Crítica de Agustín Villegas

Calladito te ves más bonito.

Una familia es víctima de circunstancias tétricas cuando el planeta se ve atacado por una misteriosa amenaza que se despierta con el mínimo sonido generado. Viviendo en el medio de la nada y comunicándose mediante susurros o lenguaje de señas éste elenco de actores grosísimos nos lleva de paseo por un film de terror que nos remonta a la época en donde el sonido lo era todo en una película.

John Krasinski no solo demuestra que es un actorazo en el ámbito dramático, sino que también se luce como director dandole el tono justo a cada una de las escenas de la película. Emily Blunt como siempre brilla, su gesticulación no le erra nunca y brinda credibilidad suficiente como para empatizar éste enigmático terror que acosa a éste post apocalíptico mundo. Y el cuarteto protagonista se completa con la joven Millicent Simmonds y Noah Jupe, los hijos de los personajes de Blunt y Kasinski que cuentan con unas personalidades fuertes.

Marco Beltrami se encarga de la banda sonora, la cual no es perfecta pero le da un toque especial a la excelente mezcla de sonido que estuvo por encima de las expectativas. Si bien no soy fan del genero de terror me gusta mucho éste resurgimiento del cine silencioso mediante el miedo, es algo inmersivo y entretenido de sentir.

Recomiendo fuertemente «Un Lugar Tranquilo». Preferí no hablar mucho de la historia que la revelación de cual es la amenaza es algo digno de ser visto por ustedes, y por primera vez voy a callarme los dedos y dejar que ustedes saquen sus propias conclusiones … eso sí, apaguen el condenado celular cuando entren a la sala.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: A Quiet Place

ACTORES PRINCIPALES: Emily Blunt, John Krasinski.

GENERO: Terror, Suspenso.

DIRECCION: John Krasinski.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 05 de Abril de 2018

90 Minutos

La nostalgia es algo que nos viene atacando muy seguido en esta época , ahora es el turno de Mazinger Z , aquella serie animada que vio su lugar en tv por el año 1972 y que ahora regresa con un film en su 45° aniversario (Si, aquí llego un poco atrasado). Pero más allá de ese efecto nostálgico que puede causarle a muchos de los que vieron la serie en su infancia ¿Realmente vale la pena esta nueva aparición? Si bien eso lo juzgará cada uno , pero cabe destacar que en nuestra opinión , la película ha sido un notable entretenimiento que traspasa las generaciones.

Tras 10 años de haber vencido al Dr. Infierno, Koji Kabuto sigue los pasos de su abuelo. Durante una investigación científica en el monte Fiji, Koji descubre en un yacimiento arqueológico algo que podría anunciar el regreso de su más grande enemigo

Esta cinta más bien es tratada como un nuevo episodio, con duración cinematográfica, que busca contar una nueva aventura alimentándose de la nostalgia y el material original de la serie , pero también adecuándose a las necesidades de una nueva generación que pueden entretenerse con el film más allá de que le llegue a resultar algo desconocido. La historia logra adaptarse con fluidez, mediante un ataque en Japón por parte del Dr Hell, nos traen de nuevo al famoso Mazinger Z para derrotarlo y también para explorar con un poco más de profundidad temas en torno a la naturaleza humana, el mundo en que se vive y si realmente la humanidad merece vivir , y porque…

En cuanto a la animación si bien se utilizan nuevas técnicas con algunos toques tridimensionales , la cinta trata de ser lo más tradicional posible, mantenimiento la escencia el clásico dibujo animado.

Mazinger Z Infinity, es el regreso de lo que ha sido una gran serie que ha formado parte de la infancia de muchos , a diferencia de otros regresos que si bien mantenían la nostalgia pero no aportaba algo de calidad, esta cinta da un salto de generación para entretener a los más grandes y tambien a aquel nuevo público que seguramente será arrastrado por el primero. Gran regreso.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: Mazinger Z

VOCES ORIGINALES: Wataru Takagi, Bin Shimada, Shôtarô Morikubo.

GENERO: Animación.

DIRECCION: Junji Shimizu.

ORIGEN: Japón.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 05 de Abril de 2018

95 Minutos

Crítica de Laura Brosio

La película Madame, dirigida por Amanda Sthers, se enmarca en ciclo de cine francés Les avant-premières, que cumple diez años y se desarrolla en el Cinemark de Palermo. Esta comedia que también tiene sus tintes dramáticos, se centra en Anne (Toni Collette) y Bob (Harvey Keitel), una pareja de ricos norteamericanos instalados en París, que dará una cena para doce personas de la alta sociedad en su lujosa mansión. La llegada inesperada de Steven (Tom Hughes), hijo del primer matrimonio de Bob, hará que una supersticiosa Anne le pida a la criada María (Rossy De Palma) que se haga pasar por una millonaria amiga de ella. El problema surgirá cuando María y un marchand irlandés invitado a la cena (Michael Smiley) –que cree que María pertenece a la nobleza española- caigan perdidamente enamorados.

A partir de ese instante se van desencadenando graciosos malentendidos y ocurrentes gags que hallan complicidad en el espectador. Sin embargo, por momentos la comedia se vuelve previsible y va perdiendo su interés, sobre todo a raíz de un relato un tanto lineal. El final dará una vuelta de tuerca que sorprenderá al espectador.

Puede decirse que Madame es una mezcla eficaz de pasos de comedia con relato social, sellado por una proclama en defensa de la emancipación de la mujer. Queda la sensación de que la trama podría haberse explotado un poco más y que había más recursos a los cuales apelar para reforzarla. De todas maneras, con este filme, la joven realizadora francesa Amanda Sthers se constituye en una figura promisoria del cine galo a tener en cuenta. Habrá que ver cómo evoluciona o no en sus próximas películas.

En cuanto al elenco, Toni Collette y Harvey Keitel muestran su habitual solvencia. En tanto, Rossy De Palma vuelve a mostrar sus dotes para la comedia, brillando en todo momento, especialmente en las escenas que le toca interpretar con Michael Smiley, su adorado amor, quien también se luce en su papel. Ambos se potencian y logran los pasajes más hilarantes de la película. Un hallazgo es Tom Hughes en el rol de Steven.

FICHA TÉCNICA:

Título original: Madame

Dirección: Amanda Sthers

Guión: Amanda Sthers, Matthew Robbins (Historia: Amanda Sthers)

Música: Matthieu Gonet

Fotografía: Régis Blondeau

Empresas Productoras

LGM Productions / Made in PM

Año: 2017

Duración: 91 min.

País: Francia

Género: Comedia dramática

Distribuye: Energía Cine

Reparto completo

Harvey Keitel, Toni Collette, Rossy De Palma, Michael Smiley, Tom Hughes, Violaine Gillibert, Stanislas Merhar, Sue Cann, Ariane Seguillon, Amélie Grace Zhurkin, James Foley, Brendan Patricks, Tim Fellingham, Joséphine de La Baume, Sonia Rolland

Calificación: 6/10

Crítica de Betania De Armas

Dirigida

por la productora argentina Cine Hummus, colectivo conformado por Agustín Gregori, Bernardo Francese e Ignacio Laxalde; conformado en el año 2004, se han caracterizado por realizaciones ficcionales que van de la mano con el humor y lo fantástico. Su trayectoria comprende en su mayoría cortometrajes, que los ha hecho merecedores de diversos premios no solo a nivel nacional, sino también internacional. Su opera prima fue “Básicamente un pozo”, y ahora nos presentan “Hermanos Karaoke”.

Una película de género comedia dramática, muestra la historia de un dueto de cantantes de covers, que se presentan en shows de karaoke, Simón (Agustín Gregori) y Mía (Maru Zapata), los cuales viajan hasta la Patagonia con el fin de realizar una presentación en la cena de Nochebuena, en un hotel de la zona. En búsqueda de un lugar mas económico donde hospedarse, deciden ir a un campamento. En el camino para llegar, se pierden y se encuentran con Alán (Bernardo Francese), un gentil chamán empresario que los ayudará a encontrarse a sí mismos y a replantearse diferentes posturas personales, relacionadas a su dueto musical. Todo esto lo hará apoyándose de conocimientos relacionados al marketing y el crecimiento espiritual.

El guión resulta original en cuanto a la utilización de la dinámica del markenting para una mejora en la vida profesional y espiritual, asimismo la implementación de tonos de humor sarcástico en determinadas escenas. Sin embargo, los diálogos en momentos se muestran un poco forzados e inverosímiles, el ritmo de la historia en ocasiones es lento y resulta tedioso seguirle el hilo. Los personajes principales Mía y Simón se presentan de manera muy corriente, son insustanciales, no poseen tridimensionalidad dominante; en cuanto a Alan, es el personaje que le da el toque fresco y atractivo a la trama; es carismático, original y se muestra creíble.

En cuanto a las actuaciones, resultan poco convincentes. Maru Zapata no transmite empatía, y resulta poco contundente. Agustín Gregori se le ve más expresivo pero su dicción resulta deficiente. El personaje de Bernardo Francese posee toda la fuerza dentro de las interpretaciones, su actuación resulta acertada, natural y creíble.

La puesta en escena es plana, el ritmo es netamente lento generando confusión y distracción, lo cual se torna poco novedoso y totalmente monótono.

Algo para destacar es que a lo largo de la película, en escenas específicas se busca transmitir la sensación de estar observando una pantalla de karaoke, por medio de la utilización de tipografía colorida y teniendo como banda sonora los covers cantados por el dúo, esto le otorga autenticidad. Sin embargo en otras escenas utilizan exageradamente un sonido(Foley) parecido a una chispa mágica que en un momento resulta repetitivo y aburrido.

Un elemento que le da fuerza es la utilización del espacio, es decir los maravillosos paisajes de la Patagonia, específicamente, las montañas, los ríos, la colorida vegetación, que sin duda alguna le adjudican belleza a la imagen.

En cuanto a la dirección de arte resulta deficiente y poco cuidada; el vestuario se muestra realista pero sin variedad, los elementos implícitos dentro de las acciones, por ejemplo el auto resultan pobres y poco atractivas.

Los directores pudieron haber explotado mejor la puesta en escena y los recursos que tenían a su favor. Se entiende que es una producción de bajo presupuesto, que dentro de sus posibilidades realizaron un film donde lo novedoso y original solo se presenta en el argumento de la historia.

En conclusión, puede que para los amantes de las comedias disparatadas resulte una propuesta interesante, pero para los espectadores con otras preferencias de géneros puede que sea difícil seguirle el ritmo a la historia y no es recomendable. Es apta para todo público, sin embargo no se considera entretenida para niños.

Calificación: 5/10

Crítica de Julieta Ale

Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido realizar una cena donde invitarán a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un 14°cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un mercante de arte inglés.

En el marco del festival de cine francés que se realizara en Cinemark Palermo del 5 al 11 de Abril, pudimos ver Madame, la película de la directora francesa Amanda Sthers, que cuenta la historia de una familia que se mudó a Paris, Anne y Bob son un matrimonio que deciden realizar una cena para importantes invitados, pero se presenta de improvisto el hijo mayor de Bob ,lo cual desequilibra la organización y hace que queden trece platos en la mesa, logrando que Anne quién es muy supersticiosa,necesite otro invitado para modificar ese numero que según ella, es de mala suerte, y acude a Maria, su empleada domestica con quien tiene más confianza para que sea una invitada más, eso sí, tiene prohibido hablar durante la velada.

Pero las cosas se le van de las manos a Anne cuando Maria comienza a beber unas copas de vino que la hacen la protagonista de la noche, e inevitablemente, un importante invitado se fija en ella.

Si bien la película no cuenta ninguna historia que ya no hayamos visto, cayendo en la convencional Cenicienta, tiene un humor sutil bien logrado, y un gran elenco en donde se destacan la gran Rossy De Palma y Toni Collette, logrando una comedia romántica, en donde más allá de la historia de amor del rico que se enamora de la pobre, hay una mujer con una fortaleza y seguridad, que sabe que es digna de enamorar a cualquier hombre, sin importar lo superficial, estético, o posición económica.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Madame

ACTORES PRINCIPALES: Rossy de Palma, Toni Collette.

GENERO: Drama, Comedia.

DIRECCION: Amanda Sthers.

ORIGEN: Francia.

DISTRIBUIDORA: Energía entusiasta

ESTRENO: 19 de Abril de 2018

91 Minutos

Crítica de Magali Onetto

Si mencionamos a María Magdalena, a más de uno se le vendrá a la cabeza la palabra «prostituta». Sin embargo, la película que lleva su nombre le da un giro de tuerca a la conocida historia.

Para quienes se estén preguntando en este momento quién fue María Magdalena, la leyenda cuenta que fue una prostituta de la época, una «pecadora arrepentida de quien Jesús echa 7 demonios».

El filme biográfico dirigido por Garth Davis (Lion: un camino a casa) reinterpreta la historia bíblica dándole un lugar más importante a esta figura femenina. Rooney Mara (La chica del dragón tatuado, Carol), se pone en la piel de Magdalena, una joven reconocida por su instinto maternal, pero a la vez por su deseo de no seguir el camino establecido para las mujeres de esa época. Es en estos momentos en los cuales la película se centra en el desarrollo del personaje femenino y de sus pensamientos a contracorriente del resto; lo cual lleva a un ritmo lento del filme.

Hasta que aparece Jesús -interpretado por Joaquín Phoenix, quien no decepciona para nada en su actuación-. A partir de aquí, la película comienza a variar su ritmo, a medida que María emprende el viaje a Jerusalén acompañando a Jesús y los demás apóstoles a esparcir el mensaje del Mesías.

La película puede ser lenta de a ratos, y un poco confusa para aquellos que no sean muy conocedores de la historia. Sin embargo, el vestuario es un gran acierto. Y para aquellos que disfruten pequeñas joyitas visuales, encontramos esas escenas cortas pero cargadas con fuertes simbolismos y gran fotografía. Basta con ver la primera escena, poética y visualmente hermosa.

Sin embargo, el verdadero interés está en la revisión del personaje femenino y en su nuevo lugar en la historia bíblica como la primera apóstol de Jesús, la primera que difunde su mensaje luego de su resurreción. Un nuevo lugar que refleja la transformación que se vive a nivel mundial de la mano del movimiento feminista, en el cine y en la vida.

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: Mary Magdalene

ACTORES PRINCIPALES: Chiwetel Ejiofor, Joaquin Phoenix, Rooney Mara.

GENERO: Drama.

DIRECCION: Garth Davis.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

120 Minutos

Crítica de Mariano Zamora

Orlando, Florida. A pocos kilómetros del parque de diversiones de Walt Disney. Magic Castle Motel. Actualidad. Este es el escenario donde se desarrolla y representa Florida Project, el último largometraje de Sean Baker. Director que podemos recordar de películas como Starlet y Tangerine. Pero más allá de googlear su filmografía, si vimos las películas anteriores, es fácilmente identificable su marca de autor y su ojo narrativo/analítico hacia la sociedad capitalista sectaria.

En el film nos vamos a encontrar con la vida ordinaria y poco feliz, más allá de la fachada Pop, de la niña Monee (Brooklynn Prince), su mama Halley (Bria Vinaite) y el gerente del Motel en donde ellas habitan temporalmente, Bobby Hicks (Williem Dafoe). El ojo lo vamos a centrar en las aventuras y desventuras de la familia de Moonee y su amigo Scooty. Infantes que el director pone en representación de lo contradictoria que puede ser el sistema en la sociedad actual, frente a una niñez víctima del mal manejo de la sociedad Post-Moderna. Halley, su mama, intenta a su manera darle la mejor calidad de vida posible a su hija, más allá de sus limitaciones y equivocaciones que vamos a ver claramente durante el transcurso del film, y que incluso llegan a fastidiarnos, pero también a enternecernos y empatizar en su lucha diaria. Williem Dafoe aparece en el film como pilar estructural anti caos. Y aunque parezca grande esta definición, lo interesante es con la simpleza que se lo representa a través del guion y de su gran trabajo actoral. Un detalle a tener en cuenta es que el mismo declara haber ido varios días antes a vivir al Motel donde se iba a rodar, para familiarizarse con el entorno y el modo de vivir que tienen las personas allí. Su papel puede verse como pequeño, pero a la vez fundamental y preciso, ya que durante todo el transcurso de la película, el personaje aparece en situaciones que tienen su propia estructura de acción/conflicto/resolución. En todas las escenas en donde toma intervención el gerente del Motel, vamos a encontrar desarrollada una micro-trama, que se unirá a la historia global de la película, y a su significativa expresada entre líneas/imágenes.

Temas como la prostitución, las drogas, la ignorancia, pero sobre todo el amor y la solidaridad son marcas representativas del director a lo largo de su filmografía, y esta película no es la excepción. Actualmente, unos de los directores que centra exclusivamente la problemática de sus películas en estos pilares, y que la representa con gente común. Pero lo común, por su simpleza, no deja de ser extraordinariamente complejo si se lo sabe ver. Es por eso que esta película no atrapa con sus colores Pop, la inocencia de la niñez, la inexperiencia parental y una trama que nos hace recordar lo difícil que puede ser tener una vida simple. La ignorancia que se le atribuye a la familia de Mooney, de a poco se va develando y va trayendo oscuridad a su felicidad temporal. Momentos oníricos claramente críticos hacia la sociedad capitalista, lo que representa la confrontación geográfica en un lugar para ‘’divertirce’’, y una hermosa cita al grito de Michael Corleone en El Padrino II (los dejo que descubran donde) nos llevan dentro de una película que nos pasea entre sonrisas y tristeza, pero que principalmente sirve como concientizadora de lo que puede suceder y sucede en la actualidad con un sector de la sociedad desprotegido, pero lleno de amor y color.

Calificación 8/10

Título original: The Florida Project

Año: 2017

Duración: 115 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Sean Baker

Guion: Sean Baker, Chris Bergoch

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Alexis Zabé

Reparto: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross

Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24

Crítica de Nicolás Katopodis

John Stevenson plasmó aspectos superficiales de los grandes clásicos Sherlock Holmes (1887, Arthur Conan Doyle) y Romeo y Julieta (1597, William Shakespeare) en un mundo infantil de gnomos, donde la trama puede hacer de introducción antes de llevar al niño a las obras originales: el resultado es Sherlock Gnomes.

Aunque el título haga mención al personaje principal de la obra detectivesca más leída, es una combinación entre aquella y la tragedia romántica de Shakespeare. En un mundo como éste, habitado por seres humanos, la película está enfocada en la vida de los gnomos, donde éstos son raptados por el enemigo de hace tiempo de Sherlock Gnomes. Junto a su compañero, Watson, que representa un punto medio entre los gnomos y los humanos, caracterizado por la esencia londinense del siglo XX, ayudan a los gnomos Gnomeo y Julieta a rescatar a sus compañeros que convivían con ellos en el jardín de sus dueños.

Es una gran oportunidad para introducir, de manera superficial, a los más pequeños en las tramas de suspenso, misterio, deducción lógica y tragedia. En ellos puede observarse algo de lo que supieron representar Doyle y Shakespeare hace tiempo, aunque, obviamente, no con el mismo final: la relación entre Gnomeo y Julieta son, en un punto, idénticas a las que tienen los compañeros de aventuras, Sherlock y Watson. En la primera, hay una circunstancia que los excede a ambos y se interpone de momento en la relación; lo mismo pasa en la segunda pareja, y esto causa el conflicto de la historia.

El problema en ambas relaciones causa automáticamente una sensación de empatía, que pone al espectador del otro lado del personaje, con la sensación que causa en el momento . También pueden verse otras problemáticas, como los momentos en los que el detective pasa por alto las emociones, prefiriendo la racionalidad, aunque, como se dijo al comienzo de la nota, es sólo una introducción (muy buena) para que los chicos comiencen a entender los grandes clásicos.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Sherlock Gnomes

VOCES ORIGINALES: Chiwetel Ejiofor, Michael Caine, Maggie Smith, Emily Blunt, James McAvoy, Johnny Depp.

GENERO: Animación.

DIRECCION: John Stevenson.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP

ESTRENO: 29 de Marzo de 2018

87 Minutos

Apta todo público

Crítica de Diana Decunto

La película L’Atelier del año 2016 con premios en varios festivales, acontece en un “aburrido” pueblo al sur de Francia: La Cistat, un hermoso lugar de la costa francesa, con un mar rodeado por acantilados, escenario natural que favorece lograr el clima de tensión que la película propone.

La historia principal es un taller de escritura, en la que participan adolescentes, el cual está a cargo de una famosa novelista. El cineasta Laurent Cantet, a partir de este eje principal, contará con varios disparadores secundarios para tocar la problemática de la sociedad actual poniendo énfasis en los adolescentes y el mundo con el que deben lidiar.

Rara vez se me ha presentado una película que realiza un análisis sicológico y sociológico de un mundo violento, con intolerancia, discriminación, guerras y en paralelo convive un thriller, que mantiene en vilo al público hasta el final.

El Director Laurent Cantet logra con la cámara romper la máscara superficial de los personajes, ahonda en sus fibras más íntimas, analiza sus vínculos, con una mirada fría, no convencional.

Es una película de disfrute para aquellos que participamos de talleres de escritura. Quienes mejor comprenderán algunas platicas, que no se tornan tediosas para el neófito, porque es un salpicado fino de comentarios sobre la escritura. En este sentido, me parece altamente rescatable el análisis sobre el uso de las palabras muertas.

Me parece muy interesante en Cantet, que se interne en una actividad, que recomiendo a todos contar con la experiencia, por lo menos, una vez en su vida de haber participado en un taller de escritura. La película desmitifica ese concepto generalizado, que se tiene sobre los talleres de escritura como una actividad reducida para unos pocos y aburrida. La película logra demostrar la importancia del taller como actividad grupal donde se potencian las individualidades y demuestra a medida que la convivencia avanza sobre la necesidad de aprender a escuchar al otro para poder en conjunto avanzar y la importancia que tiene el coordinador en su función de moderador. Cuenta con dos magníficas actuaciones, las de Marina Fois y Matthieu Lucci, quienes encarnan a la escritora y al alumno, dos personajes aparentemente, enfrentados, todo el tiempo, donde ambos se sienten atraídos, por la curiosidad y ponen el esfuerzo en intentar entender al otro.

Excelente la fotografía, los escenarios naturales donde se encuentra filmada, las actuaciones del resto de los actores y actrices.

Tengan en cuenta, que esta película se da dentro del marco del Ciclo de Cine Francés, que este año celebra sus diez años de arribo a Buenos Aires para disfrutar de la mejor filmografía. Comenzará el 5 de abril y donde la cartelera puede ser consultada en www.cine-frances.com. Recomendamos esta propuesta fílmica de la productora Zeta Films, cuyo estreno comercial está previsto para el 12 de abril. Gracias a Laurent Cantet, gran cineasta francés, quien con una cámara inquieta ha logrado para la pantalla grande, capturar el color de las diferentes pinceladas de esta comedia humana que nos toca vivir, con sus logros y desequilibrios.

Puntuación 8/10.

Festivales y premios

Les Redez vous de cinema francais a Paris – 2018. Secciòn Press Junket

Festival de Cannes 2017. Seccion Un certain regard

Festival International de la Rochelle 2017 – Selección oficial

Festival de Film Fracais d’Helvetica 2017 – Selección oficial

Festival International du Film de Vancouver 2017 – Selección oficial

Chicago International Film Festival 2017 – Selección oficial

UK French Film Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección oficial

American Film Institute Festival 2017 – Selección World cinema

Dubai International Film Festival 2017 – Selección cinema of the World

Ficha Técnica

Titulo original : L’atelier

Año: 2016

Duración: 116 minutos

Distribuidora: Zeta Films

Director: Laurent Cantet

Con: Marina Fois, Matthieu Lucci, Wanda Rammach

Crítica de Isabel Urrieta

“Pinta tu aldea y pintarás el mundo”
León Tolstói

En esta entrega, la cineasta Isabel Coixet, nos trae una adaptación de la novela homónima de la autora inglesa Penélope Fitzgerald, publicada en 1978 y cuyo proyecto tomó a la directora catalana siete años en llevar a la gran pantalla. A primera vista algunos podrían pensar que se trata de “cine de mujer” –Lo que sea que ello signifique para quienes le aplican este reducido- Porque sí, es una historia marcadamente autobiográfica, en el caso de ambas autoras, y sí, posiblemente identificable para muchas de las espectadoras, pero hablamos de un relato bastante universal.

El filme narra la historia de Florence Green, una mujer que por razones sentimentales y un amor profundo por la literatura decide abrir una librería en un pequeño pueblo costero de Inglaterra a finales de los 50. Esta iniciativa, a pesar de noble, no es comprendida por la mayoría de los habitantes y en especial no es de agrado para Violet Gamart, una dama cuya voz está implicada en las decisiones de esa población y se sirve de toda una estructura de poder factico que reposa a los pies de sus caprichos. Por fortuna Florence no está sola en su empeño y es que en el transcurso de la cinta aparecen dos personajes de carácter muy marcado, Edmund Brundish un solitario lector y Christine una niña curiosa e inteligente, que serán para la protagonista un paliativo contra la desesperanza.

En la película se puede apreciar el poder como hecho transversal a las relaciones humanas pero a su vez nos habla de coraje, de un personaje principal que en hazaña quijotesca no está dispuesta a rendirse fácilmente ante las adversidades y que no todo lo que respecta a lo humano está en su totalidad perdido, relatado desde una perspectiva muy tradicional.

Con un casting maravilloso y una buena historia, se podría reprochar que existen algunas señales confusas en el discurso, un vaivén entre el usual sentimentalismo de la directora –que podemos apreciar en muchas de sus obras de ficción- y un tono seco y más bien sugerente cuyo origen es de conjeturar pertenece a la obra original.

Cuesta afirmar que sea una obra trascendental, sin embargo por el mero hecho estético, por una visión de los libros y de la lectura que es realmente apasionante y por los destellos de humor bien pensado aún en circunstancias desfavorables, es una obra que merece la experiencia sensorial de habitar el cine, la sala.

Como directora tenemos a una Coixet que vuelve a gustar a un amplio público y en honor a ello la siguiente frase que pronunció en rueda prensa de la Semana Internacional de Cine de Valladolid escenario del estreno mundial de La librería.

“Para mí los libros y las películas me han permitido vivir mil vidas, que de otra manera no hubiera vivido y me han permitido desarrollar un concepto de empatía, de ponerme en el lugar del otro, que para mí es fundamental para la convivencia.”

Calificación : 7/10

FICHA TÉCNICA:
Título original: The Bookshop
Año: 2017
Duración: 113min.
País: España, Reino Unido, Alemania
Dirección: Isabel Coixet
Guión: Isabel Coixet (Penélope Fitzgerald)
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Jean-Claude Larrieu
Montaje: Bernat Aragonés
Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O’Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega, Nick Devlin
Productoras: Coproducción España-Reino Unido-Alemania; Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal Televisión / Zephyr Films / ONE TWO Films