La Sirenita del nuevo Disney

La década de los noventa fue el esplendor de Disney animations, clásicos tan vitales para la historia del cine como Aladdín, Pocahontas, Hércules, La Bella y la Bestia y La Sirenita. Ninguna de estas películas han envejecido y siguen llegando a todas las generaciones, incluso las más recientes, este fue el mayor ejemplo de Disney como la fábrica de sueños de occidente. ¿En dónde quedó eso?

Ya ha salido una veintena de Live actions de los clásicos de Disney, la idea es unir a las viejas generaciones con las nuevas. Los resultados no han sido tan favorecedores para la empresa del ratón, generalmente reciben una crítica mixta y una taquilla modesta. Llega un punto del camino dónde los seguidores piden un ‘no más’, pues el mal desempeño de estas entregas nos deja con ganas de conservar y querer lo que se hizo hace más de treinta años.

Dirigida y producida por Marshall, DeLuca, Marc Platt y Lin-Manuel Miranda, quien coescribió nuevas canciones para el filme. Alan Menken regresará como compositor tanto de la partitura como de las canciones. La película está protagonizada por Halle Bailey como Ariel, junto a Jonah Hauer-King, Javier Bardem y Melissa McCarthy, con Daveed Diggs, Jacob Tremblay y Awkwafina en los roles de voz.

Halle Bailey cómo La Sirenita lo hace muy bien, se aprecia su enorme voz y este factor es lo que caracteriza al personaje, su despliegue en pantalla es único y no queda opacada, al ser tan joven tiene un largo camino por delante, las críticas de internet fueron injustas con ella pero no deberían ser injustas con la película, es donde tendriam que ir los comentarios: al guión, dirección y fotografía.

La historia es convencional y obedece a la fórmula clásica de Disney: y vivieron felices por siempre. Hubo cambios en las canciones y ligeros en la trama pero no remarcan del todo pues la ejecución y deselance es plano y precipitado. Momentos cringe no faltaron con la incorporación de una escena de rap. Al comienzo del filme ya se sabe cómo terminará así que no hay grandes sorpresas. Melissa McCarthy como Úrsula no atemoriza al espectador, de siente como una villana clásica, obviamente ella no puede copiar la esencia de Divene o de Úrsula, queda a medias.

Para ser un mundo encantado bajo del mar, el encanto se pierde en la fotografía, la paleta de colores fue una mala elección, el resultado termina siendo un desánimo visual. Se siente que la mayor referencia fue Piratas del Caribe y más que el cuento de la Sirenita, esto se evidencia en gran parte de las secuencias, remiten a esa saga.El CGI quiso hacer un efecto Rey León live action, es decir, hacer ultrarealista a los animales parlantes, para la mayoría funciona peronpara el personaje de Flounder no, termina luciendo como un pescado listo para freír, quita encanto y atermoriza.

El diseño del mundo marino luce artificial, aunque tampoco es que se quería llegar a la tecnología de Avatar: The way of Water, pero si termina siendo poco convincente y unos efectos de hace 10 años.

La Sirenita no es un desastre del todo, funciona como lo que es: una película para la familia, ideal para verla en Disney +, pero en vista del resultado de todos los live actions de Disney, ya sabemos que producto obtendremos.

Calificación: 6/10

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Joseph Rivera

Tarik Saleh nos trae su nueva película, Walad min al-Janna, también conocida como Conspiración Divina. En el, Saleh nos introduce en una realidad cuestionable, donde no basta el esfuerzo propio, en donde el destino tiene ya seleccionado quienes son “peones” y quienes serán “reyes”. Así, nos muestra un juego donde las conspiraciones parecen un orden divino.

El film se centra en Adam (protagonista) que vive con sus dos hermanos y su padre, es huérfano de madre y su familia se dedica a la pescadería. El director nos va introduciendo de a poco en la vida sin lujos que tiene el protagonista, pero con anhelo de progresar.
Su vida dará un giro al recibir una carta de aceptación de la Universidad de Al – Azhar, en el Cairo. Al poco tiempo de llegar a la universidad, el Gran Imán fallece repentinamente, desencadenando la ambición y el poder de otros por ocupar ese lugar. Mientras transcurre eso, Adam es envuelto, como si se tratase de un peón, por uno de los asistentes de otro líder religioso de la universidad. Desarrollándose el conflicto.
El film nos va adentrando más en los propósitos de Adam por estudiar, lo que implica para él estar en dicha universidad y su desarrollo personal. Mientras que, por otro lado, vamos conociendo los ideales sociopolíticos que gobierna sobre cada líder religioso. Y las ambiciones de una fuerza mayor que ejercerá como Dios sobre algunos personajes.

Con respecto a la cinematografía, el director nos presenta el mundo de Adam como triste, lleno de azules, precario, pero que siempre tiene una luz que pega desde el mar, extrapolando en esto la “esperanza”, apoyándose mucho en la fotografía para transmitirlo. Estos azules irán tornándose en cálidos mientras vemos los primeros días de Adam en la universidad, para luego gobernar sobre los planos las noches, lo oscuro, en lo turbio que se ha convertido su vida, con simples puestas de cámara, el director nos convierte en espectadores testigos de toda la barbarie, dándonos solo un plano picado sobre el protagonista, la mirada del ser divino sobre él, siendo el único quien lo juzgara al final de su recorrido. La música de Krister Linder acompaña de manera majestuosa todos los momentos tensos y conflictivos que vivirá el protagonista. Creando una amalgama perfecta entre lo visual y lo auditivo.

Con un guion sólido, Tarik Saleh nos invita a la reflexión, sobre el poder y una vida llena de sacrificios para ser feliz. ¿El fin, justifica los medios?

Calificación: 6/10

Una película de suspenso y muy atrapante dirigida por Jorge Dorado, quien fue tres veces nominado a los premios Goya y protagonizada por Álvaro Monte, la China Suarez y Verónica Echegui .

El movimiento de este thriller surge o inicia cuando un hombre cuyo trabajo es guardar objetos perdidos en su oficina, le entrega su amiga y policía Helena (Verónica Echegui) maleta que al abrirla haya restos humanos en ella. Tras ese impacto, Mario (Álvaro Monte) empieza su búsqueda para más respuestas.
A mi parecer no se supo desarrollar bien la tematica designada, había temas agregados y no tan necesarios. El comienzo es atrapante pero en medio pasan situaciones que son demás. Se designa muchas incoherencias con el guión y la historia en sí.

El uso de la cámara es muy correcto en cuanto a los planos detalles y primeros planos donde se aprecian los gestos de los actores de los actores.El sonido bien definido y las actuaciones, hablando de actores destacados y de que ya nos dimos el gusto de verlos en varias ocaciones, en este caso se encuentran un poco extremadas y exageradas en algunas cuestiones.

En conclusión, es una película de suspenso que tiene una historia atrapante con etapas que no terminan de definirse.

Calificación: 5/10

Director: Jorge Dorado.

Entre el elenco de actores destacan: Álvaro Morte como Mario, China Suárez como Sara, Verónica Echegui como Helena, Daniel Aráoz como Ochoa, Pepa Gracia como Dolores, Andy Gorostiaga como Tom, Maitane San Nicolás como Ana,Selva Alemán como Emmeline, Zorion Eguileor como Andrés.
Guionista: Natxo López
Productor: Cristina Zumárraga, Pablo E. Bossi, Fernanda del Nido, Agustín Bossi, Johannes Reixin.
Música: Eric Kuschevatzky.
Fotografía: David Acereto.
Montaje: Pablo Zumárraga.

Aquellos que ya pasamos los treinta aun tenemos recuerdos de Vietnam con la infame Dragon Ball Evolution. Por eso todos nos agarramos la cabeza cuando nos enteramos que se venía un live action con intervención yanki de Los caballeros del zodíaco. Pero creo que ni el más pesimista estaba preparado para esto.

La historia que nos dan, ahora, sigue a Seiya, un joven que anda buscando a su hermana Patricia. Un día, se topa con Anmal Kido, un multimillonario que le dice que, en realidad, es el Caballero de Pegaso, leal protector de su hija Sienna, quien, en realidad, es la reencarnación de Athenea, diosa de la guerra.

Si les parece raro que haya algunos nombres cambiados, lamento decirles que quizás ese sea el menor de los males que presenta Los caballeros del zodíaco; porque no solo estamos ante esos casos de una pésima adaptación, sino que aparte, es una muy mala película por méritos propios; volviendo a demostrar que occidente no debería tocar material oriental.

Ahí tenemos muchas ñañas vistas en adaptaciones sin sentido, como empresas multimillonarias y multinacionales que no existen en el material original, efectos de dudosa calidad, flashback que se repiten hasta la saciedad con el único propósito de estirar el metraje, personajes nuevos que nadie pidió mientras que otros brillas por su ausencia. Y podría tirarme un párrafo de diez líneas con lo mismo.

Para colmo, la ineptitud de los responsables es tal, que ni siquiera se tomaron la molestia de poner alguno de los temas más conocidos del anime. Hay un momento donde suena de forma muy leve una canción, pero es un cover. Si es que hasta youtubers conocidos que hablan sobre cine, usan más temas de Los caballeros del zodíaco que los propios creadores de su live action.

No quiero aburrirlos con una perorata enorme para algo que ya se dieron cuenta, y es que Los caballeros del zodíaco es pésima. No me cabe duda que aun sin llegar a la mitad del año, estamos ante una película que seguramente encabece los tops de lo peor del 2023.




Calificación 2/10




Lo mejor: que no dura más.

Lo peor: mala adaptación, malos efectos, mala dirección, y aparte se torna aburrida.

Surrealismo ácido en el cine de autor

Alejandro Jodorowski es uno de los directores contemporáneo que puso en pie al cine surrealista, este que en su momento Buñuel y Dalí daban a conocer en la década de los veinte. Tanto Jodorowski como otros cineastas posteriores a él han logrado recuperar las bases del surrealismo: Los sueños y sus múltiples interpretaciones, los simbolismos, distorsión de la realidad, lo absurdo y lo extraño.

El director neerlandés Dick Verdult presenta su más reciente película en la nueva edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI). Conocido como Dick El Demasiado, tuvo una crianza muy latinoamericana al estar en países como Guatemala, México, Argentina y Francia, estos países latinos han aportado a la influencia no solo de su cine, sino también en su faceta musical.

En el presente festival presentó ‘’If yes okay’’, la cual el director resume de la siguiente manera: ‘’Amy, la hija de 15 años, intenta escapar de la presión de este ambiente tóxico transformando su vida en un capricho extravagante, un teatro venenoso al estilo Kabuki. Este proceso cambia radicalmente su mundo: matar a su padre, como solución temporal, para huir en la noche, no impedirá que entre a un nuevo nivel de locura’’.
Durante los primeros cinco minutos el espectador es sometido a prueba pues no es una película fácil de digerir. Un conjunto de imágenes abstractas con personajes histriónicos y carnavalescos se presentan, una música electrónica distorsionada y tétrica va de fondo y luego una historia que carece de sentido.

Dick El Demasiado abarca un estilo dadaísta, esto se evidencia dentro del absurdismo que maneja en este filme, también coquetea con la comedia y sátira social, se sabe que los personajes se desarrollan en un ambiente esnob donde el ocio abre la puerta a sus locuras.

If yes ok presenta una paleta de colores muy festiva donde se destaca el verde, morado y rojo, acompañado de un diseño de vestuario sacado de una obra de teatro sobre el espacio, a su vez toda la puesta en escena se acopla, esto atrae a la vista y más bien nos sumerge dentro lo bizarre, asumimos el reto de que vamos a ver algo extraño o no.
El director juega con referencias hacia Argentina, país que conoce muy bien, estos guiños la vuelven simpática pero no la salvan de lo tortuosa que tiende a ser.

Posiblemente If yes ok sea una de las propuestas mas underground que se verá en el BAFICI, es una película con un fuerte sello de actor que odias o amas, no hay puntos medios, aceptamos la locura y surrealismo ácido del director o apartamos la vista para buscar algo más tolerable.


Escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web

El deseo de formar una familia.

En esta ocasión, Rebecca Zlotowski expone un nicho en parte inexplorado. “Los hijos de otros” (2022) nos cuenta la historia de Rachel, una profesora de secundaria que se enamora de un hombre divorciado y empieza a establecer una conexión emocional con la hija de este. La película trabaja sobre el concepto de la pertenencia y el legado. Si bien hay situaciones de menor ritmo que pueden tornarse aburridas, esta historia nutre de emoción al espectador con grandes actuaciones de carácter naturalista, sumiéndolo en momentos de tensión y drama absoluto.

Más allá de las expectativas sociales y culturales, Rachel busca experimentar el vínculo materno-filial. La relación entre Rachel y la hija de su pareja se vuelve tan cercana que realmente da pena observar las desfavorables situaciones que se presentan. Esta película, además, explora la toxicidad masculina. El hombre posiciona a Rachel en un papel secundario, y la frustración comienza a consumirla cuando entiende que cada vez está más lejos de tener un hijo “propio”. Es una mujer de mediana edad, el tiempo la aprisiona y sus seres queridos avanzan por un camino que ella desearía tener. Así es como también busca una salida ayudando a otros niños de la escuela donde trabaja.

Cabe mencionar que se muestran en pantalla gran cantidad de escenas de desnudos, haciendo énfasis en el sexo como elemento fundamental de la natividad y la tradición. Así que no es la película más recomendable para ver con niños pequeños.
Todo lo mencionado se combina con una gran dirección de fotografía y movimientos de cámara de larga duración. Entre la dirección y las actuaciones, se vuelve una gran experiencia audiovisual. Por momentos recuerda a otras películas como Marriage Story (2019) o Beautiful Boy (2018), lo cual demarca un estilo muy virtuoso.

Calificación: 9/10

“Los hijos de otros” fue proyectada el 16 de marzo en el Festival de Cine Francés de Buenos Aires, en el Cinépolis del Recoleta Urban Mall.

Por Nicolas Becerra

El lamento del tango

Tango es sinónimo de lamentos y nostalgias, al menos ese es el sentir del tanguero en lo que transmite con sus letras, tal como si se tratara de un músico maldito, aquel que sufre con sus canciones. Los arquetipos del tango ya están definidos en la cultura.

El tango intenta no morir y no quiere convertirse en un recuerdo de la tercera edad y una atracción exótica para los turistas. El cine se encarga de rescatarlo y preservarlo, así sea con clichés, el género porteño no morirá aún.

La película original de Marina Seresesky se resume con una premisa que da entender hacia dónde va la trama: »Carlos y Margarita fueron la pareja de tango más famosa y reconocida de su época. Hoy, poco y nada queda de ese esplendor, de esa pasión que los llevó a compartir, escenarios, viajes y vida» Nostalgia transmite incluso el poster, donde se aprecian los protagonistas, Dario Grandinetti, Mercedes Morán y Jorge Marrale son el trío de primeros actores que llevan la película.

Empieza el baile cae, recae en la categoría de Road Movie, los protagonistas incursionan en un viaje que los llevará a redescubrir los orígenes del tango, pero más allá de eso, es una travesía para perdonar y sanar heridas. Las intenciones son nobles, los actores son comprometidos y transmiten la melancolía que la directora plasma en su guión, capaz el problema cae en las situaciones que a veces coquetean con el tono telenovelero y esto provoca desconexión.

El manejo de cámara en mano temblorosa, los planos desfavorecedores y las tomas en exteriores no cuidadas con el ambiente hacen del filme de una experiencia donde se noten estos detalles técnicos de su fotografía.

El factor sorpresa o un real gancho no existe, el espectador se deja llevar por su premisa parsimoniosa y acepta el producto, capaz ese es el acierto. Empieza el baile es una experiencia de un tango tranquilo pero sin piruetas.

Calificación 6/10


Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Por Patricio Müller

Esta cinta me soprendió, porque esperaba una cosa y recibí algo totalmente distinto e inesperado, pero ojo, no me quejo.

La película esta basada en hechos reales(o mejor dicho, en las memorias de su autor que escribió unas cuantas obras) y sigue al sacerdote Gabriele Amorth, que ejercio como exorcista en la diócesis de Roma y quien esta interpretado por el gran Russell Crowe. Cabe mencionar que antes de ir a verla, yo no tenia idea de que estaba basado en hechos reales y sin embargo no es necesario saber sobre el tema para disfrutarla.

De primera tengo que decir que es mas una sátira que una película de terror. Obvio tiene elementos para serlo como jumpscares y ni hablar de todo lo satánico que se presenta desde un principio. Pero todo eso no llega a combertirla en una obra terrorífica, es más, no busca ni pretende serlo.

La cinta tiene bastante humor por momentos, y eso gracias al personaje del padre Amorth que tiene una personalidad muy peculiar. Un hombre decidido y experimentado en el campo del exorcismo y que a veces tira chistes y suele tomarse con calma las cosas. Del mismo modo gracias a él, nosotros los espectadores nos sentimos seguros cada vez que él se encuentra en escena o acude al auxilio de otro personaje.

La película nos da algo distinto. Esperamos asustarnos pero esa sensación se aleja cuando la trama avanza. Asi que si esperas terror quizás esta no sea tú película, pero si se la pasa bien.

Calificación 7/10
Patricio Müller

Por Jorge Marchisio

Llega a nuestros cines la millonésima adaptación de la famosa obra de Alexandre Dumas, Los Tres Mosqueteros. Pero esta vez, es una producción de Francia, y con un par de caras conocidas a nivel mundial por todos los cinéfilos. Así que veamos con qué nos vamos a topar en el cine en esta ocasión.

Esta vez volvemos a repasar la historia de los mosqueteros, con Francia e Inglaterra al borde de una guerra, mientras que, dentro del propio territorio galo, hay una disputa civil entre católicos y protestantes. En el medio de todo esto se ven envueltos Athos, Aramis, Porthos y nuestro protagonista, D´Artagnan.

Si, a nivel historia no se puede innovar mucho, porque ya todo el mundo sabe a grandes rasgos, el ámbito en el que se movieron estos soldados nacidos en la literatura, y que tuvieron varios pasos tanto por el cine, como en la televisión. Y si a eso le sumamos cierta cinta que tiene a un hombre con una máscara de hierro.

Entonces, la película decide, como tantas otras adaptaciones, centrarse en D´Artagnan, pero en especial, en la historia de espionaje y complot que se tejía en esa Francia ficticia; y no tanto en el entrenamiento y ascenso del joven mosquetero. Y la verdad que esa fue la mejor decisión que podrían haber tomado.

Y esto lo digo porque si bien por momentos el ritmo baja un poco, no es nada en comparación a lo intrigante que se vuelve Los tres mosqueteros: D’Artagnan en sus dos horas de duración. Y a eso hay que sumarles un par de escenas de acción bien filmadas, donde, además, se buscó que las mismas sean planos secuencias. Bravo.

Y esto me lleva al siguiente punto, y es la producción con la que cuenta Los tres mosqueteros: D’Artagnan. Seguramente no contaron con un presupuesto exageradamente inflado como suele ocurrir con algunos tanques hollywoodenses, pero en ningún momento esto se nota. Todos los escenarios, vestuarios, peinados y accesorios de la película, nos retrotraen a la época donde se sitúa la historia. Y el grado de que todo se vea con un dejo de suciedad, le da un punto extra.

Para no extendernos demasiado; Los tres mosqueteros: D’Artagnan es una gran película. Prepárense porque se sabe que la historia fue dividida en dos, así que tengan en cuenta eso a la hora del final. Quitando eso, estamos ante una de las mejores cintas de lo que va del año.





Calificación: 8/10

Lo mejor: la producción, el manejo de la tensión, bien actuada.

Lo malo: el ritmo lagunea por momentos, y, sobre todo, que tenemos que esperar a ver como termina.