Análisis: Assassin’s Creed 3 Remastered para PS4

Por Daniel Alvarez

Ubisoft nos ha traído una nueva remasterización de una de sus sagas más famosas, completando la posibilidad de jugar a todos sus capítulos en las consolas de la nueva generación. De este modo llega Assassin’s Creed 3, el capítulo que ha sido la transición entre el final de la historia de Ezio y la introducción a las mecánicas de juego que se fueron introduciendo en la saga. Si bien no está en la lista de los mejores Assassin’s, pero es una buena oportunidad para probar a aquellos que no lo han jugado aún

Esta no debería ser una crítica del juego en sí, ya que lo importante radica en cómo se ha realizado el trabajo de remasterización del mismo. Su ambientación en la revolución americana, y con su protagonista Connor, son motivos suficientes para acercarse al juego los que no han tenido la oportunidad. En relación a su versión anterior, que la he jugado en una Xbox 360, llega a notarse la mejoría en su apartado gráfico y en el rendimiento del mismo juego, aunque también es necesario decir que el juego tampoco está envejecido para requerir un gran trabajo de remasterización, sino más bien es una cuestión de compatibilidad con las consolas de nueva generación, hablando más precisamente en el caso de Playstation. Cómo complementos interesantes, este episodio cuenta con los DLC incluidos, además del juego Assassin’s Creed Liberation, que hay sido el juego de la saga lanzado para Playstation Vita.

Si hay algo de lo que puedo quejarme, y que me ha pasado con esta nueva experiencia con este juego, ha sido la cantidad de Bugs con los que lamentablemente me he encontrado. Si bien en la mayoría de los caso no ha afectado a la jugabilidad, pero si en dos casos puntuales lo ha sido, teniendo la obligación de reiniciar la misión en uno de ellos, porque el objetivo al que debía asesinar había quedado trabajo y no se podía cumplir la misión. Y esto no quiere decir que el juego sea un desastre, porque no lo es, tanto su historia como su jugabilidad son muy entretenidas pero si resulta necesario hablar sobre estas cuestiones, más si se trata de un juego al que se le está dando un lavado de cara, dónde es mejor estar atento a ciertas correcciones.

Su jugabilidad es tal cual la conocemos en la saga, la exploración y las misiones siempre están presentes. Esta entrega se ha caracterizado por introducir las misiones al estilo batalla naval, empezando con el control de los viajes como capitán del mismo, algo que después fue mayormente explotado en Black Flag. También existe la posibilidad de contabilizar el progreso que se tiene dentro del juego , y volver a realizar las misiones para aquellos que están interesados en completar el juego al 100%

La realidad es que Assassin’s Creed 3 corre de forma muy fluida en PS4, quizá donde falla un poco es a la hora de cabalgar. Aún así se puede hacer halago del trabajo de remasterización, que sirve como algo simbólico para tener la saga completa es la nueva generación de consolas. Assassin’s Creed Liberation también es un juego efectivo en su propuesta, que si es verdad que cuenta con una mayor limitación gráfica, motivo también es que el juego fue lanzado para Playstation Vita, pero sirve como un entretenido complemento para aquellos que quieran continuar con el juego, que también es más corto en su duración.

Assassin’s Creed 3 Remastered nos da la oportunidad de revivir esta entrega de la famosa saga de Ubisoft, además de completar el catálogo de la serie en las consolas de esta generación. Hay que destacar el buen trabajo de remasterización, debido a que podemos notar su notable apartado visual combinado con el rendimiento de su jugabilidad. Como parte negativa, el título sufre de sus numerosos Bugs, con los que algunos han afectado a la jugabilidad. En términos generales, es una buena opción para aquellos que no llegaron a probar este capítulo o los fans más acérrimos de la saga. El juego es completo en contenido, haciendo valer la pena el precio de su adquisición.

Lo mejor:

-El juego en sí mismo, es una entrega con una historia y ambientación más que interesante

-Los complementos del juego : DLC y Assassin’s Creed Liberation

-El trabajo de remasterización

Lo peor:

– Los numerosos Bugs, que pueden afectar a la jugabilidad

-No es uno de los mejores capítulos de la saga, pero sigue siendo un buen Assassin’s

Calificación 7.5/10

Análisis: The red Strings club para Nintendo Switch

Por Matías Dinardo @matidinardo

“The Red Strings Club” es un juego de la empresa española Deconstructeam que plantea una muy interesante narrativa. Es un gran relato de ciencia ficción futurista, dentro del subgénero cyber-punk y por momentos funciona como un mega revival de los juegos gráficos que basaban su fuerte en los diálogos para hacer avanzar la historia.

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Como el título lo indica, este es el “club de los hilos rojos”, es decir que la historia se bifurca hacia distintos lares según nuestras decisiones. Además, es el nombre del bar donde la gente va a ahogar sus penas y sacarlas a la luz. La trama gira alrededor de tres personajes (a los que usaremos a lo largo del juego) una androide con emociones llamada Akara, un camarero taciturno sin implantes y que además es broker de información llamado Donovan y un hacker neuronal llamado Brandeis. Estos dos últimos son pareja y la verdad no es común ver parejas de hombres en videojuegos y que además, no son para nada estereotipados. Incluso en un momento hay que averiguar el antiguo nombre de un personaje que se cambió de género. El juego marca tendencia a correrse de lugares comunes y esto se agradece, ya que funciona como para abrir cabezas (¿hackear cabezas?). Entonces, como decía, Brandeis es hacker neuronal, muchas personas en esta sociedad tienen implantes que ordenan sus organismos cual computadoras y así pueden controlar sus emociones y pensamientos. Y acá es donde aparece la trama conspirativa con una corporación llamada Supercontinent Ltd, que quiere implantar el Bienestar Psíquico Social a toda la humanidad, incluso a los que no llevan implantes.

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Es muy interesante el planteo moral y ético llevado a cabo por el juego y como nuestra opinión y decisiones importan, ya que el juego nos devolverá planteos que nos harán generar muchas preguntas. De hecho los hilos rojos son una excusa para hacernos dudar de nuestras propias decisiones.

¿Es ético controlar la ira, la depresión o el miedo? ¿Sirve la tristeza? ¿Qué pasa si con un botón pudiéramos evitar todos los asesinatos y suicidios del mundo? Porque una cosa es control mental y otro el social, ¿no? ¿O van de la mano? No sé las respuestas tan fácilmente, aunque la cuestión es que este juego/historia nos hará filosofar de lo lindo sobre nuestra humanidad y las sociedades que conformamos.

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Las dinámicas de juego son más o menos simples y son tres: haremos implantes con un torno, prepararemos bebidas especiales y llamaremos por teléfono de línea (sí, en el futuro). Son interesantes y a veces algo complicadas, pero no son el fuerte de la obra.

Este juego es muy recomendable para todo el que le agrade las historias bien planteadas de ciencia ficción y las elucubraciones sobre el futuro con muchas y muy buenas aristas.

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Lo mejor:

– Definitivamente la historia. Tené en cuenta que pasás más tiempo leyendo que cualquier otra acción.

– Pixel-art muy bien logrado.

– La mecánica “Elige tu propia aventura realista” le sienta bien.

 

Lo peor:

  • A veces se torna algo aburrido por el “trabajo” que implica resolver el juego
  • Cuesta delinear fácilmente ciertos personajes a simple vista.
  • Los controles de la Nintendo Switch no son ideales.

 

Calificación 8/10

Análisis: Mythgard para PC

Hemos analizado el juego Mythgard para PC, un juego de cartas del tipo free to play desarrollado por Rhyno Games inc. El juego nos introduce a un mundo donde coexiste los dioses de distintas mitologías y los humanos mezclado con el género de cartas en su jugabilidad.

El manejo de este título es a través de los carriles, donde uno utiliza a los personajes elegidos que te describen a que enemigos pueden atacar y que encantamientos ellos pueden hacer. Si estilo de combate es muy sencillo, y a su vez bastante entretenido, donde la competitividad es uno de sus puntos más fuertes. Tus secuaces solo podrán atacar los espacios que se encuentra enfrente de ellos y sus dos espacios adyacentes. El título permite la libertad de hacer tus mazos y combinar con cualquier tipo de carta. El tiempo de aprendizaje del juego es relativamente corto, manteniendo una dificultad moderada basada en la estrategia. Todos sus recursos funcionan bastante bien, brindando una experiencia entretenida, aunque quizá algo limitada para aquellos que no están amigados con este género en particular.

El juego cuenta con una variedad de modalidades para su uso, que van desde su modo historia hasta distintas formas de juego en línea. Si bien se trata de un juego free to play, donde existen las micro transacciones, el contenido gratuito es bastante completo para disfrutarlo sin la necesidad del pago inmediato. Las transacciones funcionan para obtener paquetes de tarjetas, que también son de utilidad para aquellos que se pasan varias horas con el.

Si hay algo que se destaca mucho en su apartado técnico, es toda la banda sonora con la cual está construido el juego. La música acompaña de forma muy eficaz a la ambientación del juego, cargado de mitologías , dioses y monstruos. Existe una total armonía entre lo sonoro y su jugabilidad. El apartado visual es correcto, con un ocurrente diseño de personajes y una pantalla de juego que si bien es simple, cumple con su cometido.

Mythgard es un juego free to play, que nos introduce a una historia llena de mitologías dentro del género de cartas. Un título bastante completo en modalidades para su sistema gratuito. Para aquellos que les interese meterse en este tipo de juegos, es una opción simple y que se puede volver un poco adictiva.

Calificación 7/10

Crítica: Una chica invisible

Por Rodrigo F. Ruíz

Sobre las dificultades de volverse invisible
En estos tiempos en que nuestras vidas cada vez más son pantallas, tiempos de red como telaraña, de soledades conectadas, de distancias, el filme “Una chica invisible” de Francisco Bendomir, estrenada esta semana en el BAFICI, llega como una de esas obras que al tocar temas tan actuales son interesantes a priori.

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Existe una inquietud compartida socialmente y a esta inquietud, a esta molestia, a este choque en las formas de relacionarse, la película responde con el humor. Comedia dramática, ya que en tono ligero se pone en juego la vida de los protagonistas, el voyeurismo ( pasión de la contemporaneidad) se pone en cuestión, es que lo que vemos ( y ve el protagonista ) al otro lado de la pantalla son un conjunto de tragedias individuales.
Los minutos iniciales del film son ilustrativos en cuál será el tono y el ritmo del audiovisual. Vemos un intento de suicidio pero la suicida para lograrlo mira un tutorial en you tube. Vemos a una niña que juega con un cuchillo, el accidente será festejado, ya que al estar grabandose, el numero de visitas a su canal se incrementa. Este es el terreno del film, entre la tensión, la puesta en riesgo de los personajes y la banalidad, la liviandad de lo actual.
“La chica invisible”; como no podía ser de otra forma, se desarrolla en espacios cerrados, donde cada uno de los protagonistas tiene su lugar diferenciado, característico. Hay un trabajo importante de la dirección de arte en este aspecto. Al cada personaje tener su propio lugar se elabora un tratamiento particular de la soledad en que habitan. Pensandolo es un film que prácticamente carece de planos conjuntos, cada personaje tiene su encuadre, su arte, y permanece aislado del resto. Esto se esclarece por contraste, cuando vemos el desayuno entre padre e hija, y este si, se nos muestra con ambos personajes en cuadro, lo que se marca, lo que notamos es la distancia entre ellos, un desayuno sin mirarse, un desayuno frente a pantallas. Este énfasis en la desconexión, en la mediación en las relaciones abunda en la película siempre tratado desde el humor.
En síntesis, el film cuenta con grandes actuaciones, un buen ritmo y logra despertar risas. En épocas de transparencia obligatoria, de completa visibilidad, la chica invisible logra entretener reflexionando sobre las dificultades del volverse invisible.

Calificación: 8/ 10

FICHA TÉCNICA
Guion y Dirección: Francisco Bendomir
Producción: Vanesa Weimer, Francisco Bendomir
Director de Fotografía: Mariano de Rosa
Dirección de Arte: Luis Montoya
Sonido: Fernando Ribero
Música Original: Pablo Crespo
Duración: 80 minutos
Género: Comedia/Drama
Año: 2019
Idioma/s: Español | Japonés
País de Origen: Argentina

ELENCO
Andrea: Andrea Carballo
Daniel: Javier de Pietro
Mauro: Pablo Greco
Juana: Lola Ahumada
Diógenes: Leandro Martín López
José: Claudio Torres
Andrea Niña: Rory Widd
Daniel Niño: Lennon Acero
Cacariana: Amancay Kazgudenian
Arcel: María Rosa Fugazot

Reseña: Arde

En el TEATRO ASTERIÓN, los sábados a las 22:00 HORAS, en la zona del Abasto, el público cuenta con la oportunidad de ver un Music Hall de alto contenido erótico, con una excelente puesta en escena, en cuanto a coreografía, música y con una propuesta clara, auténtica para mentes abiertas.

Los autores son Juan Damián Benitez y Daniel Mancilla, donde el cuerpo de ballet masculino, pone lo mejor de sí, para que se pueda apreciar cuerpos jóvenes esculturales, con un alto contenido estético, muchos Adonis en el escenarios, con el desafío de llevar adelante una pieza que desea transmitir erotismo, una sexualidad liberada de tabúes.

La selección musical es acertada, el vestuario se ajusta a las necesidades de lo que se desea mostrar, además de bailarín,un intérprete incursiona como cantante, con una voz afinada y educada, con lo cual se mecha la pieza teatral con algunos temas románticos, latinos y en inglés.

La velada es moderada por la Drag Queen Jodida, con un vestuario llamativo, con un look glamuroso, al estilo de Rita Hayworth, es quien con simpatía, originalidad se encarga de amenizar la noche, manteniendo al público, expectante mientras el cuerpo de ballet integrado por Jorge Alvarado, Juan Cruz Casteló, Brian Grosso, Elías Leguizamón, Maxi Lizardo y Oscar Velazquez, se preparan para salir a escena, con otro número musical.

La coreografía a cargo de Juan Damián Benitez, está pensado para que encuadre perfecto en el espacio escénico, donde la insinuación juega todo el tiempo, en romper barreras para avanzar un paso más al frente, jugar con fuego y acercarse a la pasión.

Una pieza teatral, bajo la dirección de Daniel Mancilla, donde sus personajes transpiran, para ponerse al servicio de la imaginación. ¡Qué mejor propuesta, para un sábado a la noche, ratonearse con hacer un poco más el amor y no la guerra! Loadas las guerras, aquellas donde la cama es el culto, basado en el respeto, sexo y amor.


FICHA TÉCNICABAILARINES:
Jorge Alvarado
Juan Cruz Castelló
Brian Grosso
Elías Leguizamón
Maxi Lizardo
Oscar Velázquez

Drag Queen: Jodida (Joel Castañeda)
STAFF
DIRECCIÓN GENERAL: Daniel Mancilla
AUTORES: Juan Damián Benítez y Daniel Mancilla
COREOGRAFÍA: Juan Damián Benítez
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Joaxs Acosta
ASISTENCIA GENERAL: Irina Galimini
DISEÑO: Walther Fernández
PRENSA: 0KM Prensa


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Especial BAFICI: Crítica del film «El diablo blanco»

ESPECIAL BAFICI – La Butaca WEB es Prensa Invitada del 21º BAFICI (3 al 14/4/2019).

EL DIABLO BLANCO (@eldiabloblancofilms) País: Argentina – Distribuidora: Magma Cine (@magmacine) / Director: Ignacio Rogers / Intérpretes: Ezequiel Díaz, Violeta Urtizberea, Julián Tello, Nicola Siri, Martina Juncadella.

Sección: COMPETENCIA OFICIAL VANGUARDIA Y GÉNERO (Premiere Mundial).

Funciones: Sábado 6 Abril 20.35h. Multiplex Belgrano / Domingo 7 Abril 14.35h. Multiplex Belgrano / Miércoles 10 Abril 22.55h. Cine Gaumont.

Crítica: CJ COLANTONIO.

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Una película que se queda a medio camino para quien tiene conocimientos sobre los clásicos films de clase B norteamericanos de los ochenta ó noventa como Pesadilla o Cementerio de animales, de los cuales -según las palabras del director en su última proyección en el BAFICI- él se basó.

Esta sin embargo tiene esa marca donde los personajes son adolescentes en plena tormenta hormonal que se van de campamento y los ataca un ser diabólico.  Como digo, está a medio camino, porque el campamento –aquí la cabaña- y el bosque están, y el ser diabólico también, casi obvio como reza su título. También circundan los diálogos vacíos que tanto bien le hacían a este género de culto, porque lo importante era la irrupción de una escena altamente erótica para que el ser diabólico atacara.

Lamentablemente para quienes respetamos éste tipo de marca de género -como lo ha demostrado Tarantino también- carece de escena erótica, hay poca sangre a excepción de prometedor inicio- y hay diálogos que comienzan a erigir una trama donde se habla de un posible embarazo; la que es completamente innecesaria.

Calificación: 3/10.

Crítica: Luchando con mi familia

Por Bruno Glas

La pasion manda

La Roca es alto, corpulento, inmenso. Cuando aparece sonríe, simpático, como con picardía. No tiene más de media hora en pantalla, pero ese magro tiempo le alcanza para brillar con luz propia. La Roca es, en el mundo de la lucha libre, uno de sus representantes. Es posible que no todos lo sepan, y el epílogo, con cierto humor, lo deja bien clarito: Dwayne “La Roca” Johnson se dedicó a la actuación después de dejar este deporte.

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En “Luchando con mi familia” a quien primero vemos aparecer es a La Roca. Me explico: no lo vemos interpretando a un personaje, lo vemos haciendo de sí mismo. Para ser más preciso, lo que vemos de él es un footage, una imagen de archivo. A través de la pantalla de un televisor, lo vemos ingresar al cuadrilátero. Esa pantalla es la que, muy emocionado, mira un pibe que sueña con estar ahí algún día. Llega su hermana menor, y rápidamente cambia de canal. La pelea que sigue entre ambos se resuelve con un gag brillante y preciso, que nos presenta a los padres. Los Knight (nunca tan acertado el apellido) son una familia de luchadores, y la lucha como tal adquirirá en el film varios sentidos. Es la lucha de Paige, por formar parte de la WWE, algo así como la compañía más grande de lucha libre del mundo. La de su Zak, que enfrenta la decepción de no haber sido seleccionado para formar parte de ese mundo con el que tanto soñó, a diferencia de su hermana. La pelea final por el título de campeón, que decidirá la suerte de Paige… y la de la película misma. El film fusiona acertadamente los momentos cómicos con los elementos más dramáticos, con un pulso que hace que el ritmo no decaiga nunca. Y así logra un humor con mucha ironía pero sin caer en el cinismo fácil (ver, por ejemplo, el genial encuentro entre la familia protagonista y los padres de la novia de Zak), y una profundidad dramática que esquiva como si fuese una trompada la tentación sentimentalista. “Luchando con mi familia” se inscribe en el subgénero de film deportivo, donde el triunfo del que se hace desde abajo tiene un lugar acuciante, y con esta premisa nos encaja un knock-out con toda la energía posible. Stephen Merchant confía en una narración clásica, construyendo en el camino personajes memorables: desde el padre de Paige, suerte de hooligan bruto pero de buen corazón, hasta sus compañeras de entrenamiento, que desarman el estereotipo que a simple vista podían encarnar. Sin dejar de lado tampoco al entrenador de la WWE, un Vince Vaughn imperturbable, y responsable de algunos de los mejores chistes del filme.
Sólo cuando la película muestra el conflicto entre los hermanos, con pelea en el bar de manual, tambalea un poco. Allí el peso dramático se torna explícito, poniéndose por encima de lo que, hasta el momento, era una narración ligera y atrapante. Pero el filme culmina de la mejor manera posible. Paige, insegura pero valiente, sube al ring a dar pelea. Y nosotros, detrás de la pantalla, subimos con ella.

Nota: 8/10

Reseña: Un enemigo del pueblo

Por José Rossi 

Un Enemigo del pueblo es una obra de teatro dirigida por el actor, autor y director Lisandro Fiks y protagonizada por Juan Leyrado, con una dramaturgia clásica escrita por el poeta y dramaturgo noruego Henrik Ibsen.

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Esta excelente adaptación del clásico de 1882 cuenta con cinco actos en donde el despliegue actoral es el principal protagonista. En cada acto puede leerse a la perfección la construcción de la escena desde la dramaturgia de actor y la sutil mano invisible del director.  

Esta obra cuenta con una escenografía de estética realista (fiel a la estética de la dramaturgia original), donde el espectador observa como la acción trascurre en la comodidad de un hogar, la oficina del periódico o el mismísimo auditorio de la conferencia del doctor Stockmann, recreado a partir de la arquitectura y los elementos de la realidad cotidiana.

La adaptación busca (y lo consigue) identificar al espectador argentino del siglo XXI, con una problemática del siglo XIX. Rescatando la esencia fundamental del texto escrito por Ibsen: El individuo contra la colectividad, o resumidamente, individualismo versus colectivismo. Una batalla librada hace más de cien años y que todavía hoy en día persiste. Una obra que busca desmentir el mito de que “las masas tienen razón” o de que “la mayoría nunca se equivoca”. Una obra que propone dejar de sacrificar a los individuos en busca de un indefinible “bien común”. Una representación que camina sobre el filo de la incorrección política y propone hacernos pensar y repensar sobre las convicciones nuestras y de nuestros líderes.

Funciones:
➡Jueves 20 hs
➡Viernes 20 hs
➡Sábado 19.30 hs, 22hs
➡Domingo: 19.30 hs

Teatro multitabaris

Crítica: Parque mágico

PARQUE MÁGICO (Wonder Park) País: E.E.U.U. – España / Director: David Feiss, Clare Kilner, Robert Iscove. / Estreno en Argentina: Jueves 11 de abril de 2019. / Crítica: CJ COLANTONIO.

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Esta película coproducida por Estados Unidos y desarrollada en ordenador por “ilion Animation Studios” -compañía española afincada en la localidad madrileña de Las Rozas- no es un simple relato de aventuras y comedia.  Producida en conjunto por Paramount Animation y Nickelodeon Movies, cuenta con las voces de Matthew Broderick, Jennifer Garner, y Mila Kunis, entre otros, aunque es posible que la vean doblada.

Es una experiencia inmersiva si optan por verla en 4D.  No sólo en lo que se refiere a esta maravillosa tecnología, sino porque su temática está pensada para grandes y chicos, con lo cual no tiene nada que envidiarle a ningún otro estudio, menos a Disney, quienes con sus equívocos relatos, han dado nacimiento a nuevos exponentes.

La temática que tiene que ver con aprender a superar las situaciones irremediables de una manera positiva, da muestra del desastre que puede suceder a nuestro alrededor si -por el contrario- optamos por enrabiarnos con los problemas que de seguro se presentarán en nuestra vida.  Con una duración perfecta, avanza por el drama de manera concisa para enfocarse en la importancia de lo que nuestra imaginación puede hacer si se toma en serio. ¡Recomendable!

Lo único que podría llegar a criticar negativamente es cómo los personajes adultos parecen están viviendo en un idilio hasta en los peores momentos, como si tuvieran un conocimientos superado en todos los aspectos.

Calificación: 9/10.

Reseña: La penúltima oportunidad

En el Arenal Teatro Bar, un domingo, que mejor para evitar los síntomas de la depresión pre-lunes, a las 19:00, reírse con muchas ganas, con la obra teatral: La penúltima oportunidad, donde tenemos la chance de compartir la historia de dos mujeres, cuyas almas vagan por un cementerio.

En su segundo año consecutivo, con dramaturgia de Rafael Bruzza, presentado por el grupo teatral Osadas Mujeres y dirigido por Cristina Miravet. Esta pieza teatral participó en el 8° Festival del Amor y 3° Festival de Teatro Larroque 2019.

El argumento es el de dos mujeres, jóvenes: Marta y Juana, cuya vida terrenal transcurrió en un pueblito pequeñito, y que por cosas del azar, sus almas se reencuentran en el más allá, compartiendo las mismas pasiones, con diferentes lápidas, con las mismas calaveras a las que Shakespeare le dedicó “to be or not be”, ambas se se celan, porque tienen un pequeño conflicto de intereses: codician al mismo hombre. La pieza teatral se la podría encasillar dentro del género del humor negro, porque la historia transcurre dentro de un cementerio y además cuenta con diálogos imbuidos de un estilo sarcástico, en un lineamiento de sátira, con las maravillosas actuaciones de estas dos damas, buscando afanosamente la lápida del amante compartido, para que él decida con cuál de ellas se quedará, para toda la eternidad.

El argumento y la línea conductora son excelentes. Ahora también es justo reconocer el mérito propio de esta dupla actoral, que demuestran lo que mejor saben hacer, que es el género comedia. Me refiero a las actuaciones de Thelma Demarchi (como Marta) y Marcela Grasso (encarnando a Juana) que realmente capturan la atención desde el momento cero, es discutible definir o no a la pieza teatral de humor negro, porque las situaciones y diálogos se acercan a esa delgada línea que separa la sátira de la comedia.

La escenografía a cargo de Fabián Orfano y el vestuario por Belén Rubio, son otros dos grandes aciertos en la obra. El vestuario, hace que estas dos bellas féminas de la actuación, se destaquen entre medio de las sombras, con una vestimenta de hermosos colores pastel y la escenografía, es simple, en cuanto a la cantidad de elementos que la componen pero, logra una atmosfera especial y armoniosa, que es un logro generar un espacio que es agradable a la vista del espectador, cuando se mezcla lo prosaico con lo inmaterial.

Las alusiones a los hábitos pueblerinos, la deslealtad de la una con la otra, la lista de candidatos compartidas por ambas, la infructuosa búsqueda de la lápida, el milagro de hablar con Dios, hacen que sea una obra fresca, de mucho contenido humorístico, donde demuestran que encontrar la lápida que buscan es La penúltima oportunidad, pero les aseguro que el público tendrá la ocasión de reír los sesenta minutos que dura la obra.

Ficha técnico artística

Autoría: Rafael Bruza
Actúan: Thelma Demarchi, Marcela Grasso
Vestuario: Belen Rubio
Diseño de luces:Ernesto Giannone
Realización de escenografia: Fabian Orfano
Fotografía:Hugo Mouján
Diseño gráfico: Laura Maribel Sosa
Asistencia de dirección:Cristina Sisca
Prensa:Mutuverría Pr + Media + CM
Producción ejecutiva:Cristina Sisca
Dirección:Cristina Miravet

Reseña Diana Decunto – mail: inboxmatutino@gmail.com