Por Bruno Glas

“Porno para principiantes” se propone como una comedia sobre dos tipos que deben dirigir una porno ante la presión de un productor mafioso. Claro que ninguno de ellos tiene mucha idea de cómo hacerlo. Pero lo de “principiantes” no se aplica sólo a ellos. Toda la película parece no tener en claro cómo llevar adelante una comedia con una temática sexual de fondo.

El porno es siempre explícito. Con todas sus variantes, no le interesa otra cosa más que mostrar gente cogiendo, el acto sexual, con lujo de detalles. En “Porno para principiantes”, paradójicamente, no hay porno casi. Se ven los sets de filmación de la película que Víctor debe rodar, se juega más de una vez con las referencias verbales hacia los genitales, pero no mucho más. Ni culos, ni pijas, ni tetas, ni nada: apenas alguna imagen fugaz que se ve a través de otra pantalla que aparece en el filme (un celular y una tele vieja). Como si su aparición en el plano fuese censurada a propósito. Que una comedia sexual donde el porno aparece problematizado no se anime a exponer los cuerpos de los personajes en su totalidad es un problema.

La explicitud nos hubiera dado una película quizás más salvaje, más jugada. Extraño que una comedia “para adultos” con sexo de por medio no se atreva a mostrar más, a explotar más sus posibilidades. El sexo (hay apenas una escena donde dos personajes tienen relaciones, y ni siquiera dura demasiado) o la corporalidad aparecen mayormente a través de los diálogos. Y si el acto sexual en cuestión brilla casi siempre por su ausencia, o por su censura, los diálogos humorísticos apelan en cambio a la mayor explicitud posible. Y el humor de “Porno para principiantes” es viejo. No lo digo por su concepción fácil, chabacana, que juega con el doble sentido (vean “Virgen a los 40” o “Supercool” para ver cómo puede hacerse humor del más sarpado que resulta gracioso, además de adecuarse a la historia que se narra). El humor de “Porno para principiantes” es viejo porque los gags llegan tarde, y sabemos que tendrán lugar antes de que aparezcan. Véase sino lo que ocurre cuando Víctor y Aníbal van a visitar a la madre del primero al hospital, y el médico de turno le da una inyección para reanimarla (se entiende, digo, ¿no?). O el momento en que Ashley, la actriz porno, cena con Víctor y la familia de su novia; momento en que toda incomodidad queda desaprovechada, disolviéndose en el humor fácil. Los gags se ven venir a kilómetros de distancia, como si al director le hubiera tentado más montar una serie de chistes sueltos sobre diversos escenarios, antes que construir con eficacia una situación para que éstos tengan el timing preciso y nos hagan reír.

Pero hay que decir que hay un único momento logrado en esta película. Se trata de la búsqueda del actor que de bien en cámara para el filme de Víctor. Es una secuencia de montaje rápido, donde desfilan los posibles candidatos, que van desde deportistas hasta linyeras. La seriedad de la voz narradora en off contrasta con lo hilarante de la imagen. Será el único instante donde el humor se ajusta con solidez a la narración, un momento que no parecería pertenecer a esta película.

Calificación: 3/10

Los lunes a las 21:30, con idea original de Laura Sbdar, Ganadora del 1° Puesto Premio Germán Rozenmacher A la Nueva Dramaturgia, en el Portón de Sánchez, una mujer, empoderada de su personaje: TURBA.

Con música, movimiento, con idea original e interpretada por Iride Mockert, dirigida por Alejandra Flechner, tendremos eso, una mujer con mucho combustible, para hablar y gritar sobre muchas verdades, otras serán cantadas, donde tocará la violencia de género, donde todo lo que se diga, será en voz alta, algunas cosas en letras mayúsculas, una mujer que lucha, que no se da por vencida, que lo expresado es dicho con todas las herramientas que posea en ese momento.

Su parlamento no es el de una mujer que monologa, sino que es la palabra de muchas, la fuerza de todas.

Iride Mockert, tiene todas las cualidades para realizar un trabajo actoral imipecable porque es una profesional con muchas aristas: actriz, bailarina y música (ejecutante de oboe). Es egresada de la Licenciatura en Actuación del IUNA. Se formó en actuación con maestros como Juan Carlos Gene, Osqui Guzman, Julia Calvo, Ricardo Bartís, Guillermo Cacace, Silvina Savater, Guillermo Flores y a su vez su formación en danzas diversas como ser : contemporáneo con Ana Frenkel, Carlos Casella, Leticia Mazur, Lucas Condro, Dalila Spritz entre otros; en danza aérea con Brenda Angiel, Cristina Tziouras; Tango con Ariel Perez, Juan Agopian entre otros. Y desarrolló estudios en Flamenco con Claudio Arias, Lorena Di Prinzio y Laura Manzella, ritmos caribeños, Acrobacia combinada, folclore, contact, flyng low, violencia en escena y esgrima; malabares y lanzallamas. En canto y técnica vocal se formó con los docentes Fernanda Cobe, Celia Mugeri, Hector Rotger,Ana lía Silva. En música ha desarrollado un amplio aprendizaje en música clásica y popular como ejecutante de OBOE (Escuela Nº ####, Lòpez Buchardo)y tangos con Rodolfo Mederos.

Laura Sbdar es escritora, directora teatral, Licenciada en Artes (UBA), dramaturga (EMAD) y docente (UNA). Es autora y directora de las obras teatrales Vigilante, Un tiro cada uno, El movimiento y Susana y Gloria. Vigilante participó del V Festival Novísima Dramaturgia Argentina y fue publicada por Ediciones del CCC. Es autora de Poros publicada por Editorial Monstra. Forma parte de Cabeza –escritura feminista- junto a Mariana de la Mata y Consuelo Iturraspe con quien obtiene la Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes y escribe, dirige y actúa Un tiro cada uno. Dicta talleres de escritura. Obtuvo el Primer Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia 2018 por su obra Turba. La obra fue publicada en edición cuatrilingûe y será producida por el FIBA.

Está obra es muy importante porque representa ser la primer dirigida por Alejandra Flechner.

Con este equipo, lo que el publico aprecia, es una propuesta diferente, donde el silencio no tiene espacio, donde el combustible de la turba, da mucho para hablar.

Reseña : Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

El miércoles 18 de setiembre, dentro del ciclo Ciclo Al Cinema! en el Centro Cultural 25 de Mayo, fue inevitable la emoción por la proyección de la excelente película Le Meraviglie de Alice Rohrwacher.

La película se estrenó en el 2014, narra sobre la vida de una familia, que se dedica a la apicultura. La historia nace a partir de las memorias escritas por Alice Rohrwacher, sobre sus padres que vivían de esta actividad.

Trata sobre dura vida de un apicultor, quien junto a su familia, trabaja de de sol a sol, para obtener la miel. Muy interesante, como introduce la cámara para mostrarnos una granja donde viven la madre y sus cuatros hijas, de las cuales Gelsomina, es la mayor, de edad adolescente. Mientras el padre no es un mal hombre, pero embrutecido por la dureza de la actividad y buscando lo simple de la vida. Narra cómo se ensambla a esta familia, un joven adolescente Martín, con antecedentes policiales, dentro de un programa de reinserción para jóvenes y que el padre no le importa los riesgos, porque necesita un hombre que lo ayude en las tareas de la granja.

Paralelamente, llega a este pueblito, una productora, para promover un concurso entre los granjeros, y la película en imágenes y silencios, hará planteos sobre la dicotomía entre el mundo de la farándula, los shows armados y la realidad de la supervivencia diaria.

La cámara es implacable, muestra una granja, que ha quedado en el tiempo, donde la miel se coloca en tachos, y se la fracciona para vender en las ferias. donde el mundo moderno choca con el primitivo.

La fotografía y todo el elenco, acompañan a un guión, que hace de esta película una pieza única. Es de destacar la actuación de los más jóvenes, como han logrado darle fuerza y belleza al film.

Les recomendamos que recuerden que dentro del programa del Ciclo Al Cinema! está previsto para el miércoles 25/09, a las 21:30: The Place (Paolo Genovese)

Ficha técnica

Guión y dirección Alice Rohrwacher.

Reparto: Maria Alexandra Lungu, Sam Louwyck, Alba Rohrwacher, Sabine Timoteo, Agnese Graziani, Monica Bellucci

Música Piero Crucitti

Fotografía Hélène Louvart

Premios

Análisis de Hotline Miami Collection
Reseña escrita por Agustín Czyrka

Un viaje psicodélico y ultraviolento para los amantes del Retro.

La Historia:

En el Juego 1, la historia comienza en Miami a fines de los años 80 y, luego de un breve tutorial, sigue la “vida” y las pesadillas de nuestro personaje principal, que se ve envuelto en una seguidilla de asesinatos masivos sugeridos por llamados telefónicos anónimos y voces a las que él escucha. Al principio no está del todo claro quién o qué es cada personaje y cuáles son las motivaciones profundas para tanta masacre, pero el juego se preocupa por los pequeños detalles, cuenta pequeñas cosas en forma de “sprites” y va profundizando en una trama narrada en fragmentos, noticias y recuerdos. Toda esta narración queda mezclada con un estado alucinógeno inducido por la violencia y locura.

Antes de cada masacre manejamos al personaje dentro de su departamento, donde él nos muestra un fragmento de su vida cotidiana en cada pixel y donde luego atenderemos una llamada telefónica que nos ordenará hacia dónde dirigir nuestra violencia.

Después de cada sangrienta misión hay una pantalla extra en la que el personaje interactúa con alguna persona en un bar, pizzería, disquería, etc. Estas pequeñas historias desarrollan un poco más al personaje detrás de la máscara.

El Juego 2 continúa con algunas premisas del primero, pero construye una historia con varios personajes, donde siempre controlaremos a alguien que se deja llevar por sus instintos violentos y asesinos pero sus motivos y orígenes difieren del anterior. Manejaremos a un pandillero de alta mafia a punto de jubilarse, a un policía justiciero que se vuelve verdugo, a un actor de películas de acción que confunde la realidad con la ficción y así sucesivamente. Este juego cuenta con una trama más expansiva que la anterior entrega.

El control:

Hotline Miami es un juego de tiros de dos mandos con perspectiva cenital. Los controles son configurables, con el analógico izquierdo se maneja al personaje y con el analógico derecho manejamos su mirada y su puntería. Con los gatillos se agarran armas, se dispara y golpea.
El juego nos explica como desplegar la masacre: aunque si vas corriendo y disparando sin pensar no podés pasar los niveles, al morir y reiniciar constantemente empezás a ver bien el plano del lugar, los puntos ciegos, el patrón de caminata de los enemigos, etc.
El juego posee una acción desbordante y acelerada pero se juega como un puzzle, sobre todo en algunas misiones en las que correr y disparar no sirve.
Mi crítica a los controles es que, jugándolo en la Nintendo Switch, al apuntar la mira sobre un enemigo se siente la falta de mouse. Algunas muertes se sienten injustas ya que el mando no es tan preciso para responder a varios ataques de múltiples direcciones. Sobre todo cuando te selecciona automáticamente a un enemigo que no querías en vez de al que tenías en frente.

Los niveles:

El primer juego de esta colección está dividido en cinco partes y cada una de ellas está dividida en 4 capítulos, para un total de 20+ capítulos. Cada uno cuenta con una introducción, la misión propiamente dicha y el diálogo posterior en algún negocio.

El juego esta visto desde arriba y desde una altura considerable. Esto nos ayuda a ver y planear nuestros movimientos para optimizar el uso de cada bala, cada golpe para abrir una puerta o el lanzamiento de un bate bien apuntado.

Los niveles se sienten variados y diversos: si bien el juego trabaja con la misma fórmula, al cambiar el plano de cada misión, las armas o powerups disponibles y algunos enemigos especiales, logra dar frescura y mantener la atención del jugador.
El juego no es “roguelike”, no se autogenera artificialmente. Cada misión está hecha artesanalmente y se siente bien diseñada.

El segundo juego está dividido en Seis Actos, con un total de 25 escenas (misiones que jugamos) con mayor variedad de escenarios y lugares en los que desatar las masacres del juego, llenos de pequeños detalles que te invitan a detenerte y observar.

El Arte:
Hotline Miami está narrado con una cámara muy alta y lejana donde solo vemos la cabeza y los hombros de los personajes, y tiene escenas de diálogo que abren ventanas dibujadas con texto de los personajes.

Toda la estética del juego está muy cuidada del principio a fin, desde la paleta de colores de un neón vibrante y el efecto de blur y narcóticos sobre el control hasta las tipografías y detalles en cada menú del juego. El apartado de diseño retro está muy bien conseguido.

El trabajo de pixeles es bueno, y podemos detenernos en cada nuevo lugar a contemplar pequeños elementos que agregan profundidad a este mundo. Las animaciones y movimientos de los personajes son aceptables y sobre todo las muertes en el suelo son particularmente detalladas y violentas.
Si bien no es mi estética favorita reconozco su calidad, lo único que puedo criticar son los rostros y los retratos que me desagradan. Tengo entendido que son toscos, grotescos y mal dibujados intencionalmente, pero me hacen sentir que no alcanzan la calidad que muestra todo el resto del juego y me molesta esta disonancia.

Hotline Miami 2: Wrong Number mantiene una estética similar, pero mejora cada menú del juego: ahora utiliza cassettes y cintas de películas como selectores de misiones que se ven fantásticas, cambia la paleta de colores a una algo más oscura y menos vibrante, y agrega mayor variedad en los lugares que van a visitar los personajes a lo largo del juego.

El juego se disfruta mejor en modo portátil, ya que los gráficos ampliados en una tv de 50 pulgadas se ven sencillos. Mejora su atractivo en la palma de la mano.

La Música y el Sonido:
El sonido y la banda sonora del juego son excelentes, con una mezcla de estilos de los 80 y 90, intensa y retro. El sonido acompaña cada disparo, cada puerta y cada cuchillazo de forma adecuada y se siente de calidad. La banda sonora cuenta con unas 3hs de música llena de temas memorables, que acompañan gratamente en cada misión.

La Rejugabilidad y Desbloqueables: Hay muchas horas de juego en esta colección. Solo completar la historia del juego Hotline Miami lleva unas 5hs aproximadamente, a razón de una 1 hora para completar una parte, y unos 15 minutos para cada misión.
En el Hotline Miami 2: Wrong Number la historia dura unas 7+ hs de juego, unas 2 o 3 hs más largo que el primero, y esto es solo para la historia principal. Ya tenemos un total de 12hs para completar todas las misiones de esta colección, sin contar que el juego cuenta con numerosos desbloqueables y la posibilidad de mejorar nuestros records en cada nivel. Para los jugadores que les guste completar al 100% van a tener más de 25hs de juego en este título.

Los desbloqueables vienen en forma de Máscaras y Armas para utilizar en la misión.

Cada máscara además de variar levemente la estética del personaje nos agrega un poder/modificador por ejemplo poder matar con el puño, o abrir las puertas de forma letal sobre los enemigos. El primer juego tiene un total de 27 máscaras que se desbloquean sacando altos puntajes en las misiones. El segundo juego cuenta con 9 máscaras.
Sumando los dos juegos hay más de 30 armas entre armas de fuego y armas de corta distancia. Más de la mitad de éstas son desbloqueables durante la historia.
También hay piezas de puzzle con letras para encontrar en cada misión y completar un mensaje secreto que se forma con todas ellas.

Conclusión: Hotline Miami Collection es un Juego de Acción Ultraviolento con una estética muy cuidada; un juego divertido con numerosos desbloqueables que te mantendrán ocupado con una trama interesante que nos acompaña en la aventura, una banda sonora excelente adecuada al título y suficientes horas de juego para alegrar a cualquiera. No es un juego para todo el mundo, la trama y la violencia dejan de lado a mucha gente, pero si sabés de qué se trata y te interesa, sus desarrolladores cuidaron hasta el último detalle para dar una experiencia de calidad.

Mi nota 8/10

Positivo:

• La acción frenética y divertida
• La trama y estética muy cuidada en cada detalle
• Los desbloqueables agregan rejugabilidad y variación
• El sonido y la música son excelentes
• Rejugar las misiones es instantáneo, sin tiempo de carga

Negativo:

• El control en consolas dificulta la puntería
• Algunos bugs molestos
• Las caras mal dibujadas

En el Teatro El Vitral, hasta el domingo 4 de agosto, a las 17:30, todos los días, el musical infantil, y para grandes también La Zapatera prodigiosa, un hermoso homenaje a Federico García Lorca.

La zapatera prodigiosa original: es una obra de teatro de Federico García Lorca que fue estrenada en 1930 y que en esta puesta, en el 2019, ha sido adaptada por María de las Mercedes Hernando, las letras de las canciones son de su autoría y la música original de Angel Mahler.

La obra cuenta cómo una mujer más joven se ha casado con un zapatero, y él cree que ella se casado por interés. Las comadres del pueblo, no la quieren, y el hombre atribulado, por amarla y creer que no es correspondido, se termina yendo del pueblo. Tiene un final feliz, pero como se desovilla la madeja, lo dejamos ahí, para que la vayan a ver.

Es una obra con mucho de baile flamenco, Federico García Lorca, está presente y es una pieza que se caracteriza por el buen humor, como estandarte, logra escenas poéticas, llevadas por la dirección de Franz García Reynaldi.

Además tiene incluído una puesta de títeres, mucho baile español., mucho Lorca, hermoso el vestuario y la iluminación.

Una obra ideal para el público infantil, en estas vacaciones de invierno que se lo quiere sacar a distraerse con una opción diferente, no clásica, y que los atrapa.

El elenco compuesto por Franz García Reynaldi , Paula Reus Menéndez, Ramiro Maluendez, Valu Zapata, Jazmín Fernández, Micaela Baylac y Marcelo Bielawin, son compactos, encargados en cada uno de sus personajes darle ese toque de alegría que se mantiene a lo largo de todo el espectáculo.

Es una obra con premios, en el 2018, Premio Hugo Federales y en el 2019, ganadora de dos premios Atrezzo, con la mejor dirección.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Jorge Marchisio
Nos metemos en la piel de Vasily, un ex paramilitar, que decide retirarse a un monasterio budista para encontrar la paz interior, tras una vida de violencia y muerte. Pero su purificación dura poco cuando la antigua agencia para la que trabajaba, lo encuentra, haciendo que Vasily vuelva a tomar las armas y para defender su nueva vida.

Vamos a serles sinceros, y decir de entrada, que estamos ante uno de los videojuegos más rotos que vimos en tiempo. Suena drástico, pero es verdad, y Sobaka Studios parece que nos ofrece una versión beta, y no el producto final que podremos comprar dentro de poco.
En Redeemer controlamos a Vasily con una vista cenital, pudiendo ver desde arriba toda la acción y el desmadre que crea nuestro personaje, que, a base de puños y patadas, tumba cuanto enemigo se le cruza. En algunas ocasiones también contaremos con armas blancas o garrotes, y armas de fuego; incluso podremos usar el escenario a nuestro favor para empalar a los enemigos en ramas o pinchos que sobresalen de las paredes.Hasta ahora, no mencionamos porque es que empezamos el análisis de forma lapidaria. Y es que Redeemer lo comienza de la misma manera. Empezamos fuera del monasterio, y quien les habla, se puso a explorar el mapeado antes de entrar a dicho recinto, con el resultado de caerse por un precipicio y no ver morir jamás a su personaje, por ende, tener que reiniciar el juego para poder avanzar. Y si a eso le sumamos que en menos de diez minutos sufrimos un bajonazo de frames solo porque en la pantalla había más de cinco personajes pegándose…Estos fallos técnicos en menos de diez minutos, son imperdonables, para cualquier videojuego proveniente de cualquier desarrolladora. Y si a eso le sumamos una historia súper vista y básica, y un gameplay que no se molesta en innovar en ningún aspecto; tenemos como resultado un game bastante plano, que no se arriesga a proponer cosas nuevas, y que peor aún, en su simpleza, falla también.
Poco queda para decir de Redeemer. Para aquellos que les gusten los juegos de vista cenital y estilo hack´n lash, les decimos que lo prueben sin dudarlo. Pero si buscan alguna variante a lo mil veces ya visto, hay mejores opciones en el mercado.

Calificación: 3/10

Lo mejor: el apartado visual

Lo peor: muchos bugs y caídas de frame, no innova en ningún apartado.

En el Centro Cultural San Martín, en la Sala Muiño, con dirección de Pablo Gorlero, un espectáculo teatral para ser compartido en familia, con funciones en vacaciones: de miércoles a domingo a las 16:30hs.

Es la historia de un burro, que no rebuzna sino que se queja porque no es bien tratado por su dueño, que lo único que hace es cargarlo y para colmo de males, lo llama mula en lugar de burro. A este burro, lo encuentra un perro, que está buscando que lo adopten, quiere tener un dueño, porque es muy cariñoso y también cuando perdió el olfato fue reemplazado por un pit Bull. En esta compañía que sin querer de animalitos se va formando se encuentran en el camino con una muy simpática gallina ponedora, que reclama, que la dueña, le roba todos los huevos. A este trío que deciden llamarse Saltimbanquis porque deciden juntos recorrer el mundo e ir cantando, se le suma una gatita. Una hermosa historia, de mucha ternura, comicidad, colorido. Un musical, con un hermoso vestuario, coreografías, canciones con libro y letras de Sergio Bardotti y música de Luis Bacalov.

Un espectáculo infantil, apto para todo público (recomendado de 2 a 10 años), con precios populares para los días miércoles 24 y 31 de julio. Tienen previstos funciones todos los sábados y domingos a las 16:30 hs (hasta el domingo 18/8 inclusive en el Día del Niño) y tener presente que las funciones en vacaciones de invierno son de miércoles a domingo siempre a las 16:30 hs.

La propuesta es a disfrutar, en estas vacaciones, con los peques, a pasarlo entretenidos, grandes y chicos, compartiendo momentos que son únicos, donde la obra capta la atención, es muy dinámica, y son muy lindas las canciones.

OBRA MULTIPREMIADA!

PREMIO ACE – Mejor Musical Infantil

PREMIOS HUGO – Mejor Musical Infantil – Mejor Coreografía

PREMIO TEATRO DEL MUNDO – Mejor infantil

8 PREMIOS ATINA (Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes) – Incluye Mejor infantil

Elenco: Julián Rubino (Perro), Magalí Sánchez Alleno (Gata), Mariano Taccagni (Burro) y Mariela Passeri (Gallina), Nicolás Leguizamón, Mariel Rueda, Sheila Saslavsky , Francisco Tortorelli y Manuela Perín (Amos) Ensamble infantil: Nicolás Cúcaro, Valentina Mooney, Luna Caré, Florencia Ferrari, Guido Kañevsky, Emma Longhi, Angelina Nápoli, Zarek Nazar Dutka, Mía Rodriguez, Nicolás Sousa y Alejandro Justiniano

Ficha Técnica

Dirección y adaptación: Pablo Gorlero

Libro y letras: Sergio Bardotti

Música: Luis Bacalov

Traducción original: Roberto Palandri

Coreografía: Verónica Pecollo

Dirección musical: Martín Bianchedi

Dirección vocal: Matías Ibarra

Producción y Stage Manager: Andrés Vaulet

Diseño de escenografía: Tadeo Jones

Diseño de vestuario: Gustavo Calandra y Claudio Hock

Operador de sonido y pantallas: Matías Taborda

Coach actoral de niños: Maite Giribaldi Pochat

Asistente de dirección: Francisco Tortorelli

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Luego de estrenarse Hair en nuestro país en el año 1971, y todo lo que esa época significó, vuelve después de 50 años de la mano de Pablo Gorlero y con mas de 40 interpretes en el escenario. La obra también cuenta con músicos en vivo dirigidos por Juan Ignacio Lopez, encargado también de los arreglos musicales.
La obra , que lleva como subtitulo “The American Trivial Love/Rock Musical”, habla sobre la cultura hippie de los Estados Unidos en los años 1960, época en la que dicho país estaba en guerra con Vietnam. Nos habla del amor, la paz, la revolución interna y la libertad sexual. En resumen un movimiento de contracultura. Hair recrea el espíritu y las formas de vivir de una comunidad hippie y en la puesta de Gorlero eso se ve, se siente y se trasmite.

La cantidad de actores y actrices sobre el escenario hace que la idea de esta comunidad quede plasmada sobre el escenario. Si bien hay escenas en las que claramente dialogan dos o tres personajes , los demás interpretes siguen estando sobre el escenario realizando una actividad o simplemente siendo espectadores de lo que acontece , ya que en una tribu todo es visible. Mientras sucede una escena , puede que algún interprete esté pintando un cuadro u otro se este bañando y ese concepto de tribu se agradece en la puesta actual.
La escenografía a cargo de Magali Acha, compuesta por andamios giratorios y escaleras de metal sobre el fondo del escenario, también ayuda a crear el ambiente. Dando la sensación de viviendas en la que cada espacio es de todos y a la vez de nadie.
Se destaca el labor de cada actor y actriz sin nombrar a ninguno en particular porque lo que plantea la obra es eso, poder separarse de las individualidades y ver los que los interpretes crean juntos , armonizando sus voces y haciendo que la música te haga levantar del asiento e ir a bailar y cantar con ellos. En casi tres horas de obra el elenco muy pocas veces se ausentan del escenario, un equipo por demás talentoso.

Autores: Gerome Ragni, James Rado y Galt Macdermot
Adaptación y dirección general: Pablo Gorlero
Funciones: Viernes, sábados y domingos 21 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131)