Las mil y una voces

Todos conocemos las historias de ‘Las mil y una noches’, complicación de cuentos medievales del oriente medio (persia en su mayoría). Desde Alí babá, Aladino, las alfombras mágicas, el genio,el ábrete sésamo y el Sultán Sharhriar… Todos estos en relato tienen un narrador encontrado, una narradora: Scheherezade.
Scheherezade es la voz de la mil y una noches, en un mundo tan abstracto al occidental, ¿Hay otras Scheherzades que tengan la oportunidad de contar su historia?. ¿Hay alguna Scheherezade argentina?

»Esto no es una obra. Tampoco es un ensayo. Mil y una preguntas que se vuelven narraciones, o narraciones que devienen en preguntas. Doce cuerpos en escena buscando alguna respuesta posible. ¿La hay?» Es la reseña de la obra experimental de Sebastían Suñé y Jimena del Pozo Peñalva.



Atiana Ramoa, Camila Peralta, Cecilia “Fabu” Rodríguez, Karina Hernández, La Pichi, Lucía Adúriz, Nashy-Nashai, Nicole Vázquez, Nina Brugo, Rebe, Sabrina Lara, Sara Córdoba. Es el amplio elenco de esta obra, en este se encuentran actrices profesionales y no profesionales. Todas con historias muy distintas entre sí pero unidas por el feminismo, movimiento que no se vuelve único ya que el material demuestra los diferentes tipos de feminismo, aquel que incluye desde trabajadoras sexuales, corporalidades diversas, mujeres trans e identidades de género y raciales.

Gonzalo Córdoba Esteves es quien realiza la atractiva escenografía de esta obra: Mesas de madera movibles, una escalera y sillas, forman parte de los elementos que se adaptarán a los distintos actos que se presenten. Marisol Castañeda es quien realiza estas delicadas y hermosas burkas negras en las cuales las actrices, van a mutar hasta poder ser la Scherezade de la historia. El apartado audiovisual está conformado por la música original de Marie Perticari, la cual nos lleva a lo experimental árabe, lo instrumental y lo urbano, junto a las visuales de Gonzalo Quintana, nos introducen aún más en la dirección de Jimena del Pozo.

Jimena del Pozo es capaz de mostrar 12 historias entrelazadas entre sí con un texto disruptivo, sagaz y original, el cual viene a replantear nuestra visión del feminismo desde los medios, la sociedad, la política y lo personal. Jimena del Pozo nos trae sus mil y doce noches en un show que combina la comedia, el drama, la crítica y la autocrítica y una mirada directa a los problemas sociopolíticos que siguen estando y no son fábulas orientales.

¿Una y mil? se presenta en el Complejo Cultural San Martin los miércoles y viernes a las 20:30hs. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Sofía Luna Roberts

El director y dramaturgo Flavio Abraldes nos presenta su obra “90 cts” sumergiéndonos en la crisis del 2001 y nos invita a reflexionar sobre las desigualdades sociales vigentes. Con la interpretación de Brenda Fabregat, Daniel Ibarra, Antonella Fittipaldi, Diego Lorenzo y Flore Marsal, esta pieza teatral se presenta todos los miércoles a las 22 hs en el Teatro El Grito (Costa Rica 5459).

En algún lugar suburbano se exhibe un contexto de crisis social, de caída de gobierno, de cacerolazo. La escena nos reconstruye la cruda realidad de una familia de clase media baja, la cual recibe la visita de una enviada de la municipalidad y les plantea que deben irse de su propiedad ofreciéndoles una indemnización muy baja. Cada uno de los personajes tendrá una mirada particular frente a la situación del país y frente a la decisión que deben tomar: quedarse a resistir o abandonar sus pertenencias e irse. Se comienza a presenciar las opiniones, intereses y necesidades de una familia fragmentada en donde la insatisfacción y la decepción toman los primeros asientos. Se dan cuenta de lo distinta que es su realidad a la que soñaron de chicos.

Nos hallamos con una escenografía de lo más interesante, con el objetivo de representar el estilo de vida en el que se encuentran los personajes: sillones sucios y escritos, un baño donde la pulcritud quedó afuera y una supuesta terraza con vista a ese lugar periférico en el que conviven. Al costado de la acción se encuentra una pantalla de televisión que ayuda mucho a ambientar cada vez más lo que los personajes nos tratan de comunicar, la transmisión de videos y fotos capta nuestra atención al mostrarnos lo que sucede en los márgenes de una ciudad.

La obra está contextualizada en Diciembre del 2001 pero, al mismo tiempo, podría decirse que transcurre en un tiempo indefinido del último milenio ya que el director no delimitó un marco geográfico ni temporal para contar algo que sucede en todos lados y todo el tiempo. Abraldes comenta “La obra habla sobre algo que es cíclico. Hoy en día veo a muchos jóvenes con problemas no resueltos sobre su futuro, y al mismo tiempo veo que para solucionar eso se plantean las mismas medidas que nos han llevado a situaciones de crisis como la de 2001. Resulta desesperante que se reciclen todos estos temas”.

Flavio Abraldes recurre al constante uso del humor para descomprimir permitiéndonos una libre visualización, ya que te puede descargar a la hora de ver un drama. “90 cts” nos invita a volver a mirarnos en el espejo y revisar el estado de nuestros vínculos, al preguntarnos cuán parecida es nuestra vida a la que soñamos de chicos. El director destaca el rol significativo de las artes escénicas y comenta que “el teatro tiene la capacidad de hacer bajar la guardia y de seducir al espectador. Es una actividad en la que a través del entretenimiento se puede proponer una idea transformadora. Y mi objetivo es que el público pueda salir de mi obra haciéndose preguntas que antes no se había hecho”.

Por Sofía Luna Roberts

A partir del texto “El coloquio de los perros” de Miguel de Cervantes, el director Hernán Gené, nos presenta una alternativa que no deja de llamar la atención. “El coloquio de las perras” finaliza su gira por la Argentina este domingo 20 de marzo a las 19 hs en el Cine Teatro El Plata, del barrio de Mataderos (Avenida Juan Bautista Alberdi 5765).

Con excelentes interpretaciones de las actrices Esther Acevedo, Amaranta Munana y Georgina Rey, la obra cobra vida a partir de éstas perras que pueden hablar, pensar y rebelarse contra lo dicho previamente sobre ellas. Acompañadas de un piano feroz y canciones auténticas, las perras nos cuentan sus vidas de actrices, de madres, de hijas, de profesionales, de heroínas anónimas. Quieren hacer la diferencia y usar el don de la palabra para hacer una crítica social, para cuestionar sus roles impuestos por la sociedad; sin dejar de lado los chistes, las risas y la diversión que emanan generando en el espectador esa necesidad de seguir viendo y escuchando atentamente.

La puesta en escena es sencilla pero suficiente, no está ambientada en un espacio/tiempo concreto pero nos podemos dar cuenta de que ciertas historias están contadas desde un tiempo específico. Nos encontramos con una perra caniche que nos presenta la obra y se sienta frente a un piano, al otro costado del escenario, una perra labrador y un ovejero alemán serán las protagonistas de estos interesantes relatos que cuentan en su programa de radio. Le dan voz a lo que necesita ser dicho ahora y siempre: la igualdad es imprescindible y urgente, nos hace fuertes y libres. Es interesante cómo se producen saltos constantes entre la obra de Cervantes, el programa de radio y las historias personales de las protagonistas que van apareciendo y nos van guiando hacia la idea central de la obra.

Tres mujeres empoderadas que se divierten y nos emocionan, que cantan para rebelarse ante la injusticia, que nos muestran las dificultades que han tenido durante su vida, que nos hablan del rol (siempre secundario) de la mujer, que protestan por la inmoralidad incluso en su propia profesión. Con esta idea en mente, el director nos propone que desde el humor y la risa nos podamos encontrar con esa ola de emociones y reflexiones que tengan que ver con el fortalecimiento femenino. Todo esto es posible gracias a un montaje limpio, lúdico, contemporáneo y bello que destacan el talento y las capacidades físicas como interpretativas de las actrices.

Una entretenida propuesta llena de música y comedia, con tres extraordinarias actrices que se convierten en perras para hacernos disfrutar de todo lo que tienen que reivindicar. Hernán Gené nos presenta un texto corrosivo y muy bien estructurado, uniendo de manera muy ágil las escenas de la obra original con los momentos de tinte feminista. Estas perras dan vuelta el relato para contarlo desde otra perspectiva, porque se cansaron de quedarse calladas y se subieron al escenario para hacerse oír.

Esperar ver un calamar gigante

El amor nos Cega y controla. Cuando este es tan fuerte no nos permite ver la realidad, es como estar sumergido en lo profundo de la fosa de las marianas, esperando ver un calamar gigante. ¿Podrá el submarino salir a la superficie para poder darnos cuenta de lo que es verdad?

»Un día Bruno le anuncia a Dalmaro que se irá a una expedición al centro de la Tierra para poder encontrar al calamar gigante que siempre se le aparece en sus sueños. Dalmaro buscará y encontrará refugio en sus dos mejores amigos, El Neto y La Neta, en su bajo, en su cama y en la luz que da su lámpara». Es la reseña de la obra escrita y dirigida por Jimena Aguilar.

Con una ambiciosa puesta en escena audiovisual, la obra de Jimena Aguilar trae debates filosóficos en el plató, reflexiones sobre las relaciones de pareja y el significado del tiempo.

Con un elenco joven y talentoso conformado por: Guido Botto Fiora, Natalia Casielles, Matias Dinardo, Camila Peralta y Juan Tupac Soler. Estos personajes van a transitar entre periodos de tiempo asincrónicos, relatando mas que una historia, su visión sobre la vida.

Sin duda el apartado audiovisual es lo mas sorprendente de esta obra, las pupilas estarán dilatadas en aquellos momentos donde los nombres de los títulos aparezcan en sabanas o proyectados en la pared, los efectos de luces hipnóticos y una música en vivo interpretado electrónica que nos introduce en esta obra existencialista.

Los factores técnicos mencionados en el anterior párrafo son gracias a Mantrixa (Visuales), Ricardo Sica (Iluminación) y la propia Jimena Aguilar en la parte sonora.

Una circunstancia denominada mundo es una obra experimental, dinámica y atrapante que posee una magia inmediata, diálogos bien ejecutados y armados, una historia que interpela a cualquiera, todo es esto gracias a sus personajes y su nivel de actuación.

Una circunstancia denominada mundo está disponible en el Espacio Callejón los lunes a las 21 horas (Humahuaca 3759)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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Salvaje y pasional

«Los placeres violentos tienen finales violentos». Esta es una frase del episodio final de la primera temporada de la serie de HBO, Westworld.
Aunque se trate de una serie de sci-fi e inteligencia artificial, rescato la frase pues no está para nada alejada de la realidad. Parte de la pasión conlleva sus riesgos, pues esta puede conducir a escenarios y finales que no prevemos. Nos cega el éxtasis de la misma.

»Una mujer transita los días envuelta en sus costumbres naturales, que como la luz del sol le marcan el paso del tiempo. En medio de ese día en el que las costumbres emergen como aquello que se repite sin parar, decide dejar esa inercia que la amarra y enfrentar la noche, transformándose en un animal plagado de venganzas. Las mujeres gritan, los animales gritan, los hombres también gritan». Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Natalia Villamil.

Laura Nevole es la actriz de este potente monólogo. Con una fuerza tenaz, ella transita distintos estados, arrancando con el temple, la ira, el clímax y termina en el sosiego de la desesperanza. Nevole en su perfomance transmite tensión y asombro al espectador. Podemos ver su cuerpo hablar y gritar. Entrega todo en los 40 minutos de su perfomance. Rodrigo González Garillo es el encargado de la escenografía la cual es caracterizada por una pared con una amplia ventana, una sala de rejas y una cerca de alambre, la misma sirve para dos momentos esenciales de la obra. Carla Rimole es quien coordina la coreografía y lenguaje corporal de Nevole, ambas se complementan para darle voz a este personaje.

Como una vaca mirando un tren es un potente monólogo que deja pasmado al espectador. Es el clímax de las pasiones femeninas. Una voz que se vuelve el eco de muchas mujeres que dan todo por sí mismas y sus acciones.

Está disponible los domingos a las 19 horas en el Teatro El Pueblo (Lavalle 3636) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Por Sofía Luna Roberts

El Instituto Italiano de Cultura, el Teatro Coliseo y el Complejo Teatral de Buenos Aires, en el marco del ciclo Italia XXI, presentan el estreno del espectáculo de ballet contemporáneo “Cantata” del coreógrafo internacional Mauro Bigonzetti. La obra puede verse a partir del 19 de Marzo hasta el 24 de Abril y se presentará en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín (Corrientes 1530). “Cantata” los espera los días Martes y Miércoles a las 20:30 hs y los Sábados y Domingos a las 15 hs.

El Ballet Contemporáneo del San Martín, dirigido por Andrea Chinetti y codirigido por Diego Poblete, nos invita a un viaje efusivo y energético por las afueras de un pueblo en el sur de Italia, hundiéndose en las profundidades del Mediterráneo. Se trata de una obra muy poco narrativa y argumental, que genera un clima colectivo y emocional permitiéndonos conectar con lo instintivo del ser humano a través del movimiento, el sonido, el color y la corporeidad.

La coreografía explora las diferentes facetas de la relación entre el hombre y la mujer: seducción, peleas, celos. Va tomando forma con escenas más pequeñas en donde, cuadro tras cuadro, los bailarines se van alternando en los diferentes roles. Logran una sincronía y conexión que pocas veces he visto, ya que si bien el ballet que muestran es muy libre, es necesario que vayan iguales y que se produzca una coexistencia entre la música y sus cuerpos.

Destaco muchísimo la música del Grupo ASSURD con Enza Pagliara y Enza Alessandra Prestia reinterpretando la tradición musical del sur de Italia y exponiendo su potencia expresiva. Serenatas napolitanas, pizzicas salentinas, tammurriatas de Campania (todas formas musicales asociadas a la danza), canciones de cuna y de protesta son algunos de los ritmos que el grupo musical nos brinda sobre el escenario. La música se convierte en una especie de coreografía con movimientos violentos y enérgicos, con un lenguaje que tiene algo de salvaje, de visceral, que nos atrapa como espectadores y nos sumerge en ese mundo gestual y expresivo.

Mauro Bigonzetti nos trata de decir algo con esta pieza, trata de comunicarse con nosotros independientemente de la lengua, la cultura, la religión o las experiencias. “Cantata” es exigente, vivaz y pasional como un pueblo que, mediante el uso del cuerpo, logra expresar un lenguaje honesto y directo.

Mi distancia cerca de la tuya

Es difícil lidiar con las personas siendo introvertido. Las habilidades sociales pueda que se aprendan pero capaz hay personas que no están destinadas a ser extrovertidos. Cada quien plantea su modo de llevar la distancia que se impone ante el otro, pero esta se puede volver hostil, incómoda y termina alejando a quiénes quieres.
Por suerte al teatro venimos a reírnos un rato, este es el único medio en que podemos romper el hielo y distancias mediante sus sus historias.

«Maria y Luis transitan los primeros días de una convivencia. Cuelgan cuadros, buscan mascota, miden las proporciones de su nueva existencia. Mientras esperan la llegada de su cama, entra Carina, una ex novia de Luis. La mamá de Carina está enferma y Carina, ahora, se hace llamar Rina. Al igual que Maria y Luis, no sabe bien qué hace en ese lugar» Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Mía Miceli.

Olivia Daiez, Agustín Daulte y Julia Zlotnik, son los personajes de esta comedia presentada en el Espacio Callejón. Con un tono de comedia seca e incómoda, los personajes marcarán una distancia que termina formando muros entre ellos sobre todo porque no hay espacio para la expresión y la abertura emocional. Olivia Daiez es el alma de la obra. Su carácter cerrado, obsesivo, meticuloso y sobrepensante nos hará reír a carcajadas en momentos donde este no congenie con los demás. En sus silencios y mirada, la actriz va a transmitir emociones distintas, ¿Puede ser que el personaje de María se abra ante los demás?

La escenografía de José Escobar recrea muy bien un monoambiente de recién mudados, este se enfoca en los detalles del mismo. Mia Miceli nos ofrece un guión bien escrito y personajes marcados, dónde las dosis de humor estarán presentes en cada momento, siendo tierno el resultado final.

Cerca tuyo o de ti es una obra donde no importa las obsesiones por los detalles o lo exacto, sino la manera en que cómo buscamos abrirnos ante el otro.

Disponible los viernes a las 22:30 en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759). Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.
Instagram: cachalote94

Por Eloy Rossen

Apostar por la soledad

La creación argentino-chilena El día en que me voy a morir propone una plasticidad híbrida -desde la música hasta la dramaturgia- en la sala del Teatro Border. Utilizando un tono tanto trágico como cómico, la obra no titubea al abordar el tópico de la soledad, ese denso vacío que nos incomoda hasta las tripas.
El trabajo escrito por Laura Medina y dirigido por China Andrea Villagrán narra la historia de Dafne, una joven que, cumplidos sus treinta y trés años, se encuentra con sus propios fantasmas en la soledad de la casa que habita, tras la misteriosa desaparición de su madre. La puesta en escena crea una territorialidad mixta que parece no tener nacionalidad ni origen, variando tanto en el uso de materiales -telas, celulares, coronas de flores, micrófonos-, como en el registro del texto -posicionado en el límite entre el drama y la sátira-. Sin dudas, El día en que me voy a morir propone una pieza imposible de categorizar, propia del diverso y gran espectro artístico que es el teatro independiente.

Tres intérpretes ocupan el escenario, cubiertos por telas blancas que se expanden desde el proscenio hasta sus cuellos, bañando tanto sus piernas como brazos en pintura negra. A esta imagen tan terrorífica y terrenal, se le antepone un video proyectado en el fondo, que refleja al mismo público, filmado por una cámara en el escenario, ingresando a la sala. Antítesis como estas se repiten en la música -reproduciendo tanto canciones chilenas de Arturo Millán, como estadounidenses de Chris Isaak- y en la iluminación -utilizando no solo las luces de la sala, sino linternas, celulares, entre otros-. La corporalidad de los actores, tanto como los instrumentos utilizados en escena, tampoco ocupa un rol definido, sino que troca constantemente la representación de los personajes, permitiendo una lectura más abierta de lo que se dice en escena. No es casualidad que el registro de los intérpretes también mute constantemente, introduciendo parlamentos con acento chileno o con voces caricaturescas, a los que se les contrapone soliloquios tensos y dramáticos. El día en que me voy a morir juega con la diversidad de materiales a su alcance, y aprovecha ese choque estético como base para la densa trama que se propone a desarrollar.
La pieza parece tomar la idea de la muerte como sostén de la historia, pero la dramaturgia de Laura Medina habla clara y propiamente de la soledad, que parece algo todavía más espeluznante. El recorrido por el que atraviesa Dafne invita a repensar la connotación social que se le coloca a la soledad, el valor que tiene una mujer encerrada en su casa, discutiendo con ella misma. ¿Cómo sobrellevar el tránsito de los vínculos complejos? ¿Es saludable la imagen de una mujer recluida en su hogar? Apostar, desde el teatro, por una historia como ésta, indudablemente significa cuestionar qué se debe y no mostrar en un escenario, dónde están los límites de lo que se debe narrar y lo que no.
La cooperativa autogestiva de Medina y Villagrán decide alojar la obra en el primer teatro sustentable de la ciudad de Buenos Aires, el cual utilizó para su construcción materiales reciclados como pilas o tapitas de chapa e incluyendo espacios como terrazas verdes o jardines verticales. El Teatro Border parece ser el espacio más adecuado para hospedar El día en que me voy a morir, que también, paralelamente, plantea el cruce entre elementos desechables y terrenales con elementos tecnológicos y funcionales, para lograr la apertura a otros imaginarios fuera de “lo bello”, fuera de “lo establecido”.

La coproducción de Medina y Villagrán ciertamente cuestiona los modos de hacer teatro, los métodos que debe poseer el cuerpo de un intérprete, los instrumentos que se prestan para una puesta en escena. En una narrativa puntillosa, El día en que me voy a morir atrae al espectador hasta el borde de su butaca, y una vez que lo tiene ahí, lo arrastra hasta el escenario para envolverlo en el universo solitario que evoca la historia de Dafne.

El día en que me voy a morir está todos los sábados a las 22.30h en el Teatro Border. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral.

Secretos de familia

Los vínculos familiares son indestructibles, más aún cuando están reforzados con secretos, aquellos que no pueden ser revelados pues involucra el colapso de una familia. A veces, afrontar la verdad suele ser la mejor idea para sanar, perdonar o castigar, pero en este caso, las aguas del delta guardan este secreto hasta el final.

»Una adolescente y su madre viven en la orilla del arroyo Chania, en la segunda sección del Delta del Tigre. Acaban de arrojar el cuerpo del padre muerto al arroyo. La obra transcurre en el muelle, a la espera. Inés y Matilde deben enfrentar la difícil situación de encubrir el crimen y seguir viviendo bajo la sombra de una presencia que las acecha aún muerta». Esta es la reseña de la obra original de Guadalupe Fernández Peña.

María Lía Bagnoli, Camila Cahn y Sergio Zanardi forman parte del elenco de esta obra ambientada en el Delta. Estos personajes deambulan entre el trauma, la desesperación, el miedo y la sororidad, sobre todo los personajes de Lía Bagnoli y Cahn.

La escenografía está a cargo de Laura Cardoso. Su recreación de un puerto hogareño del delta es sencilla pero muy precisa. Aprovecha los espacios habituales del centro cultural para expandir el escenario. Ine Güemes y Juan Nazar se encargan de componer la música original. Elemento que unirá madre e hija y las ayudará a escapar del trauma,

En Animal de Río se luce una joven promesa de la actuación y no es más que Camila Cahn. En su rol nos transmite inocencia pero sobre todo mucha fuerza, siendo este el personaje que acapara la obra de una manera muy talentosa.

Animal de Río es un drama necesario pues nos deja en claro lo fuerte que pueden ser los vínculos madre e hija, lo mucho que pueden resistir ante adversidades y los secretos que esconde el delta.

Disponible los domingos a las 19 en Espacio Polonia (Fitz Roy 1477). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Enseñar a olvidar

Parte de las canciones de amor hacen énfasis en el olvido, objetivo que no se logra pues resulta una tarea árdua el despegarse del llamado amor verdadero.
Si bien podemos entrar en plan de cursis al contar nuestras experiencias amorosas, cuesta decir la verdad sobre qué tan fácil fue olvidar a aquella persona que significó tanto para nosotros.

»Ambos viven como si comprendieran que todo lo que se opone a su amor lo intensifica para exaltarlo infinitamente.
Necesitan uno del otro para sentirse vivos y saber que pueden seguir adelante con una vida que se les impuso. En la ausencia del otro, es el recuerdo de esos momentos los que los mantiene vivos.
Amantes atemporales que no pueden escapar a su destino trágico. Viven una y otra vez el final anunciado del amor prohibido. No pueden evitarlo y todo vuelve a empezar». Así reseña Darío Dukah su versión del libro de Marco Antonio de la Parra.

El propio Darío Dukah junto a Tania Marioni, protagonizan esta comedia romántica presentada en el Método Kairós.
Un escenario tenue que simula ser un discreto restaurante, una pantalla y una cámara vouyer, serán los elementos que permitan contar esta apasionada historia.

Dukah también se encarga de la escenografía y diseño de luces. En un espacio tan acortado, los personajes deben desenvolverse con mucha energía, coreografiando sus movimientos y coordinándose en los momentos de alta intensidad.

La química entre Dukah y Marioni es estupenda, ambos interpretan a personajes carismáticos y alocados por la intensa pasión, lleno de contradicciones y muy humanos a la hora de expresar su deseo. Olvídame es una obra coqueta e hilarante, donde un almuerzo en un discreto restaurante es el clásico refugio de dos amantes en esta divertida comedia romántica.

Olvídame está disponible los sábados a los 20:30 en el Método Kairós (El Salvador 4530). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.