Piensa en tu fantasía más recurrente y probablemente la verás en “Frecuencia Onírica”, un espectáculo erótico multisensorial que explora, a través del cuerpo de los actores y la participación del público, representar las escenas eróticas que viven en nuestro imaginario.

«Frecuencia Onírica» es una experiencia multisensorial para viajar por las historias eróticas que
habitan en los sueños. El espacio y el tiempo se resignifican en una sinfonía de estímulos que seducen
la imaginación y «despiertan» fantasías en el espectador.
Recortes eróticos que se entrelazan en la rutina y permanecen como ecos, una y otra vez. Escenas
cotidianas que se dejan espiar, rozar y degustar sin prejuicios. Cada uno elige qué tan cerca quiere
percibirlas.
Un recorrido expectante que se descubre a medida que se transita. Deseos inconscientes despiertan en
un vuelo sensorial que sugiere al espectador completar las historias en su imaginación.
¿Con qué frecuencia imaginas lo que te gusta?
Wide Night te propone sintonizar tu frecuencia onírica y despertar en tus sueños eróticos.

Desde que entras en el Galpón Guevara ya estás participando en la obra y luego, al ingresar en un espacio aparentemente vacío tendrás que moverte con los actores que estarán mostrando microescenas de fantasías que, hay que admitir sin tabú, todos hemos tenido alguna vez.

Para entrar a este espectáculo recomendamos ir con la mente abierta porque cualquier cosa podría pasar por tu mente y si hay algún tipo de pared por normas de la sociedad no podrás vivir esta experiencia con agrado.

Todos deberíamos vivir un momento sólo para disfrutar de nuestra sexualidad y sensualidad sin tapujos, al menos una vez en nuestras vidas, y te aseguro que en “Frecuencia Onírica” podrás conectarte con ese espacio para ser libre sin ningún tipo de prejuicios.

Galpón Guevara (Guevara 326)

Teléfonos: 4554-4588

Web: http://www.galpondeguevara.com

Entrada: $ 250,00 – Sábado – 23:00 hs – Hasta el 09/09/2017 y 23/09/2017  

Ficha técnico artística

Idea: Wide Night

Guión:Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Texto: Felicitas Plos

Actúan: Nicasio alvarez, Facundo Cano, Maggie García, Sol Gomez, Valentina Lecuona, Adrian Lezcano

Narración: Rocío Pawluk

Voz en Off: Jimena Gonzalez

Vestuario: Angel Key

Diseño de luces: Maximiliano Cargnello

Visuales: Samanta Lukesch

Música original: Wide Night

Sonido: Liza Castignani

Operación de luces: Leandro Fretes

DJ: Liza Castignani

Diseño gráfico: Samanta Lukesch

Entrenamiento actoral: Valentina Lecuona

Producción general: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Colaboración general: Valentina Magna

Dirección artística: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Dirección: Valentina Lecuona

Ariana Marín

Desde que estoy escribiendo aquí,  trato de no pensar mucho en sobre de que va el argumento de una obra antes de ir a verla. Esto permite no generar una expectativa previa, siendo más sencillo ser objetivo a la hora de escribir la reseña.  En el caso de Ser de nadie, me ha sucedido que he imaginado muchas cosas sobre su argumento con solo divisar el flyer de la obra, que a ssimple vista  te muestra una combinación entre lo sexualmente perturbador y la religión.  Con esa base he disfrutado en el espectáculo, que en algunos aspectos ha sido como lo imaginaba y en otros, totalmente lo contrario.  

Aislados de un mundo que consideran aberrante, rodeados de una nieve impenetrable, esquivos de su propio pasado inconfesable… Entre rezos, cánticos, confesiones y penitencias, un grupo de monjes y su Abad viven entregados a Dios. Pero algunos sólo lo aparentan.

La obra se situa en un templo donde conviven un grupo de monjes, donde desde el inicio, somos testigos del secreto de dos hombres que se desean (¿Y aman?) en secreto. De conocimiento obvio, sabemos que en este tipo de grupos religiosos el amor carnal entre hombres está prohibido, considerándose un pecado muy grave.  Por otro lado, la persona de mayor rango en ese templo (desconozco los términos apropiados de referencia) guarda también un secreto, se encuentra con un niño a escondidas de todos, en el cual llega a abusar de el tanto fisica como psicológicamente. Estas historias se entrecruzan, llevando a una lucha por los intereses personales de cada uno, intentanto buscar la libertad de aquella prisión que los atormenta. 

La historia resulta muy interesante en su argumento, como había anticipado antes, la sexualidad es recurso importante en cuanto al conflicto de la trama. El ambiente represor , las historias del pasado y los sentimientos llevan a los personajes a realizar actos que están en contra de sus principios morales inculcados en aquella sociedad. La puesta no deja cabos sin resolver , así que es un punto a favor que permite a espectador sumergirse en el suspenso que la historia brinda. 

La actuaciones son correctas , cada personaje tiene su rol definido y actúa de forma individual según sus propias necesidades. Cabe destacar la representación de quien debe mostrarse como un niño, que es victima del abuso de quien dice ser su padre y dueño , a quien debe entregarse sexual y emocinalmente a el aunque no sea lo que realmente quiere. Este logra convertirse en un adulto en el cuerpo de un menor , que realiza lo imposible para buscar esa libertad que le han robado. 

En el momento que me han acercado la información de la obra,  había un apartado en el que comunicaba que la puesta contenía escenas de desnudos y que no era recomendable para menores de edad. Si bien las escenas suceden , aunque con una sutileza quizá excecivamente cuidada. Como algo personal quizá haya aportado algo mas que esto se maneje con mayor libertad y sin miedos , de todos modos se entiende perfectamente lo que quieren transmitir cada una de las escenas y en la que cada espectador sabrá apreciar individualmente lo visual de estos actos. 

Ser de nadie es una obra interesante que merece ser vista en función al conjunto de su argumento y su representación escénica. Es una historias que representa el amor (real y enfermizo) a traves de la sexualidad y las emociones, dentro del marco religioso. Buenas actuaciones e interesantes momentos que deja a espectador disfrutar y reflexionar con este relato.
AGENDA

Estreno: sábado 5 de agosto, 22:45 hs.
Funciones: sábados 22:45 hs. (Hasta el sábado 25 de noviembre)
Lugar: Teatro La Mueca (Cabrera 4255, CABA)
Entradas: $200 / Desc. jubilados y estudiantes: $150
Reservas:4867-2155 | Alternativa Teatral
Duración: 80 min.

 Contiene escenas de desnudos

Ficha técnica

Dramaturgia: Mariana Coronado

Elenco: Fernando Álvarez (Marko), Pablo Valvez (Abad), Luciano Alanis (Bjork), Amilcar Ferrero (Judas), Denis de Vita Fernández (Friorik)

Música en vivo: Verónica Mihura

Diseño de iluminación: Carlos Guida

Música original: Verónica Mihura

Realización de vestuario: Mirta Moreira

Escenografía: Martín “Chino” Díaz

Fotografía:  Sebastián Romero

Arte y video: Manuel Saratella

Asistencia de dirección: Francisca Tiscornia y Juan Uriel Dujo

Prensa: Octavia Comunicación 

Puesta en escena y dirección: Mariana Coronado

Daniel Alvarez 

ORLANDO FURIOSO
Orlando Nuñez, trabajador metalúrgico, 20 años de trabajo en la empresa, tiene
un brote violento a partir de un accidente de trabajo que padece un aprendiz, y  rompe equipos, grita, insulta a la patronal. Todo un episodio.
Orlando siempre fue un hombre tranquilo y un buen trabajador. El
acontecimiento produjo inquietud en los obreros. Accidentes de trabajo en mayor cantidad, posibles sabotajes (sospechan los directivos), baja del rendimiento, el sindicato que interviene, todo hace para que la empresa tome una decisión:
deriva el trabajador al área de RR. HH., y una psicóloga lo entrevista.

Un hombre: trabajador obrero.

Una mujer: la psicóloga de la empresa.

Un accidente laboral.

En una sociedad signada cada vez más por el individualismo,

¿podrán dos seres instalados en apariencia en lugares opuestos reconocer que comparten un destino común?

La empresa siempre perdona, ¿cuál es el enigma?
Orlando, se presenta con el interrogante de su futuro laboral. Y la profesional,
con el objeto de conocer las causas por detrás del suceso, y desactivar la crisis.
En la entrevista, que comienza con el convencimiento de Orlando que será
echado y con una actitud distante y gélida de la profesional, saldrá a la luz las condiciones paupérrimas, la deficiente calidad de vida del obrero; cómo fue que llegó a la ciudad desde el campo; su nula formación académica; su vivienda, prácticamente un rancho; su multiplicada prole; algún episodio de robo, hace tiempo ya, acosado por el hambre; el asesinato de su hijo mayor a manos de la policía, acusado de robo, pero en verdad muerto por expresar sus ideas,pidiendo que el estado de las cosas cambie. Éste episodio, el del primogénito asesinado, estudiante universitario, aquel cuyas esperanzas depositaban todos, es de un dolor insondable, humillante para Orlando.
La profesional sigue su plan, sugiere, más bien ordena, realizar algunos
ejercicios de psicodrama: recrear el episodio del robo, descargar su violencia golpeando un muñeco (que representa a los dueños de la empresa), hablar ante sus compañeros… y aquí está la cuestión: la empresa está dispuesta a perdonar su acción violenta, su descontrol, si Orlando habla en el próximo aniversario de la firma, ante sus compañeros y directivos. Le darán una licencia paga, un plus económico, una medalla, y el perdón….en contraprestación a un discurso de
unión y agradecimiento. Nada,
Agradecer el sometimiento.

Buenas actuaciones de los dos protagonistas, Sofía Castiglione y Roberto Romano. La escenografía: un despacho de oficinas con escritorio y sillas, una gran fotografía del dueño, adecuado continente de lo que se contiene. Luz y sonido, funcionales al relato. Criteriosa la dirección de Rosa Celentano.
El texto del venezolano Roberto Santana (1944-2012), se viene representando
desde 1974 en muchos países, tiene adaptaciones para la T.V. y el cine.
Básicamente, porque está bien escrito y a que las condiciones que relata han
variado muy poco. En Latinoamérica, cuanto menos, todavía hay gerentes de lo privado y de lo público, que solo conciben quedarse con todo. Que pueden enviar a sus hijos a universidades prestigiosas y que nada aprenden, de lo humano por conocer. Que pueden colgar un cuadro que vale millones en sus salas, lugares que limpian los desamparados del mundo. Y llegan a pensarse cultos. Y algunos se ven a si mismos, como personas de bien.
Es así como gira el mundo, ¿No? Nada. Nada que no sepamos todos.
Por eso…
“Cambia lo superficial
cambia también lo profundo
cambia el modo de pensar
cambia todo en este mundo…”
(Julio Numhauser)

Autor: Rodolfo Santana

Actúan: Sofía Gala Castiglione y Roberto Romano

Dirección general: Rosa Celentano

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de arte: Nogma Diseño

Fotografía: Majo Malvares – 1174estudio

Diseño lumínico: Rosa Celentano y Sebastián Crasso

Realización de banda sonora: Resientelo Producciones

Producción ejecutiva: Luisa Kuliok y Rosa Celentano

Asistente de dirección: Santiago Luna

Funciones: Sábados a las 18 hs.

Localidades: $ 280.-

Venta en el teatro y porwww.alternativateatral.com

El Tinglado Teatro – Mario Bravo 948 – 4863.1188

 
A. R. Belano

Mientras ingresamos a la sala, un faro, luz azul y sonido oceánico. El sonido del mar suele traer tranquilidad, hay quienes gustan de dormir con él de fondo, pero en este caso no nos prepara para un momento de calma y relajación, sino que más bien nos predispone de esa manera para luego sorprendernos con secretos no tan pacíficos a medida que nos introducimos en la trama. “El faro es la historia que vive en vos”, es la historia de un grupo de amigos que vivían en el bosque muy contentos, pero que vivieron algo que los hizo crecer de golpe, distanciarse, echarse culpas, vivir con culpa. Con una culpa que no sólo carcome la amistad, sino la propia conciencia.

Ezequiel (Lautaro Aguilar) ha estado internado durante varios años y está pronto a ser dado de alta. Solo ansía volver a su pueblo a descansar y recomponer su vida, aquella que abandonó después del accidente en

La historia se reconstruye en dos tiempos: el pasado, donde vemos la plenitud de la amistad preadolescente, donde las canciones son divertidas y las situaciones, cómicas. Y en el presente, 10 años más tarde, donde vemos los resultados de aquel secreto compartido, un grupo de adultos turbados, oscuros, que se expresan en canciones tristes y melancólicas.

Lo que este musical nos muestra es una dinámica de grupo como la que todos vivimos en el pasaje de la adolescencia a la adultez, y que deja entrever distintos temas tan relevantes hoy en día, como el bullying o el peer pressure (la presión de los pares), y otros tan atemporales como el volver al hogar de la niñez, el reencuentro con los fantasmas del pasado y el miedo a crecer.

Todo esto con recursos muy bien utilizados, como la iluminación, el vestuario y la utilización del espacio. El musical es un género que crece día a día en la escena teatral de Buenos Aires y debemos aplaudir el trabajo de equipo y el buen aprovechamiento de los recursos, especialmente cuando hablamos de teatro independiente. Son destacables también las actuaciones, logradamente individualizadas, cada una en su tono, lo cual resulta en una obra polifónica y no enteramente melancólica, o enteramente cómica.

ELENCO

LAUTARO AGUILAR

LAURA BERTONAZZI

PAULA DOPICO DÍAZ

RICHARD MANIS

VERÓNICA PACENZA

NICOLÁS SERRAITI

DEBY TESCIONE

BELÉN UCAR

FICHA TÉCNICA

LIBRO Y LETRAS:  JUAN MANUEL BESTEIRO

MÚSICA ORIGINAL: JOAQUÍN STRINGA

COLABORACIÓN AUTORAL: JUAN PABLO SCHAPIRA

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: LULA ROJO

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: KENNETH ORELLANA GALLARDO

VESTUARIO: ANDREA VALDEZ-NATALIA GIOIOSA

DISEÑO GRÁFICO: WILFREDO PARRA

FOTOGRAFÍA & VIDEO: AGUSTINA BORIA (para BORIA AUDIOVISUALES)

PRENSA: BELÉN BADÍA

DISEÑO Y OPERACIÓN DE LUCES: CAIO SENICATO

DISEÑO Y OPERACIÓN DE SONIDO: NICOLÁS LOMORO

PRODUCCIÓN ARTÍSTICA-AUDIOVISUAL: NATALIA GIOIOSA

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: TATIANA BORIA 

PRODUCCIÓN GENERAL: NÁPOLI-BESTEIRO

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: TOMÁS SABATÉ

ARREGLOS Y DIRECCIÓN CORAL: LOURDES DE MARTINO

PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN GENERAL: JUAN MANUEL BESTEIRO

Domingos 21hs en El Metodo Kairos (El Salvador 4530) 

Entradas por Alternativa Teatral

Sol Grunschlager

Luego de ir a ver las obras, apenas llegó a casa me gusta sentarme a escribir comentando la obra, porque es una manera de seguir disfrutando del espectáculo y por temor de olvidarme de comentar algo importante de la obra producto de las neuronas flojas. Les tengo que ser franca, en el trayecto de vuelta a casa, cavilaba preocupada si podría expresar en palabras lo hermoso que fue el espectáculo. Si podría en palabras sintetizar un arte como el ballet, arte relacionada con la imagen y el movimiento.

Buenos Aires Ballet es una compañía formada por Federico Fernández, Primer Bailarín del Teatro Colón, impulsado por la necesidad de hacer llegar el arte del ballet clásico a los más diversos escenarios del país y la región.

El espectáculo consiste en una gala con los mejores Pas des deux del repertorio internacional interpretado por los más prestigiosos bailarines de los primeros coliseos latinoamericanos.

Al escribir, lo primero que me surgió, como creo que a todos los espectadores la necesidad de decir: «queremos más», Por favor que se repita. Procuremos que estas galas de ballet sigan siendo fiestas en Buenos Aires y también en el interior del país, para que los bailarines puedan compartir con el público, el grato momento que se puede pasar con una puesta coreográfica de excelente calidad, con una selección variada, amplia, de hermosa estética, salpicado de nuestra música. En la gacetilla que entregan antes de comenzar la obra me dió mucha placer la frase de Buenos Aires Ballet en el ND/Teatro: “seguimos difundiendo la Danza”

La dirección artística de Buenos Aires Ballet está a cargo de Federico Fernández, primer bailarín del Teatro Colón, con la producción general de Karina Battilana.

Antes del primer intervalo, se pasaron fragmentos de Coppelia (Música de Leo Delibes, Coreografía de A. Saint – León). Las interpretaciones de Romina Panelo como Swanilda y el bailarín Emanuel Gòmez como Franz. También hubo fragmentos de Giselle con música de Adolphe Adam , la coreografia de Jules Perrot y Jean Coralli siendo interpretados por la bailarina Julieta Paul (Giselle) y Baustista Parada (Albrecht)

Excelente fue el El corsario – Pas de Trois con música de Adolphe Adam con interpretacòn de Eliana Figueroa como Medora, de Federico Fernàndez como Alì y el bailaran Emanual Abruzzo de Conrad con la coreografía de Joseph Mazillier.

Se llevó muchos aplausos el bailarìn Pablo Fermani quien bailó un fragmento de Grapa Tango, música ElectroTango y con coreografía de Jorge Amarante.

La segunda parte del espectáculo, fue ovacionado a rabiar Pablo Fermani con la puesta Brushed Noise con música de Sebastian Garcia Ferro y con coreografía del mismo Fermani. Donde el bailarín da vida en el baile al silencio, siendo perseguido por los ascetasque. Una puesta realmente inolvidable.

El resto de la segunda parte, se recurrió a otras expresiones de baile, como ser Aguas Primaverales (canario) de música de Serguéi Rajmáninov con coreografía de Asaf Messener con interpretación de Romina Panelo y Emanuel Gomez.

De ahí, pasamos a baile americano, en Through the Nigth con música de Medley – Georgia on my mind con la música a cargo de Grooving Hard, composición de Rey Charles, interpretado por Julieta Zabalza y Emanuelle Abruzzo bajo la coreografía de Emanuel Abruzzo.

El remate para cerrar la noche fue «A Buenos Aires», de Astor Piazzolla con coreografía de Gustavo Mollajoli interpretado por Eliana Figueroa y Federico Fernandez. Esta puesta fue muy ovacionada por el público.

Ya mis inquietudes se disiparon de como completar la hoja en blanco, porque el mensaje por favor, vuelvan, sigan difundiendo danza, es una de las formas del buen arte, permite que los espíritus se cultiven sacándolos de las tormentas de preocupaciones diarias y el artista le permite encontrar su espacio, contando con un merecido reconocimiento ganado justamente. Por todos estos bailarines que están haciendo patria, bailando en Argentina, a todos, muchas gracias. Con orgullo podemos decir ¡Viva Buenos Aires Ballet!

Acerca del repertorio

CORSARIO / LAGO DE LOS CISNES / GISELLE/ LA ESCLAVA Y EL MERCADER /AGUAS PRIMAVERALES /THROUGH IN THE NIGTH.

Ficha técnica

Teatro: ND Ateneo. Dirección: Paraguay 918 C.A.B.A
Dirección artística: Federico Fernández
Producción general: Karina Battilana

Diana Decunto

Es dia viernes ya muy tarde , ya ha pasado el momento de la cena, al menos en mi caso. Son las 23hs y nos encontramos para disfrutar de un musical el Galpon de Guevara, se trata de Citlalí, el musical. Esta obra nos invita a ser parte de un viaje , una fantasía en la que una mujer debe luchar para salvarse del poder de los dioses, y de los enemigos terrestres que se encuentran a su alrededor.  Aventura, misterio y comedia, acompañan a esta interesante obra del género musical.

La leyenda cuenta que cada guerrero de las antiguas tribus ocupaba un lugar en el cielo. Cuando su lucha terminaba, su alma abandonaba la tierra. Citlalí, la protagonista de esta historia, se enfrentará a un gran dilema ¿Qué tipo de líder quiere ser? ¿Del tipo que mata en cada oportunidad que tiene porque esa es su forma o del tipo que muestra al mundo una manera mejor? Solo esas respuestas las podrá encontrar en sus ancestros, en el cielo. Los caminos no serán fáciles. Guerreros y dioses, familia y enemigos, lucha y paz, amor y lealtad. Pero solo una verdad, la de su propio mito. Algún día su guerra va a terminar y solo su alma seguirá latiendo desde la estrella más brillante.

La historia nos traslada a una tierra devastada por una guerra , una invasión dónde los dioses han atacado a los terrestres de la llamada tribu del llano. Citlalí es una osada mujer que ha logrado escapar junto a su hermana del ataque y emprende un viaje hacia las montañas en la busqueda de la solución para finalizar esta guerra. Para ello debe pasar antes donde se encuentra la tribu del hielo, antiguos enemigos de su pueblo,  para solicitar ayuda y así resolver ese conflicto juntos.  El jefe de la tribu por algún motivo confía en la joven guerrera así que le abre paso para que realice su viaje, el problema es que gente muy cercana a ella siguen sus propios intereses, siendo capaces de traicionarla y poniendo en peligros a todos.

La propuesta se adentra en una historia fantástica,  de guerras, misterios y la lucha por la superveniencia. No nos olvidamos que se trata de un musical, de este modo nos encontramos con representaciones coreografiadas de lo que este mundo representa y de las travesías que los personajes atraviesan.

En cuanto al trabajo actoral , nos encontramos con 6 actores quienes representan a los personajes que intervienen en la trama, asi mismo, cuenta con un grupo de bailarines que complementan perfectamente con el curso del relato.  Citlalí es el personaje que le da nombre a este espectáculo,  y es quien lleva a sus hombros el peso de la obra, excelente composición de Anita Petrich. Todos los personajes tienen su espacio para poder contar lo que les sucede,   los actores en escena entienden perfectamente lo que quieren transmitir tanto individualmente como en conjunto.

El trabajo de dirección es impecable , si bien no existen muchos recursos escenográficos , la obra resulta más que bella visualmente.  El uso de luces , vestuarios y simples recursos de escenografía estan ingeniosamente trabajados para representar el mundo donde la historia transcurre.  El espacio de el galpon de guevara se presta para que se pueda jugar con libertad tanto en el diseño del espacio como en el manejo de los actores y bailarines en escena, muy bien aprovechados.

Citlalí, el musical es una obra del genero muy interesante , que nos traslada a una fantasía donde existe una lucha entre el amor y la guerra. Así estamos ante el camino de travesías que nuestra protagonista debe afrontar, llena de misterios, secretos y traiciones. Se trata de una obra musical muy bien pensada y representada, una buena opción para distenderse un viernes por la noche en un teatro tan cálido como El galpón de guevara. 

Ficha Técnica.

Autor y director: Mariano Cejas.

Actores: Anita Petrich, Beto Cuello, Daniela Rubiatti, Manuel Cisneros, Agustín Pablo Almeyra y

Maria Loli Eyzen.

Bailarines: Magalí Miramón, Florencia Rossi, Jazmín Beltramino, Julieta Perfetti, Ludmila

Mazzucchelli, Franco Bertoglio, Franco Sanabria, Santiago Banegas, y Hernan Benitez.

Diseño de vestuario: Ailen Miramontes.

Realización de vestuario: Ailen Miramontes y Sabrina Escobar.

Diseño, realización de escenografía y utilería: Kevin Bukovac y Augusto Tempesta.

Fotografía: Pablo Villares.

Realización audiovisual: Macarena Villares y Pablo Villares.

Diseño gráfico: Rodrigo Bianco.

Asistencia de coreografía: Ana Viale.

Asistencia de dirección: Julieta Bianco.

Director vocal: Gabriel Lima.

Producción ejecutiva: Luciana Cuenca.

Coreografía: Leandro Ariel Bustos.

Música original: Cristian Vivaldi.

Todos los viernes a las 23hs., en el teatro El galpón de Guevara, Guevara 326, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 4554-4588. Costo de entrada $250. Más info: www.galpondeguevara.com

La Bestia Invisible es una obra de estados y de sombras. Las sombras se manifiestan tanto físicamente, con efectos lumínicos mediante celulares, pero también desde el discurso de cada personaje, proyectando la sombra de los recuerdos que aqueja a cada uno y que abraza en oscuridad su presente.  El tono lumínico y la música ambiental proponen un estado de ensoñación, o vulnerabilidad, que discurre a lo largo de la obra, acompañando los relatos que cada uno de los personajes comparte al espectador.

Acá estamos todxs. Siendo esto que somos. A veces hay certezas que nos llegan en forma de sueño y a ella le pasó muchas veces. A otra le parece horroroso ser quien es… mira como desde el fondo de un pozo y no se le ocurre nada más. También hay un chico que tiene grabada en el hueco de su mano la palma de su abuelo y una chica que tiene al suyo en un cuaderno. ¿Alguien se imaginó a sus abuelas y abuelos siendo niños? Ella sí, los ve andando huérfanos por las calles devastadas por la guerra. Está el que afirma no saber que hace acá, él mismo se recuerda a un cuento que leyó de chico y la que descubre que a veces no somos lo que parecemos y se ve reflejada en una lagartija; otro que era buenísimo haciendo las vueltas de carnero en el colegio y la que piensa que olvidar sin querer es como estar a punto de desaparecer… y el último que sabe, y que se atreve a confesar que no sabemos cómo terminar.

Hay un comienzo sugestivo. Un ventanal está ubicado de cara al público, y a través de este se puede ver a distintos individuos bailando en lo que parece una fiesta rave, todos bailan con las linternas de sus celulares. A medida que la música empieza a decrecer, los personajes se acercan al ventanal, y todos juntos terminan por abrirlo para quedar de cara al público. Ahora que la puerta se abre, la palabra también.

Los personajes no resuenan por sí mismos, por sus características. No hay tantas descripciones de su personalidad, sino un discurso en común en cada uno, y tiene que ver con los miedos que los aquejan en un presente donde impera la incomunicación, las redes sociales y las extravagancias tecnológicas.

Memorias de sus abuelos, o la nostalgia de la niñez son algunas de las añoranzas en común de estos individuos que dejan entrever sus pensamientos más personales. Cada uno pareciera tener la convicción, contraria a Spinetta, de que todo tiempo por pasado fue mejor.

La iluminación es simple pero hermosa. Una lámpara de color azul que predomina en la escena, otras con iluminación más cálida, y celulares que los personajes se llevan a los rostros, para así, bañarlos de luz. El efecto que se produce parece más un artificio cinematográfico que teatral, lo cual en vez de restarle al clima de la obra, termina por hacer todo lo contrario, funciona perfectamente.

El uso de los celulares es un recurso interesante, teniendo en cuenta los temas que se ponen en juego. Los celulares tienen a uso práctico la función de realizar llamadas, pero los otros usos que se le dan terminan por alienarnos. Acá, las linternas de los celulares bañan de luz a seres que se encuentran hablando desde lo profundo de sí mismos. Un objeto que suele ensimismar a las personas, termina reforzando la exposición de estas.

Se escucha música ambiental y melódica tocada por los propios actores y que abre paisajes al escucharla. Junto a la iluminación, conjugan una puesta en escena en pos de la nostalgia y los recuerdos, la memoria en sí.

El protagonista de esta obra, como lo indica el título, no se puede vislumbrar en escena, pero si su sombra, que se hace presente gracias a estos personajes que nos transmiten sus inquietudes, que nos hacen sentir a la bestia invisible.

Las funciones se realizan los días Sábados a las 22hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Alvarez Thomas 1582

El Valor de las entradas es de $150 (entrada general) // $120 (estudiantes y jubilados)

Dramaturgia: Nayla Pose

Textos: Nayla Pose, Mariano Saba, Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló Muñoz, Pipo Manzioni

Actúan: Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló

Muñoz, Pipo Manzioni

Diseño Grafico: Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

David Ainstein

La noche a cualquier hora nos transporta a un mundo erótico y poético. La escenografía, la iluminación y el saxofón en vivo de María de Vittorio nos introducen en una  esfera fuera de lo cotidiano. Por todos los sentidos nos aborda la sensualidad, sobre todo en la  concatenación de las palabras y en la entonación de los personajes. Todo nos habla del Eros.

La puesta en escena de Mariano Dossena está hecha sobre poemas de Patricia Díaz Bialet, los cuales adaptó junto a Gustavo Pardi. Un poema se sucede a otro conformando una obra de ensueño. La versatilidad de Gustavo Pardi es admirable, encarna diferentes personajes muy diferentes el uno del otro. La entonación de Ana María Cores, ese decir poético, es formidable y la sensualidad de Florencia Carreras hacen  que la obra adquiera mucho dinamismo.

Nos perdemos en espacio sin tiempo, en un infierno de la sensualidad.  Los personajes se reúnen en torno a un sillón rojo de terciopelo desde el cual desplegaran sus historias, a veces amados, otras amantes. Pero siempre atrapados en los recuerdos del erotismo.

Las poesía evoca a un cisne blanco y nos induce por momentos al juego de las metáforas que nos recuerda  modernismo. Por otros momentos se torna a lo narrativo y a lo anecdótico.

El vestuario es decoroso, elegante y llamativo. Los tres actores saben llevar muy bien el espectáculo, con una fuerte presencia escénica y un increíble manejo de la sensualidad y el humor.

Ficha Técnica 

Autor: Patricia Díaz Bialet

Selección y Adaptación: Mariano Dossena y Gustavo Pardi

Elenco Ana Maria Cores, Florencia Carreras, y Gustavo Pardi

Músico en escena (Saxo): María de Vittorio

Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni

Realización Vestuario: Claudia Olivera

Música Original: Gabriel Senanes

Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo

Tecnico Grabacion More Fernandez Nuñez

Iluminación: Estudio Del Bianco

Iluminador Asoc: Martin Fernandez Paponi

Fotografía Fuentes2Fernandez

Diseño EN Diseño

Asistencia: Gabriela Genni, Emilia Nudelman, Natanael Fernandez

Producción Artística: Pablo Silva

Dirección: Mariano Dossena

DOMINGOS 19 hs TEATRO CC COOPERACION– Av Corrientes 1543 Buenos Aires / Entradas por Alternativa Teatral

Mhoris Emm

“Así de simple” es una obra escrita y dirigida por Sofía González Gil, perteneciente a una familia de artistas que se evidencia en su métier tanto como en la ficha técnica de la obra. Es una obra de una temática cotidiana (esas pequeñas delicias de la vida conyugal) pero realizada con recursos estéticos que la hacen original, como la utilización de 3 actrices y 3 actores para interpretar sólo 1 rol femenino y 1 masculino (la pareja).

En mi opinión, dos claras influencias pueden leerse en esta obra. La primera es una lucha freudiana entre los aspectos del sí, como si fuera una personificación del súper-yo y el ello en su constante desafío al yo.

Otra posible intertextualidad, ya más generacional, es la influencia de “Intensamente”, el film de Pixar que nos sorprendió a todos cuando salió por su entretenida manera de retratar lo intrincado de la mente humana.

Esto de que las relaciones no son tan simples se explicita en la construcción desordenada del tiempo (flashbacks y flashforwards) y en el recorrido espacial de los personajes que entran, salen, van y vienen. De esta manera, el desdoblamiento de los personajes y el uso del tiempo y del espacio redundan logrando coherencia en el mensaje, antitético con el propio título de la obra, lo cual cierra el círculo de la coherencia perfectamente en un guiño humorístico. El dinamismo de la obra es funcional al humor, ya que está repleto de gags y situaciones cómicas tanto verbales como físicas que la tornan increíblemente entretenida.

Sea como sea, sabemos que las relaciones humanas son complejas y nuestras decisiones son el resultado de una lucha de poderes entre lo racional y lo emocional. Lo difícil es lograr el equilibrio y que éste persista en el tiempo. O mejor dicho imposible, en cuyo caso lo único que resta es vivir. Así de simple.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

Reservas por Alternativateatral.com

 
Por Sol Grunschlager.

Federico García Lorca (1898 – 1936), español, granadino, poeta, dramaturgo. Amigo de Buñuel, de Dalí, de Rafael Alberti, de Manuel de Falla, de Pablo Neruda. Escribió “Romancero Gitano”, “Bodas de Sangre”, “Yerma”, entre otros bellísimos textos. Alguna vez caminó estas calles de Buenos Aires.

En la escritura de Lorca la sangre bulle, se convierte en denso cuerpo de acción.
El deseo la seduce, la encabrita como un toro brioso. Y es el deseo lo que subyace
en lo profundo, también en la superficie, en la saga de las Alba.
Bernarda Alba se convierte en viuda por segunda vez, se recluye, y con ella a sus cinco hijas, imponiendoles un luto cerril y asfixiante. Está prohibido que salgan de la casa, está prohibido el contacto con hombres, que se vistan sin luto, en suma: está prohibido el deseo. ¿Es posible cortarle las alas al deseo?
La figura de Pepe el Romano, con su sensualidad omnipresente, actúa como
catalizador de los conflictos en juego, un revulsivo, el perfecto enemigo que da la talla, para enfrentar el orden establecido por la rígida Bernarda.
La obra, escrita en 1936, fue estrenada en Buenos Aires en 1945. Establece un
claro paralelo con las ideas políticas en la España de los ´30. Y avizoraba la brutal guerra civil en ciernes y posterior dictadura de casi 40 años.
La puesta en escena está diseñada sobre la estructura narrativa del texto lorquiano, extrapolando escenas y personajes, e intervenida con fragmentos de poemas y prosa del granadino.
Con buenas actuaciones, sobresale Fernando Atias, como el presentador/narrador, ora personajes de la obra, ora tramoyista en escena, o el propio Lorca. Su trabajo se destaca.

La escenografía es despojada y con pocos dispositivos, criteriosamente
utilizados por los actores. La música en vivo permite un mayor lucimiento del elenco e induce al espectador a adentrarse en el espectáculo.
F.G.L. dijo una vez en un reportaje: “El mundo está detenido ante el hambre que asola a los pueblos. Yo lo tengo visto. Van dos hombres por la orilla de un río: uno es rico, el otro pobre. Uno lleva la barriga llena, el otro pone sucio el aire con sus bostezos.

El rico dice ¨Qué barca más linda se ve por el agua! Mire ud. El lirio que florece en la orilla!¨ Y el pobre reza ¨Tengo hambre, mucha hambre¨. El día que el hambre desaparezca va a producirse en el mundo la explosión espiritual más
grande que jamás conoció la humanidad…
Ese hombre, Federico García Lorca, fué arrastrado a la vera de un camino, una
madrugada de 1936, y fusilado. Por homosexual, por querer que no haya hambre, por poeta, por su alegría, por su limpia mirada, Federico, fue fusilado.
Junto con un maestro y dos banderilleros. Señoras y señores: es un texto de García Lorca, rindamos los honores a uno de los nuestros.

Ficha técnica:

Dramaturgia: María Inés Azzarri, Mariela Maehokama, Carolina Baigorria

Elenco: Mariela Verde, Eloísa Colussi, Fernando Atias

Música original y en vivo: Alberto Jiménez

Iluminación: Ariel Bottor

Gestión operativa: Cecilia Pérez Declercq

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa y difusión: Kazeta Prensa.

Fotografía: Karina Macchioli.

Realización de vestuario: Allegra Dee

Diseño gráfico: Verónica Martorelli

Dirección, puesta en escena y vestuario: María Inés Azzarri

Funciones: Domingos 21hs . Espacio No Avestruz (Humboldt 1857)
A. R. Belano