Reseña de Paula Fossatti

Aún atravesados por el dolor sin importar los años que pasaron del último Golpe de Estado es un acto de nobleza hacia nuestra historia contar lo que aún continúa latente en la sociedad Argentina y en ocasiones quedamos perplejos tratando de entender como es que todo esto sucedió. El Secreto Libre es una historia basada en un hecho real ocurrido en un centro de detención clandestino en la ciudad de Rosario.

El Secreto libre es mucho más que una historia de amor dentro de un centro de detención clandestina, Marta y Roberto se conocen por medio de tuberías en donde se encontraban detenidos, allí se enamoran. Ambos personajes representan la angustia ante la fragilidad, la ira ante la injusticia y la frustración de saber que la distancia que hay entre el que tenes al lado tuyo es enorme e indiferente teniendo como única opción confiar en el Tic – Tac que sienten; que no es otra cosa más que el latido de sus corazones.

La obra de teatro te posiciona en la butaca y te recuerda que sos la sociedad de aquella época, te censura a través de una niebla que realmente impide visualizar lo que está aconteciendo; mientras que la fluidez de las actuaciones te permite entender la desesperación por querer al otro a tu lado y que recurrir al poder de la imaginación para que articule recuerdos va a ser vital para poder sobrellevar lo que te queda de presente. La vida en cautiverio se transita de un solo fogonazo comenzando por los deseos de la infancia y terminando por la añoranza de la libertad; el encierro y la tortura es el castigo de no pertenecer al sistema.

El Secreto Libre es un cúmulo de acontecimientos que te convence de la incondicionalidad del amor, como dos almas y un amor puro son capaces de vivir a pesar de las condiciones.

Ficha técnica.

Autor: Charlie Gerbaldo.
Dirección: Javier Rosón y Charlie Gerbaldo.
Elenco: Alexandra Geoffroy, Charlie Gerbaldo y Dalila Ferreyra.
Cantante: Luli Rössler.
Asistencia de dirección y producción ejecutiva: Victoria Soriano.
Música Original: Ramiro Álvarez.
Sonido: Gonzalo Lapadula.
Música de Sala: Hernán Valencia.
Iluminación: Fito Gómez.
Vestuario: Verónica Casanovas.
Escenografía: Celeste Bulfoni y Rafael Vallejos.
Diseño Gráfico: Manuel Padilla.
Fotografía para Prensa: Alejandra López.
Prensa: “Hola! Prensa & Difusión”.
Teatro: El Tinglado, Mario Bravo 948, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Funciones: Martes a las 21hs.
Reservas: 4863-1188. Costo entrada: $300 (Descuentos a estudiantes y jubilados $250) / elsecretolibre@outlook.com

Chicos malos es un show performático que está escrito y dirigido por Gabriel Gávila. Dicho espectáculo sigue a un grupo de hombres pretendiendo crear un gran show, pero que queda a medias debido a la rebeldía de uno de sus integrantes, quien busca poder dar algo original y verdadero. Se trata de una fórmula que ha obtenido éxito en sus anteriores temporadas y que aún así , logra renovarse a sí misma para atraer tanto a los nuevos como viejos espectadores.

La palabra «Show» es algo que se encuentra muy presente en esta puesta escénica , que lo definen como una acción o cosa que llama la atención y causa asombro o escándalo , algo que en distintos idiomas lo llaman del mismo modo. Eso es exactamente lo que es Chicos Malos, ¡¡Un show¡¡ ¿Y de qué va?. Una especie de ensayo teatral se pone en escena , un grupo de hombres semidesnudos están para darle a la gente lo que creen que ellos quieren: Ver hombres , cuerpos trabajados , seducción y sexo. Si , sexo…

Esto también lleva a un sinceramiento con el público, en el que logra darse por entendido de que algo quieren ver y es uno de los motivos por los cuales están presentes. Existe el rompimiento de la cuarta pared, sabemos que no es una obra de teatro convencional con una historia y un mensaje , y a la vez lo es. Uno de los personajes , protagonista o antagonista , está para cuestionar las bases del show , al creer que se está para algo más que la superficialidad de ser un chico malo.

Si llega a ser falta aclararlo, podemos decir que se trata de una puesta Gay Friendly, si bien no resulta algo exclusivo , la puesta es consciente del público que asiste y por ello juega con el desde el humor y algunos cuestionamientos dentro del ambiente. Así ha podido cosechar su éxito, también por la capacidad de renovarse y seguir contando una misma historia. Se ha sumado elenco a esta temporada, y lo han resuelto eficientemente desde lo performatico , ya que la misma puesta es capaz de actualizarse a lo largo de cada función.

Los actores en escena logran desenvolverse con soltura, siendo quizá la mayor exigencia de la puesta. La dirección de Gabriel Gávila es precisa , se nota todo el proceso de experimentación dentro de la obra , aunque lleve un tiempo ya compuesta. Seguramente hay varias personas que han ido a más de una función, y seguramente aquellos notarán los cambios en pequeños detalles , también las añadiduras en cuanto a temas de la cultura popular, que siempre se actualiza porque la obra no quiere quedarse en el tiempo.

Chicos malos es un show que cumple con su premisa , brindar un espectáculo capaz de llamar la atención y ser escandaloso , pero sin dejar de ser una puesta teatral. Con actores totalmente desinhibidos , la obra resulta más que efectiva para entretener y seducir al público. Su creador a logra que está puesta sea capaz de renovarse y que estos chicos malos estén siempre vigentes.

Chicos Malos pertenece a una trilogía escrita por el autor, cuya dramaturgia se completa con “Chicos Lindos” y “Chicos Feos”, espectáculos que estuvieron en cartel en 2017 simultáneamente en la ciudad de Bogotá, Colombia, y en Buenos Aires.

(Obra no recomendada para menores de edad)

Actores

Gonzalo Bourren

Javier Roldán

Emmanuel Martínez

Gonzalo Cetraro

Juan Felipe Peláez

Lucas De Stasio

Ernesto González

Alex Malave

Alejandro Chagas

Emerson Speratti

Ficha Técnica:

Autor y director: Gabriel Gavila.

Fotografía: Leandro Rodríguez PH. / Armando Bellorin Photography

Make up: Melina Acuña.

Vestuario: Ana Mastroberti.

Colaborador artístico: Luciano Crispi.

Diseño lumínico y Operación Técnica: Lucas Ontivero.

Comunicación audiovisual: Emmanuel Martínez.

Coach físico y coreográfico: Alexis Losada.

Stage manager y selección musical: Joaco Balverde.
Prensa: Cakatúa Prensa

Links relacionados:

Facebook, Twitter, Instagram: @chicosmalosarg

LOCALIDADES: GENERAL $300| Promoción en redes sociales 2 x $500 | Domingo 21.30hs. Espacio Artistico «La Sodería». Dirección: Vidal 2549, Belgrano (CABA)

El planteo de Hedda Gabler, como muchos clásicos, comporta desde hace tiempo las mismas críticas y las pocas soluciones, por su tiempo, por su texto y su contexto; sin embargo el teatro independiente no puede ocultar su fijación (y con razón).

Que moleste Hedda Gabler comporta un triunfo: no tanto explicarla o re-re-representarla hasta hallar algo nuevo, sino intentar ganarla a algún discurso que importe. En el barrial Brío se da una de estas pequeñas victorias intermitentes que debieran importarnos.

La puesta a la que asistimos es una oportunidad de ver a Hedda con otros ojos y de manera explícita, dejando en suspenso el atractivo del personaje para mostrarnos una trama victimaria y patriarcal, una gramática que ocluye en su vida lo posible y le impone lo imaginable. A destacar: al fin la atracción lésbica en la obra deja de ser recurso estético y se vuelve fundacional.

Lo importante no es que la puesta lo entiende, sino que se compromete a mostrarlo: El desenlace de Hedda Gabler es el triunfo de una valentía entre tantos cobardes, pero sólo de una en el acotado horizonte de lo posible, pues ¿con qué se mata Hedda Gabler?

FICHA TECNICA:

Versión: Melina Petriella, Nayla Pose

Actúan: Melina Petriella, Maria Abadi, Nayla Pose, Pablo Chao

Diseño de vestuario: Belen Parra

Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo

Realización escenografica: Gustavo Disarro

Diseño grafico: Lucia Szlak

Asistencia de producción: Nahuel Saa

Asistencia de dirección: Florencia Halbide, Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

Las funciones se realizan los díasviernes a las 21hs y domingos a las 19hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Av. Alvarez Thomas 1582

Localidades $200 entrada general / $180 estudiantes y jubilados

Agustín Arosa

El mito del padre que come a sus hijos en un banquete y que luego de saberlo es condenado no a morir sino a vivir con el dolor; este mito concebido por los griegos y que luego se reproduce a lo largo de toda nuestra tradición occidental y cristiana, que fue convertido en tragedia por Séneca, en el siglo I, es retomado con maestría por Emilio García Wehbi, director de la obra que en su estreno en el Teatro Cervantes impresionó y conmovió a cientos de espectadores.

¿Cómo convertir en espectáculo el peor de los sufrimientos? ¿Desde dónde mostrar la angustia de la humanidad que viene cargando una piedra enorme sobre su espalda? El director de esta obra, que contó con un elenco de doce actrices, comienza por la voz de una niña, la más pequeña de todas, interpelando al Hades.

Las niñas juegan a ser fuertes en un mundo de monstruos, se desafían entre sí con el lenguaje para intentar perder el miedo, su casita de muñecas se asienta en el mismo jardín oscuro de donde surgen las garras que luego las matan.

Pero para entender la metáfora hay que construir un anclaje, ¿en qué consiste la matanza? ¿No será acaso un pensamiento que se extiende? ¿Seremos todos los adultos cómplices de la muerte prematura de los más débiles? El estribillo de funky retumba en los oídos del público, que trata aún de digerir las palabras: “No hay asunto más prolijo que comerse a sus propios hijos”. (Sí, aquí vale mencionar la maleabilidad artística de las intérpretes: ejecutan instrumentos, cantan, bailan, son gimnastas, dan vuelta la escenografía y pasan de un góspel a un rap).

Entonces comienza la historia desde el principio, en el Acto II. Tiestes y Atreo eran hermanos en disputa por el trono. Tiestes engaña a Atreo y éste busca venganza. Se debaten a un duelo de maldiciones. (Se aclara que para la actualidad hay una nueva versión a la de Séneca y que cada hermano, para vengarse, mata al hijo del otro y se lo sirve en bandeja). Ambos terminan devorando su propia descendencia. Las voces de las hijas hablan desde el estómago. Destruidos, sin vuelta atrás, los padres viven con el remordimiento.

La obra cumple en demasía con el objetivo de dejar que el espectador la complete, pero sin duda es una crítica sagaz a la cultura patriarcal, a la banalización de las infancias, a la mirada del adulto medio. El juego de contrastes entre contenido y forma es admirable. Puesta en escena voluptuosa.

Tiestes y Atreo

Yamila Juan

Saltimbanquis es una obra de teatro infantil que cuenta la historia que un grupo de simpáticos animales que buscan su camino luego de escapar del maltrato de sus amos. Una propuesta musical que está compuesta por actores adultos y niños , que son parte de un bello relato ideal para toda la familia.

Saltimbanquis, es un musical basado en el cuento Los músicos de Bremen de los Hermanos Grimm. Es una obra que habla de la unión, del respeto por el otro, la solidaridad y la buena convivencia en comunidad. Cuenta las aventuras de cuatro animales que fueron explotados por sus amos y deciden huir hacia la ciudad para probar suerte como banda musical.

Un burro, un perro, una gata y una gallina son los protagonistas de la historia , van apareciendo de a uno , todos con una historia en las que se han quedado solo luego de su paso con los humanos. Inmediatamente logran hacerse amigos , tienen el objetivo de llegar a la ciudad y formar una banda musical . En su recorrido descubren que sus sueños y fantasías pueden ser distintos a los que creían en un principio, todo esto lo aprenden a través de la unión y la amistad , uno de los valores más importantes para ser fuertes y no estar solos.

La obra es muy bonita en su premisa , su puesta escénica también lo es. Cada actor que compone a los animales en escena , posee un carisma y color particular , que se hace imposible no tomarles cariño de inmediato. La obra también cuenta con niños que son parte del ensamble del espectáculo, algo ideal e inclusivo ya que va dirigido a toda la familia, en el que también participan los más chicos. Además del divertimento , está el mensaje o la moraleja que todo cuento sabe dejar. Más allá de toda la fantasía existente en el relato , el papel que cumplen los animales, que en muchas ocasiones sufren el maltrato de los humanos , responde a algo real y se busca una forma entretenida para hablar y tomar consciencia sobre ello.

Esta obra ya tuvo su paso por el Teatro Regio y el San Martin , teniendo su espacio fundamental durante las vacaciones de invierno. Ahora su reestreno en Ciudad Cultural Konex, bajo el marco de «Konex para chicos» los días domingos a las 16 hs. Esta sala permite el impecable despliegue en escenografía y vestuario , además del amplio lugar para el público, donde los chicos inevitablemente salen de sus butacas para jugar.

Debo hacer una crítica sobre esta función , pero va dirigido al publico. Primero, toca hablar de la gente que llega demasiado tarde, al estar con chicos el espacio se ve obligado a dejar entrar al público aunque llegue media hora empezada la función. Y la segunda cuestión son los celulares , se que es lindo poder documentar una salida en familia , pero no sé si se llega a disfrutar un espectáculo del todo estando filmando. Es solo una opinión y necesitaba remarcar.

Saltimbanquis es una obra ideal para salir en familia y divertirse tanto los más chicos como los grandes. Muy buenas actuaciones por parte de un elenco que también incluyen niños y un más que bonito mensaje que nos deja la obra sobre el teatro hacia los animales.

Domingos de mayo16 hs.

Entradas: $230, $280 y $330 (según ubicación)

Gran Sala

Menores abonan a partir de los 2 años

No se suspende por lluvia

Entradas por Ticketek

Hemos tenido el placer de ir al teatro Lola Membrives y disfrutar de la obra Sugar, que ha estrenado el año pasado con mucho éxito, teniendo a Susana Giménez en la producción y con las actuaciones de Griselda Siciliani, Federico D’elia y Nicolás Cabré. Desde hace poco , el rol de Sugar lo ocupa «Laurita» Fernández, una grata sorpresa que se une a una comedia desopilante y con un gran nivel del producción.

La historia está ubicada en Chicago en 1929, durante el periodo de la ley seca norteamericana, cuando dos músicos se ven obligados a dejar la ciudad después de ser testigos de un enfrentamiento entre dos bandas de gángsters

Es imposible no quedarse encantado con el nivel de producción que existe desde un principio, que va desde lo escenográfico, los vestuarios y el notable ensamble con que la obra cuenta y eso solo es el inicio. La historia es bastante simple pero resulta efectiva en cuanto al espectáculo que se quiere montar , por un lado una comedia de tono absurdo y por el otro un show lleno de música y glamour. Aunque la obra se llame Sugar , el protagonismo le sigue a dos hombres que son testigos de un asesinato por parte de gangsters americanos y para poder escapar se disfrazan de mujeres y se unen a una orquesta compuesta solo por Señoritas. Allí se encuentran con Sugar , quien es la gran estrella del show , hermosa y talentosa , pero quizá algo despistada y «tonta» cuando hablamos de amor. Estos dos hombres que solo usan vestidos, pelucas y algo de maquillaje (uno bastante mal maquillado) quedan encantado con esta chica , al punto de intentar ligar con ella , acercándose desde el lado de «amigas». La puesta resulta divertida por la soltura en que se desempeñan los personajes , de lo absurdo que en momentos llegan a mostrarse , dejando espacio para reírse también de ellos mismos junto al público. Después la historia se las arregla sola para tener la excusa para montar un show musical , notorio y al mejor estilo de Broadway.

En cuanto a las actuaciones , la dupla Nicolás Cabré y Federico D’Elia funcionan perfectamente en la comedia , como mujeres son terribles pero en ningún momento se busca la personificación femenina de forma ideal , sino que esa manera absurda en que se visten es lo que hacen graciosos a sus números , se podría hacer una comparación con los hombres que se visten de rubias en aquella película que siempre suelen repetir en la televisión. Cabe destacar que Cabré roba varias escenas , maneja su humor característico y funciona.

Párrafo aparte para hablar sobre la participación de Laura Fernández en el show. Ella canta baila y actúa con gran soltura , si bien su personaje es más bien es el hilo que conduce la historia de los otros dos personajes , pero aún así tiene su momento para brillar. Brilla en los números musicales , acompañada por un ensamble que le permite lucirse. Grata sorpresa por la nueva incorporación.

Sugar es un más que agradable show , que vislumbra gracias al nivel de producción que posee, pasando por distintos escenarios y vestuarios que nos llevan a un lugar colorido y glamoroso. Su historia es sencilla pero cumple con su cometido que es entretener , buen trabajo de todo el equipo que compone esta obra musical.

Ver y no ver” de Brian Friel, el título original es “Molly Sweeny” indaga en los miedos de una mujer quien ha convivido con la ceguera desde la niñez. En un mundo de capacidades diferentes pero suyo. Ese mundo entra en conflicto cuando surge la posibilidad de ser operada y recuperar la vista.

La obra original es de Brian Patrick Fiel (1929-2015), dramaturgo irlandés considerado el más importe del siglo XX, conocido como “La voz universal de Irlanda” y con puntos de encuentros con el estilo literario de Chejov.

La obra está basada en una historia real, la del brillante neurofisiólogo inglés Oliver Sacks del cual era gran amigo de Brian Friel. En la ficción toma el nombre de Martin Sweeny. La adaptación, traducción y dirección han sido a cargo del prestigioso Hugo Urquijo.

El personaje de Martin Sweeny es interpretado por Arturo Bonín. Un hombre perdidamente enamorado de su esposa. A pesar del amor que le profesa, se encierra en su necesidad de que ella vuelva a ver, discapacitado para compartir con ella, sus miedos y angustias. Esta impotencia es solamente porque es un ser humano, que vive otra capacidad, la de haber nacido viendo y que asume que ella no puede ser feliz en el mundo que vive.

La esposa ciega Any Sweeny es interpretado por Graciela Dufau y un tercer personaje el oftalmólogo en la ficción el Dr Vasserman interpretado por el actor Nelson Rueda.

La obra gira sobre el análisis del dilema entre el ver y el comprender. Donde cada uno, se mueve como un ente aislado, en su eje, con su visión propia y no intenta salir de ella para conocer y compartir la del resto.

El personaje del oftalmólogo, con insomnio el día previo a la operación, porque tiene miedo que fracase. Una mujer obsesionada en cancelar la operación, porque su mundo, el de la ceguera es perfecto y un marido que no puede entender que su mujer sea completa en ese mundo.

No contaremos más de la historia, pero a esta problemática, el valor agregado de cada personaje, se lo dan tres excelentes intérpretes. Graciela Dufau, con una dicción perfecta, con un dominio del escenario, en su rol de ciega, chocando con sillas y con miedos. Un Arturo Bonin, dinámico, sentándose en un escalón preparado para la puesta donde sus reflexiones las comparte con el público de una manera tan verosímil, que me sentí como si estuviese tomando un café con Martin Sweeny y él contando sus angustias. Un oftalmólogo que permanece de pie, porque es la postura distante, la del equilibrio del profesional, un equilibrio que nunca llega a demostrar porque además de médico es un ser humano, que debe remar contra las dudas, los miedos propios y del paciente, además de las esperanzas depositadas en él, por parte de su amigo.

La obra se da en el Teatro La Comedia, los días miércoles (21 hs) y sábados / domingos a las 18 hs. Tengan en cuenta, que va a estar en cartel solamente en mayo, habiendo una función de despedida el 25 de mayo.

No se la pierdan. Al finalizar los llevará a la reflexión, aplicando perfecto la frase de Antoine de Saint Exupéry que dice: “Para ver claro, basta con cambiar la dirección de la mirada”.

Sunset Boulevard es una obra de teatro musical que ha sabido cautivar al público en Broadway, contando la historia de una actriz en decadencia que no ha sabido encontrarse luego de aquel histórico traspaso del cine mudo al hablado. Esta adaptación de un film del mismo nombre responde a un espectáculo con la firma del gran Andrew Lloyd Webber, con el protagónico de Glenn Close en su versión original. Aquí tenemos a Valeria Lynch en el papel de Norma Desmond, un personaje que está a la altura de esta artista con un impresionante registro vocal, y cuya interpretación ha resultado sorpresivo y muy interesante. Tampoco debemos olvidarnos del gran elenco que la acompaña…

Dejemos de lado a Norma Desmond por un momento , ya que la historia en realidad se centra en Joe Gillis, un guionista que parece estar destinado al fracaso dentro de una industria tan imponente como exigente. Una serie de sucesos hace que Joe termine en la mansión de una actriz que ha sido muy importante para el cine mudo pero que actualmente no se la ve en pantalla, ella es Norma Desmond. La actriz incapaz de aceptar que sus días de gloria ya pasaron, sueña con su retorno triunfante en la gran pantalla para lo que requerirá la ayuda de su guionista caído del cielo. Este hombre toma el trabajo como vía de escape de los problemas económicos que posee, se aprovecha de la situación desesperada de la millonaria actriz convirtiéndose en amantes , algo que terminará en una relación obsesiva y peligrosa.

Mariano Chiesa interpreta al personaje que sirve como hilo conductor de esta historia, un hombre que a pesar de sus constantes decisiones erróneas , tiene sueños y fantasías en si mismo , plasmadas en las historias que esconde bajo su pluma. Su encuentro casi accidental con la actriz norma Desmond en un principio sirve como una vía de escape , hasta que ciertos sentimientos se cruzan , aunque no es amor lo que sienten ninguno de los dos , es más bien el confort que existe al salir de una situación desesperada. Este personaje sirve también para recorrer el mundo del cine en aquella época, sus pasos por los estudios cinematográficos, la relación con amigos que son parte del ambiente y el amor que surge con alguien inesperado y prohibido. Todo este recorrido funciona también para mostrar una puesta con mucho color y música , algo característico de aquella llamada época dorada del cine. Y en su contraste tenemos el drama , la decadencia en persona, esa actriz si bien sigue vigente con sus sueños de gloria vive dentro de un pozo del que nunca a podido salir y así se ve reflejada en la relación con el guionista.

Ambos actores se lucen en sus papeles , Mariano Chiesa ha sabido dirigir el curso de la historia , el carisma y el talento que posee en el terreno del musical es algo que logra verse con notoriedad y se ve reflejado en la química con su contraparte femenina. Valeria Lynch logra acaparar la atención en sus escena , tal como debe ser la actriz , la artista se come dicho personaje sorprende tanto en su registro vocal como en lo interpretativo. Vayamos a lo claro , Norma es una mujer que en su locura que ha comido el personaje de estrella de cine, pero no es capaz de razonar fuera de su fantasía y es eso lo que lleva a que todo pueda terminar en tragedia. El resto del elenco está puesto para hacer brillar el espectáculo , en aquellos momentos donde se monta aquel mundo del cine , la ambientación de la época y sobre todo la alegría en su música. Los actores en escena son más que experimentados en el género musical y su presencia está a la altura de las circunstancias.

Algo que también es imprescindible destacar es el nivel de producción que se ha montado en el hermoso escenario del teatro Maipo. Desde la escenografía hasta cada uno de los vestuarios que posee Norma Desmond y todos los personajes denotan la calidad artística y la inversión que se ha hecho en este producto. El trabajo de adaptación también está bien resuelto , claramente las canciones están traducidas, para los que conocen la obra original el cambio es bastante sutil.

Sunset Boulevard es una obra que merece ser vista , primero por su impecable producción , que no tiene mucho que envidiarle a Broadway. Luego por la participación de artistas como Mariano Chiesa, Rodolfo Valss y sobre todo la gran Valeria Lynch , quien se anima a poner su imponente voz y también el cuerpo a una mujer fuerte y llamativa, aún en su locura. Un musical completo e impecable al que debemos prestarle mucha atención , y disfrutar desde nuestro papel de espectador.

Autoría y Letras: Don Black y Christopher Hampton

Música: Andrew Lloyd Webber

Dirección: Claudio Tolcachir

ELENCO

VALERIA LYNCH

MARIANO CHIESA– RODOLFO VALSS – CARLA DEL HUERTO

MARIANO ZITO – JORGE PRIANO – RODRIGO SEGURA

JIMENA GONZALES – MARCELO DE PAULA – CRISTIAN CENTURIÓN

SILVINA NIETO – WALLY CANELLA – EMMANUEL ROBLEDO ORTIZ

MARIANO CONDOLUCI – PATRICIO WITIS – PABLO GARCÍA

KARINA BARDA – LAURA MONTINI – ANA DURAÑONA

MARÍA HERNÁNDEZ – MENELIK CAMBIASSO – IRINA RAMIREZ

BELÉN CABRERA – FACUNDO MAGRANÉ

HORARIOS

DE MIÉRCOLES A VIERNES 20.30 HORAS

SÁBADOS 19.00 Y 22.30 HORAS

DOMINGOS 19.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300

TEATRO MAIPO

Esmeralda 443 – CABA

Este gran clásico de la religión judía vuelve a Buenos Aires a la calle Corrientes, mas precisamente en el Teatro Astral, de la mano del director Gustavo Zajac, con Raul Lavie como cabeza protagónica de la obra y gran elencos.

Esta historia se sitúa en Rusia, en un pequeño pueblito de Anatevka, en el siglo XIX. Allí encontramos a Tavye, un trabajador lechero con su esposa y tres hijas en plena adolescencia. El conflicto de la obra es mantener la tradición como siempre lo fue en esa época y el futuro matrimonio de sus hijas, que es casarse con su misma religión, al padre se le debe pedir la mano de la hija, y que el futuro marido tenga un buen pasar económico para que ella tenga una vida feliz. Pero todo sale al revés. Debe lidiar con un joven rebelde que es nuevo en el pueblo, la felicidad de su hija que no va con la tradición judía y enfrentarse con sus vecinos. En si, enfrentar pensamientos distintos.

Con un gran elenco de actores, cantantes y bailarines, la obra con un intervalo de por medio, es muy entretenida. Voces como Raul Lavie y Florencia Otero destacan en la puesta . Además, le suma mucho la escenografía para demostrar ese entorno antiguo, de pueblo con mucha historia con revoluciones a su alrededor. Con una sola escena y puesta de luces alcanza a contar toda la historia.Los bailes y canciones con estilo judío, te ayuda a entrar en clima y ser parte de ella.

Esta obra con una buena producción, e interpretes con experiencia que saben cómo desenvolverse en un musical. Es un recomendable espectáculo que invita al público a ser parte de una clásica historia de forma renovada .

Reseña de Diana Decunto

En Ciudad Cultural Konex, estuve en la primera función del año 2018, el sábado 5 de mayo, viendo la propuesta renovada del grupo URRAKA presentando Opera Prima. Un espectáculo para todo público, liberadora de risas. Al cerrar telón, el público aplaudió de pie, ovacionándolos por tan maravilloso momento compartido.

A escena suben cinco hombres y una chica. El director general Emmanuel Calderón ha logrado de ellos lo mejor que se puede lograr en el arte del clown. La dirección musical a cargo de Roberto González, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez logró con instrumentos no convencionales demostrar que todo sirve a la hora de dar brillo al ritmo e interpretación musical. Entre los recursos, podemos mencionar: tablas de lavar, tubos de plástico, chapitas de gaseosa, botellas de vidrio, barriles de plástico, etc.

La obra no tiene diálogo, no lo necesita, no hay una trama pero si un hilo conductor. Son tan particulares, solo ellos logran ser seis actores, subiendo siete personajes, a escena. Recurren a lo mejor de sus dotes de actores, músicos, clowns y bailarines. Cada uno tiene una participación principal en el escenario a medida que avanza el desarrollo. Es una puesta de dinámica permanente, manteniendo al público siempre atento.

Todos nos reímos, fue inevitable no hacerlo, apelan a elementos simples y » blancos». En música, nada tienen para envidiarle en calidad a los Le Luthiers.

El elenco joven formado por Agustin Alfonso, Emmanuel Calderón, Christian de Castro, Mariana Mariñelarena, Lucas Rivarola, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez estuvieron un año y medio de ensayos. El producto final, es la evidencia del esfuerzo invertido y por eso recibe el cálido afecto del público.

En la cartelera del Konex, están anunciado, por el momento, 4 (cuatro) funciones, dos en mayo, la próxima función el día 26. En junio las funciones son los días: 9 y 23 siempre cae sábado a las 20 hs.

Urraka es un grupo que hace ya diez años que están en cartel, han estado también en Brasil, Chile y Uruguay en diversos festivales.

Merecen ser visto, es justo el aplauso, y como pasó en la primer función, el público siempre, les va a pedir “que no se vaya, una más»

Clasificaciones: Todo público

Ficha técnica

Actores: Agustin Alfonso, Emmanuel Calderón, Christian de Castro, Mariana Mariñelarena, Lucas Rivarola, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez

Director general: Emmanuel Calderón

Dirección musical: Roberto González, Juan Gudiño y Pedro Rodríguez

Coreografía: Christian de Castro

Diseño y operación de iluminación: Gabriel Rivero y Emiliano López

Vestuario: Carlo Cappa

CIUDAD CULTURAL KONEX
Sarmiento 3131
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: 4864-3200
Web: http://www.ciudadculturalkonex.org

Reseña Diana Decunto