Amanda y Eduardo recrea una historia sobre el amor y la pobreza. Una mujer que ha obtenido riquezas, siendo una dama bella y fina , es capaz de abandonarlo todo por un hombre. En una época donde las brechas sociales imponían un límite para que dos personas puedan relacionarse , está historia se desarrolla con audacia y humor.

Amanda está comprometida con un estanciero mayor que la mantiene a ella y a toda su familia. Todo cambia cuando se enamora de Eduardo, un humilde periodista también casado. La pasión y la obsesión se apodera de ellos y como escribió Discépolo “Se quieren más que a sus propias conciencias”. La trágica atracción lleva a la joven protagonista a replantearse su situación, pero se vuelve rehén de un mundo donde el dinero se impone.

Amanda fue una mujer que durante su infancia ha vivido la pobreza , luego de muchos años se la ve como una mujer elegante y que goza de muchos lujos al estar casada con un hombre rico. Al parecer eso era algo que tenía comandado en su vida , para poder salvarse a ella y a su familia de la miseria que ha vivido en el pasado. Esa vida le ha dado muchas cosas siempre , pero algo faltaba , la pasión que surge al amar a alguien aparece , pero en alguien muy alejado de su realidad. La cuestión es que por Eduardo, ella abandona sus lujos , pero no llega a ser totalmente feliz con eso, los cambios no resultan como esperaban y se ve obligada a tomar una decisión sobre que querrá para su futuro y también el de su familia.

La historia se encuentra bien planteada , de a poco vamos conociendo la vida de Amanda , la presencia de los hombres en su vida y la aparición de Eduardo , quien viene a descartar muchos cambios en su vida. Existen dos hombres que disputan su cariño , cada uno pertenece a un extremo social diferente, mientras el hombre rico es alguien frío que usa su poder para obtener lo que quiere , el otro hace de la calidez y la pasión para atraer a la dama. Una vez que suceden los cambios van apareciendo más personajes a la historia , la esposa de Eduardo y la madre de Amanda son personas que están para amarrar a a esta pareja evitando que puedan seguir con su relación , cada una defendiendo sus intereses personales. La puesta juega mucho con el humor , la madre de Amanda se burla de manera histriónica sobre las cuestiones sociales y de las cosas que una mujer llega a hacer por un hombre. Incapaz de resignarse a una vida de miserias , ella utiliza todos sus recursos para impedir que su hija tome ese camino junto a Eduardo. La propuesta es interesante en todo su recorrido, contemplando esa posibilidad de ser capaz de realizar un rotundo cambio por un supuesto amor , aunque luego resulte incapaz de sostenerlo. Se puede decir que la obra termina siendo algo excesivamente extensa , ya que va encontrando su camino de a poco , pero de todos modos resulta llevadera , intensificandose hacia su resolución final.

En cuanto a las actuaciones , los personajes cumplen correctamente con el rol que se les tiene asignado. Puede ser que al ser el estreno para público y prensa se hayan cometido algunos pequeños errores , pero que seguramente se irá perfeccionando con el pasar de las funciones.

La escenografia brinda una alusión a las dos realidades que la obra muestra . Un espacio elegante que muestra la vida de Amanda en un principio se ve mezclada con una mesa, un par de sillas y solo dos platos , siendo algo más que sencillo y vacío pero confortable a su modo.

Amanda y Eduardo es una obra en la que su interés radica en los cambios que uno es capaz de realizar por un amor. Es una historia de época, con una visión no tan alejada a la actual sobre las clases sociales y la relación entre la gente de ambos polos. Una puesta interesante y efectiva.

Ficha Técnica:

Actúan:

Laura Cañón (Amanda)

Ayelén Garaventta (Elvira)

Muriel Rébori Mahdjoubian (Elena)

Mirtha Alicia Oliveri (Doña Flora)

Fernando Arsenian (Eduardo)

Martín Córdoba (Micho)

Roberto Scandizzo (Don Camilo)

Federico Shortrede (Leonardo)

Bandoneonista en vivo: Martín Alfredo Martínez

Vestuario: Celina Barbieri

Realización de escenografía: Camila Tomietto

Diseño de luces: Marcelo Zitelli

Diseño Gráfico: Ayelén Garaventta

Fotografía: Lucía Maricel Vega / José Ignacio Castro

Prensa: Duche&Zárate

Asistente de dirección: Carla Velásquez

Agradecimientos: El Laboratorio de teatro

Dirección: Marcelo Zitelli

Funciones: Miércoles a las 21

Localidades: $ 300.-

http://www.alternativateatral.com/obra53121-amanda-y-eduardo

Facebook: Amanda y Eduardo / Instagram: @amanda_y_eduardo

Teatro El Tinglado – Mario Bravo 948

Ver teatro siempre me hace feliz, pero cuando la obra es en un espacio tan lindo como Nun, y se trata de una comedia en la cuál realmente te reís y la pasas bien, la propuesta se convierte en el doble de interesante.

Una comedia basada en la historia de tres mujeres, que luego de un encuentro inesperado en la sala de espera un hospital, se enfrentaran a la decisión más importante de sus vidas.

Luego de un accidente de avión en el que explotó la cabina, las mujeres de los tres pilotos se ven reunidas en la sala de espera un de un hospital, en donde, supuestamente los hombres han quedado en terapia intensiva. La incertidumbre las sobrepasa aunque aún no consigan siquiera imaginar en la trama que se verán envueltas y que las descubrirá unidas para el resto de sus vidas.

Un escenario convertido en una sala espera de un hospital, una azafata que nos guía de un modo muy ocurrente, hasta que las luces se apagan y las mujeres comienzan a llegar y se van conociendo en esa circunstancia trágica que las envuelve. Una frívola RRPP, una espiritual poco convencional, y otra emocionalmente desbordada.

La espera del medico se hace eterna, pero una vez planteado el conflicto, el delirio y los enredos se hacen presente bajo circunstancias dignamente Almodovareanas con el toque argento necesario para llevar a cabo esta desopilante comedia.

Una puesta muy interesante y bien lograda, con un director que se atreve a exponer lo moralmente incorrecto, y actrices que se lucen todo el tiempo en un manojo de emociones extremo, bajo este disparatado humor negro que nos logra hacer reír de nuestras propias miserias.

Elenco:

Melina González

Ana Julia Bonetto

Silvia de Luca

Diseño gráfico: Emiliano Paez

Diseño de Vestuario: Héctor Ferreira

Diseño de Luces: Gustavo Lista

Escenografía: Magali Acha

Fx: Blanca Vega

Asistente de producción: Lu Salas

Asistente de dirección: Martin Cruz

Comunicación: Marcelo Boccia, Ariel Zappone y Carlos Mazalán para BMZ Comunicaciones

Dirección General: Sebastián Pajoni

Desde el 14 de octubre, todos los sábados a las 21:00

Nün Teatro Bar – Juan Ramírez de Velazco 419 Entradas: desde $200

En la boletería del teatro o en Alternativa Teatral

Julieta Ale

El tema de las relaciones y el sexo , es algo que siempre va mutando con el tiempo. En estos tiempos, es muy importante el uso de la tecnología como forma de comunicación y/o conexión, algo de lo que está obra tiene presente , aunque no lo toma como eje principal. Una mujer se niega a tener sexo , quizá para evitar lo efímero , y de ese modo no se puede quitar de la cabeza a alguien con el que aún tiene algo pendiente.

Ellos iban a coger y no lo hicieron.
Entonces esa fué la última noche que se vieron.
Pero ella olvidó un pantalón en la casa de él.
Dos años después, lo soño.
Y ahora lo quiere recuperar.
Al pantalón.
Y a él también.

Nuestra protagonista ha pasado saliendo con una persona durante tres meses , la cuestión es que jamás tuvieron sexo , ya que ella se sentía inhibida cada vez que llegaba a a observar el miembro masculino. Después de un tiempo todo acabó , aunque ella no ha superado a esta persona , por lo que decide volver a visitarlo para recuperar un pantalón que dejó la última vez que se vieron. Así mismo conocemos los sueños y frustraciones de esta chica , transmitidos hacia las personas más cercanas: su psicóloga (y madre) , su mejor amiga y su compañera de obra teatral. Todas ellas tienen algo para contar sobre su vida sexual y amorosa , conectánsose también de alguna forma con la historia principal.

La historia resulta entretenida desde la propuesta relajada y fresca que propone. Es un relato de amores en tiempos modernos , con algunas exageraciones quizá, pero no muy alejado realmente de lo que pasa con muchas personas al relacionarse con otras. La comedia está presente , con logradas situaciones en el que se trasluce las distintas ideas que uno tiene sobre la vida sexual , tanto lo bueno como lo malo de ello.

Los personajes se encuentras muy bien interpretados gracias a una dirección precisa y organizada. Los personajes más bien están medidos , sumidos en sus propias problemáticas y con personalidades definidas. La comicidad de los actores hace que la obra pueda avanzar sin inconvenientes , donde hacia el final te encuentras con lo inesperado , aunque presente desde su inicio.

Trágica y moderna es una muy buena opción para divertirse con historias sobre relaciones y sexualidad , que se acercan mucho a lo que vivimos en la realidad actual. Buenas actuaciones y una interesante dirección de Fabio Golpe , nos brindan una comedia hilarante hecha para relajarse y disfrutar. Lamentable ha sido la última función de la obra , pero existe la posibilidad que regrese con otra temporada. A tener en cuenta.

, LIDIA DE GONZALO

Daniel Alvarez

Este musical cubrió cuatro sábados de octubre en su tercer temporada estando Mariano Taccagni nominado al mejor actor musical OFF (Premios Hugo al teatro Musical 2017) y Ariel Juin a Mejor Coreografía (Premios ACE 2017).

Es una obra, apta para toda la familia, escrita por Joaquin Stringa, quien también actúa en el rol de Manuel, un joven periodista algo engreído que llega a Villa del Tránsito, una zona perdida en Traslasierra ( Córdoba), quien dice “Querer contar la historia que nadie conoce del Cura Brochero”.

Éste es el puntapié inicial, para desarrollar una historia que se vale del recurso de la comedia musical, amalgamándose música original de Maxi Larghi, Hernán Matorra con una precisa coreografía de Ariel Juin, junto a una escenografía apropiada para ponernos en situación y un coro potente logrando en conjunto un producto autóctono de mucha belleza y ternura.

Mariano Taccagni hace del Cura Brochero, un actor altamente compenetrado con su personaje, tanto como Joaquin Stringa. El Cura Brochero se divierte junto al público evadiendo las preguntas del periodista cuando lo interroga sobre su fama de curar el alma a asesinos y ladrones.

La dirección es de Ricardo Bangueses quien logró poner once actores en escena, lo cual estamos poco acostumbrados a ver en Buenos Aires. Tiene el toque femenino de Florencia Fernández, Ángeles Rossi quienes se han ocupado de la dirección artística de la obra.

Tuve la oportunidad de presenciar la última función de despedida de este año. Fue muy emocionante, es un elenco con integrantes muy jóvenes. Mariano Taccagni contó cuando el elenco viajó a Villa del Cura Brochero a conocer el lugar y eso les abrió nuevas puertas para transmitir con mayor sentimiento el mensaje de la obra.

Deseamos que este género se repita. Esperamos que la compañía vuelvan el año que viene. En medio de los aplausos fluyó la calidez humana de todo el elenco. El espectador disfrutó mucho de ese final porque se puso en evidencia, mientras aplaudíamos, la empatía del elenco, el orgullo y felicidad con que realizan la obra.

El público disfrutó de una historia que llega al corazón y seguramente a muchos de nosotros le despertó el bichito de la curiosidad sobre ¿quién fue el Cura Brochero?

MEMORIAL DE UN TIEMPO EN FUGA

Dos amigos, ya próximos a su sexta década, tienen la idea entusiasta de hacer un documental de su pueblo, aquel del cual partieron hacia las luces de la gran ciudad, hace ya muchos años. Los acompañan sus actuales parejas, ajenas al lugar, por ende al proyecto, por lo que terminan siendo apoyo logístico, ácidas comentaristas, transporte de víveres ó palos en la rueda, según las circunstancias.

Ya nada queda en pié de aquel pueblito tantas veces visitado en sus memorias. Ni la escuela que los juntó, ni la librería, ni el banco de la plaza, ni el cementerio. Ni siquiera sus casas, donde se criaron y soñaron, son lo que eran. Comentaristas de lo que fué y ya no está, continúan con la filmación de la nada, el documental es el registro de un páramo comentado, hasta que una falla mecánica en el auto los obliga, varados, a pasar la noche fría en el pueblo
fantasma.

¿Cómo se hace para apresar el pasado? Por qué los recuerdos son como relámpagos que reaparecen sin ser convocados y así como vinieron, ¿Se van?
Por qué ese lugar, aquella situación, esas palabras, aquel aroma, que fueran fundacionales en la épica de mi vida, las observo hoy y ya no son ni la sombra de lo que fueron. El tiempo es como un tifón arrasador que todo lo destruye, lo
construye, lo resignifica…

El relato, tal olas memoriosas, cuenta los conflictos de los personajes con el
tiempo y sus recuerdos, en clave de comedia dramática. La escenografía, despojada, de un blanco imponente que envuelve el espacio escénico, nos remite a que todo puede ser posible, aún aquello inasible ya.

Las actuaciones de Roberto Castro, Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile y
Gabriela Izcovich, son muy buenas y se convierten en el dispositivo adecuado para albergar lo lábil del relato, ora melancólico, ora de graciosa ternura.

La iluminación es funcional a la historia. El texto y la dirección de Gabriela Izcovich es simple en su propuesta e imbricado en su construcción. Necesita de
actores con mucho oficio, y los tiene.

Nota: el monólogo de Marcelo Bucossi haciendo referencia al tiempo como
caníbal, sencillamente exquisito.

Para comenzar esta reseña, quisiera hacer la aclaración de que voy a tratar de analizar con el mayor respeto posible el conflicto que desata la obra «El sueño de Nahuel» , que retrata la vida de un chico que tiene una discapacidad y que refleja en la vida de las personas que son partes de su entorno. Se trata de una obra de teatro/danza que nos invita a reír, emocionarse y reflexionar sobre algo que es parte de nuestra realidad.

Una madre debe lidiar con un hijo con discapacidad en un sistema político y social que no está preparado para contenerlo; viviendo sola con Nahuel y con una enfermedad terminal se pone a prueba su propio juicio mental para sobrellevar dicha situación. Paula, una asistente terapéutica intentará hacer que Nahuel pueda valerse por sí mismo para enfrentarse a la sociedad desenmarañando problemáticas familiares.

Nahuel es un Joven 25 años que se encuentra viviendo con su madre , a él le encanta ver «La ley y el orden» Jugar con sus cartas y tomar «Coca cola». Después de tanto tiempo , lo último que ha llegado a aprender es poder ir al baño a hacer sus necesidades sin ayuda, siendo un logro de gran orgullo para sus padres , quienes se encuentran separados. Su madre , quien tiene la necesidad de realizar constantes visitas al médico, contrata a una chica para que se encargue del cuidado de Nahuel. Paula es una asistente terapéutica, que dice haber estudiado para hacer algo más que cuidar a alguien con cierto nivel de dependencia , su objetivo es llegar más allá de eso, lograr que mediante el aprendizaje este chico pueda tener mayor autonomía e inserción social , una tarea que le resulta muy difícil. Su familia se ha encargado de la crianza del chico de la forma en que pudieron, adaptándose a las necesidades de su hijo , el problema surge ante la aparición de una enfermedad terminal de la madre y que pone en duda sobre cuál será el futuro de Nahuel .

La obra toca un tema socialmente presente, algo real entre las personas que tocan vivirlo, como dicen en alguna parte de la obra «A nadie se les enseña a cómo tener a un hijo con discapacidad» como también «A nadie se les enseña a ser padres». Puede ser que la segunda cuestión esté más instalada socialmente , aunque siempre cada caso es particular y es a través de la experiencia como se llega al aprendizaje. El aprendizaje es uno de los temas principales de la obra, son las lecciones que deben aprender los padres para tratar de dejarle lo mejor a su hijo, lo que debe aprender la terapeuta al poner en práctica lo que ha adquirido en sus años de estudio y el aprendizaje de Nahuel, quien puede hacer uso de sus capacidades con el fin de tener una mayor autonomía .

En cuanto a las actuaciones toca remarcar el trabajo que ha hecho Mariano Carabajal al interpretar a Nahuel, ya que resulta un trabajo complejo de realizar, mostrando su personaje con realismo y respeto , evitando lo que puede resultar una parodia sobre la discapacidad . Se destaca también la presencia de bailarines dentro de la obra , es lo que permite adentrarse dentro de la mente de Nahuel , sin la necesidad de que este deba transmitirlo directamente. Las caricaturas y los personajes que forman parte de la rutina del joven salen a escena acompañando a las acciones del chico de manera cómica y dinámica . El resto de las actuaciones han sido correctas en función a la historia y el contenido dramático que esta posee, aportando cada uno parte de sus emociones a raíz de lo que sucede.

No es poca cosa que la obra haya contado con el auspicio del INADI, si bien la historia es tratada con mucho respeto e invita a la reflexión, la obra está hecha para disfrutarse más allá de su enseñanza. De todos modos sería algo positivo que luego de ver la obra la gente pueda quedarse con algo de ella y quizá aprender un poco más sobre lo que implica la discapacidad en nuestro país, tanto a nivel social como político. El tomar conciencia es un valor fundamental que en muchos casos puede transmitir el teatro y es lo que está obra intenta hacer .

El sueño de Nahuel una obra que gira en torno al drama que circula alrededor de un joven con discapacidad. Es una historia que juega con el humor y apela a la emoción , combinando teatro y danza en su ejecución. Con una actuación convincente, su protagonista intenta que sepamos más de el mediante los que lo rodean, permitiendo que podamos disfrutar de una buena obra y a la vez tomar un poco de conciencia sobre la discapacidad en nuestra sociedad .

LIBRO Y DIRECCIÓN GENERAL: Matías Exequiel Cancemi

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Soledad Noelia Ravazzoli

COMPOSITOR: Maximiliano Spoltore

DIRECTOR DE ACTORES: Carlos Álvarez

ASISTENTE DE COREOGRAFÍAS: Viviana Clement Arencibia

PRODUCCIÓN GENERAL: Matías Exequiel Cancemi

VESTUARIO: Wilfrida Zarza

ELENCO POR ORDEN ALFABÉTICO – ACTORES:

• Mariela Bonilla (Laura)
• Mariano Carabajal (Nahuel)
• Lucila Madeo (Paula)
• Karina Otero (Patricia Marquez)
• Eduardo Pizzini (Marcos)

ELENCO POR ORDEN ALFABÉTICO – ENSAMBLE:

• Fernando Benitez Ortiz
• Julieta Boland
• Nahuel Casini Soto
• Viviana Clement Arencibia
• Mora Díaz
• Nahuel Guzmán
• Mariel Muñoz
• Sofía Pelle
• Emilia Ramos
• Antonio Vlasic

Funciones: sábados 7, 14, 21 y 28 de octubre.

Horario: 20:30 hs.

Entrada: $250-.

Teatro: Teatro El Cubo – Zelaya 3053, CABA.

Reservas: Ticket Hoy y Boletería del Teatro.

En una casa de piedra inmersa en un valle de Catamarca, Sora y Yole, suegra y nuera, son sorprendidas por un inesperado regreso. Miguel, hijo y marido, quien después de años de ausencia y silencio absoluto decide volver al hogar en esa noche de verano. Es por esto que la rutina y la relación fraterna de estas mujeres, que supieron rearmarse sin presencia masculina, se ve sacudida por este retorno que trae promesas de hombre
nuevo y de profundos cambios.

Una casita de piedra sobre un valle de Catamarca, ahí viven dos mujeres, Sora y Yole, junto a sus dos perros que son parte de la familia. Ellas son suegra y nuera, aunque el vinculo afianzado que demuestran pareciera de madre e hija. Dos mujeres compañeras y trabajadoras que mantienen su espacio sin necesitar de nadie, disfrutando de la tranquilidad de su hogar y la vida que está comenzando Yole junto a su nuevo novio, hasta que un día reciben un regreso inesperado, vuelve Miguel, hijo y marido de las mujeres de la casa, a irrumpir su tranquilidad y pretender que no pasó nada luego de
tantos años de ausencia. La relación con él es puesta en jaque y su presencia desata una tragedia.

Con actuaciones convincentes, músicos en vivo, y actores que mantienen ese acento tan marcado, esta obra nos traslada al norte de nuestro país y nos permite ser parte de ese hogar en el cuál estas dos mujeres reflejan la dificultad del genero para romper con el patriarcado tan arraigado. Un vinculo construido y afianzado con la falta de un hombre, y es el mismo el que la corrompe. A través del relato vemos como los personajes de la obra luchan por cumplir con los deberes impuestos por la sociedad, poniendo en riesgo su propia felicidad

Ficha Técnica:

Elenco: Anabel Denápole, Alejandro Robles, Gabriela Ibarguren, Emiliano Marino, Sol Montero, Maria Eugenia Gómez

Músicos en vivo: Gastón Matorra, Ezequiel Quinteiro

Dramaturgia y dirección: Victoria Sarchi

Dirección de actores: Franz David Toro

Asistencia de dirección: Verónica Parreño

Iluminación: Diego Bellone

Operación técnica: José Binetti

Diseño gráfico: Silvana Sabetta

Escenografía y vestuario: Carolina Beltrán

Prensa: Mas Prensa :: Analia Cobas, Cecilia Dellatorre

Duración: 60 minutos

Funciones: Sábados 20:30 hs
Teatro del Pueblo

Av. Roque Saenz Peña 943 – CABA–

TE: 4326-3606

Julieta Ale

Historia de jóvenes del conurbano. Ella, de Olivos.Él, de Lanús. Para muchísima gente, un estado de las cosas, casi un C.V. Paula despierta una mañana en un lugar desconocido, ante un muchacho que la observa. Juan, mira el sueño de Paula, con la disposición de ánimo de aquel que es dueño de un objeto deseado, y también con ansiedad adolescente. Paula despierta, primero siente
temor, inquietud, hasta que lentamente va reconociendo en Juan, a un chico que conoció en una disco que frecuenta, la noche anterior.

Están solos. Están encerrados. Lentamente observaremos, que hay un encierro profundamente más poderoso que el exterior. Se sabe: el alcoholizarse es hoy, para los jóvenes, parte necesaria de la diversión. Siempre lo fué, pero hoy está muy incorporado. Marearse, atontarse,
alucinarse, es parte del asunto de salir de una realidad que para algunos, de tan imposible de asimilar ¿era solo ésto a lo que la vida me invita?

Cuestiones de jóvenes, de encierros, de diversión, del reviente, del sentido, de hormonas, de la vida como se presenta que no hay futuro, del futuro como augurio de una repetición alienante. Dos jóvenes, del conurbano. Divinos como un tesoro. Y tan pobres. De la mayor de las pobrezas: aquella cuya vida desconoce los susurros de una utopía.
Lentamente conoceremos lo que Paula y Juan son, que es otra cosa de lo que creen ser, qué los relaciona y los separa, de que manera paradojal están tan cerca y sin embargo en otro mundo uno del otro. Y como terminan siendo personajes secundarios en el escenario de su propia vida.

Malena Sanchez y Eliseo Barrionuevo, correctos en sus papeles, ambos
sugerentes. La escenografía: una oficina moderna, fría y aséptica, envuelta por el público, casi una cámara Gesell, muy apropiado el diseño para lo que se relata. El diseño es de Gonzalo Córdoba Estévez. La música y la iluminación, correctas en sus puntuaciones.
Buena la dirección de Joaquín Bonet.

Ficha artística

Eliseo Barrionuevo (Actor/ Juan)

Malena Sánchez (Actriz/ Paula)

Ficha técnica

David Seldes (Diseño de iluminación)

Martín Fernández (Asistente de iluminación)

Gonzalo Córdova Estevez (Diseño de escenografía)

Di Imanol López (Asistente de escenografía)

Sofía Di Nunzio (Diseño de vestuario)

Sebastián Verea (Diseño de sonido)

Cynthia Levi (Dirección de gráfica y comunicación)

Lía Parsons (Diseño gráfico)

Fernanda Díaz (Intervención visual)

Gabriel Machado (Foto)

Hernán Gulla (Foto de escenario)

Horacio Banega (Supervisión de dramaturgia)

DucheZárate (Prensa y difusión)

Cristina Fridman (Producción ejecutiva)

Clemente Habiague (Asistente de producción)

Patricia Liguori (Producción general)

Flora Ferrari (Asistente de dirección)

Joaquín Bonet (Dirección general)

Funciones: Sábados a las 23 horas

Localidades: $ 250.- Jubilados y estudiantes: $ 150.-

ElKafka Espacio Teatral – Lambaré 866 – 4862.5439 – CABA

Duración: 60 minutos

A. R. Belano

Dos amigas, ovillan, entraman, anudan y tejen prendas que nunca llegan a ser definitivamente, es decir, que con la misma facilidad con que las cosas se van tejiendo se destejen sin llegar a transformarse en algo concreto; mientras realizan esta tarea cuentan momentos de su vida, casi al borde de la irrealidad y el sueño; así los pasajes de lo vivido van apareciendo y se van tejiendo en la justa medida en que los hilos se tuercen intentando llegar a un diseño definido; recuerdan, por ejemplo, las despedidas de aquello que alguna vez les causó dolor; por supuesto que sobreviene la pregunta sobre la fragilidad de lo vivido, la inseguridad de lo vivido, es decir la vida como materia indócil.

Nina y Tamia son amigas, tejen ¿Es su oficio? ¿Su vocación? Lo que sí sabemos es que tejen y destejen, para saberse, para encontrarse, para celebrar el acontecer de su amistad. Y como buenas confidentes, chismosean, recuerdan, hablan de hombres, de mujeres, de política, de lo cotidiano, de pesares, de sueños, de aquello que han tenido y ya no tienen, del dinero (su uso y su
abuso), del sexo, de los deseos, también del amor. Del amor en sus múltiples facetas. Y, como en la amistad más profunda, todo fluye como en un mismo plano, en una especie de cinta de Moebius del tiempo, que siempre es presente, aunque se cite al pasado ó se conjure a la utopía.

Todos los tiempos, el tiempo. Y la palabra como talismán, mariposa tecnicolor, a veces metáfora, otras certera saeta. Y se invoque siempre, siempre, el don de la amistad.

El dispositivo escénico: sillas, hilos y bobinas, diseñan un espacio que puede ser triangular o lineal, siempre multiforme. La iluminación puntualiza situaciones con criterio y mesura. La música propone un tono evocativo, dulce y melancólica, predispone al espectador al discreto encanto de la confidencia.

Buenas las actuaciones de Liliana Moreno y Silvina Muzzanti y correcta la dirección del dramaturgo y director Arístides Vargas.

Funciones: sábados a las 20 hs

Teatro: Pan y Arte

Dirección: Boedo 876

Informes: 4957 6922 /teatro@panyarte.com.ar

Entradas: $200 y $180

Reservas: www.alternativateatral.com

Duración: 85 minutos

Ficha artístico técnica:

Autor: Arístides Vargas

Actúan: Liliana Moreno y Silvina Muzzanti

Escenografía: Alejandro Mateo /

Iluminación: Leandra Rodríguez/

Música: Germinal Marin

Fotografía: Gabriel Cohen Falah /

Entrenamiento en clown: Pablo Algañaraz

Entrenamiento vocal: Olga Farias /

Producción: La Doménica /

Prensa & difusión:Simkin & Franco/

Dirección de actores: Charo Francés

Dirección general: Arístides Vargas

A. R. Belano

Lo lindo de volver a los 90′

El argumento de Gordofobia, un musical obeso gira en torno a la vida de un joven que tiene la tarea de aceptarse a sí mismo aunque aún no lo tenga claro. Los años 90′ ha sido una época donde la televisión era una tendencia y en el cual se habían establecido ciertos cánones de belleza. ¿Está mal ser gordo? ¿El problema es de la gente o de uno mismo que no se acepta tal cual es ?

Buenos Aires, fines de los 90. La tele nos dice que tenemos que ser flacos. Y Leo ama la tele. Pero también ama la comida. Desde pequeño, su vida ha transitado entre una infinidad de dietas sin grandes resultados y el imperioso deseo de comer. En su soledad, ocultándose por su sobrepeso y alejándose de los amigos y hasta de Maxi, el amor de su vida, Leo celebrará su cumpleaños número treinta. ¿Podrá superar esta noche de excesos o se dejará caer en la tentación y romperá la dieta?

Leo celebra su cumpleaños número 30 con la tristeza de que nadie ha ido a su festejo, y de que toda la comida preparada no la podrá disfrutar, ya que se encuentra a dieta por enésima vez. Así mismo nos enteramos que un viejo amor de Leo es un gordito «recuperado» y que ahora triunfa haciendo publicidades para la tv. En el momento que este joven parece incapaz de resistirse a lo que no debe comer , llegan unas amigas que lo ayudarán a mantener su dieta y salir de su depresión si es posible. Inesperadamente también recibe la visita de aquel viejo amor , siendo un momento para resolver los conflictos del pasado, a través de clásicos del pop de los años 90.

La propuesta se muestra sin grandes pretensiones al contar una historia de amor , que a la vez toma consciencia sobre la imagen que se tiene sobre los demás y uno mismo, pero sin abandonar el tono de comedia que quiere transmitir. Se trata de la historia de un chico , que es gordito y no se siente bien consigo mismo, que aún sigue enamorado de la misma persona desde su juventud y aún no ha resuelto esa historia. Es un simple relato de amo, sin hacer parodia al tema de la obesidad ni tratar de hacer una forzada reflexión sobre cómo implica la imagen en la sociedad. No busca definidamente transmitir aquellos mensajes pero de todos modos lo consigue , y eso es un gran logro de la puesta, que nos brinda una comedia musical entretenida y que a la vez nos resulta emotiva y reflexiva . Es imposible que el público no se encariñe con Leo , así que resultamos cómplices de su historia esperando que pueda resolver sus conflictos y a la vez que pueda ser feliz con su verdadero amor . No nos olvidemos que nos encontramos en los años noventa, y si, esa es una gran excusa para deleitarnos con clásicos de la música latina en aquella época, que se encuentran presentados de forma que aporten a la línea argumental de la historia.

Cristian Centurión es Leo , evidentemente es el gran protagonista de la obra , logra con su personaje empatizar con el público, en el que muchos se identificarán con sus problemas. Notable trabajo actoral del artista que merecía un papel como este , también muy bien acompañado por el resto del elenco , que juegan en este simpático relato musical.

La sala tipo Café concert del Maipo Cabaret brinda un espacio más íntimo para conectar directamente con el público, teniendo en cuenta esto , la obra logra trascender más allá del reducido espacio que cuenta para montar un musical con todos los ingredientes . Se nota en el trabajo de dirección que se ha intentado no ponerle límites a la puesta , ya que cuenta con excelentes números musicales y sus coreografías , distintos personajes con sus matices y la música en vivo. La idea tampoco fue una excusa para mostrar canciones de Ricky Martin o Arjona , sino más bien utilizar este recurso para acercar a la gente con la música , que a la vez le da un sentido a lo que está sucediendo en la obra , realizando las modificaciones necesarias según el argumento lo requiera.

Gordofobia, un musical obeso ha sido un gran estreno que logra brindar una obra simpática, divertida y emotiva. Este musical con música pop de los noventa nos invita a ser parte de la historia de Leo y de aprender junto a él, la importancia de aceptarse a uno mismo tal cual es. Con este mensaje todos podemos marcharnos con una sonrisa, habiendo también disfrutado de una buena obra de teatro.

“Gordofobia, un musical obeso”

Libro: Nicolás Sorrivas
Música: Juan Ignacio López

Elenco:
Cristian Centurión
Emmanuel Degracia
Patrissia Lorca
Pedro Vega
Antonella Cherutti
Paula Zaurdo

La banda:
Piano: Lucas Herrera Fernández
Batería: Roberto Higinio Vanini
Bajo: Lautaro Vergara
Guitarra: Facundo de Vedia

Diseño de coreografía: Luli Brindisi
Arreglos vocales: Cristián Centurión
Diseño de iluminación: Gonzalo González
Diseño de escenografía: Darío Feal
Asistente de escenografía: Ana Tenaglia
Diseño de vestuario: Ana Carolina Revello
Diseño Oso Barrigón: Juli Sorrivas
Diseño torta: Javier Cancino
Maquillaje: Pao Dessaner
Asistentes de maquillaja: Eliana Pozzi, Laura Bello
Peinadora: Yanina Fuino
Fotografía en gráfica: Martín Dichiera
Fotografía on stage: Nadia Flijer
Registro audiovisual: Matiás Sanchéz de Bustamante
Colaboradores: Melisa Martin, Paula Antoniazzi
Asistente de producción: Magalí Battista
Comunicación: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel
Zappone para BMZ Comunicaciones
Asesor creativo: Iván Repicio
Stage manager: Eliana Fuino
Producción ejecutiva: Lucas Carmenini
Coordinación de producción: Raúl S. Algán
Dirección musical y arreglos: Juan Ignacio López
Dirección general: Nicolás Sorrivas
Facebook e Instagram: @GORDOFOBIAMUSICAL

Desde el 04 de octubre, todos los miércoles a las 21:00
Maipo Kabaret – Esmeralda 443 – 2 Piso
Entradas: desde $300.-
En la boletería del teatro o en Plateanet

Daniel Alvarez