Crítica: Hora-Día-Mes

Por Nicolás Katopodis

Bajo la dirección de Diego Bliffeld, esta película argentina no cuenta ni con nudo ni desenlace. Pero sí con una gran trama filosófica, gracias a la vida que tiene Nardo (Manuel Vicente) y los textos escritos de Marcelo Cohen, relatados también por él.

La película tiene dos particularidades que no suelen suceder en otras obras: que no tenga un conflicto, nudo ni desenlace, y que sea el propio relator que lo aclare al principio. Esto comenta el escritor Marcelo Cohen con una voz en off, de quien se ha usado algunos textos en el guión. Esta aclaración podría ser una gran ayuda para poder interpretar el arte de una manera que no solemos hacerlo. ¿Qué sucede si no hay nudo ni desenlace?

El relato se centra en la vida monótona que tiene Nardo, pero no por eso infeliz. Siempre le gustaron los autos, por eso, cuando ya no hay nadie que entre y salga por las puertas del garaje donde trabaja, él maneja los autos y acomoda su interior a su gusto. Manuel Vicente, en su caracterización, reflexiona junto al paso de las horas sobre muchas ideas, entre ellas el tiempo.

La inexistencia de un nudo y un desenlace obliga al espectador a entender la producción por otro lado, y qué mejor que el lado filosófico. Cohen habla de los motores, de las formas de las nubes, pero un punto interesante es la del arte. Nardo prepara para una clienta una escenografía en su garaje, y también una coreografía audiovisual con los autos. La muchacha se sorprende, quedando maravillada por lo que el protagonista hizo, durante toda la noche, con su uniforme de todos los días puesto.

Calificación 4/10

Crítica: Los últimos románticos

Por Nicolás Katopodis

La coproducción argentino-uruguaya, que se estrenó el jueves pasado, tuvo altas expectativas que fueron alcanzadas con facilidad. La tragicomedia-policiaca trata de la irrupción de la tranquilidad de un pueblo en el que viven el Perro y el Gordo, dos cultivadores de marihuana.

En esta comedia-policiaca (con tintes dramáticos) rioplatense, ‘El Perro’ (como llaman a Juan Minujín en un pueblo de pocos habitantes) encuentra gran cantidad de dinero, que cambian por completo la vida de él y de su compañero, el Gordo (Néstor Guzzini). Ya no será lo mismo para ambos, ni el guión que ambos escrbían, ni la tranquilidad que caracteriza al barrio.

Bajo la dirección de Gabriel Drak, el film tiene muy buenos aspectos técnicos y argumentativos. En estos últimos, entran otros personajes que están apegados a la relación de los compañeros: el comisario con olfato delictivo al que derivaron de la Ciudad Autónoma, y otro de los agentes (Ernesto Liotti), que encubre al Perro y al Gordo con las plantaciones de marihuana que tienen en la parte de atrás del hotel que cuidan. Hay un embullecimiento entre los intereses de los personajes que, consecuentemente, a medida que se desnudando la situación del capital, la relación de estos fluctúan.

La película es muy buena. Además, si se tiene en cuenta la poca inversión que se hizo, a comparación del gran producto que pudo salir a la luz en esta coproducción. También, tiene un rasgo un tanto tarantinesco, nihilista…por la inexistencia de otras posibilidades mas allá de la tragedia.

Calificación: 8/10

Análisis: The Book Of The Unwritten Tales 2 para Nintendo Switch

Esta semana tuvimos el placer de analizar el juego The book of the unwritten tales 2, título que tuvo su publicación en el año 2015 en plataformas como PC y PS4, y que ahora tendrá su arribo en la consola Nintendo Switch. Hemos preparado un análisis sobre la versión en la consola híbrida, pero que podemos adelantar que le sienta muy bien la portabilidad a este juego de aventuras y magia.

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Este capítulo está situado un año después de los acontecimientos de la primera entrega, en el juego podremos hacer control de los héroes de la historia Nate, Wilgur, Critter e Ivo, manteniendo la jugabilidad de apuntar y hacer click. La historia es una de los típicos cuentos de la lucha entre el bien y el mal en un mundo de fantasía, cargador de un humor característico.

Jugabilidad:

A lo largo de toda la historia, podemos controlar e interactuar con los distintos personajes protagonistas de este capítulo. Si bien el título responde a un juego de aventuras, el camino a recorrer se lleva a cabo a través del método de apuntar y hacer click, explorando el entorno junto a los personajes e ir resolviendo los desafíos que se presentan de manera constante.  Luego de la breve introducción, donde vemos a su protagonista cayendo hacia el vacío , y es salvador por su amigo y torpe genio de la lámpara, comenzamos con una introducción para entender su jugabilidad. Es allí donde nos dan una pequeña guía sobre cómo serán los controles en la consola, que se maneja de una forma similar a los de Playstation, adaptados obviamente con los controles de Nintendo Switch. Alegra ver que tanto la jugabilidad como la conjunción con el diseño artístico se mantienen muy bien en esta versión. Si puedo dar queja de que en algunos momentos el control del personaje que tienes en ese momento resulta algo impreciso a la hora de seleccionar objetos en algunas ocasiones, mezclándose quizá con otros que hay alrededor y sin una solución rápida para corregir el error. Si bien los errores son mínimos, porque a medida de que vas avanzando en la historia te vas acostumbrando a ellos  y cómo llevarlo a cabo de la mejor forma posible. La relación juego e historia es algo lenta, pero entretenida en su jugabilidad, ya que necesitas prestar atención a todos los detalles y recolección de objetos avanzar en la trama, y también tener información de gran importancia sobre lo que está sucediendo. Pese a algunas deficiencias técnicas que el juego pueda llegar a tener , como la falta de fluidez en el control de los personajes, el factor humor hace a la jugabilidad entretenida e interactiva a lo largo de todo su desarrollo.

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Apartado técnico:

Uno de los puntos más fuertes del juego es su diseño artístico, que denota llamativo e imaginativo respecto a la historia en que se ubica. Su acabado es un tanto más colorido respecto a la anterior entrega del juego, pero aún así la esencia se sigue manteniendo a través de su humor y su relato perteneciente al género fantástico. Su banda sonora es realmente bella , máscara por melodías orquestales de variado tipo y que se acoplan de manera muy efectiva con la tonalidad del relato. En cuanto a las voces del juego, toca decir que se encuentra en idioma inglés con la posibilidad de tener subtítulos en español.

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Duración:

El juego puede llevarte alrededor de 20 horas de actividad para poder terminarlo, todo eso depende también de la capacidad y habilidad que se tiene para resolver los puzzles. Si bien hay escenarios donde debes tomarte un tiempo para volver a analizar los objetos por su moderada dificultad, aunque en ningún momento resulta sumamente desafiante como para perder demasiado tiempo con ello.

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Conclusión:

The Book Of The Unwritten Tales 2 es un juego de aventuras y puzzles que resulta ser una digna secuela de este cuento lleno de magia. Se trata de un excelente juego dentro del género de aventuras, al que se le perdona algunas imprecisiones en los controles, ya que su historia y jugabilidad es muy entretenida. Suma muchísimos puntos la portabilidad en Switch.

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Lo mejor:

Una historia interesante y cargada de humor

Números desafíos que hacen de su jugabilidad entretenida a la par de la historia

Un diseño artístico muy bien logrado

La portabilidad en Switch

Lo peor:

Pueden hacer algunos controles de personajes algo imprecisos

En algunos momentos la jugabilidad y la historia se desarrollan muy lentamente

Calificación 8/10

 

The Book Of The Unwritten Tales 2 tiene previsto su lanzamiento en Nintendo Switch el próximo 5 de febrero de 2019. 

 

Análisis: Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One

Por Daniel Alvarez

Bandai Namco nos trajo de vuelta una de sus más potentes franquicias, un Ace Combat que nos recuerda a aquella serie de videojuegos de alto vuelo que inició su recorrido en Playstation por el año 1995 bajo el título Air Combat, para luego convertirse en la reconocida saga Ace Combat desde su secuela en 1997. El tiempo ha pasado, pero en su jugabilidad se mantiene la escencia que ha caracterizado a la franquicia, aún así, da un gran salto de calidad en todo su apartado técnico, haciendo mucho más completa la experiencia de juego.

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En el año 2007 se lanzó la última entrega de la saga en Xbox 360, sin contar los spin off que han salido en distintas plataformas, incluyendo el Assault Horizon Legacy que ha salido para la consola portátil 3ds de Nintendo. Es así como a lo largo de los años el juego ha evolucionado, mantenimiento el equilibrio entre un producto de simulación y acción frenética en aire.

La campaña principal se desarrolla a través de los conflictos existentes entre países ficticios, donde obviamente podemos reconocer un contexto geopolítico que guarda muchas similitudes con la realidad. Así mismo, la historia va siguiendo a distintos personajes que forman parte del relato, donde podemos destacar a Avi, una excepcional Mecánico y familiar de una línea de grandes pilotos y Trigger, un piloto acusado de traición. También está el grupo de delincuentes que son arrastrados al combate, y no puede faltar el villano de turno. No es necesario adelantar mucho la historia, porque más bien es un complemento que nos incita a iniciar las múltiples misiones que debemos llevar a cabo en los distintos escenarios de combate. La relación historia y juego funciona bastante bien, y a través de sus múltiples misiones, tenemos muchísimas horas de juego para disfrutar en combate.

Jugabilidad:

La jugabilidad de este Ace Combat no dista mucho de las anteriores entregas de la saga, aunque si hay muchos añadidos desde su apartado técnico que mejoran la experiencia en el juego. Una vez inicias la campaña principal, tiene un breve instructivo sobre los controles y el manejo que uno tiene con los aviones, luego de esta breve y simple explicación uno ya está completamente listo para entrar en combate y superar las misiones. Aunque si es cierto que su control es bastante sencillo, se requiere bastante práctica para tener un adecuado manejo de los aviones, por eso mismo las primeras misiones funcionan para dar práctica de aquellas funcionalidades, en la que puedes demorarte un rato en superarlas, pero luego de hacerlo te acostumbras a los mando y no resulta un gran desafío en cuanto a habilidad en el juego. Cada vez que completas las misiones puedes visualizar la repetición en video de la partida, además de recibir las estadísticas de combate, en las que puedes volver a repetir las misiones ya que eso te permitirá recibir más créditos de juego que son útiles para mejorar los equipos de combate. Estos créditos pueden utilizarse en la sección Árbol de aviones , donde tenemos la posibilidad de comprar diferentes aviones, armamentos y piezas de mejora para los equipos.

Cada uno de los aviones , armas y piezas de mejoras están montados con el mayor tecnicismo posible para combinar la experiencia de juego entre lo que es un título arcade y de simulación. Si bien su jugabilidad es muy intuitiva, a este título no se les escapan los detalles en cuanto a los aspectos técnicos de los aviones , como peso, velocidad , habilidad de combate sobre tierra, entre otros ítems. Así como cada uno de los equipos tienen su particularidad a la hora del juego, el factor ambiente también resulta muy importante, ya que se combina perfectamente con las vibraciones de los mandos y ampliando las sensaciones de manejo.

Para el modo multijugador online necesitamos la suscripción a Xbox Live Gold para jugar en línea. La partida es de ocho jugadores en simultáneo con los modos de combato contra todos los jugadores o las misiones divididas por equipos. Si bien la cantidad de modos que multijugador online son bastantes limitados, aunque existe la posibilidad de conseguir mejoras, escudos y nuevos apodos de rango. El sistema de salas funciona bastante bien, y el lag es prácticamente inapreciable, así que a pesar de su escasez de modos las partidas son frenéticamente divertidas.

Apartado Técnico:

En cuanto al trabajo audiovisual que realizó en el juego, como mencionaba antes, el título está muy bien desarrollado en todos los detalles. Los diseños de los aviones, la ambientación de los escenarios, los factores climáticos (El cielo, las tormentas) todo está perfectamente calculado para ofrecer un espectáculo visual de grandes características. El juego fue desarrollado con el motor Unreal Engine 4, algo que Bandai viene utilizando en la mayoría de sus últimos juegos, manteniendo un excelente manejo de la cámara y control de los aviones en pleno combate.

La banda sonora es realmente hipnótica, y sigue perfectamente a su trepidante ritmo de acción. El juego cuenta con subtítulos en castellano tanto en su modo historia como en los diálogos introducidos en medio de las misiones.

Duración:

En cuanto a la campaña principal , el juego puede tener alrededor de unas 15 horas de duración, dependiendo obviamente de la dificultad y la habilidad del jugador para superar las misiones. El título puede jugarse en un modo normal, que van apareciendo mayores desafíos a lo largo de la historia y la superación de misiones. También está la posibilidad de desarrollar el juego en un modo experto, aunque para ello se requiere muchísima habilidad para superar cada una de las misiones. También en el modo campaña se puede volver. Jugar las misiones ya completadas, con la intención de lograr mejores puntuaciones, así que es un aspecto que alienta a la rejugabilidad. Después de ello tenemos el modo multijugador que brinda una experiencia más ilimitada para el juego, que aunque puede saber a poco en la cantidad de modos y contenido , se trata de una modalidad frenética y por demás entretenida.

Conclusión:

Ace Combat 7: Skies Unknown para Xbox One es un juego que brinda todo un espectáculo visual, mantenimiento la escencia de la popular franquicia de Bandai Namco. Se trata de un recomendable juego para todos los fanáticos de la saga y también para aquellos que quieran iniciarse en un frenético título de alto vuelo.

Lo mejor:

La historia y su combinación con la jugabilidad de sus misiones

Todo el apartado visual

La duración y la posibilidad de rejugabilidad para mejorar tus estadísticas.

Su banda sonora

El entretenimiento frenético que el juego brinda en todos sus modos.

Lo peor:

Aunque el modo multijugador es bastante entretenido, sabe a poco por la falta de modos y contenido adicional.

Aunque su control es bastante sencillo puede requerir bastante entrenamiento para poder seguir avanzando en las misiones.

Calificación 9/10

Reseña: La suerte de la fea

De Mauricio Kartun, con la actuación de Luciana Dulitzky y dirección de Paula Ransenberg, estrena temporada 2019 en el Teatro Picadero con funciones los días domingos a las 18 hs., la obra teatral La suerte de la fea.

La pieza ya tiene tres años en cartelera, con excelentes devoluciones por parte de la crítica especializada.

La obra ambientada a comienzos de siglo, es un unipersonal, que representa un verdadero desafío para un artista, donde el espacio físico reducido, donde la actriz Luciana Dulitzky se desenvuelve, logra simbolizar lo que la vida significa en el personaje de esta mujer, aprisionada, bastardeada, por la incomprensión de un machismo, donde la sumisión, aún hoy es moneda corriente de ser padecida por el género femenino. La historia narra como una violista toca en lugares donde es despreciada por el sexo opuesto, donde el único y peor de los pecados que esta mujer arrastra es la vergüenza de ser fea. Los patrones de los lugares donde trabaja para ganarse la vida, no son capaces, de diferenciar una violista de una violinista y como carece de los atributos de belleza es confinada al foso, para que interprete las piezas musicales, mientras que una figurante, joven y hermosa hace que toca. Ese foso simboliza, la oscuridad, la soledad, la represión sexual a la que está sometida.

En el avance del parlamento, a la fea, le surge la chance de tocar, de lucirse como intérprete musical, de lograr fama, pero esa mujer sueña, y resulta excelente el desempeño de la actriz para lograr el clima dramático adecuado donde esa luz de esperanza es la ventana que le ofrece la oportunidad de ser igual al resto de las mujeres. En este caso, la esperanza no es lo último que se agota, una brisa con facilidad la apagará provocando la resignación porque la única suerte de la fea, es ser confinada y escondida. «No sirve».

En escena hay un gramofono y Kartun, no sólo lo usa como objeto formando parte del material escénico, sino que además nos aggiorna sobre lo que debe haber sido el efecto de poder grabar la voz humana y ser reproducida. Me hizo reflexionar sobre la revolución tecnológica que debe haber producida en ese momento.

No vamos a contar más, para que ustedes personalmente, se enteren en que forma la afecta el gramófono en la vida de esta mártir.

Una obra que tienen muchos puntos en común con el Cyrano de Bergerac, cuyas diferencias son, en nuestro caso, el dolor es padecido por una mujer y tiene el inconfundible estilo de Kartun, en cuanto al humor y cinismo.

Para el público que lea esta nota, y que pertenezca a mi equipo, el de los que desconocemos la diferencia entre violinista y violista, les comento que la viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y sonido más grave. Su tesitura se sitúa entre los graves y medios del violoncello y los agudos del violín. La viola es considerada como el contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas. Al intérprete de este instrumento se lo denomina «viola» (también «violista», si bien esta última forma no está en el Diccionario de la Real Academia Española.

Les recomiendo que no se pierdan la oportunidad de ver esta pieza teatral. Serán testigos de los padecimientos de una mujer que reclamará arriba del escenario por su suerte. Pero les puedo asegurar que el púbico tiene todas las de ganar, al presenciar un espectáculo de calidad.


Ficha técnica

Mauricio Kartun / Dramaturgia
Luciana Dulitzky / Actriz
Paula Ransenberg /Dirección
Fede Berthet / Composición Musical e intérprete en escena
Marcelo de León / Asistente de dirección
Alejandro Mateo / Diseño de escenografía y vestuario
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Fernando Balcells / Diseño de Iluminación
Granado / Pelo
Alejandro Ojeda / Fotos
ZkySky / Diseño Gráfico
Marisol Cambre / Prensa y difusión
Vilmanjar / Repostería

Reseña Diana Decunto

consignas.de.radio@gmail.com

Reseña: Así de simple

Por Yamila Juan

Si en esta época, caracterizada por vínculos tan espontáneos, frágiles y poco duraderos como burbujas, se sufre por amor, entonces aún hay esperanzas. En este sentido, “Así de simple” da cuenta de que el amor no se ha perdido del todo.

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Joaquín llora. Su hombre emocional y su hombre racional, también. Lo hace porque no encuentra palabras que expresar y con el llanto logra apagar el diálogo interno. En ocasiones como esa, nadie puede expresar mejor lo que pasa por dentro que una canción vieja y melodramática. Suena “Ella ya me olvidó” de fondo. Y ahí justo una llamada alerta a Joaquín y a sus voces: Clara toca el timbre. Se apaga la música, no se le puede mostrar debilidad.

Clara entra seguida de sus voces. Una decidida a no volver, que sin embargo está ahí, y una desmayada de ganas de quedarse.

Los dos están frente a frente después de haber vivido una historia juntos, con muchas cosas por decirse. Pero lo que logran articular suena a poco, a frases repetidas de otras separaciones, a balbuceos indecisos. Y es que la palabra en voz alta intenta resumir, a veces, un debate imposible de conciliar entre las antípodas que nos constituyen, las mismas que hablan a gritos cuando nadie nos oye.

A partir de esa escena inicial en un departamento (escenográficamente bien armado) que recrea la despedida de una pareja, se cuenta cómo fue el comienzo, el apogeo y el desenlace de la relación desde las voces con las que luchan o concuerdan los protagonistas, no solo para entender al otro sino a ellos mismos.

“Así de simple” es, en principio, una obra para pensar en las complejidades de la comunicación humana, en la influencia de los YO que nos subyacen; y después, una obra para reír o conmoverse.

La idea del desdoblamiento de los personajes principales es original y da para explotarla mucho más aún, dotando quizás de mayor dinamismo y diferenciación a los discursos racionales y emocionales, ya que el conflicto de toda la obra gira en torno a esa tensión. Es también una de las mayores virtudes del guión que, a través de los actores, logra desde el inicio la complicidad con el espectador, puesto que tiene acceso a lo que piensan los protagonistas sin presenciar el recurso consabido del monólogo.

TODOS LOS MIÉRCOLES 21 HS

TEATRO PICADERO – PASAJE SANTOS DISCÉPOLO 1857

Entradas a la venta en boletería del teatro o por Plateantet

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julieta Gonçalves, Francisco González Gil, Magdalena Pardo, Andrés Passeri, Ailin Zaninovich

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Fotografía: Guido Wain

Comunicación y prensa: Varas Otero

Asistencia de dirección: Manuela González Gil

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

Crítica: La nostalgia del centauro

Por Sebastián Sabio

No apta para todo público…

Este no es un film narrativo, no tiene una secuencia cronológica de eventos (no sucede «B» a causa de A) sino que muestra la vida rutinaria de una pareja que vive en el campo.

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Aclaro que no es apta para tobo publico debido a que no es del tipo de película que disfrutan las masas sino que apunta a un pequeño segmento de personas que disfrutan este tipo de arte. Incluso eso es algo que se puede adivinar al ver que se va a proyectar en el Malba.

En el film se ven personas reales viviendo sus vidas, alejados de la ciudad y del mundo moderno. Lo interesante de ver esto es entender el dia a dia de un mundo muy alejado al nuestro pero a la vez cercano geograficamente (sucede en Tucuman).

Algo a destacar es el trabajo de arte y fotografia. La pelicula esta llena de encuadres y tomas realmente bellas.

Calificacion: 7/10

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Nicolás Torchinsky
Fotografía: Baltasar Torcasso
Dirección de Montaje: Ana Poliak
Montaje: Ana Poliak y Nicolás Torchinsky
Dirección de sonido: Sofía Straface y Sebastian Gonzalez
Música: Pablo Butelman
Asistente de Dirección: Ignacio Maggi
Jefa de producción: Malena Kremenchuzky
Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Compañía Productora: Cabeza Negra Cine, Zebra Films, Puente Films, Mercurio, Milkwood, Universidad del Cine, El Cono del Silencio.

Producción Ejecutiva: Victoria Gómez Acuña
Producción: Nicolás Torchinsky
Origen: Argentina
Año: 2017
Duración: 70′

Intérpretes:
Alba Rosa Diaz y Juan Armando Soria

Crítica: Nace una estrella

ESPECIAL NOMINADAS AL OSCAR.

A STAR IS BORN (Nace una estrella) dirigida por Bradley Cooper.  Protagonizado por Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott. Guión adaptado por Cooper, Will Fetters y Eric Roth. / Género: romance, drama y musical / Estrenada en Argentina: 11 de Octubre de 2018 / NOMINADA A 10 PREMIOS DE LA ACADEMIA Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta es la tercera adaptación cinematográfica de “Nace una estrella” (A Star Is Born), la primera fue estrenada en 1937 y relataba el camino de una actriz, no de una cantante como en esta versión.  Luego hubo una con Judy Garland como protagonista y la anterior a esta -dirigida por George Cukor hace cuarenta años- en donde Barbra Streisand hizo el papel que hoy interpreta Lady Gaga y donde Bradely Cooper hace el personaje de Kris Kristofferson.

Inicialmente era Clint Eastwood quien iba a dirigirla con Beyoncé en el papel de la cantante y luego de muchos imprevistos cayó en manos de quien había sido su actor en American Sniper (Francotirador) y que le da la posibilidad a Cooper de volver a un lugar de confusión y dolor interno que tenía ese papel y donde la Academia le vuelve a prestar atención.

Mi crítica podría ser hacia el personaje antagónico, quien parece la víbora que contamina cualquier triunfo y que su desarrollo termina por ser una caricatura.  Por otro lado, el avance vertiginoso del triunfo, deja de lado la importancia del camino. A favor, la música y lo que como actores logran juntos. Una salida romántica asegurada.

Por cierto, la historia cuenta como Jackson Maine (Cooper), un músico country adicto al alcohol y las drogas, descubre a una joven cantante llamada Ally (Gaga) y trata de mostrar su talento al mundo.

Calificación: 7/10.

Reseña: Otra vez papá! Después de los 50…

Bajo  la dirección de Manuel González Gil, en el Multiteatro Comafi, una comedia deliciosa, con lo mejor que se pueda contar para compartir la experiencia de volver  a repetir la aventura de ser padre a los 50 años y de la mano de Manuel Wirzt.

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Es una historia narrada, teatralizada, padecida y saboreada por Manuel, junto a la actriz Fabiola Yañez. El libro de Daniel Dátola, cubre las etapas de la paternidad  y comienza contando las experiencias de un hombre que superó los 40, dio vuelta la página con algún divorcio en la mochila y vuelve al ruedo.

Y en ese inicio, en un estilo de comicidad se resalta la  llegada de nuevos desafíos, como el volver a enamorarse. Y la cosa sigue porque este hombre feliz junto a su media naranja, nos mostrarán el camino a recorrer durante la dulce espera y la historia arranca cuando reciben la feliz noticia que serán padres dentro de 9 meses.

Acá al guionista se le abre un mundo, para retrotraerse a otras épocas y compararla con el  mundo actual basado en el merchandaising de productos para lactantes y mujeres embarazadas o resaltar las modas sociales, como el baby shower,

El texto es simple, apela al buen gusto, a un Manuel que pone lo mejor, que humaniza las cuestiones, las lleva por el camino de la risa sin transgresiones.

En esta temporada 2019, a la que Carlos Rotemberg ha bautizado Contracorriente, por ser un río  en declive, acompañado de resultados económicos que hacen rafting, el contar con obras como Otra vez papá, después de los 50…son el ejemplo que mientras la balsa  siga a flote es porque estamos vivos y así como dice Manuel, esperar un hijo y compartir la vida con ellos, es un milagro. Me permito agregar, no bajar los brazos y remar  en contracorriente, también.

Ficha técnica

Manuel Wirtz Protagónico

Fabiola Yañez Artista invitada

Daniel Dátola Autor

Emiliano Dátola Asistente de dirección

Gonzalo Alcaraz Asistente de Producción

Fernando Chamot Prensa y Comunicación

Daniel Feijoo Escenografía

Diego Benvenuto Realizador

Agostina Zappa Vestuarista

Guillermo Flores Salinas Sonido

Sabrina D’Amico Diseño gráfico

Marina Vaintrob Redes Sociales

Chris Dátola Producción comercial

Horarios: mié jue vie 21:00. sáb 20:30. sáb 22:30. dom 20:30.

 

Diana Decunto Reseña

Consignas.de.radio@gmail.com

Análisis: Future Grind para PS4

Por Jorge Marchisio

En el mundo de los juegos independientes, tenemos de esos que solo clonan alguna mecánica mil veces vistas, sin añadirle demasiadas vueltas de tuercas. Por suerte Future Grind no es el caso, ya que, en su simpleza, radica lo adictivo que puede llegar a ser.

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Jugabilidad

La mecánica de FutureGrind es bastante simple. Controlamos una moto que se mueve de forma lateral, teniendo una rueda de cada color, y debemos traspasar niveles donde se encuentran railes neutros (blancos) o de los colores de las ya citadas ruedas (rosa y azul), en ellos solo podemos avanzar si juntamos los dos colores; y otros (amarillos) donde directamente debemos cruzarlos haciendo saltos y piruetas en el aire para no tocarlos. A todo esto, mediante el stick derecho, podemos hacer volteretas para sumar puntos, como los juegos de antaño de patinetas o bicicletas.

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Apartado técnico:

Todo esto está acompañado por un apartado técnico por demás vistoso, lleno de luces de neón que hace todo llamativo a la vista. Aunque por desgracia, el juego aún se encuentra en inglés, así que para quienes pensaban en comprar FutureGrind para que lo usen los más chicos de la casa, debemos aclararles este punto.

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Duración y experiencia de juego

De todas formas, ante la simpleza de los controles, cualquier adulto puede jugarlo cinco minutos y explicarle a un niño las mecánicas del juego; algo clave para que se le saque provecho a FutureGrind. Y lo decimos en el sentido de que, si bien no hay una historia que seguir, y solo nos limitaremos a recorrer pantallas cumpliendo algún requisito y sumando puntos, en esto último radica el mayor acierto de este videojuego.

FutureGrind es de esos juegos adictivos para competir contra otra persona (ya sea usando la misma consola o separadas), porque recuerda a los juegos de antaño donde se competía para ver quién era el que rompía el record consiguiendo mejor puntaje. En este sentido, la durabilidad del juego se limita a lo competitivo que seamos como gamers.

Conclusión:

Sin ser una maravilla,  Future Grind cumple con su  función de entretener, algo que quizás muchos videojuegos actuales olvidan, en post de una estética que los haga resaltar, o con controles tan complejos que ni los gamers más experimentados podrían adaptarse.

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Lo mejor:

El apartado visual, muy bonito de ver. Controles simples pero efectivos. Es bastante adictivo…

Lo peor:

… pero a la larga puede tornarse repetitivo. Escasez en la variedad de niveles o desafíos para superarlos. No está en español

 

Calificación: 7/10

 

*Future Grind es un juego desarrollado por Milkbag Games, actualmente disponible para PS4, Nintendo Switch y Steam.