Crítica: Cuando ellas quieren

Cuando ellas quieres que retrata la vida de cuatro mujeres mayores de edad (No digamos viejas), que están unidas de toda la vida gracias al club de lectura del cual son integrantes desde hace muchos años. Ellas , grandes amigas, comienzan un viaje en el que se replantean sobre su vida amorosa y la sexualidad , todo eso gracias 50 sombras de grey.

El reparto está compuesto por Diane Keaton, Jane fonda, Mary Steenbugen y Candice Bergen, y hago incapié sobre las actrices en primer lugar , ya que ellas son las que hacen que el film resulte entretenido. Sobre la historia es algo bastante simple, cuatro amigas deciden salir adelante y confrontar sus problemas de amores y sexualidad, con el añadido de la edad, ya que las cosas no son como cuando eran jóvenes. El planteamiento a raíz de la lectura de 50 sombras de grey, aunque resulte algo exagerado, marca un inicio divertido y es un pie razonable para empezar a hablar sobre sus situaciones sexuales. Tenemos a la que disfruta del sexo pero se distancia del amor , a la que no ha logrado vincularse con alguien después de su divorcio , a la viuda y la casada pero sin pasión . Si bien cada situación tiene algo de banal y hasta a veces empalagoso , como comedia su historia es entretenida , ligera pero logra su cometido.

El punto fuerte del film son sus actrices, hay mucha química entre ellas y si bien no están dejando lo mejor de sus carreras , se nota que la unión hace la fuerza. Si, toca aclarar que todas son señoras cool , ninguna es una jubilada que cobra el mínimo, por lo que sus historias si bien no reflejan de todas las personas mayores de edad , sus temas son interesantes de analizar e identificarse.

Cuando ellas quieren es una comedia simple y efectiva, que nos trae historias de amor y sexo en la vejez. La película está llena de clichés típicos de comedias románticas y funciona bastante bien con ellos, gracias a sus actrices que nos demuestran que viejos… Son los trapos.

Calificación 7.5/10

Reseña: El paraíso perdido

Si Lacan ya nos había dejado en claro que es la intervención del lenguaje la que transforma al hombre en sujeto, esta obra de Cesar Brie nos lo deja en claro de principio a fin.

Once actores-bailarines jóvenes que logran conjugar virtuosismo corporal, buena proyección de la voz y sólidas interpretaciones, despliegan una galería de seres subyugados por la palabra.

Cada personaje compartirá recuerdos en los que la palabra del Otro mortifica, condiciona, reprime. Las palabras regresan con fuerza, impregnando fragmentos de escenas conflictivas, violentas, traumáticas, a veces tragicómicas, creando cuadros que se van encadenando y superponiendo dando como resultado una gran composición caleidoscópica que captura la mirada del espectador , dialogando con su propio inconsciente hasta permitirle confirmar cuán semejantes somos.

Hay historias que remiten a experiencias públicas y otras que se sumergen en la intimidad del ámbito privado, El espectador, sin embargo, encontrará a todas igualmente conmovedoras.

 

 

Intérpretes: Micaela Sol Carzino, Sofía Diambra, Sebastián Gui, Iván Hochman, Gabriela Ledo González, Florencia Michalewicz, Ignacio Orrego, Abril Piterbarg, Liza Taylor, y Alejandro Parente

Música original: Pablo Brie

Arreglos: Matías Wilson

Vestuario: Sharon Luscher

Video: Juan Barone

Fotos: Hernán Paulos

Diseño gráfico: Sebastián Carzino

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente de dirección: Ignacio Gómez Bustamante y Nelson Valente

Idea y dirección: César Brie

Trailer de Juan Barone: https://www.youtube.com/watch?v=MOzg8YXehIs

REESTRENO 2018: domingo 6 de mayo 17 hs.

Funciones: domingos 17 hs.

Duración: 60 minutos

SANTOS 4040

Santos Dumont 4040

http://www.santos4040.com.ar/

Entradas: $ 250 y $ 200 (descuentos a jubilados y estudiantes)

Reservas: www.alternativateatral.com

Gabriela Lema

Crítica de cine: Chavela

Crítica de Magali Onetto

Las mujeres que desafían toda lógica machista y patriarcal, merecen ser visibilizadas y homenajeadas hoy. El séptimo arte es el vehículo para desnudar la historia de Chavela Vargas, la mítica cantante mexicana que devolvió la esencia a la música ranchera y, sobre todo, confrontó los mandatos de su época convirtiéndose en un ícono para las mujeres en su país y para el colectivo LGBT.

«La más macho entre los machos» vuelve a la vida en el documental que lleva su nombre, a través de entrevistas y fotografías inéditas, grabaciones de su poderosa voz y su guitarra melancólica, en un recorrido por su vida desde su infancia rebelde en Costa Rica hasta sus últimos años en España y México.

Entre mujeres, alcohol y música, la historia de Chavela Vargas fluye a través de ella misma: es ella quién nos contará, a partir de una entrevista de 1992, sus amores y desamores, los prejuicios y expectativas que recayeron sobre ella, el amanecer y el ocaso de su carrera a finales de los 70, y su renacer 20 años después. «Hablemos de lo que viene» sugiere Chavela. Sin embargo, sucede mucho más.

A través de una intimidad muy bien lograda con la artista, la naturalidad se hace presente en las entrevistas, como si estuviésemos hablando, entre mate y mate, de la vida misma y de sus enseñanzas y aprendizajes. Nombres como Frida Kahlo, Pedro Almodóvar, José Alfredo Jiménez aparecen en boca de Chavela, de sus amigas y de sus amantes.

Acompañada y reforzada por el repertorio de la cantante, la historia se cuenta por sí sola, y es una gran oportunidad para conocer la vida de la leyenda que logró hacerse un lugar en un mundo de «machos», siendo discriminada por su homosexualidad, por sus pantalones sólo permitidos a los hombres, por su no-uso de maquillaje, por enfrentar los estereotipos. Y el dolor de una infancia difícil y sin amor, siguió allí, muy dentro, latente. Semillas que, años después, harían crecer una de las personalidades más fuertes y más heridas de México del siglo XX.

Calificación: 8/10

Calificación: SAM 13
Duración: 93 minutos

Reseña: Tango villero

¿Es posible combinar la cumbia con el tango? ¿Cuál sería el procedimiento para lograr esta fusión? La propuesta teatral, Tango Villero responde estos interrogantes. Asume el desafío de mezclar estos dos géneros musicales, sumamente dispares.

Tango Villero fusiona el canto con la actuación. Reinventa la típica comedia musical, regentada por grandes emplazamientos como El Gran Rex o El teatro Colón. El elenco es reducido, al igual que el escenario. Sebastián Ziliotto es intérprete y creador de esta obra. Presta su voz pero no se transfigura en un personaje, como ocurre en la comedia musical. Esto también se aplica a los bailarines, quienes sólo acompañan al artista. Marcela Dibon y Walter Amaya muestran a los espectadores los pasos típicos de un tango como es la cumparsita. Este nombre responde al himno popular y cultural de Uruguay. Los compositores Gerardo Matos Rodríguez o Carlos Gardel fueron los pioneros y máximos representantes de este baile. Gracias a sus melodías, la cumparsita alcanzó éxito en Latinoamérica.

El título de esta puesta en escena no pasa desapercibido, ya que tango y cumbia forman parte de nuestra identidad cultural. Sebastián Ziliotto traspone renombradas “cumbias villeras” a un ritmo lento y pausado. Invoca y apela al conocimiento del público con canciones tales como “Mabel” del grupo musical Los pibes chorros, “Sos botón” de Flor de Piedra o “Paisaje” de Gilda. Los espectadores no pueden resistir la tentación de cantar a la misma par que el intérprete el estribillo “Borracho yo voy cantando, con mis amigos voy festejando un triunfo más…”. Los temas giran en torno a las fiestas, las mujeres, los enredos amorosos, así como las situaciones sociales. Asimismo, para hacer esta fusión más creíble, el elenco se viste acorde al atuendo que llevan los cantantes de estas cumbias y recurre a diversos clichés. “¡Tómate el palo!, “Ta re piola!”, “¡A la gilada ni cabida!” o “¡Tirate un paso!”.

Esta representación teatral desea mostrar cuán parecidos son los inicios y las formas del tango y la cumbia. Ambos comparten códigos, lenguajes y contextos. He aquí, una propuesta innovadora a la par que desafiante. La única discrepancia radica en el ritmo. Hay determinados momentos en los cuales se pierde la verdadera esencia de la cumbia debido a la premisa de focalizarse demasiado en la fusión.

El espectador no puede permanecer impasible ante esta obra, la cual propicia un clima familiar y distendido entre el público y el equipo técnico.

Intérprete: Sebastián Ziliotto

Dirección y puesta en escena: Gabriel Villalba

Dirección musical y arreglos: Mariano Frumento

Músicos: Mariano Frumento, Nicolás Radicchi, Pablo Yamil
Bailarines: Marcela Dibon y Walter Amaya
Locución: Martín Wullich

Coreografía y asistencia de dirección: Anita Gutiérrez

Vestuario: Alina Paz Torres Claro

Diseño gráfico y audiovisual: Pamela Dávalos

Comunicación: Ann López Musa
Producción musical: Jorge Soldera

Producción ejecutiva: Pato Rébora

Producción Comercial: Cecilia Riegui
Idea: Sebastián Ziliotto

Prensa: BMZ Comunicaciones

Desde el 17 de mayo, todos los jueves a las 21:00

8 ÚNICAS FUNCIONES

El Método Kairós Teatro – El Salvador 4530

Localidades: $ 300.-

Entradas en venta en Alternativa Teatral.

Redes Sociales

Facebook e Instagram @TangoVillero

América Arana

Reseña: «Trascendentales» y «Minitas», de proyecto 101.

El pasado sábado 9 de junio, finalizó la puesta de Trascendentales y Minitas en el Centro Cultural Borges. Ambos espectáculos de danza contemporánea fueron a mi sensibilidad como abrir una caja de música para quedar atrapado en el movimiento.

Con música instrumental de piano, empecemos contando Transcendentales, que es la puesta de veta más formal, donde se va contando la evolución de la mujer. Me pareció muy interesante, mientras se baila, algunas frases, para entender más acabadamente, lo que se está expresando en danza. Son alrededor de 15 mujeres en escenas, que gritan en un momento, “Nos vamos a rebelar” o “La escritura me rehace, es liberadora”. Como objetos auxiliares y como escenario, una silla y un escritorio. El perfecto movimiento en danza acompañado de la música apropiada. Me llamó mucho la atención cuando llegan al siglo XX, como con las teclas de la máquina de escribir se logra acompasar con el piano y se logra un baile, en un escenario con la iluminación y vestuario propios para la ocasión. Si debo destacar cual fue de los pasajes el que más me gustó, es cuando se baila en base a la música que es el live motiv de Amelié.

Luego le sigue Minitas, que es la parte más distendida de la noche, que produce risa en el público, algo maravillo de ser logrado a partir de la Danza. En el aspecto musical se aplicaron diversas canciones de Edith Piaf, se relata la vida de la mujer, quien desea cumplir con sus deberes conyugales, siguiendo las instrucciones del libro La esposa perfecta. Mujeres sumisas, no muy duchas con la gastronomía, que bailan en un todo momento, que adoptan diferentes personalidades y en diversos lugares. Pasan por diversas dificultades, desde no saber cocinar, a jugar en el guardarropa para cambiarse, a limpiar la casa, a brindar con algunas copitas de más.

Estimamos que volverán, porque tienen público ávido de verlas. Seguramente muchos se quedaron con las ganas de ver lo transcendentales que pueden ser estas mujeres que son mucho más que minitas, que están bien plantadas en escena, que saben gracias a una excepcional dirección teatral y musical, que la rebelión de las mujeres, viene avanzando expresándose en una suerte de coreografía danzante poniendole enfásis al movimiento y a la imagen.

Diana Decunto

Reseña: Monologazo

Cuatro historias contadas por sus protagonistas, por ellas, las que conviven con el adjetivo: género femenino.

Damas con emociones, con un humor basado en los extremos emocionales. En esencia, estas cuatro mujeres arriban al escenario para contarnos sus experiencias. La primera, ha sido abandonada por su marido, quien se ha fugado con la directora de la obra y nos comparte sus inseguridades y miedos.

La segunda es una futbolista, una guerrera en el campo de batalla, que fue acumulando “no se pueden”, esos sellos atávicos de la sumisión, despertándose, todo ese rencor contenido y estallando, en una proclama liberadora, con un alto corte humorístico.

La tercera es una guía de turismo, que nos lleva con su sketch, en un viaje a Rusia, donde el paseo, es para que se ajusten los cinturones, plagado de mucho humor. La cuarta dama es una hipocondríaca, desbordada, con una bata y una cofia, internada en algún lugar, con algunos temitas, pendientes de resolver y que los comparte con el público, imprimiendo lo mejor del humor.

Que mejor explicación, que aplica a este monologazo, su Dossier que dice: “unas monas con navajas. En bata. En Rusia. Rebeldes. En un vacío existencial. Monologazo o la transmutación del diálogo interno en un sopapo ardiente que te amiga con la soledad”.

En un teatro muy diferente a mi gusto, el Teatro NO Avestruz, por su ubicación en Palermo Hollywood que lo saca del circuito de teatros, y lo hace una propuesta interesante para una salida nocturna un viernes a las 22:30.

Este hermoso escenario, con una salida a un hermoso patio de una acogedora casa, invita a esta temporada teatral 2018, mayo / junio, con una promoción de 2 x 1 y con una frase que dice “No aflojes, vení al teatro”. A esta tarjeta de presentación agreguemos la invitación para adentrarnos más, saliendo de lo superficial de la epidermis, para conocer a cuatro mujeres, que les aseguro, van a lograr hacernos entrar en calor y olvidarnos que estamos entrando en el invierno.

Ficha técnica:

Elenco:

Mariela Barcos

Vicky Brudny

Marcela De Grande

Valeria Zylberberg

Foto: Alejandra Piedrabuena

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa: Kazeta Prensa

Dirección: Alejo Samban

Duración: 70 minutos

Funciones: viernes de junio 22:30 h. NoAvestruz.Humboldt 1857

Reservas: noavestruz.com.ar/reservasnoavestruz.com.ar/reservas

Reseña: UP La fórmula de la Felicidad

Jueves 7 de junio a las 21 hs, en el ND Ateneo, asistí a la función estreno de la obra “UP La Fórmula de la Felicidad”. Un título muy sugestivo y milagroso si alguien tuviese la receta para producir felicidad. Es una comedia musical, creo que sería un error, encasillarla como público destinatario «solo a los jóvenes», o decir frases trilladas como «la obra abarca la temática de los jóvenes actuales». La definiría como las rutas que los adultos debiéramos recorrer para intentar entender a los jóvenes y comprender el universo en el que están inmersos y las líneas imaginarias que los atraviesan.

Inclusive con algunos tópicos que abarca la obra, me sentí identificada con mis frustraciones, angustias que viví, durante mi adolescencia, hace cuarenta años atrás. Además es palpable el tratamiento que hace la obra, a esa etapa, la que nadie le da la profundidad que tiene, que es el despojarse del slogan de ser adolescente, para pasar a ser adulto. Es imposible pensar que un día del calendario, alguien se va a dormir como adolescente y se despierta como adulto. La obra esa temática la expone muy bien. Como comedia musical salí más que complacida, porque el elenco, me llamó mucho la atención, está muy bien plantado, hay seguridad escénica, se mueven como pez en el agua arriba y abajo del escenario. Se sientan en las butacas, caminan por los pasillos, con ese sello distintivo de mucha soltura y naturalidad. La selección de voces, muy logrado, armónico, los cuadros coreográficos de gran logro artístico y la música acompaña dando su ritmo vital. La puesta contó al finalizar con una respuesta masiva del público quien aplaudió con mucho entusiasmo.

El guión versa sobre un grupo de jóvenes que se reúnen para realizar una fiesta. Aparece una droga llama UP que dicen tener la fórmula de la felicidad. Y ahí dejamos. No contamos más. La idea original libro y letra es de Alejandra Rubio, quien pidió el apoyo por parte del público para divulgarla porque la obra nació a partir de una prueba piloto y fue creciendo. Como dice su directora, la obra tiene un alto impacto visual y emocional. La música acompaña a ese vértigo es de Ian Shifres y una excelente coreografía de Matías Napp. La obra cuenta con la fuerza, la polenta, la frescura de un elenco joven que le pone mucha garra, que abarca el escenario y que va entre las gradas, amalgamándose con el público, para contar esta historia, donde en canciones afloran temas de actualidad como el bullying, los excesos y aquellas emociones que hacen que el adolescente reaccione de diferente manera según el momento que le toca vivir pero no cambia con el paso del tiempo el proceso de aprender a convivir con las angustias como ha sido la primera vez, la elección sexual, el miedo al fracaso, al que vendrá, a la incomprensión esas barreras invisibles entre padres e hijos. Desde el punto de vista artístico, e inclusive la temática, la obra me evocó el estilo y la calidad de la película Amor sin Barreras (West Side Story) (1961) con escenas coreográficas del mismo tenor, por ejemplo, en la película el paso coreográfico donde cantan e interpretan «Quiero Vivir en América». Muchos, tal vez, no tengan ni siquiera referencias de lo que estoy hablando pero para que se den una somera idea estoy haciendo mención a un film que recibió 11 premios Oscar. Espero que ustedes tengan la oportunidad de apreciar que la propuesta es sólida, donde nada esta dejado al azar, porque tener la fórmula no es fácil, pero si pueden proponerse, un jueves a las 21 hs, acercarse a la felicidad, por dos horas, con una obra que se las trae.


FICHA TECNICA

  • Actores:

Walter Bruno, Bruno CoccIa, Gonzalo Gravano, Esteban Velasquez, Rocio Pardo, Nicolas Zubiría, Yamila Saud,Mili Masini, Lowrdez Lujan Blaksley, Yisus Rendería, Camila SolMunari, Oscar Villalba.

  • Iluminación: Matías Sendón
  • Dirección Musical: Ian Shifres
  • Vestuario: Alejandra Robotti
  • Música Original: Ian Shifres
  • Libro: Alejandra Rubio
  • Guitarra: Octavio Estrin
  • Bajo: Tomás Shifres
  • Letras: Alejandra Rubio
  • Diseño Coreográfico: Matías Napp
  • Batería: Martín Mordkowicz
  • Teclado:Ian Shifres
  • Dirección General: Alejandra Rubio
  • Idea Original: Alejandra Rubio

Reseña Diana Decunto

Crítica: Los oportunistas

Crítica de Nicolás Katopodis

Los oportunistas: La nueva película de Paolo Genovese se proyectó en La Semana de Cine Italiano, en el Village Recoleta. Cuenta la historia de una persona cuyo nombre nunca será revelado, en ‘The place’, un bar en algún lugar del mundo. Esta persona recibe con frecuencia a otras por la misma razón: conseguir la ayuda para realizar lo que más desean. Sin embargo, para que se lleve a cabo aquello, es necesario hacer una misión, que varía dependiendo lo que se añora.

La trama podría relacionarse con la moral o la ética, pero el eje es uno: qué estaría dispuesto a hacer cada uno para lograr aquello que realmente desean. Lo interesante llega cuando estas historias se entrecruzan, dándole lugar al espectador a empatizar con la situación que observa.

Casi todas las escenas se llevan a cabo en el bar. Es una película de bajo presupuesto en comparación con los estándares internacionales. Es más: se filmó en doce días. Una película de rodaje muy sencillo teniendo en cuenta también cuál fue el objetivo del director romano antes del rodaje: hablar del alma y de los demonios del ser humano.

La obra es atemporal, ya que puede adjudicarse en cualquier región. Es más, su título original es ‘The place’, en inglés y no italiano, ya que Genovese optó por no darle ninguna esencia de espacio y tiempo. Aunque sea italiana, se puede percibir muy pocos aspectos de aquel país.

Calificación 8/10

Paolo Genovese: “Mis películas tratan todas sobre el alma, pero lo que me interesa son los demonios”

Paolo Genovese fue el primer director que dio una conferencia en ‘La Semana de Cine Italiano’, en el Village Recoleta, donde habló de su nuevo estreno Los oportunistas. Para el festival, que llega con el estreno de diez películas, se espera la visita de los cineastas Valentina Pedicini, Vicenzo Marra y Simone Godano.

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Crítica de cine: Román

Crítica de Agustín Villegas

No me jodan sino los jodo…

El hecho de estar ante un policial oscuro made in Argentina ya suma varios puntos, con una puesta en escena intensa mal acompañada de una historia que se desenvuelve demasiado convenientemente estamos ante un film solido pero poco sobresaliente.

Las actuaciones son el punto fuerte, el reparto lleva escenas con diálogos bastante pocos trabajados a un punto en el que logramos creerlo. Me atrevo a decir que probablemente la dirección de actores fue lo mejor de éste trabajo. Si bien el estilo visual es muy Nicolás Winding Refn (demasiado) se pueden notar movimientos de camara y conceptos muy interesantes de ver.

Mí problema con el guión se debe a que el punto de la vista de la historia se encuentra íntegramente en el protagonista, limitando a los personajes secundarios al punto de convertirse en herramientas. No hay personajes que generen empatia, ni siquiera el protagonista al cual se le dedica tanto tiempo. No obstante la historia central tiene cualidades atrapantes, algunos elementos de la historia pueden ser considerados bastante impredecibles.

Román es un proyecto interesante. Si bien no es creativo y cuenta con demasiada «inspiración» de otros proyectos se puede percibir cierto aire de frescura en lo que es cine argentino.

 

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: Román

ACTORES PRINCIPALES: Nazareno Casero, Carlos Portaluppi, Gabriel Peralta Rangel.

GENERO: Policial.

DIRECCION: Eduardo Meneghelli.

ORIGEN: Argentina.

DISTRIBUIDORA: Aura Films

ESTRENO: 31 de Mayo de 2018

72 Minutos

Apta mayores de 13 años con reservas