colocan a este director asiático como imprescindible.

Este año fue el primer director asiático en ganar la Palma de Oro en Cannes con “Un asunto de familia”.

(Calificación: 8.5/10)

“Robin Hood: orígenes” dirigida por Otto Bathurst y escrita por Joby Harold, Peter Craig y David James Kelly – Crítica de CJ. Colantonio.

Esta era una oportunidad más para reflotar un personaje que sigue siendo un cuento anodino y que nunca estará a la altura de un William Wallace a menos que pongan a un guionista con un poco de coherencia y sentimientos más profundos.  Ni siquiera un personaje villano que se presenta para una supuesta segunda entrega, fue desarrollado con viveza en ésta “origen” y menos como un gran contrincante en el futuro. Justamente los villanos en Robin Hood siempre se han mostrado enclenques, casi como unos bufones.

En ésta, que se podría decir es la sexta película sobre Robin Hood, el problema de los personajes, se seguirá viendo por más que lluevan los efectos especiales para hacer más atractiva la historia.  Escenas de Ben-Hur, El Zorro, The Italian Job, Karate Kid -por decir algunas- intentan enmascarar lo que Nolan ya demostró con la zaga de Batman: pensar en los personajes, luego en la historia; sin personajes profundos, no hay historia atractiva, más aún cuando ya la conocemos.  ¿Cuándo lo van a entender? Cambiar algún detalle no lo va a mejorar.

Además de una irritante música en LOOP, lo que más te gustaría es que maten de una vez a Robin o a Lady Marian para acallar la cantidad de diálogos, besos y miradas que suceden en los peores momentos, donde las flechas son un rasguño pese a que sean dadas en un lugar mortal.

Se nota mucho la 2da. Unidad (Director que se ocupa de las escenas de acción).

EXTRAS: Protagonizada por Taron Egerton, Jamie Foxx, Eve Hewson, Ben Mendelsohn, Jamie Dornan, Tim Minchin, Björn Bengtsson, y Paul Anderson.

(Calificación: 5/10)

Por Daniel Alvarez

La chica en la telaraña es una película que está basada en la saga literaria Millenium, creada por el escritor Stieg Larson, autor de los primeros tres libros. Este film está basado en la cuarta entrega de las aventuras de Lisbeth Salander y Mikael Blomkvist, publicada por el escritor sueco David Lagercrantz. Si bien en esta entrega existe un cambio en la narrativa, que la lleva directamente a la acción y posicionando a Lisbeth como una heroína, el film no le hace honor a lo que Larson nos dejó sobre los personajes, ni siquiera la escencia de las anteriores adaptaciones cinematográficas.

Cabe destacar que si bien las adaptaciones cinematográficas de Millennium (Las tres provenientes de Suecia y su adaptación estadounidense), no son perfectas, pero al menos lograba retratar en escencia la historia que nos han brindado en sus entregas literarias, y sobre todo, una gran adaptación de un personaje tan rico como lo es Lisbeth Salander. Por el año 2011, David Fincher filmó La chica del dragón tatuado, un film que no traía grandes cambios en relación a la adaptación sueca de Los hombres que no amaban a las mujeres, pero denotaba un gran trabajo en lo técnico y en la interpretación de sus actores , con una magistral Rooney Mara. La taquilla no acompañó a este film, y sus secuelas quedaron lamentablemente en suspenso, pero ahora Sony decidió revivirla saltando a la cuarta entrega de Millenium, con nuevo director y elenco. Esta si bien no resultaba una idea desacertada, ya que se trata de un material que no había sido mostrado en cine , y era una oportunidad de realizar algo nuevo, permitiendo explorar más a fondo a sus personajes principales. La realidad es que el film queda relegado a una película de acción y espionaje sin muchas emociones, siendo a la vez , una mediocre adaptación de Millenium que no sabe sacarle provecho a la riqueza que posee Lisbeth Salander.

Lisbeth pasa a ser en esta ocasión un intento de espía amateur con aires de James Bond , atrás queda la complejidad de su exterior y la fragilidad emocional que le ha dejado su pasado, solo nos muestran tintes melodramáticos que poco aportan a la historia y al personaje. No hay un buen espía sin un hacker, y como ella es su propia hacker las cosas le resultan más fáciles , así que tiene tiempo de jugar a la justiciera y a ser una Tom Cruise de misión imposible sueca. El salto a la acción no está mal, es algo que sucede en el material literario y que permite expandir la historia desde una nueva perspectiva, en el libro aún se nota la mano de Stieg Larson, pero en el film parece que se olvidaron de lo que se construyó en las anteriores entregas. El problema de esta cinta es que no hay una correcta unión de los elementos del libro, en más , su trama resulta muy enredada y poco entendible, y hay una casi nula construcción de personajes, salvo Lisbeth. El resto de los personajes no son más que una caricatura y que no tienen un sentido claro dentro del relato. Algo muy absurdo fue lo que sucedió con Mikael Blomkvist, cuya participación en la trama es nula, parece como aquellas mujeres utilizadas en las películas de acción para ser secuestradas y a la espera de que el protagonista la rescate, así sucede, y lamentablemente no hay nada de la jugosa relación entre Mikael y Lisbeth.

Tal vez aborrezco esta adaptación por haber maltratado la escencia de lo que fue Millenium, pero para no ser tan crítico con esto, voy a hablar de los puntos a favor. La actuación de Clare Foy es convincente, logra ponerse en la piel de Salander de una forma menos excéntrica pero correcta, pero aquello que nos prometieron de que iban a contar su historia con mayor profundidad es mentira. El trabajo de dirección del uruguayo Fede Alvarez denota una buena labor en la ambientación y en los aspectos técnicos, el problema es que el guión no acompaña, y la dirección de actores parece que solo está centrada en Lisbeth, dejando al resto en un limbo dentro de su enredado relato.

La chica en la telaraña es una película que tenía muchas chances de ganar , debido a que nos muestra una historia fresca y que nos envía directamente a la acción como novedad. Pero la realidad es que termina siendo una mediocre adaptación que no sabe que hacer con sus personajes, a pesar de su buena factura técnica y la correcta interpretación de Clare Foy. Se trata de un film que no le hace honor a lo que nos brindó el escritor Stieg Larson y a sus adaptaciones cinematográficas. Va directamente hacia lo peor del año, y eso que hay bastante competencia en ese rubro.

Calificación 3/10

“Una entrevista con dios” es una película llena de filosofía religiosa y reflexiones sobre la fé y las creencias. No hace falta ser adivino para saber de qué trata este film…

“Una entrevista con dios” habla de un periodista experto en teología y religión que tiene la posibilidad de entrevistar a un hombre que afirma ser nada más y nada menos que Dios. La película está claramente sesgada o inclinada hacia el catolicismo. El personaje de Dios afirma que todo lo que figura en el nuevo testamento y en el viejo son su palabra y prácticamente dice que la única forma de salvarse es siendo creyente. También cuenta con innumerables gags sobre la Biblia y referencias a la historia de la religión católica.

Entrando en más profundidad sobre el personaje de Dios, hay que resaltar que el film cae en un claro estereotipo, reproduciéndolo como la mayoría de la gente se lo imagina si tuviera forma humana… hombre blanco, de edad madura, bien arreglado, compasivo, simpático y gentil. Básicamente un buen tipo. Se puede ver el bajo riesgo que el director eligió correr. El resto de los personajes tampoco son muy interesantes, todos dan la impresión de ser “buenas personas”, quizás a lo sumo cometieron un error en el pasado.

Un aspecto positivo a destacar es que se plantean temas de existencialismo y filosóficos que llaman la atención y lo hacen a uno pensar. Por otro lado también cuenta con ciertas escenas muy bien filmadas que atraen tu atención por algunos instantes. En conclusión no es una gran película pero si estas interesado en la religión podrías sacarle un poco de jugo a esta naranja amarga y seca.

Calificación: 4/10

Por Agustín Villegas

El Seussverse…

Todos lo vimos venir, no pueden negarlo. El mítico cuento navideño del Doctor Seuss vuelve al cine con una nueva adaptación cinematográfica en CGI y desarrollada por el jóven y exitoso estudio Illumination, popular por crear a LOS MINIONS. La historia es la que todos conocemos, el malhumorado Grinch vive apartado de la sociedad y sólo busca arruinar la navidad para que todos sean iguales de miserables que el.

La película es enérgica y ágil, la historia se desarrolla de forma orgánica junto a un apartado visual que no pierde tiempo y cautiva en todo momento. Los diseños le hacen honor al material original recreando los dibujos mas emblemáticos del cuento y hasta el guión incluye las inolvidables rimas que le dan vida a la historia.

Claro que un libro de 69 es imposible de adaptar en un largometraje de hora y media, por lo que es necesario agregar elementos y personajes que le den mas tridimensionalidad a la historia. La película nos introduce una Villa Quién llena de personajes atractivos que expanden el universo Grinch de una forma más que positiva. Fue una pena que no hayan hecho una función en ingles subtitulada, quería escuchar la interpretación de Benedict Cumberbatch como el verdoso personaje. El gran defecto de la película es el soundtrack, ver a un personaje de esta índole metido en medio de un rap se me hizo totalmente desubicado. Probablemente sea uno de los trabajos mas pobres de Danny Elfman.

«EL GRINCH» es una película navideña que cumple con toda espectativa. La secuencia en la que el protagonista roba los regalos de las casas es soberbia y el humor slapstick caricaturezco hace del proyecto un film perfecto para estas fechas.

Despues de ver la calidad de los proyectos de esta empresa estoy oficialmente emocionado con ver la película animada de SUPER MARIO BROS que se viene preparando, y de más esta decir que la anunciada película de ‘THE CAT IN THE HAT’, tamvien basada en un cuento de Doctor Seuss, tiene mí atención asegurada.

Calificación 8/10