Archivo del Autor: Daniel Alvarez

Reseña: Astor, Nosotros

Todos somos Astor

Si bien Astor Piazzolla es una leyenda nacional y forma parte del folclore porteño, su importancia radica en la internacionalización del tango, haciendo de este un género de vanguardia y prestigio. Pero Astor más que un repertorio musical, forma parte de todos los argentinos.



Bajo palabras del director Leonardo Cuello, la define de la siguiente manera: » Cuello: Astor irrumpió con su arte hace muchas décadas y aún hoy conserva su frescura; su maravilla íntima. Astor atraviesa el siglo XX y se interna en el nuevo milenio. En nuestro espectáculo las musas y duendes lo acompañan. Somos nosotros, los habitantes de la urbe del siglo XXI quienes viajamos con él desde hace un siglo y acompañamos al gran maestro hacia el año 3001″

Bajo un talentoso y joven reparto de bailarines, conformado por Ayelén Alvarez Miño, Jimena Calarco, Juan Pablo Del Greco, Federico Ibañez, Marilú Leopardi, Quique Lopez, José Lugones, Esteban Simón, Julia Urruti y Laura Zaracho. Estos diez bailarines se juntan en parejas o tríos para realizar las difíciles coreografía que Cuello propone. Nora Chirquina compone una escenografía abstracta conformada por piezas movibles que los bailarines irán conjugando para las etapas del perfomance.

La obra de Cuello compone las tres ciudades en las que Piazzolla vivió: Mar del Plata, Nueva York y Buenos Aires. Los bailarines irán interpretando la forma de vida de estas ciudades con el repertorio musical del tanguero, causando conmoción con sus expresiones y sensualidad.

Astor, Nosotros es más que un show de tango, es una forma de volver a enamorarse de Piazzolla y conocerlo. Disponible los jueves a las 20 horas en el Centro Cultural de la Cooperación (Corriente 1543) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Reseña: Torna Amore

Volver a amar

En las comunidades rurales siempre residen historias entrañables, capaz la nostalgia que genera estar tan alejado de las grandes ciudades se reduce en una cosa: algún día alguien se va a ir para conseguir un mejor futuro.
El alma prende fuego cuando deja de amar, dice una canción de Lhasa de Sela. En su efecto, sin amor nos quemamos.



«Vivi vive con su madre en su casa de siempre. Su vida pasa monótona hasta el regreso de Emilio, su ex. Este reencuentro después de treinta años lo revolucionará todo. Una historia de amor que transcurre en un pueblo del interior y que excede los límites territoriales como esos amores inolvidables». Esta es la reseña de Torna Amore, la nueva obra de Agustín Meneses.

Mayra Homar, Marita Ballesteros, Malena Resino, Benicio Chendo y Rubén De la Torre forman el elenco de esta historia cargada de sentimientos.

Bajo la sábana de una comedia romántica, el libreto de Meneses nos trae una importante carga nostálgica, los personajes se irán descubriendo de a poco y volverán a permitirse amar.
Cada uno está definido de una manera tal que podemos conocerlos aún más y extrapolarlos con personas que conocemos o con nosotros mismos.

José Escobar se encarga de la escenografía y vestuario, factor clave pues recrea la situación hogareña y acogedora en qué los personajes se van a desenvolver.

Sebastián Irigo saca todo el potencial de los actores y sabe cómo plasmar la visión de Meneses en esta historia que se vuelve tan familiar, sincera y cargada de emociones que no son lejanas, sino humanas. Torna Amore es una excelente decisión de miércoles por la noche.


Disponible los miércoles a las 20:30 en el Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Análisis: Silt para Nintendo Switch

Silt es el primer juego de la casa y la verdad es que no lo han hecho nada mal. Según lo comenzamos surgen, de manera inevitable, las primeras comparaciones.
Vienen a nuestra cabeza tras los primeros minutos nombres como Limbo, Abzû, Inside… y es que, aunque se trata de un juego con carácter propio, si conocemos estos títulos vemos semejanzas. Y ahora os contaré en qué.



Una historia desconocida
Silt nos pone en la piel de un submarinista que busca “hacerse con los ojos de los titanes” que, al parecer, moran en las profundidades. Nuestro protagonista buceará por diversos escenarios para conseguir su propósito del que no sabemos nada más. Desconocemos su motivación o finalidad. Desconocemos cómo o por qué ha acabado en esta aventura, pero una vez que nos ponemos en su piel, todo lo demás no importa. Nada sabemos de la historia y nada sabremos. Silt no nos da más información y quizá eso me haya llamado tanto la atención.

Descubrimos que nuestro submarinista tiene la capacidad de poseer a algunos animales marinos y hacer uso de sus habilidades para superar los distintos rompecabezas que encontramos en nuestro camino. Así nos beneficiamos de la electricidad de las anguilas, del mordisco de lo que parecen pirañas… en otras ocasiones no podremos hacernos con la consciencia del animal, pero podremos usarnos de cebo para conseguir lo que queremos.



Un desarrollo sencillo con una jugabilidad acorde
El juego es corto y sencillo. Un avance lineal que nos empuja irrefrenablemente a resolver el puzzle correspondiente para poder seguir avanzando. En apenas un par de horas podremos haber acabado el juego. Por un lado, al ser un juego tan sencillo, suele ser la duración aceptable y recomendable, pero aquí siento que, si hubiesen dejado un poco más a la investigación, habría dado un resultado excelente.

Los entornos por los que nos movemos son diferentes y cuentan con un diseño exquisito. Juegan con los tonos de grises para dar profundidad y generar esa sensación de mundo submarino tan lograda. Pero como digo, algo más de exploración o interacción le habría ido genial. Nuestro personaje cuenta con apenas un par de acciones consistentes en iluminar o poseer algún animal por lo que no tenemos opciones de interacción más allá de estas y lo que la posesión nos pueda ofrecer.

Los puzles varían bastante su acabado. Desde los más simples a algunos que explotan un poco más las opciones que tenemos al alcance.



Estéticamente es una locura
Si por algo me encantó Silt es por su estética oscura. Unido a una BSO tranquila y sombría le da el punto justo para generar esa sensación a presión, tensión, profundidad… todo cuadra perfectamente en cada momento. Un brillante acabado para una obra tan oscura.

Son pocos los momentos de tensión propiamente dicha. Donde, por decirlo de alguna forma, tememos por nuestra vida, pero están tan bien hechos que arrasan con la tranquilidad que podríamos llevar el resto de la escena.



Conclusiones
Silt es un juego muy bueno. Estéticamente me parece precioso. La temática marina siempre hay que saber tratarla ya que, al ser un mundo en gran parte desconocido, permite muchísimas opciones que podrían acabar de la peor manera.
Spiral Circus ha sabido hacer las cosas bien en este aspecto y, aunque me hubiese gustado poder disfrutar más tiempo de esta maravilla, es una primera obra altamente recomendable.


Calificación: 8/10

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Reseña: Yegua

Eloy Rossen

Un poema vuelto carne


En un territorio delimitado por el trazado de un crucifijo, Tortón, Daisy -la moto- y la yegua circulan por los vaivenes de una dramaturgia poética que cruza al desamor con la irreverencia cuir en un discurso irreverente.


“Yegua”, ganadora de la Convocatoria Ciudad Diversa a proyectos de artes escénicas con perspectiva de género LGBTIQ+, inicia su temporada en el Galpón de Guevara con la dirección de Maruja Bustamante, quien aborda la dramaturgia de Bel Gatti desde una puesta escénica rupturista e innovadora. La pieza relata la Vía Crucis de Tortón (interpretada por Melina Milone): una masculinidad lésbica que deambula por la llanura bonaerense con Daisy, su moto (interpretada por Analía Ayala), y descubre en el devenir de su soliloquio desamoroso, el encuentro sensible con una yegua solitaria (interpretada por Jorge Thefs). Ambás, Tortón y Yegua, desde su corporalidad chocante y su impronta disidente, se entienden como hijas no reconocidas del sistema, negadas a amar y ser amadas, despojadas de su humanidad. Dividida no por escenas sino por estrofas poéticas, la obra reinventa las doce estaciones de Jesucristo para volverlas Tortón, y acompaña las meditaciones de la/el protagonista en sus últimos momentos previos a la muerte, o a eso que se llama final pero es sólo otro tránsito más.


“Me vas a querer” canta Pablo Viotti desde su teclado, caracterizado como una monja, mientras anuncia el título de cada estación a medida que el camino de la/el héroe Tortón avanza. La pieza comienza con Tortón obligada/o a convivir en un convento de monjas, dado que su moto Daisy se avería, lo que la/lo lleva al encuentro con la yegua, que acompañará sus últimos momentos antes de abandonar por completo el lenguaje. Desde un universo sumamente erótico, donde la llanura y la ruta se entremezclan con el cuero y la fantasía lésbica, “Yegua” se constituye como un mensaje irreverente: contra la religión, contra el mandato, pero por sobre todo contra las formas cerradas. La obra quiebra con el género y las categorías, pero se atreve a extenderse más allá de eso y trabaja con la animalización y la objetivización: una moto que baila, una yegua que canta y una torta sobrehumana. Desde la cruz fluorescente que se dibuja en el suelo del escenario, se abre el juego a toda posibilidad creativa, en un arrebato contra la historía de la religión que se hace lesbiana y cuir. Sobre la construcción de un Tortón-cristo, “Yegua” elabora versos de pura belleza para llamar al desacato a las monjas que silencian su deseo caliente, para denunciar a los padres que nunca la supieron reconocer, para soñar con las amantes que la dejaron a la deriva. No cabe dudas de que el discurso político que se construye impacta de manera profunda en cada una de las butacas, pero la tintura de comedia tierna y divina que se le agrega la vuelve preciosamente teatral.
Melina Milone gesta una corporalidad óptima para albergar a Tortón, y el elenco que la acompaña sostiene la ficción de manera detallada, incluso desde los más pequeños gestos. Inmersa en una estética erótica con cueros y cadenas, el monólogo que sostiene Milone conmueve hasta el hueso, no sólo por la vulnerabilidad de sus palabras sino por el sueño con las cuales invita a la audiencia a construir. “Yegua” es un poema vuelto carne, un discurso vuelto arte y un dolor vuelto encuentro: de donde se la vea resulta difícil no salir a buscar -ya afuera de la sala- ese universo tan único que propone.


“Yegua” está todos los miércoles a las 21.00hs en El Galpón de Guevara. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral.

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Reseña: Lo que vendrá

Por Eloy Rossen

Las cajas en el fondo del armario
Federico Marrale escribe e interpreta “Lo que vendrá”, una comedia dramática sobre las cajas que escondemos en el fondo del armario o los chats que ocultamos en lo profundo del celular: las cosas desencontradas que un día vuelven a la vida.


Las cajas de mudanza apiladas, el mate lavado apoyado sobre la mesa y la duda sostenida en el aire: una pareja cruza recuerdos y anécdotas en los últimos momentos de su casa, fluctuando sobre si irse definitivamente o no. En ese diálogo inconcluso, la presencia de una caja que no cabe en ningún lado, que guarda algo desconocido, comienza a agrietar los cimientos que sostienen a la pareja, deviniendo en la llegada de un tercero que parece llegar para ponerle un punto final a la situación. En una iluminación llana, que lo deja al descubierto todo, Anahí Gadda, María Forni y Federico Marrale sostienen una actuación que se mantiene impune durante toda la función, arrastrando al público hasta el fondo de la ficción.


Ante la espera no sólo de los muchachos de la mudanza, sino de un embarazo, la pareja -interpretada por Marrale y Gadda- se topa con los graciosos hallazgos de objetos abandonados: las cintas con las que solía coser, una casetera que suena horrible, la camiseta violeta de mis veinte años que ya no me entra. Y entre las decisiones a último momento y las cintas embaladoras que sellan los recuerdos, se cuela la última vista desde el balcón o la despedida de la baldosa rota que nunca se reparó. Con el adiós final que clausura los momentos vividos en ese lugar, la vacilación se entromete en la conversación y se empiezan a dibujar posibilidades absurdas: ¿Y si tiramos abajo la pared y ampliamos el living? ¿Y si arreglamos la baldosa? ¿Y si nos quedamos? Entre las vueltas cómicas se empieza a tejer una tensión dramática, y los personajes se chocan en ese devenir, intentando organizar un tiempo y un espacio que no se deja amansar.


Anahí Gadda construye con una sinceridad conmovedora el cuerpo de una mujer a la espera: a la espera de un marido que se enfrente con sus secretos y a la espera de una mudanza que traiga un mejor porvenir. Por otro lado, María Forni y Federico Marrale alimentan una tensión subyacente que va ensanchando la incomodidad en el espacio, con una dramaturgia áspera que va reclamando cada vez más. Sin dudas, Anahí Ribero realiza un trabajo de dirección sumamente afilado, elaborando con un ritmo cautivante no sólo el suceder de las acciones, sino el ambiente que alberga la afectividad de los intérpretes.


La dramaturgia de Marrale y la dirección de Ribero se congenian para formular una obra orgánica y atrapante, provocando en la audiencia una atención aguda. En una puesta que propone la incertidumbre como territorio a habitar, “Lo que vendrá” deja entrever más allá de lo que dice, construyendo una comedia que parece tener más oscuros que claros.


“Lo que vendrá” está todos los domingos a las 21.00hs en Nün Teatro Bar. Podés conseguir tus entradas a través de Alternativa Teatral.

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Reseña: Lee Chen

El nintendo de la nostalgia

Para las personas mayores, es decir, aquellas que nacieron antes del 2000 y que conocieron de a lleno el auge de la tecnología digital seguro habrán jugado en alguna de las consolas que en su momento eran la sensación, entre ellas el nintendo 64 y el gamecube. Ambas adictivas por igual, dónde introduciamos una tarjeta y luego estaba aquel sonidito monofónicos y los personajes en lego pixelados.



Junto a la participación del jovencísimo elenco de la escuela Kairos, llega Lee Chen. Junto a Agus Arias, Belu Bracco, Cami Caivano, Mar Chiarante, Micaela Halabi, Ra Patiño, Carolina Peiretti, Mica Ponieman, Magali Trachitte, Titto Valdez y Melani Vila cómo actores y performers de esta obra escrita, musicalizada y dirigida por Francisco Ruiz Barlett.

Una casa, una caja que dos hermanos descubren, el polvo que genera abrir esa caja, los objetos obsoletos, las fotos de la infancia y una consola de vídeo de inicios de los 90, van a destapar la nostalgia de dos jóvenes adultos, van a hacer reflorecer el duelo de ambos.

Además de la conmovedora historia y el talento de estos once actores, desde el inicio hasta el final nuestras pupilas estarán dilatadas e hipnotizadas ante el despliegue visual que Samir Carrillo diseña (siendo el Kairós uno de los pocos teatros en Buenos con tan buena ejecución de diseño de luces)

Lee Chen o Lee vs Chen. ¿Cuál de los dos personajes quieres ser?
Dos round, uno adicional en caso de empate. El gamecub y la nostalgia que evoca una caja encontrada.
¿A dónde quedaron esos recuerdos de niños?

Lee Chen está disponible los viernes a las 21:15 en el Teatro Kairos (El Salvador 4530)
Este próximo lunes es la última función, la recomiendo. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Reseña: Violeta no se hunde

Historias inhundibles

Solo aquella persona que haya o este viviendo ahora dentro de una cueva, no conoce la trágica historia del naufragio del Titanic, o al menos haya visto la ultragalardonada película de James Cameron de 1997. En la primera mitad de siglo XX varios fueron los naufragios que quedaron para los libros de historia, tal parece que era la época dónde se hundían los barcos pero no las historias, entre ellas, la historia de Violeta.



«La bruma se avecina y Violeta se hace presente. Esa mujer, que supo ser real, se hace carne para regalarnos sus vivencias y sus recuerdos. El mar es como un imán, nadie puede despegarse de él y Violeta no es la excepción. Tras tres naufragios, entre ellos el Titanic, Violeta sigue en pie como el mástil de un barco. No existe fuerza que la arrastre. Violeta no se hunde, siempre permanece» Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Hernán Cuevas.

Bajo la actuación de Julia Sarquis, Jimena Betcher y Antonella Fulco cómo las versiones joven, adulta y mayor de Violeta, junto a la participación de Lucas Gentili y Axel Bobbio, la obra de Cuevas nos lleva a un escenario donde los recuerdos van a converger en una narración nutrida, todo esto mediante a un relato lineal sobre la biografía de Violet Jessop.

Siendo honesto, desconocía la historia de Violet Jessop, argentina de padres irlandeses nacida en Bahía Blanca, que haya sobrevivido a tres naufragios y entre ellos al Titanic, debió ser una experiencia única, tantas supervivencias hacen de un personaje único y digno de ser adaptado en cine, y en este caso a teatro gracias a Hernán Cuevas. La Compañía El Grito hace la escenografía de la obra y las luces son diseñadas por Carlos Rivadero, estos factores junto al vestuario de Matías Strarapoli hacen de Violeta no se hunde, un show ideal para los amantes de la historia, los barcos y para aquellos que busquen fascinación en una gran historia que jamás se hundió.

Violeta no se hunde es la historia de una argentina que sobrevivió para contarlo, una historia cuyo naufragio nunca llegó realizarse por completo pues en esta obra se reinvidica.

Disponible los jueves a las 21 en el Teatro El Grito (Costa Rica 5459)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Furor por el nuevo álbum de BHAVI: Miles de fans llenaron el Abasto en el pre-estreno!

Con un pre-estreno exclusivo y ante miles de fans que desde temprano llegaron al Hoyts Abasto, el artista terminó de plasmar el concepto que une a “Butakas”, “Cinema” y “Pochoclos” con una convocatoria increíble que quedará en el recuerdo.






Ph: Mono Gomez / Cortesía Sony Music Argentina

El versátil artista estrena hoy las 17 canciones que componen su nuevo disco “POCHOCLOS”, en el que le da un final de película a la trilogía compuesta por “BUTAKAS” Y “CINEMA”. En esta nueva producción, el joven artista presenta colaboraciones con Bizarrap, Lit Killah, YSY A, Lara 91k, Santa Fe Klan, Laylow y Asan.

Como si el arte, la producción y el flow de BHAVI fuera poco, ayer lunes, el artista protagonizó un pre-estreno memorable en el Hoyts del Shopping Abasto, donde se realizó la pre-escucha exclusiva del disco en una sala de cine y miles de fans se llegaron al showcase, coronando así la salida de este nuevo material de una forma muy especial, bien cerca de su público. Previamente, el jueves pasado con alfombra roja y la presencia infaltable de “Pochoclin”, el evento se realizó para prensa y amigos.

BHAVI comenzó el 2022 presentando “Bien”, “Ayer” junto a Lit Killah, “DYLM” junto a Santa Fe Klan, “Sienta Bien” junto a Laylow y “Puff” junto a Bizarrap.

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Reseña: Embarazados

Embarazados de estrés

No debe ser fácil ser padres primerizos, más en los 20’s cuando se no sabe aún lo que se quiere; en lo personal tener un hijo hoy en día se convertiría una pesadilla, ¿Qué depara entonces a esas parejas que deciden tener un hijo sin esperarlo y con nula experiencia? Dios se apiade de ellos.



En 2007 se estrenó la divertida y entrañable comedia «Ligeramente Embarazada» protagonizada por Katherine Heighl y Seth Rogen, la recuerdo justo ahora pues el antecedente perfecto para reseñar esta divertida comedia musical.

«La obra nos relata la historia de amor de Oliver y Mora que se encuentra atravesada por un hecho inesperado: sin buscarlo, Mora queda embarazada. Esta noticia toma por sorpresa a nuestros personajes que sin dudarlo comienzan a encarar este embarazo con alegría e ingenuidad.
La convivencia entre ellos empieza de buena manera hasta que sus pequeñas diferencias se vuelven mas problemáticas e inmanejables». Así es la sinopsis de la obra de Juan Ignacio Bruzzo.

Juan López Boyadjian y Francisca Bodas son los protagonistas de esta tierna historia, ambos con una química capaz de salir del teatro subterráneo Picadilly y llegar hasta el obelisco, además de ser bien dirigidos por Tomas Massun, muestran sus dotes vocales.

Juana Lafta dirige la banda de la música original de esta comedia, mediante un relajado rock que remite a las sitcoms de los 90’s, Lafta supo captar bien el mensaje que Bruzzo quiso transmitir.
Además de dirigir, Tomas Massun diseña el escenario, plasma todos los detalles del mismo con precisión, además lo adapta para recrear los entreactos.

Lo mejor de esta obra es sin duda los papeles e interpretación de Boyadjian y Bodas, van a transmitir además de risas, suspiros y total dulzura al escenario, papeles muy opuestos entre si que el amor sabrá cómo conectar.
Una muestra honesta de las relaciones de parejas y el estrés de estar embarazo de estrés.

Disponible los domingos a las 20 horas en el Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

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Análisis: Biomotor Unitron para Nintendo Switch



Por Luciano Macchioli

La Neo Geo Pocket Color fue una consola portátil lanzada al mercado en el año 1999. En esa época, no existía prácticamente competidor para Nintendo en dicho terreno. Es por eso que los juegos de su catálogo resultaron esquivos para la mayoría de jugadores. En nombre de la preservación de los videojuegos, celebro que existan estos relanzamientos en las consolas de actual generación. Ahora le tocó a Biomotor Unitron, RPG de mechas.


En este título nos pondremos en los zapatos de un Unitron Master, un robot que deberá ser piloteado por nosotros y con quien deberemos batallar para ser los mejores en la ciudad de Rhafiace. El más que simple argumento nos es suficiente para un juego que centra su atención en el gameplay.


El mundo que nos presenta está plagado de monstruos, a quienes debemos ir derrotando en batallas por turnos con el objetivo de conseguir mejoras para nuestro robot. Lo cierto es que las mazmorras están pobremente diseñadas y no representan desafío alguno. El hecho de que existan armas que son más efectivas con ciertos enemigos (algo así como la tabla de tipos de Pokémon) hace que todas las zonas puedan ser superadas con facilidad. Y los encuentros aleatorios cada dos pasos contribuyen al aburrimiento.


La curva de dificultad es inexistente. Con sólo unos minutos de leveleo, se puede acceder a la compra de mejoras para el Unitron y, a partir de allí, será muy difícil que el jugador sea derrotado.
El apartado artístico cumple con lo esperable de un título portátil de casi 25 años. Los entornos, enemigos, NPCs y demás presentan un pixelart bien trabajado, con la buena compañía de una banda sonora en 8 bits. La interfaz que presenta este relanzamiento es la correcta, con la consola original ocupando la pantalla, además de otras funciones.


La existencia de Biomotor Unitron en Nintendo Switch es extraña. Si bien es un juego que puede llegar a entretener un puñado de horas, no presenta ninguna característica que lo distinga: no tiene mecánicas originales, no se trata de una saga de renombre, no tiene un gameplay desafiante. Tiene todos los condimentos para ser olvidado tan pronto se deje de jugar. Y el formato de distribución individual, a pesar de un precio accesible de 8 dólares, no favorece a la llegada de más jugadores, como sí lo haría una compilación de varios títulos.


A pesar de los puntos medianamente destacables que Biomotor Unitron tiene, no me da una sola excusa para recomendarlo.


Calificación: 5/10

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