La noche de viernes se había vuelto fría. Llegue al Camarín de las Musas media hora antes de las 23. Retire mi entrada y me indicaron por donde podía ingresar a la sala. Allí fui. Vi el banner de la obra colocado en una gran ventana por la cual se podía ver a los actores, y al director haciendo correcciones técnicas en escena, algo que me llamo poderosamente la atención 
La gente fue llegando y había buena vibración pese a la temperatura. Ingresamos. Las localidades eran pocas y el espacio compacto, pero muy cálido. Nos fuimos acomodando sin mayor dificultad y rápidamente. Los interpretes ya estaban ubicados y esperando. Apagamos los celulares y la función comenzó. Nuestra protagonista bebe vino y mira cada tanto por la ventana. Esa misma ventana que había captado mi interés al ingreso. A un costado de la escena, una pianista y cantante musicaliza en vivo. Y en las penumbras puede distinguirse una figura en un cuadro. La luz ira dando claridad, con sutileza casi imperceptible veremos esa pintura en estupenda composición y armonía de formas y colores. Ana va a cocinar una tortilla a la española, el plato favorito de su madre, el día de su cumpleaños. Tal vez como pretexto para poner en orden sus pensamientos y como puerta inconsciente al más allá, le escribe en un cuaderno y nos cuenta las desventuras de su propia maternidad. Del otro lado de la vida y la realidad, la destinataria de estas palabras, figura central del cuadro colgado en la pared, comienza a moverse y a oírla. Con la dificultad propia de un fantasma, no puede ser percibida por su hija. Pero entabla un dialogo a través de nosotros, contándonos y comentado lo que oye. Ana habla sobre su dificultad de adaptarse y sobre su incertidumbre por la falta de un plan. En el trascurso de este entrecruce de realidades y vínculos desencontrados, cocina. Corta papas, saluda a la gente que pasa por la calle (sorprendido por ver a una chica cocinando y con público) prende el fuego y toma otra copa. Una sucesión de aromas irán invadiendo el espacio y una voz dulce y poderosa nos alimentara los oídos con sus melodías. Diálogos y observaciones a veces profundas, otras graciosas. Simples. Humanas. Después te cuento habla sobre encontrarse con uno mismo y con el otro. Metáfora fabulosamente corporizada en la puesta en escena por el director, que ha abierto puertas que se atraviesan en los momentos oportunos y le otorgado la energía y el lugar adecuado a cada estimulo desplegado en el escenario. El libro es estupendo. Reflexivo y divertido. Con grandes momentos y plagado de detalles. Las actuaciones son precisas y efectivas. La Ana de Cecilia Pertusi es profunda y verdadera, Cristina Dramisino compone a una madre entrañable que todos quisiéramos tener y la voz e interpretación de Sonia Kovalivker, en el piano, es encantadora. La escenografía y el vestuario tienen el tono exacto y adecuado. La luz sutil y perfecta. Y la sala tiene la estructura y calidez que requiere la puesta. Es una obra sencilla y maravillosa, plagada de recursos y sensaciones que mezclan logrando su punto justo para que se produzca el encuentro y la magia suceda. Maximiliano Pouchan. Ficha técnica Ana: Cecilia Pertusi Madre: Cristina Dramisino Música en vivo y Pintura: Sonia Kovalivker. Escenografía e iluminación: Eduardo Perez Winter Vestuario: Nury Bertone. Gráfica: Florencia Huerga Fotografía: Victoria De Feo Prensa y Difusión: Carolina Alfonso Asistencia de Dirección: Oscar Duarte Dramaturgia: Adriana Gomez Piperno Adaptación y dirección: Juan Arena Duracion: 60 minutos Funciones: Viernes 23hs Camarín de Las Musas – Mario Bravo 960 Reservas 4862 – 0655 Entradas: $ 250 y $200 (estudiantes y jubilados con acreditación, menores de 30 2 x 1)
Crítica: Desaparecido, protagonizada por Halle Berry
Hemos podido ver la película Desaparecido, protagonizada por la actriz Halley Berry. El film, narra la historia de una madre que hace todo lo posible para recuperar a su hijo que fue secuestrado.
¿Qué harías si mientras disfrutas de una tarde en la plaza con tu hijo el pequeño desaparece? Caminas rápido, gritando su nombre, nadie responde. La adrenalina sube por tu garganta. De pronto, lo ves: una mujer forcejea y lo mete en el interior de un auto.
Esta madre no se detendrá ante nada para recuperar a su hijo, ¡se metieron con la madre equivocada!
Desaparecido cuenta la historia de Karla Dyson (Berry), una mesera de Nueva Orleand y madre de un niño llamado Frankei (Sage Correa), a quien una tarde de paseo por el parque lo secuestran, siendo Karla testigo del rapto de su hijo. A causa de este acontecimiento pondrá en riesgo su vida para salvar a su hijo de los secuestradores y no desaparezca como otros niños. La película refleja lo que una madre es capaz de hacer para proteger a sus hijos.
El “thriller” dirigido por Luis Prieto comienza bastante bien, pero poco a poco empieza a decaer el interés, a causa del guion insuficiente y poco concluyente.
Es una película entretenida con una trama bastante predecible, pero con interpretaciones buenas, es un para mirar un día en que no sepas que ver o para pasar el tiempo.
Calificación 7/10
Duración: 94 minutos
Reparto: Halle Berry, Sage Correa, Dana Gourrier
Director: Luis Prieto
País de Origen: USA
Productor: Swen
Tamara Bucatay
Reseña: Móvil, de Sergi Belbel
Historias humanas verosímiles donde la comunicación se realiza y en algunos momentos se dificulta a través del celular.
Persiguiendo móviles
La historia se inicia cuando una hija treintañera, con todos sus mambos, deja a la madre en el aeropuerto, para que ésta tome un poco de aire, con un viaje. Para que estén comunicadas, la hija no tiene la mejor idea, que regalarle un celular de última generación. La madre, cuando recibe el regalo, no entiende cómo usarlo pero aprovecha el tiempo de las esperas del aeropuerto para leer el manual de instrucciones. Empieza a familiarizarse con el uso y se termina fanatizando. La otra historia paralela, es una exitosa empresaria que ha llegado al aeropuerto, para viajar por razones de negocio. Toda comunicación con su hijo es a través del móvil. Ambas mujeres están en el mismo aeropuerto, se produce un atentado, del cual no se dan mayores detalles porque no hacen a la historia. El tema es que ambas mujeres han salido ilesas y comparten el mismo hotel que ha puesto a disposición de los damnificados la compañía aérea.
La trama transcurre en intentar comunicarse. Por un lado, madres que pretende avisar a sus respectivos hijas e hijos, que no les paso nada. Y a su vez, ambos jóvenes han visto las noticias y quieren saber si ellas están bien. Son dos historias en paralelo que a medida que avanza aparecen puntos de encuentro.
Es una comedia de enriedos que en algunos momentos si nos ponemos a pensar el hecho de un atentado, el no poder comunicarte o si hacerlo, cuán útil puede ser un móvil en un momento tan terrible. Pero la comedia soslaya el tema pero resalta las confusiones y cuán grave puede ser una mala comunicación.
Me llamó a la reflexión cuando la madre dialoga con la hija: “ no sé si esto que te voy a decir lo pudiera hacer si estuviese frente a vos”. Me puse a pensar, este abuso, tal vez del móvil, cuánto depende de nuestra necesidad de ser escuchados y entendidos por el otro. La falla tal vez radique en pretender ser una escucha egoísta donde justamente no le damos peso al que ésta del otro lado. Es bueno porque a veces rompe paredes y es malo porque la escucha no funciona sino es de a dos.
En la historia terminan desatándose nudos, todos son felices y cazan perdices. Aquellos que lo deseen pueden profundizar sobre el mensaje que da la obra y le permitirá recrear nuevas variantes de análisis. En los jóvenes, les veo difícil está capacidad, porque es una generación que no sabe lo que es vivir sin un móvil pero al ver en escena lo que vivimos cotidianamente, tal vez, les despierte ganas de pensar sobre el tema. Y la última opción es apreciar un momento agradable de distracción, de risa por momentos.
Pasar setenta placenteros minutos de paso de comedia se lo debemos al autor Sergi Belbel con la excelente adaptación de Jorge Azurmendi quién también tuvo a cargo la dirección de la obra, con la participación de las actrices Ana Maria Castel y Cristina Dramisino, dos modelos de madre diferente, interpretadas maravillosamente. Un hijo Hernán Muñoa que sufre muy agradablemente a su madre y Heidi Fauth, que se acomoda perfecta en el plano de comedia y que deseamos que continúe con el género porque le sienta muy bien.
Para aquellos que la vieron, encontré muchos puntos en común con la película italiana (2016) que toca el mismo tema Perfectos Desconocidos (Perfetti Sconosciuti). La obra de teatro no es tan sarcástica, pero las reacciones frente al aparatito me parecieron en ambas muy bien explotadas. Traigo a colación la similitud entre película y obra de teatro porque me parece una manera más de animarlos a ir a ver la obra de teatro con semejante tarjeta de presentación. Les propongo que después de verla, manden muchos whatsapps para recomendarla.
Ficha técnica
Elenco: Ana María Castel, Cristina Dramisino, Heidi Fauth y Hernán Muñoa
Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh
Asistencia escenografía: Agustina Fernandez Poblet
Iluminación: Magdalena Ripa Alsina
Asesoramiento coreográfico: Mecha Fernández
Música original y diseño sonoro: Rony Keselman
Proyecciones: Lucio Bazzalo
Diseño gráfico: Lean Anapolsky
Fotografía: Nacho Lunadei
Fotos de escena: Russarabian
Prensa y difusión: Carolina Alfonso
Autor: Sergi Belbel
Asistente de dirección y producción ejecutiva: Jennifer Aguirre
Adaptación y dirección: Jorge Azurmendi
La obra cuenta con el auspicio del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA)
Estreno: martes 3 de octubre 2017
Días de función: martes 20.30 hs. hasta el 28 de noviembre
Duración: 70 minutos
Maipo Kabaret
Esmeralda 443, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina
Boletería (lunes a lunes de 10 a 20 hs.)
Localidades: $ 200, $ 300 y $ 400
PROMO: 2X $ 300
Tarjetas Visa y descuentos del 25% a socios Club Personal
Diana Decunto
Crítica de cine: Marea humana
Mañana se estrena en los cines del país el colosal documental Marea Humana (Human Flow) del aclamado artista plástico Ai Weiwei, que nos ofrece su visión poética y sincera de los refugiados en la actualidad. Tras filmar en 22 regiones del mundo, nos invita a conocer cuáles son las ciudades que se convirtieron en blanco de misiles, cómo sucede el desplazamiento masivo de quienes buscan amparo de la guerra y cuáles son las fronteras que permanecen cerradas para ellos. ¿Podemos llegar a imaginar cómo es quedar varado tras el alambre de púas, armar campamento y esperar durante meses la ayuda de los organismos internacionales, sin la certeza de si se presentará?
Oriente, esa parte del planeta que hoy en día más nos duele, es a la que el cineasta nos desea aproximar para que conozcamos a su gente. A pesar de la cruda realidad a la que las familias inmigrantes se somenten y a las zonas inhóspitas que la película pretende dar a conocer, carece de golpes bajos. En cambio, nos deslumbra con la belleza indescriptible de los paisajes y la identificación que podemos experimentar con esos hombres y sus preocupaciones, aún en medio de la profunda crisis del humanismo en la que estamos inmersos.
En las montañas de la región turca, un anciano y su esposa hablan a cámara sentados entre los yuyos. Él no puede meter bocadillo, lo intenta pero ella no lo deja; su verborragia se lo impide. Expresa con velocidad y hondo dolor lo que pasó en la ciudad y cómo la guerra afectó a toda la sociedad. Explica que hay quienes, como ellos, se quedan a vivir entre los escombros. Otros embarcan al mar, sin la certeza de si será su medio de escape o su tumba, provocando el oleaje humano que desemboca en las hostiles costas vecinas.
Mientras tanto, en tierra firme, los diferentes tipos de campamentos y asentamientos de refugiados se expanden y varían en volumen, antigüedad y cimientos. También, nos asombra conocer aquellas zonas que se encuentran bloqueadas e impiden una necesaria inmigración, como Gaza, hogar de un grupo de mujeres jóvenes y agradables que hablan acerca de cuáles son sus sueños y explican cómo viven en esa prisión, como llaman a su país.
Desde noviembre hasta finales de febrero de 2017, Weiwei exhibirá en Fundación Proa (de Buenos Aires, barrio de La Boca) algunas de sus célebres obras, entre ellas, una adaptación local de Semillas de girasol. Se trata de cien millones de semillas de girasoles, cada una de ellas realizadas en porcelana y pintadas a mano por miles de artesanos. Aparentemente idénticas, pero únicas cada una, las semillas funcionan como una alusión al consumo masivo y a la producción industrial que caracteriza China, su país. La misma lógica mercantilista parece ser blanco de sus críticas en la película, que descarta a los seres humanos por su condición de refugiados y, por lo tanto, improductivos. En este punto, el documental explicita muy bien cómo el humanismo está en crisis en la actualidad y deja en evidencia las consecuencias que supone que los gobiernos sean inmunes al dolor de sus vecinos.
Marea Humana tiene una duración de 140 minutos y participará de la sección Panorama del 32° Festival del Mar del Plata 2017 (17 al 26 de noviembre). Debido a su extensión y a algunas fallas en el montaje que hacen que sea ardua de sostener hasta el final.
Vale la pena ir a verla al cine con un anotador y una lapicera en mano para tomar registro de los datos y los fragmentos literarios que el documental proporciona.
Calificación 8/10
Lara Salinas
DATOS PELÍCULA
Título original: Human Flow
Dirección: Ai Weiwei
Origen: Alemania . USA
Idioma: inglés – subtitulado castellano
Duración: 140 min
Guión: Boris Cheshirkov, Tim Finch, Chin-Chin Yap
Fotografía: Zanbo Zhang, Xie Zhenwei
Montaje: Nils Pagh Andersen
Productora: 24 Media Production Company/
AC Films / Ai Weiwei Studio
Fecha de estreno: 23/11/2017
Distribuidora: LAT-E
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
Crítica: Good time, Viviendo al límite.
Después de que el robo chapucero de un banco acabe con su hermano pequeño en prisión, Constantine Nikas (Robert Pattinson) se embarca en una odisea a través del mundo subterráneo de la ciudad de Nueva York en un intento, tan desesperado como peligroso, por conseguir el dinero de la fianza para poder sacarlo de la cárcel.
La historia se desarrolla en el barrio neoyorkino de Queens donde Connie y su hermano Nik, comenten el asalto a un banco con la idea de mudarse a las afueras y así vivir una vida tranquila. El plan les sale mal, y Nik, quién padece de un retraso madurativo, es encarcelado, Connie elabora un plan para sacarlo de ahí, pero todo comienza a complicarse aún más para él y sin darse cuenta se verá enredado en una difícil seguidilla de dificultades que lo pondrán a contrarreloj.
Rodada en las calles de New York , de una forma muy realista, esta es la quinta película de los hermanos Safdie, cineastas independientes, que con Good Time, han logrado llegar a Cannes.
Una película que inquieta en todo momento al espectador, acompañada con la frenética banda de sonora de Oneohtrix Point Never, que culmina con un recitado del legendario Iggy Pop en los títulos finales.
Con una extraordinaria combinación de actores, en la cuál se resalta Robert Pattinson, quien logró alejarse completamente del papel galán que le otorgó la saga de “Crepúsculo”, y transformarse en alguien irreconocible, en este delincuente de poca monta con una espectacular interpretación.
Un thriller intenso que logra combinar matices sociales, familiares y psicológicos.
Calificación: 7.5/10
Ficha técnica
Reparto: Robert Pattinson, Benny Safdie, Jennifer Jason Leigh, Taliah Webster.
Director: Benny Safdie, Josh Safdie.
País de Origen: USA
Productor: CDC
Festival Internacional de Cine de Cannes 2017:
International Cinephile Society Awards.
Mejor Actor: Robert Pattinson. Prix du Jury: Benny Safdie, Josh Safdie
Distribución : BDF ARGENTINA
Julieta Ale
Crítica: Djam, de Tony Gatlif
Djam es una chica joven, bonita y desprejuiciada, que vive en la isla griega de Lesbos. Su padrastro la envía a Estambul con un extraño encargo para una joven: reparar una pesada biela para su barco, una embarcación de turistas, ahora sin funcionamiento.
En viaje, conoce a Avril, una joven francesa que ha venido como voluntaria para ayudar a los refugiados, y que abandonada por su novio quedó sola y sin dinero. Djam se compadece y la hace su compañera de viaje, en su azaroso periplo. Consigue el repuesto que le encargaron, luego se lo roban y lo recupera con argucias. Las chicas se separan cuando Djam va a un
baño de una estación de servicio y el transporte se marcha sin ella. Djam
emprende el camino por la ruta, sin dinero y sin su encargo, en tanto Avril vuelve en taxi a buscarla hasta que por fin se encuentran. El taxista levanta a un hombre que pide ayuda para su hijo y cuando llegan, encuentran al hijo cavando un pozo
para acostarse y morir, ya que todo lo ha perdido.
A lo largo de este film de extrañas peripecias, se observa la angustia de hombres y mujeres que han perdido sus bienes cuando estalla la crisis financiera del 2009, y los bancos se apropian de todo. Aquello que veíamos en las pantallas de T.V.,
es el marco donde transcurre el relato: gente a la cual le arrebatan su pasado, le hipotecan su futuro, le aplastan sus esperanzas. Algo con muchas semejanzas a lo que conocimos en nuestro país en el 2001.
La miserabilidad del mundo
marchando esplendorosa, tal carnaval injurioso, parábola de los ciegos
bruegheliana, tosca, brutal, inhumana. El contrapunto con Djam es su desprejuicio, su juventud, su rebeldía instintiva, su naturaleza indomable, una suerte de Carmen moderna, y como tal caótica, soez,
infalible como un rayo para discernir lo que está bien, de aquello que está mal. Ésto es lo que atrae a Avril, lo que ama su padrastro, lo que resulta atractivo de Djam: no darse vencida, ni aún vencida.
Una de las paradas en el regreso, es por la casa del abuelo ya fallecido: allí
recogen papeles, fotos, discos, cosas que su padrastro le solicitó y que, en una emotiva escena juntos, le cuenta cuando la conoció de niña, como se enamoró de su madre y que aún la recuerda. También la familia de Djam sufre la expropiación del restaurante familiar. Es entonces que todos parten en la embarcación reparada, al mar, a reconstruirse, a lo que la vida les presente.
La actriz belga Daphne Patakia construye un personaje osado y tierno. Mucho de lo interesante del film se debe a su trabajo.
Guión y Dirección: Tony Gatlif
Fotografía: Patrick Ghiringhelli
Elenco: Daphne Patakia, Maryne Cayon, Simón Abkarian
País: Francia
Estreno en Argentina: 30 de noviembre.
A. R. Belano
Crítica: Empleado cama adentro
Empleado cama adentro es una obra muy particular , desde un principio notamos su intento de homenajear/parodiar a las telenovelas. Una novela presentada por una caracterización de Virginia Lago en su programa Historias del corazón , dicho programa se trata de un absurdo sin fin, pero un absurdo que entretiene y mucho más.
“Empleado cama adentro” es una obra que traslada el formato de las telenovelas al género musical.
Amor, envidia, atracción, venganza, son alguno de los sentimientos que suceden dentro de una casa en el barrio de la Horqueta donde conviven una familia y sus empleados.
Chiche, Ernesto, Gastón, Mandy, La Nona, Chester, Irupé y Rosemary encarnan así esta atrapante novela presentada por Virginia en su programa televisivo (Historias del Corazón).
La parodia que se realiza sobre Virginia Lago y su ciclo que presentaba historias matutinas, es la que da inicio a la obra. Nuestra anfitriona nos da el saludo a los espectadores y nos comenta con su histrionismo, la novela que veremos en el siguiente acto. Una secuencia coreografiada nos presenta el programa Empleado cama adentro , que literalmente contiene casi todos los clichés que podemos ver en las telenovelas. La familia rica , el amor entre familiares , los hijos perdidos y la venganza en sus más hilarantes formas son los elementos que contienen la historia. Puede ser que parezca absurdo e inverosímil, pero si uno se pone en recordar muchos de los culebrones que existen , no está tan lejos de ellos , lo que hace la obra es homenajear y parodiar aquello que tanto caracteriza a las amadas novelas.
Si bien es una obra de teatro musical , éste más bien funciona como un añadido que como una condición para que se desarrolle la obra, siendo funcional a ella como una forma de complementar los recursos de la puesta escénica. Si bien en muchos aspectos puede resultar un disparate , podemos notar que todo se encuentra perfectamente armado, tanto en su coreografía como en la utilización de música y luces, sin dejar nada al azar.
Lo único que la obra deja al azar, son las escenas en que el capítulo corta y volvemos al programa de Historias de corazón. El actor Julián Sierra se toma el trabajo de jugar con la improvisación, dejando lugar a los momentos más divertidos de la obra , sin desmerecer al resto de ella. Su participación funciona como una forma de acercar al público con la función , de darnos a entender sobre de qué va esta obra y cuál es su intención , divertir al espectador.
En cuanto al elenco dentro de la historia de «Empleado cama adentro», se puede destacar al equipo actoral en todo su conjunto. Las telenovelas resultan ser historias corales , donde se muestran los momentos de todos los personajes , sean principales o secundarios, teniendo giros inesperados que pueden cambiar el rumbo de cada uno. Así mismo se ven los actores , cada uno tiene su personaje y su espacio , jugando con el estereotipo que poseen. Matías Prieto Peccia dirige y también actúa en esta novela musical, denota su experiencia en el género adaptando perfectamente estos recursos dentro de una puesta alocada pero cuidada en cada detalle.
El viernes 24 de noviembre es la última función de Empleado cama adentro , presentándose en el Teatro Border, del barrio de Palermo. Se trata de una obra absurda y musical, que se adentra en el mundo de las novelas de una forma muy peculiar y sobre todo divertida. Ideal para pasar un viernes por la noche y reírse un rato disfrutando de buen teatro.
ELENCO
Mariel Velez, Matías Prieto Peccia, Jair Almar, Lucila Madeo, Belén Becerra, Camila Aldet, Javier Valdez, Rochi Contardi, Belén Cruz y la participación especial de Julián Sierra.
REESTRENO: 10 de Noviembre
FUNCIONES: 3 funciones.
DÍA Y HORARIO DE FUNCION: Viernes 23:00hrs
TEATRO:
TEATRO BORDER
Godoy Cruz 1838.
Tel: 5236-6183
DURACIÓN: 1:30hrs.
LOCALIDADES: $200. Entradas en venta en boletería del teatro o por Plateanet.
Promoción 2×1 con Club La Nación.
FACEBOOK @empleadocamadentro / INSTAGRAM: @empleadocamadentro
FICHA TÉCNICA
Libro y Letras: Matías Prieto Peccia
Música: Gaspar Scabuzzo, David Monteros
Dirección y coreografía: Matías Prieto Peccia
Asistencia de Dirección: Florencia Druetta
Diseño de iluminación: Christian Camacho Solano
Escenografía: Giulano Benedetti
Vestuarista: Carla Torrico Ramírez
Diseño de logo: Romina Torrico Ramírez y Bheret Arnal
Diseño Gráfico: Matías Gordon para Iarok Design
Fotografía y Producción Audiovisual: Catrina Factory
Redes y Comunicación: Daiana Vera, Camila Aldet, Matias Prieto Peccia, Ro Torrico Ramírez.
Producción Ejecutiva: Romina Torrico Ramírez
Producción General: Matías Prieto Peccia y Romina Torrico Ramírez
Extraordinario, estreno 30 de noviembre en Argentina
El film basado en la novela Wonder (La lección de August) se estrena el próximo 30 de noviembre en las salas de cine en Argentina.
August Pullman (Jacob Tremblay) es un niño nacido con malformaciones faciales que, hasta ahora, le han impedido ir a la escuela. Auggie se convierte en el más improbable de los héroes cuando entra en quinto grado del colegio local, con el apoyo de sus padres (Julia Roberts y Owen Wilson). La compasión y la aceptación de sus nuevos compañeros y del resto de la comunidad serán puestos a prueba, pero el extraordinario viaje de Auggie los unirá a todos y demostrará que no puedes camuflarte cuando has nacido para hacer algo grande.
Tráiler:
https://www.youtube.com/watch?v=jOsNDOUBd2I
Elenco: Julia Roberts, Jacob Tremblay, Owen Wilson
Director: Stephen Chbosky
Guión: Jack Thorne, Steve Conrad
Productores: Todd Lieberman, David Hoberman
Genero: Drama
País: Estados Unidos
Distribuye: BF Distribution
Reseña: Leidenschaft
Tres cuentos escénicos sobre el Amor, la Locura y la Muerte.
Una obra de Danza/Teatro de Roberto Galván Interpretadapor el Grupo G5
“LEIDENSCHAFT (lai:den:shaft), es una palabra proveniente de la lengua alemana que fue acuñada en el siglo XVII para expresar “Las pasiones del Alma”. Hoy esta palabra implica también un “entusiasmo desmesurado”, un “desenfreno”, y abarca tanto al amor como al odio y no necesariamente se aplica a una relación de pareja sino a toda relación que esté sujeta a un objeto de deseo que perturbe los sentidos” podemos leer en la descripción de la obra escrita por su director. Esta descripción también nos cuenta que en esta obra se unen dos universos que siempre rondan por su cabeza: el alemán y el argentino. Por eso en distintos momentos surgen elementos de cada uno, sobre todo en los audios tanto en alemán como en castellano, aunque el vínculo es difícil de reconstruir para quienes no entienden el idioma extranjero. En cuanto a lo textual, esta obra también tiene otra fuente de inspiración: los Cuentos de Amor, de Locura y de Muerte de Horacio Quiroga. Fragmentos de los textos, palabras sueltas, van apareciendo ya sea en audios en off o a través de la expresión verbal de los intérpretes. La obra está dividida en episodios, marcados por el cambio de tono en los movimientos corporales pero, sobre todo, en el cambio de vestuario. Cada cambio de vestimenta (que los actores/bailarines realizan en escena, desnudándose y volviéndose a vestir) marca una nueva historia, nuevos vínculos entre los cuerpos y nuevas disposiciones escénicas. En cuanto al lenguaje corporal, el segundo de estos episodios es el más destacable, con referencias al contact improvisation (no improvisado), conformando un texto físico expresivo e interesante, aunque en incómoda disonancia con el audio en off de ese momento, que cuenta una historia sobre un falcon verde, con todo lo que implica ese símbolo para nuestra historia. Sumando aún más referencias, en cuanto a la escenografía, ésta simplemente consiste en unos tubos de luces verticales y un conjunto de sillas que los intérpretes mueven, agrupan y disponen por el espacio escénico. Esto es una clara intertextualidad con Café Müller, de Pina Bausch, ícono de la danza-teatro, lo cual resulta un tanto redundante. Para finalizar, una referencia a la violencia de género bastante literal y estereotipada, una temática que al no ser tratada con demasiada profundidad no logra constituir una opinión al respecto, con lo importante que sería que el teatro pudiera decir algo al respecto.
Ficha técnica:
Idea y dirección: Roberto Galván
Texto físico: Florencia Alonso, María Kuhmichel, Federico Luna, Sergio Villalba y Lucas Flores
Diseño de Iluminación: Pehuen Stordeur
Vestuario: Grupo G5 y Roberto Galván
Banda sonora y musicalización en vivo: Roberto Galván
Voz en off y textos originales: Roberto Galván
Espacio escénico: GM Villa Elisa
Vestuario y accesorios: Grupo G5 y Roberto Galván
Fotografía: Lili Okretich / Evelina Gallarato
Funciones:
Domingo 29/10 a las 21hs. y domingos 5, 12 y 19/11 a las 21 hs
Precio de la entrada: $250.-
Desc. Estudiantes y Jubilados: $180.-
http://www.alternativateatral.com
ELKAFKA, Espacio teatral.
Lambaré 866 – CABA- (54-11) 4862.5439
Elkafka@gmail.com / http//elkafkaespacioteatral.blogspot.com
Sol Grunschlager
Reseña: Los Huesos, de Leticia Mazur
Una luz como eje central y cinco entidades despojadas de todo, solamente sus anatomías, sus huesos transmitiendo sin diálogo mensajes a ser captados por el publico.
Huesos sin fisuras.
La dirección es de Leticia Mazur, y está interpretado por Lucas Cánepa, Ana D´orta, María Kuhmichel, Valeria Licciardi, Gianluca Zonzini. La bailarina María Kuhmichel pertenece al Grupo G5, también en estos días, está haciendo otra obra danza teatro que se encuentra en cartelera con un estilo parecido.
En la gacetilla del espectáculo buscaba el nombre del autor y menciona a Fernando Alarcón y Manuel Hermelo con el rol de acompañantes del pensamiento. Me parece muy acertada la definición porque la obra a partir de una gran luz en escena, que podría ser interpretada como el sol y esas entidades alrededor interactuan.
La obra se centra en un mundo de sensaciones representadas en el movimiento tales como miedo, aproximaciones, acercamientos, acompañado con la música de fondo de Patricio Lisandro Ortiz, y de golpe el silencio pero el movimiento como un péndulo que nunca para.
La obra promueve la libre expresión de los personajes, la precisión en los movimientos, la sincronización entre ellos. La puesta en escena es muy buena, pero mientras la iba viendo y pensaba en la crónica que debía realizar, no podía evitar pensar todos los que estábamos en platea cuan similar y cuan distinto estaríamos elaborando las secuencias de imágenes en nuestra mente a partir de lo que capta la retina y escuchamos en nuestros oídos.
La realización es en el teatro EL GALPÓN DE GUEVARA los días martes a las 21. Sus protagonistas tendrán por misión llegar hasta el hueso de la historia descubriendo y reinventándose alrededor de esa la luz principal que les dará un sentido a sus vidas.
La Butaca Web 