Análisis: Airheart: Tales Of Broken Wings para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Hemos tenido el placer de probar el juego Airheart: Tales Of Broken Wings en su versión para Nintendo Switch y realizamos este análisis para valorar la experiencia del juego en la consola híbrida. Nos podemos en la piel de una piloto en la ciudad de Granaria, donde tendremos una gran aventura.

En su historia principal, el juego presenta a Amelia, una chica que es enviada a vivir a la ciudad voladora de Granaria. Aparentemente es llevada a aquel lugar para vivir una vida mejor, y es allí donde debe ganarse la vida como pescadora en los cielos de la ciudad , pero que a su vez debe tratar de sobrevivir a los piratas que rondan el sitio. Se trata de un juego con una historia y una jugabilidad interesante , pero que tiene ciertas limitaciones a la hora de ver su jugabilidad.

Jugabilidad:

El título nos ofrece como jugabilidad, salir a los cielos para recolectar peces y conseguir dinero y piezas que servirán para mejorar tu equipo. La forma de juego y los controles son bastante sencillos, ni bien comienzas la partida tienes un nivel de tutorial donde obtienes tu título de piloto, y sirve para comenzar la aventura. El manejo del avión es ágil y sencillo, aunque su gran problema radica en el manejo de la cámara, ya que tiene un puntero que solo se maneja en cuatro direcciones y que a veces resulta algo incómodo. Mayor es la incomodidad en el modo portátil de Switch, ya que se complica al hacer dichas maniobras con los controles acoplados a la pantalla. Si donde el título gana puntos es en su modo multijugador, en qué donde te permite conectar hasta cuatro jugadores y manejar un zeppelin, de esta forma se puede poner a prueba el trabajo en equipo y sobrevivir a los enemigos y cazar todas las especies de peces que hay. Este modo es ágil y entretenido y se acopla perfectamente a las funciones de los joy con.

Apartado técnico:

El apartado visual del juego es también un punto fuerte, brindando un diseño artístico notable en los escenarios en el cielo, además del diseño de los aviones. Las imágenes son coloridas y fluyen de manera dinámica a través de las partidas. La banda sonora es acorde, un poco repetitiva pero muestra tranquilidad con sus suaves melodías.

Duración:

La duración del juego en general es corta, basta de algunas horas para completar la historia principal, aunque existen añadidos a la hora de conseguir dinero y elementos para mejorar tu equipo. Así como una sala de reparación donde deberás combinar los objetos obtenidos para crear nuevas piezas de mejora. El modo multijugador es un complemento que amplia las capacidades del juego en cuanto a su duración, y que resulta una experiencia entretenida si tienes con quien jugarlo.

Conclusión:

Airheart: Tales Of Broken Wings es un juego que resulta muy entretenido en su jugabilidad, puede que tenga algunas carencias desde lo técnico , pero aún así es una experiencia satisfactoria para los amantes de las aventuras de alto vuelo. Su diseño artístico y apartado visual se destacan dentro de un juego de corta duración pero interesante para probar en Switch. Añadido como el modo multijugador permiten que la experiencia de juego se más completa, sobre todo en Switch.

Lo mejor:

La historia y la jugabilidad

El modo multijugador

Su diseño artístico

Lo peor:

Algunos problemas con los controles y su sistema de apuntar armas que resulta algo fastidioso.

El juego es relativamente corto.

Puede resultar algo repetitivo

Calificación 6.5/10

«25 Terrazas» en el CC 25 De Mayo

En el Centro Cultural 25 de Mayo (CC25), en el corazón del barrio de Villa Urquiza, el 5 de febrero fue la invitación a la prensa para anunciar la inauguración de la Terraza, para jóvenes de 0 a 99 años, que deseen pasar un buen momento de encuentro con el arte, el punto de reencuentro, un espacio para la actividad  social para conocerse, reafirmar la amistad, intercambiar ideas, fomentar la creatividad en comunidad, permitir la recreación, en  un lugar cómodo y agradable.

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CC25, es un teatro con historia, nació un 23 de mayo de 1929, como cine y teatro. Cuenta la leyenda urbana que el zorzal criollo, Carlos Gardel, en 1934, engalanó con su presencia y su voz, a este teatro apodado como el Petit Colón.  Siguió pasando agua bajo el puente, tuvo décadas de abandono, de haberse insinuado otros destinos, como shopping o playa de estacionamiento.

Pero después de una ardua lucha de los vecinos por conservar el patrimonio cultural e histórico, la lucha tuvo sus frutos y estamos acá, anunciando, gratamente conmovidos por la noticia,  a partir del 6 de febrero, el Centro Cultural 25 de Mayo, abre sus puertas con una hermosa terraza, que no me cabe la menor duda, será el cielo el testigo de noches donde la cultura, la gente y el arte tendrán un nuevo refugio para poder disfrutar de espectáculos al aire libre.

Creo que la apertura de está terraza, no es un tema menor, abrirá más fronteras. Permitirá aumentar su radio de acción, será un referente mucho mayor de lo que hoy es. Seguramente, atraerá la atención de  gente de otros barrios, no sólo de Villa Urquiza. Es un teatro con muchas actividades de diferente tenor y que se caracteriza por la formación de diferentes disciplinas con un énfasis particular en las artes escénicas. Desde 2016, el CC25 tiene la misión de diversificar las propuestas culturales para diferentes nuevos públicos, edades e intereses generando contenidos en vínculo con el barrio y en diálogo con la ciudad.

Bajo el lema 25 terrazas, la «Terraza joven» ofrecerá, durante febrero y marzo, 25 fechas con programación cultural específica y única.

Una de las  novedades es que vuelve a ser Cine, se van a proyectar películas, con debate al finalizar Se tienen previsto  ciclos gratuitos de cine durante el primer trimestre del año.

Se podrá disfrutar de música y literatura gratuitos, para promover la creación de una comunidad joven en el CC25.

25 terrazas divide su programación en dos ejes temáticos: febrero dedicado al amor y marzo dedicado a la mujer. En este marco, se realizarán actividades como lecturas a cielo abierto, cine mudo musicalizado, acústicos en la terraza, noches violetas (cine + música + debate por mujeres, en coproducción con «Gafas Violetas» del INCAA) y lecturas performáticas. Algunos artistas destacados serán Julieta Venegas, Leo García y Rosario Bléfari..

En la inauguración para prensa y autoridades, este 5 de febrero pasado, contamos con un show musical «Coronados de Gloria», una banda liderada por Gloria Carra, realmente muy lindo, sonaba muy bien, temas muy pegadizos, no la había escuchado y me gustaría volver a escuchar.

A partir del 6 de febrero, se contemplará desde esa terraza un pedacito de cielo, las estrellas estarán presentes, en el escenario y en el firmamento. Se puede contemplar las luces de los rascacielos que la rodean  y no me cabe la menor duda, que esta terraza, va a dar  cultural y artisticamente mucho de que hablar.


Reseña Diana Decunto
Consignas.de.radio@gmail.com

Reseña: Madre coraje

“Madre Coraje” es una obra de teatro del gran Bertolt Brecht que fue escrita en 1939, y que aún sigue teniendo vigencia en nuestros tiempos. Si bien no estamos viviendo ninguna guerra como las de antes, los temas que abarca esta obra pueden ser trasladados a nuestro cotidiano, sorprendiendo así al espectador, quien encuentra en esta pieza teatral un reflejo de lo que es el ser humano.

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Esta versión del reconocido director José María Muscari se presenta este año en su segunda temporada. Luego de haber pasado por el Teatro San Martín, el carromato de Madre Coraje desembarca en la bella sala del Teatro Regina para seguir demostrando que es una excelente opción para disfrutar de un gran clásico mundial. Una versión que no presenta apagones, pero sí, en su lugar, un estilo musical con un juego de luces que transforman esta obra en una pieza con una característica muy Muscari y que llama la atención. Con los mismos personajes como narradores, y movimientos corporales que acompañan al delicado texto de Brecht, demuestran la sublime dirección actoral que lleva adelante su director.

Claro está que no hay otra actriz para representar a Madre Coraje, porque Claudia Lapacó es inmensa y es la única que puede llevar adelante un personaje con estas características. Durante una hora y cuarto no sale del escenario, brindando al público una clase magistral de actuación, con pequeños gestos faciales que demuestran una composición exquisita de esta mujer, cuyo único objetivo es sacar rédito de sus objetos en venta en medio de la guerra.

Acompañada por un elenco de notables actores y actrices, Iride Mockert merece una especial atención. Representa a la hija de Madre Coraje, a quien la guerra le quitó sus cuerdas vocales, y su actuación es eximia. En teatro, dicen, la voz y la palabra es lo que salva al actor, por lo que hay que indagar mucho en lo que se expresa con los movimientos, e Iride deja su cuerpo y alma para llevar adelante a este personaje que representa la esperanza en tanto caos. No es nada fácil transmitir lo que transmite Mockert, por lo cual queremos felicitarla frente a su brillante trabajo. Por otro lado, Silvina Bosco, como la cocinera, Esteban Pérez y Martín Slipak, como hijo mayor e hijo menor, también tienen su destaque y llevan adelante sus personajes de manera espléndida.

“Madre Coraje” muestra las consecuencias de la guerra, o mejor dicho, las consecuencias de la avaricia y la ambición. También nos muestra cómo el ser humano, en tiempos de crisis, vuela por conveniencia. Cuando creemos que la paz es el objetivo mayor -una utopía-, para muchas personas la guerra es la que ofrece más dinero y un pan sobre la mesa. Es por eso el espectador se encuentra en esa disyuntiva, y así como Madre Coraje no aprende su lección, quedando sola en el mundo, el espectador es quien tiene la función de entender, aprender y reflexionar sobre las decisiones humanas.

Viernes, sábados y domingos a las 20hs son los días para disfrutar en el Teatro Regina de este clásico de Brecht bajo la dirección de José María Muscari.

 

Análisis: Gris para Nintendo Switch

Mucho más que un juego que se ve bonito.

El juego Gris, desarrollado por el estudio español Nomada Studio y publicado por Devolver Digital, ha llamado mucho la atención por su notable acabado artístico y su ilustración a base de acuarelas, demostrando que es un juego que a simple vista resulta muy bonito. ¿Pero que hay de su jugabilidad e historia? La belleza del juego no solo se debe a su apartado técnico, sino también a la profundidad de su historia y a lo imaginativa que resulta la jugabilidad , haciendo que este título sea uno de los indies más destacados del año.

Resulta un poco difícil explicar su historia, ya que es un juego que se cuenta a través de las sensaciones, y que fácilmente puede llegar al corazón de muchos. Podemos llegar a crear que la historia se basa en la creación, con una protagonista que aparece en un mundo desconocido y sin color. Es así como ella debe empezar a explorar y descubrir todo lo que hay a su alrededor, donde debe superar una serie de misiones en las cuales comenzará a recuperar colores de ese inmenso universo y obtener respuesta sobre la vida misma. A lo largo del juego también se van descubriendo habilidades, que permitirán una exploración más detallada que va desde los cielos hasta las profundidades de aquel universo, este título es rico en contenido tanto en su historia como los recursos artísticos , todo hecho desde una mirada surrealista pero denotando belleza a su alrededor.

Jugabilidad:

La jugabilidad de este título es bastante sencilla, el juego se apoya sobre todo en su historia y el jugador resulta un mero explorador en este recorrido. El juego se desarrolla a través de la exploración en forma, mayormente en forma lateral y en 2d. Pero hay mucha profundidad en su escenario, ya que el mundo en el que Gris vive es enorme y te da la sensación de ser ilimitado aunque el juego te obligue a recorrer un solo camino. Los desafíos del juego se llevan a cabo a través de puzzles donde debes conseguir una especie de estrellas que van originando una constelación para terminar el camino del juego. No es un título con mucha dificultad, pero si es muy gratificante la exploración que uno realiza a la hora de resolver los distintos puzzles que se van presentando. Una vez que vas superando los desafíos principales , se van obteniendo habilidades que será de utilidad para seguir con la historia. Estás habilidades van desde convertirse en un cubo capaz de romper rocas y evitar salir volando en las tormentas por su peso; utilizar su vestido para dar grandes saltos gracias a unas flores que te permite dar impulso, y por último unas aletas que te dejará explorar todo el escenario acuático del juego. El título prácticamente puede hacerse en una pasada , y aunque su duración sea corta , el viaje es realmente extenso en su profundidad.

Apartado Técnico:

Es en el apartado técnico donde el juego se lleva todos los aplausos, ya que denota una calidad artística y visual que realmente es impresionante. Cada color, cada luz y cada sombra tiene importancia y un significado dentro del juego, pensado hasta en el más mínimo detalle para ofrecer un universo diverso y asombroso. Los colores dibujados sobre acuarelas dan la sensación de tener un acabado a mano sobre el diseño previamente armado. Como escenario a destacar , el mundo acuático es uno de los más bellos dentro del juego. El juego resulta toda una experiencia a nivel audiovisual, que además de su excelente acabado artístico, posee animaciones suaves y fluidas que combinan a la perfección con su arco narrativo.

La música del juego está compuesta por Berlinist, un grupo de música barcelonés y que ha hecho un gran trabajo sonoro con combinaciones de elementos musicales clásicos y electrónicos. La música acompaña de manera eficaz al relato, manteniendo un tono melancólico en la mayoría del juego, pero cambia en los momentos de mayor acción. También al sonido no se le escapan los detalles , como las pisadas en el agua, el cantar de los pájaros , entre otros aspectos. El apartado sonoro transmite la misma fuerza que su apartado visual, que fluyen paralelamente provocando muchas emociones a lo largo de todo el recorrido del juego.

Duración:

El juego mantiene una duración bastante corta, que puede llegar a durar aproximadamente unas 3 horas para acabar con este título. La realidad es que si logras meterte en este mundo que el título ofrece, es muy probable que lo llegues a terminar de una sola pasada, ya que no supone un gran desafío a nivel jugabilidad y a nivel narrativo la historia va de menos a más, poniéndose cada vez más interesante.

Conclusión:

Gris, es más que un juego que se ve bonito, es toda una experiencia artística que todos deberían probar. Todo su diseño artístico y apartado gráfico resulta sublime, y que además está acompañada de una historia profunda y muy interesante. Su jugabilidad puede resultar no muy desafiante, pero la idea es que todo jugador pueda adentrarse en este inmenso y bello mundo que el juego ofrece.

Lo mejor:

Todo su acabado artístico

La profundidad de su historia que va de menos a más

Una jugabilidad sencilla que nos permite meternos en su mundo desde su inicio

Es un juego independiente que no tiene nada que envidiarle a las grandes producciones

Lo peor:

Puede que la experiencia sea corta, pero aún así resulta muy satisfactoria

Calificación 9.5/10

Análisis: Pikuniku para Nintendo Switch

Por Matias Dinardo

Pikuniku es una rareza independiente que brilla es Switch más allá de su aparente simpleza. A pesar de ser muy sencillo en sus gráficos y música, este título gana en narrativa y creatividad. Los diálogos, el humor y la trama conspirativa están muy bien logrados.

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El protagonista que le da nombre al juego, es un óvalo rojo pequeño con un par de patas que le gusta girar y patear todo lo que se le cruce en el camino. Debe rescatar a varios pueblos que están sumidos bajo el régimen de una corporación que aparentemente es buena, con un discurso de felicidad y dinero gratis para todos los ciudadanos.

Este juego combina muy bien los diálogos interpersonales para resolver problemas, al mejor estilo “The legend of Zelda”, sumado a un juego de plataformas y aventuras a lo “Sonic” (con jefes robot similares y caminos serpenteantes para hacerse pequeño) y resolver puzzles a lo loco, como si de “Limbo” se tratara, por nombrar algo parecido.

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Tiene un modo de juego cooperativo que es muy divertido para jugar de a dos. Hay que destacar la perfecta traducción al español, dónde no se pierden los juegos de palabras y los diálogos humorísticos.

En resumen, Pikuniku es un juego interesante, muy divertido y con ingenio, que es consciente de sus puntos fuertes y demuestra que no hacen falta buenos gráficos para generar un buen videojuego.

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Lo mejor:

  • Los diálogos divertidos e ingeniosos
  • El nivel de dificultad de los puzzles a resolver
  • El mundo a explorar

Lo peor:

  •  El control de las patadas es caótico cuando queremos apuntar a algo específico
  • Es corto, no más de 3 o 4 horas de juego, aunque tiene misiones secundarias
  • En Switch no hay control de logros

 

Calificación: 7.5/10

 

Plataforma: PC, NSW

Género: Puzzle, Plataformas

Lanzamiento: 24/01/2019

Desarrollador: Sectordub

Texto; Español

Editor: Devolver Digital

Crítica: Hora-Día-Mes

Por Nicolás Katopodis

Bajo la dirección de Diego Bliffeld, esta película argentina no cuenta ni con nudo ni desenlace. Pero sí con una gran trama filosófica, gracias a la vida que tiene Nardo (Manuel Vicente) y los textos escritos de Marcelo Cohen, relatados también por él.

La película tiene dos particularidades que no suelen suceder en otras obras: que no tenga un conflicto, nudo ni desenlace, y que sea el propio relator que lo aclare al principio. Esto comenta el escritor Marcelo Cohen con una voz en off, de quien se ha usado algunos textos en el guión. Esta aclaración podría ser una gran ayuda para poder interpretar el arte de una manera que no solemos hacerlo. ¿Qué sucede si no hay nudo ni desenlace?

El relato se centra en la vida monótona que tiene Nardo, pero no por eso infeliz. Siempre le gustaron los autos, por eso, cuando ya no hay nadie que entre y salga por las puertas del garaje donde trabaja, él maneja los autos y acomoda su interior a su gusto. Manuel Vicente, en su caracterización, reflexiona junto al paso de las horas sobre muchas ideas, entre ellas el tiempo.

La inexistencia de un nudo y un desenlace obliga al espectador a entender la producción por otro lado, y qué mejor que el lado filosófico. Cohen habla de los motores, de las formas de las nubes, pero un punto interesante es la del arte. Nardo prepara para una clienta una escenografía en su garaje, y también una coreografía audiovisual con los autos. La muchacha se sorprende, quedando maravillada por lo que el protagonista hizo, durante toda la noche, con su uniforme de todos los días puesto.

Calificación 4/10

Crítica: Los últimos románticos

Por Nicolás Katopodis

La coproducción argentino-uruguaya, que se estrenó el jueves pasado, tuvo altas expectativas que fueron alcanzadas con facilidad. La tragicomedia-policiaca trata de la irrupción de la tranquilidad de un pueblo en el que viven el Perro y el Gordo, dos cultivadores de marihuana.

En esta comedia-policiaca (con tintes dramáticos) rioplatense, ‘El Perro’ (como llaman a Juan Minujín en un pueblo de pocos habitantes) encuentra gran cantidad de dinero, que cambian por completo la vida de él y de su compañero, el Gordo (Néstor Guzzini). Ya no será lo mismo para ambos, ni el guión que ambos escrbían, ni la tranquilidad que caracteriza al barrio.

Bajo la dirección de Gabriel Drak, el film tiene muy buenos aspectos técnicos y argumentativos. En estos últimos, entran otros personajes que están apegados a la relación de los compañeros: el comisario con olfato delictivo al que derivaron de la Ciudad Autónoma, y otro de los agentes (Ernesto Liotti), que encubre al Perro y al Gordo con las plantaciones de marihuana que tienen en la parte de atrás del hotel que cuidan. Hay un embullecimiento entre los intereses de los personajes que, consecuentemente, a medida que se desnudando la situación del capital, la relación de estos fluctúan.

La película es muy buena. Además, si se tiene en cuenta la poca inversión que se hizo, a comparación del gran producto que pudo salir a la luz en esta coproducción. También, tiene un rasgo un tanto tarantinesco, nihilista…por la inexistencia de otras posibilidades mas allá de la tragedia.

Calificación: 8/10

Análisis: The Book Of The Unwritten Tales 2 para Nintendo Switch

Esta semana tuvimos el placer de analizar el juego The book of the unwritten tales 2, título que tuvo su publicación en el año 2015 en plataformas como PC y PS4, y que ahora tendrá su arribo en la consola Nintendo Switch. Hemos preparado un análisis sobre la versión en la consola híbrida, pero que podemos adelantar que le sienta muy bien la portabilidad a este juego de aventuras y magia.

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Este capítulo está situado un año después de los acontecimientos de la primera entrega, en el juego podremos hacer control de los héroes de la historia Nate, Wilgur, Critter e Ivo, manteniendo la jugabilidad de apuntar y hacer click. La historia es una de los típicos cuentos de la lucha entre el bien y el mal en un mundo de fantasía, cargador de un humor característico.

Jugabilidad:

A lo largo de toda la historia, podemos controlar e interactuar con los distintos personajes protagonistas de este capítulo. Si bien el título responde a un juego de aventuras, el camino a recorrer se lleva a cabo a través del método de apuntar y hacer click, explorando el entorno junto a los personajes e ir resolviendo los desafíos que se presentan de manera constante.  Luego de la breve introducción, donde vemos a su protagonista cayendo hacia el vacío , y es salvador por su amigo y torpe genio de la lámpara, comenzamos con una introducción para entender su jugabilidad. Es allí donde nos dan una pequeña guía sobre cómo serán los controles en la consola, que se maneja de una forma similar a los de Playstation, adaptados obviamente con los controles de Nintendo Switch. Alegra ver que tanto la jugabilidad como la conjunción con el diseño artístico se mantienen muy bien en esta versión. Si puedo dar queja de que en algunos momentos el control del personaje que tienes en ese momento resulta algo impreciso a la hora de seleccionar objetos en algunas ocasiones, mezclándose quizá con otros que hay alrededor y sin una solución rápida para corregir el error. Si bien los errores son mínimos, porque a medida de que vas avanzando en la historia te vas acostumbrando a ellos  y cómo llevarlo a cabo de la mejor forma posible. La relación juego e historia es algo lenta, pero entretenida en su jugabilidad, ya que necesitas prestar atención a todos los detalles y recolección de objetos avanzar en la trama, y también tener información de gran importancia sobre lo que está sucediendo. Pese a algunas deficiencias técnicas que el juego pueda llegar a tener , como la falta de fluidez en el control de los personajes, el factor humor hace a la jugabilidad entretenida e interactiva a lo largo de todo su desarrollo.

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Apartado técnico:

Uno de los puntos más fuertes del juego es su diseño artístico, que denota llamativo e imaginativo respecto a la historia en que se ubica. Su acabado es un tanto más colorido respecto a la anterior entrega del juego, pero aún así la esencia se sigue manteniendo a través de su humor y su relato perteneciente al género fantástico. Su banda sonora es realmente bella , máscara por melodías orquestales de variado tipo y que se acoplan de manera muy efectiva con la tonalidad del relato. En cuanto a las voces del juego, toca decir que se encuentra en idioma inglés con la posibilidad de tener subtítulos en español.

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Duración:

El juego puede llevarte alrededor de 20 horas de actividad para poder terminarlo, todo eso depende también de la capacidad y habilidad que se tiene para resolver los puzzles. Si bien hay escenarios donde debes tomarte un tiempo para volver a analizar los objetos por su moderada dificultad, aunque en ningún momento resulta sumamente desafiante como para perder demasiado tiempo con ello.

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Conclusión:

The Book Of The Unwritten Tales 2 es un juego de aventuras y puzzles que resulta ser una digna secuela de este cuento lleno de magia. Se trata de un excelente juego dentro del género de aventuras, al que se le perdona algunas imprecisiones en los controles, ya que su historia y jugabilidad es muy entretenida. Suma muchísimos puntos la portabilidad en Switch.

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Lo mejor:

Una historia interesante y cargada de humor

Números desafíos que hacen de su jugabilidad entretenida a la par de la historia

Un diseño artístico muy bien logrado

La portabilidad en Switch

Lo peor:

Pueden hacer algunos controles de personajes algo imprecisos

En algunos momentos la jugabilidad y la historia se desarrollan muy lentamente

Calificación 8/10

 

The Book Of The Unwritten Tales 2 tiene previsto su lanzamiento en Nintendo Switch el próximo 5 de febrero de 2019. 

 

Análisis: Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One

Por Daniel Alvarez

Bandai Namco nos trajo de vuelta una de sus más potentes franquicias, un Ace Combat que nos recuerda a aquella serie de videojuegos de alto vuelo que inició su recorrido en Playstation por el año 1995 bajo el título Air Combat, para luego convertirse en la reconocida saga Ace Combat desde su secuela en 1997. El tiempo ha pasado, pero en su jugabilidad se mantiene la escencia que ha caracterizado a la franquicia, aún así, da un gran salto de calidad en todo su apartado técnico, haciendo mucho más completa la experiencia de juego.

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En el año 2007 se lanzó la última entrega de la saga en Xbox 360, sin contar los spin off que han salido en distintas plataformas, incluyendo el Assault Horizon Legacy que ha salido para la consola portátil 3ds de Nintendo. Es así como a lo largo de los años el juego ha evolucionado, mantenimiento el equilibrio entre un producto de simulación y acción frenética en aire.

La campaña principal se desarrolla a través de los conflictos existentes entre países ficticios, donde obviamente podemos reconocer un contexto geopolítico que guarda muchas similitudes con la realidad. Así mismo, la historia va siguiendo a distintos personajes que forman parte del relato, donde podemos destacar a Avi, una excepcional Mecánico y familiar de una línea de grandes pilotos y Trigger, un piloto acusado de traición. También está el grupo de delincuentes que son arrastrados al combate, y no puede faltar el villano de turno. No es necesario adelantar mucho la historia, porque más bien es un complemento que nos incita a iniciar las múltiples misiones que debemos llevar a cabo en los distintos escenarios de combate. La relación historia y juego funciona bastante bien, y a través de sus múltiples misiones, tenemos muchísimas horas de juego para disfrutar en combate.

Jugabilidad:

La jugabilidad de este Ace Combat no dista mucho de las anteriores entregas de la saga, aunque si hay muchos añadidos desde su apartado técnico que mejoran la experiencia en el juego. Una vez inicias la campaña principal, tiene un breve instructivo sobre los controles y el manejo que uno tiene con los aviones, luego de esta breve y simple explicación uno ya está completamente listo para entrar en combate y superar las misiones. Aunque si es cierto que su control es bastante sencillo, se requiere bastante práctica para tener un adecuado manejo de los aviones, por eso mismo las primeras misiones funcionan para dar práctica de aquellas funcionalidades, en la que puedes demorarte un rato en superarlas, pero luego de hacerlo te acostumbras a los mando y no resulta un gran desafío en cuanto a habilidad en el juego. Cada vez que completas las misiones puedes visualizar la repetición en video de la partida, además de recibir las estadísticas de combate, en las que puedes volver a repetir las misiones ya que eso te permitirá recibir más créditos de juego que son útiles para mejorar los equipos de combate. Estos créditos pueden utilizarse en la sección Árbol de aviones , donde tenemos la posibilidad de comprar diferentes aviones, armamentos y piezas de mejora para los equipos.

Cada uno de los aviones , armas y piezas de mejoras están montados con el mayor tecnicismo posible para combinar la experiencia de juego entre lo que es un título arcade y de simulación. Si bien su jugabilidad es muy intuitiva, a este título no se les escapan los detalles en cuanto a los aspectos técnicos de los aviones , como peso, velocidad , habilidad de combate sobre tierra, entre otros ítems. Así como cada uno de los equipos tienen su particularidad a la hora del juego, el factor ambiente también resulta muy importante, ya que se combina perfectamente con las vibraciones de los mandos y ampliando las sensaciones de manejo.

Para el modo multijugador online necesitamos la suscripción a Xbox Live Gold para jugar en línea. La partida es de ocho jugadores en simultáneo con los modos de combato contra todos los jugadores o las misiones divididas por equipos. Si bien la cantidad de modos que multijugador online son bastantes limitados, aunque existe la posibilidad de conseguir mejoras, escudos y nuevos apodos de rango. El sistema de salas funciona bastante bien, y el lag es prácticamente inapreciable, así que a pesar de su escasez de modos las partidas son frenéticamente divertidas.

Apartado Técnico:

En cuanto al trabajo audiovisual que realizó en el juego, como mencionaba antes, el título está muy bien desarrollado en todos los detalles. Los diseños de los aviones, la ambientación de los escenarios, los factores climáticos (El cielo, las tormentas) todo está perfectamente calculado para ofrecer un espectáculo visual de grandes características. El juego fue desarrollado con el motor Unreal Engine 4, algo que Bandai viene utilizando en la mayoría de sus últimos juegos, manteniendo un excelente manejo de la cámara y control de los aviones en pleno combate.

La banda sonora es realmente hipnótica, y sigue perfectamente a su trepidante ritmo de acción. El juego cuenta con subtítulos en castellano tanto en su modo historia como en los diálogos introducidos en medio de las misiones.

Duración:

En cuanto a la campaña principal , el juego puede tener alrededor de unas 15 horas de duración, dependiendo obviamente de la dificultad y la habilidad del jugador para superar las misiones. El título puede jugarse en un modo normal, que van apareciendo mayores desafíos a lo largo de la historia y la superación de misiones. También está la posibilidad de desarrollar el juego en un modo experto, aunque para ello se requiere muchísima habilidad para superar cada una de las misiones. También en el modo campaña se puede volver. Jugar las misiones ya completadas, con la intención de lograr mejores puntuaciones, así que es un aspecto que alienta a la rejugabilidad. Después de ello tenemos el modo multijugador que brinda una experiencia más ilimitada para el juego, que aunque puede saber a poco en la cantidad de modos y contenido , se trata de una modalidad frenética y por demás entretenida.

Conclusión:

Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One es un juego que brinda todo un espectáculo visual, mantenimiento la escencia de la popular franquicia de Bandai Namco. Se trata de un recomendable juego para todos los fanáticos de la saga y también para aquellos que quieran iniciarse en un frenético título de alto vuelo.

Lo mejor:

La historia y su combinación con la jugabilidad de sus misiones

Todo el apartado visual

La duración y la posibilidad de rejugabilidad para mejorar tus estadísticas.

Su banda sonora

El entretenimiento frenético que el juego brinda en todos sus modos.

Lo peor:

Aunque el modo multijugador es bastante entretenido, sabe a poco por la falta de modos y contenido adicional.

Aunque su control es bastante sencillo puede requerir bastante entrenamiento para poder seguir avanzando en las misiones.

Calificación 9/10

Reseña: La suerte de la fea

De Mauricio Kartun, con la actuación de Luciana Dulitzky y dirección de Paula Ransenberg, estrena temporada 2019 en el Teatro Picadero con funciones los días domingos a las 18 hs., la obra teatral La suerte de la fea.

La pieza ya tiene tres años en cartelera, con excelentes devoluciones por parte de la crítica especializada.

La obra ambientada a comienzos de siglo, es un unipersonal, que representa un verdadero desafío para un artista, donde el espacio físico reducido, donde la actriz Luciana Dulitzky se desenvuelve, logra simbolizar lo que la vida significa en el personaje de esta mujer, aprisionada, bastardeada, por la incomprensión de un machismo, donde la sumisión, aún hoy es moneda corriente de ser padecida por el género femenino. La historia narra como una violista toca en lugares donde es despreciada por el sexo opuesto, donde el único y peor de los pecados que esta mujer arrastra es la vergüenza de ser fea. Los patrones de los lugares donde trabaja para ganarse la vida, no son capaces, de diferenciar una violista de una violinista y como carece de los atributos de belleza es confinada al foso, para que interprete las piezas musicales, mientras que una figurante, joven y hermosa hace que toca. Ese foso simboliza, la oscuridad, la soledad, la represión sexual a la que está sometida.

En el avance del parlamento, a la fea, le surge la chance de tocar, de lucirse como intérprete musical, de lograr fama, pero esa mujer sueña, y resulta excelente el desempeño de la actriz para lograr el clima dramático adecuado donde esa luz de esperanza es la ventana que le ofrece la oportunidad de ser igual al resto de las mujeres. En este caso, la esperanza no es lo último que se agota, una brisa con facilidad la apagará provocando la resignación porque la única suerte de la fea, es ser confinada y escondida. «No sirve».

En escena hay un gramofono y Kartun, no sólo lo usa como objeto formando parte del material escénico, sino que además nos aggiorna sobre lo que debe haber sido el efecto de poder grabar la voz humana y ser reproducida. Me hizo reflexionar sobre la revolución tecnológica que debe haber producida en ese momento.

No vamos a contar más, para que ustedes personalmente, se enteren en que forma la afecta el gramófono en la vida de esta mártir.

Una obra que tienen muchos puntos en común con el Cyrano de Bergerac, cuyas diferencias son, en nuestro caso, el dolor es padecido por una mujer y tiene el inconfundible estilo de Kartun, en cuanto al humor y cinismo.

Para el público que lea esta nota, y que pertenezca a mi equipo, el de los que desconocemos la diferencia entre violinista y violista, les comento que la viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los graves y medios del violoncello y los agudos del violín. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. Al intérprete de este instrumento se lo denomina «viola» (también «violista», si bien esta última forma no está en el Diccionario de la Real Academia Española.

Les recomiendo que no se pierdan la oportunidad de ver esta pieza teatral. Serán testigos de los padecimientos de una mujer que reclamará arriba del escenario por su suerte. Pero les puedo asegurar que el púbico tiene todas las de ganar, al presenciar un espectáculo de calidad.


Ficha técnica

Mauricio Kartun / Dramaturgia
Luciana Dulitzky / Actriz
Paula Ransenberg /Dirección
Fede Berthet / Composición Musical e intérprete en escena
Marcelo de León / Asistente de dirección
Alejandro Mateo / Diseño de escenografía y vestuario
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Granado / Pelo
Alejandro Ojeda / Fotos
ZkySky / Diseño Gráfico
Marisol Cambre / Prensa y difusión
Vilmanjar / Repostería

Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com