Es dia viernes ya muy tarde , ya ha pasado el momento de la cena, al menos en mi caso. Son las 23hs y nos encontramos para disfrutar de un musical el Galpon de Guevara, se trata de Citlalí, el musical. Esta obra nos invita a ser parte de un viaje , una fantasía en la que una mujer debe luchar para salvarse del poder de los dioses, y de los enemigos terrestres que se encuentran a su alrededor.  Aventura, misterio y comedia, acompañan a esta interesante obra del género musical.

La leyenda cuenta que cada guerrero de las antiguas tribus ocupaba un lugar en el cielo. Cuando su lucha terminaba, su alma abandonaba la tierra. Citlalí, la protagonista de esta historia, se enfrentará a un gran dilema ¿Qué tipo de líder quiere ser? ¿Del tipo que mata en cada oportunidad que tiene porque esa es su forma o del tipo que muestra al mundo una manera mejor? Solo esas respuestas las podrá encontrar en sus ancestros, en el cielo. Los caminos no serán fáciles. Guerreros y dioses, familia y enemigos, lucha y paz, amor y lealtad. Pero solo una verdad, la de su propio mito. Algún día su guerra va a terminar y solo su alma seguirá latiendo desde la estrella más brillante.

La historia nos traslada a una tierra devastada por una guerra , una invasión dónde los dioses han atacado a los terrestres de la llamada tribu del llano. Citlalí es una osada mujer que ha logrado escapar junto a su hermana del ataque y emprende un viaje hacia las montañas en la busqueda de la solución para finalizar esta guerra. Para ello debe pasar antes donde se encuentra la tribu del hielo, antiguos enemigos de su pueblo,  para solicitar ayuda y así resolver ese conflicto juntos.  El jefe de la tribu por algún motivo confía en la joven guerrera así que le abre paso para que realice su viaje, el problema es que gente muy cercana a ella siguen sus propios intereses, siendo capaces de traicionarla y poniendo en peligros a todos.

La propuesta se adentra en una historia fantástica,  de guerras, misterios y la lucha por la superveniencia. No nos olvidamos que se trata de un musical, de este modo nos encontramos con representaciones coreografiadas de lo que este mundo representa y de las travesías que los personajes atraviesan.

En cuanto al trabajo actoral , nos encontramos con 6 actores quienes representan a los personajes que intervienen en la trama, asi mismo, cuenta con un grupo de bailarines que complementan perfectamente con el curso del relato.  Citlalí es el personaje que le da nombre a este espectáculo,  y es quien lleva a sus hombros el peso de la obra, excelente composición de Anita Petrich. Todos los personajes tienen su espacio para poder contar lo que les sucede,   los actores en escena entienden perfectamente lo que quieren transmitir tanto individualmente como en conjunto.

El trabajo de dirección es impecable , si bien no existen muchos recursos escenográficos , la obra resulta más que bella visualmente.  El uso de luces , vestuarios y simples recursos de escenografía estan ingeniosamente trabajados para representar el mundo donde la historia transcurre.  El espacio de el galpon de guevara se presta para que se pueda jugar con libertad tanto en el diseño del espacio como en el manejo de los actores y bailarines en escena, muy bien aprovechados.

Citlalí, el musical es una obra del genero muy interesante , que nos traslada a una fantasía donde existe una lucha entre el amor y la guerra. Así estamos ante el camino de travesías que nuestra protagonista debe afrontar, llena de misterios, secretos y traiciones. Se trata de una obra musical muy bien pensada y representada, una buena opción para distenderse un viernes por la noche en un teatro tan cálido como El galpón de guevara. 

Ficha Técnica.

Autor y director: Mariano Cejas.

Actores: Anita Petrich, Beto Cuello, Daniela Rubiatti, Manuel Cisneros, Agustín Pablo Almeyra y

Maria Loli Eyzen.

Bailarines: Magalí Miramón, Florencia Rossi, Jazmín Beltramino, Julieta Perfetti, Ludmila

Mazzucchelli, Franco Bertoglio, Franco Sanabria, Santiago Banegas, y Hernan Benitez.

Diseño de vestuario: Ailen Miramontes.

Realización de vestuario: Ailen Miramontes y Sabrina Escobar.

Diseño, realización de escenografía y utilería: Kevin Bukovac y Augusto Tempesta.

Fotografía: Pablo Villares.

Realización audiovisual: Macarena Villares y Pablo Villares.

Diseño gráfico: Rodrigo Bianco.

Asistencia de coreografía: Ana Viale.

Asistencia de dirección: Julieta Bianco.

Director vocal: Gabriel Lima.

Producción ejecutiva: Luciana Cuenca.

Coreografía: Leandro Ariel Bustos.

Música original: Cristian Vivaldi.

Todos los viernes a las 23hs., en el teatro El galpón de Guevara, Guevara 326, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

*Reservas: 4554-4588. Costo de entrada $250. Más info: www.galpondeguevara.com

La Bestia Invisible es una obra de estados y de sombras. Las sombras se manifiestan tanto físicamente, con efectos lumínicos mediante celulares, pero también desde el discurso de cada personaje, proyectando la sombra de los recuerdos que aqueja a cada uno y que abraza en oscuridad su presente.  El tono lumínico y la música ambiental proponen un estado de ensoñación, o vulnerabilidad, que discurre a lo largo de la obra, acompañando los relatos que cada uno de los personajes comparte al espectador.

Acá estamos todxs. Siendo esto que somos. A veces hay certezas que nos llegan en forma de sueño y a ella le pasó muchas veces. A otra le parece horroroso ser quien es… mira como desde el fondo de un pozo y no se le ocurre nada más. También hay un chico que tiene grabada en el hueco de su mano la palma de su abuelo y una chica que tiene al suyo en un cuaderno. ¿Alguien se imaginó a sus abuelas y abuelos siendo niños? Ella sí, los ve andando huérfanos por las calles devastadas por la guerra. Está el que afirma no saber que hace acá, él mismo se recuerda a un cuento que leyó de chico y la que descubre que a veces no somos lo que parecemos y se ve reflejada en una lagartija; otro que era buenísimo haciendo las vueltas de carnero en el colegio y la que piensa que olvidar sin querer es como estar a punto de desaparecer… y el último que sabe, y que se atreve a confesar que no sabemos cómo terminar.

Hay un comienzo sugestivo. Un ventanal está ubicado de cara al público, y a través de este se puede ver a distintos individuos bailando en lo que parece una fiesta rave, todos bailan con las linternas de sus celulares. A medida que la música empieza a decrecer, los personajes se acercan al ventanal, y todos juntos terminan por abrirlo para quedar de cara al público. Ahora que la puerta se abre, la palabra también.

Los personajes no resuenan por sí mismos, por sus características. No hay tantas descripciones de su personalidad, sino un discurso en común en cada uno, y tiene que ver con los miedos que los aquejan en un presente donde impera la incomunicación, las redes sociales y las extravagancias tecnológicas.

Memorias de sus abuelos, o la nostalgia de la niñez son algunas de las añoranzas en común de estos individuos que dejan entrever sus pensamientos más personales. Cada uno pareciera tener la convicción, contraria a Spinetta, de que todo tiempo por pasado fue mejor.

La iluminación es simple pero hermosa. Una lámpara de color azul que predomina en la escena, otras con iluminación más cálida, y celulares que los personajes se llevan a los rostros, para así, bañarlos de luz. El efecto que se produce parece más un artificio cinematográfico que teatral, lo cual en vez de restarle al clima de la obra, termina por hacer todo lo contrario, funciona perfectamente.

El uso de los celulares es un recurso interesante, teniendo en cuenta los temas que se ponen en juego. Los celulares tienen a uso práctico la función de realizar llamadas, pero los otros usos que se le dan terminan por alienarnos. Acá, las linternas de los celulares bañan de luz a seres que se encuentran hablando desde lo profundo de sí mismos. Un objeto que suele ensimismar a las personas, termina reforzando la exposición de estas.

Se escucha música ambiental y melódica tocada por los propios actores y que abre paisajes al escucharla. Junto a la iluminación, conjugan una puesta en escena en pos de la nostalgia y los recuerdos, la memoria en sí.

El protagonista de esta obra, como lo indica el título, no se puede vislumbrar en escena, pero si su sombra, que se hace presente gracias a estos personajes que nos transmiten sus inquietudes, que nos hacen sentir a la bestia invisible.

Las funciones se realizan los días Sábados a las 22hs

En la sala “El Brío”, ubicada en Alvarez Thomas 1582

El Valor de las entradas es de $150 (entrada general) // $120 (estudiantes y jubilados)

Dramaturgia: Nayla Pose

Textos: Nayla Pose, Mariano Saba, Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló Muñoz, Pipo Manzioni

Actúan: Emmanuelle Cardon, Marian Vieyra, Julián Ponce Campos, Lucia Szlak, Florencia Halbide, Nahuel Saa, Paola Lusardi, German Leza, Loló

Muñoz, Pipo Manzioni

Diseño Grafico: Lucia Szlak

Dirección: Nayla Pose

David Ainstein

La noche a cualquier hora nos transporta a un mundo erótico y poético. La escenografía, la iluminación y el saxofón en vivo de María de Vittorio nos introducen en una  esfera fuera de lo cotidiano. Por todos los sentidos nos aborda la sensualidad, sobre todo en la  concatenación de las palabras y en la entonación de los personajes. Todo nos habla del Eros.

La puesta en escena de Mariano Dossena está hecha sobre poemas de Patricia Díaz Bialet, los cuales adaptó junto a Gustavo Pardi. Un poema se sucede a otro conformando una obra de ensueño. La versatilidad de Gustavo Pardi es admirable, encarna diferentes personajes muy diferentes el uno del otro. La entonación de Ana María Cores, ese decir poético, es formidable y la sensualidad de Florencia Carreras hacen  que la obra adquiera mucho dinamismo.

Nos perdemos en espacio sin tiempo, en un infierno de la sensualidad.  Los personajes se reúnen en torno a un sillón rojo de terciopelo desde el cual desplegaran sus historias, a veces amados, otras amantes. Pero siempre atrapados en los recuerdos del erotismo.

Las poesía evoca a un cisne blanco y nos induce por momentos al juego de las metáforas que nos recuerda  modernismo. Por otros momentos se torna a lo narrativo y a lo anecdótico.

El vestuario es decoroso, elegante y llamativo. Los tres actores saben llevar muy bien el espectáculo, con una fuerte presencia escénica y un increíble manejo de la sensualidad y el humor.

Ficha Técnica 

Autor: Patricia Díaz Bialet

Selección y Adaptación: Mariano Dossena y Gustavo Pardi

Elenco Ana Maria Cores, Florencia Carreras, y Gustavo Pardi

Músico en escena (Saxo): María de Vittorio

Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni

Realización Vestuario: Claudia Olivera

Música Original: Gabriel Senanes

Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo

Tecnico Grabacion More Fernandez Nuñez

Iluminación: Estudio Del Bianco

Iluminador Asoc: Martin Fernandez Paponi

Fotografía Fuentes2Fernandez

Diseño EN Diseño

Asistencia: Gabriela Genni, Emilia Nudelman, Natanael Fernandez

Producción Artística: Pablo Silva

Dirección: Mariano Dossena

DOMINGOS 19 hs TEATRO CC COOPERACION– Av Corrientes 1543 Buenos Aires / Entradas por Alternativa Teatral

Mhoris Emm

“Así de simple” es una obra escrita y dirigida por Sofía González Gil, perteneciente a una familia de artistas que se evidencia en su métier tanto como en la ficha técnica de la obra. Es una obra de una temática cotidiana (esas pequeñas delicias de la vida conyugal) pero realizada con recursos estéticos que la hacen original, como la utilización de 3 actrices y 3 actores para interpretar sólo 1 rol femenino y 1 masculino (la pareja).

En mi opinión, dos claras influencias pueden leerse en esta obra. La primera es una lucha freudiana entre los aspectos del sí, como si fuera una personificación del súper-yo y el ello en su constante desafío al yo.

Otra posible intertextualidad, ya más generacional, es la influencia de “Intensamente”, el film de Pixar que nos sorprendió a todos cuando salió por su entretenida manera de retratar lo intrincado de la mente humana.

Esto de que las relaciones no son tan simples se explicita en la construcción desordenada del tiempo (flashbacks y flashforwards) y en el recorrido espacial de los personajes que entran, salen, van y vienen. De esta manera, el desdoblamiento de los personajes y el uso del tiempo y del espacio redundan logrando coherencia en el mensaje, antitético con el propio título de la obra, lo cual cierra el círculo de la coherencia perfectamente en un guiño humorístico. El dinamismo de la obra es funcional al humor, ya que está repleto de gags y situaciones cómicas tanto verbales como físicas que la tornan increíblemente entretenida.

Sea como sea, sabemos que las relaciones humanas son complejas y nuestras decisiones son el resultado de una lucha de poderes entre lo racional y lo emocional. Lo difícil es lograr el equilibrio y que éste persista en el tiempo. O mejor dicho imposible, en cuyo caso lo único que resta es vivir. Así de simple.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

Reservas por Alternativateatral.com

 
Por Sol Grunschlager.

Federico García Lorca (1898 – 1936), español, granadino, poeta, dramaturgo. Amigo de Buñuel, de Dalí, de Rafael Alberti, de Manuel de Falla, de Pablo Neruda. Escribió “Romancero Gitano”, “Bodas de Sangre”, “Yerma”, entre otros bellísimos textos. Alguna vez caminó estas calles de Buenos Aires.

En la escritura de Lorca la sangre bulle, se convierte en denso cuerpo de acción.
El deseo la seduce, la encabrita como un toro brioso. Y es el deseo lo que subyace
en lo profundo, también en la superficie, en la saga de las Alba.
Bernarda Alba se convierte en viuda por segunda vez, se recluye, y con ella a sus cinco hijas, imponiendoles un luto cerril y asfixiante. Está prohibido que salgan de la casa, está prohibido el contacto con hombres, que se vistan sin luto, en suma: está prohibido el deseo. ¿Es posible cortarle las alas al deseo?
La figura de Pepe el Romano, con su sensualidad omnipresente, actúa como
catalizador de los conflictos en juego, un revulsivo, el perfecto enemigo que da la talla, para enfrentar el orden establecido por la rígida Bernarda.
La obra, escrita en 1936, fue estrenada en Buenos Aires en 1945. Establece un
claro paralelo con las ideas políticas en la España de los ´30. Y avizoraba la brutal guerra civil en ciernes y posterior dictadura de casi 40 años.
La puesta en escena está diseñada sobre la estructura narrativa del texto lorquiano, extrapolando escenas y personajes, e intervenida con fragmentos de poemas y prosa del granadino.
Con buenas actuaciones, sobresale Fernando Atias, como el presentador/narrador, ora personajes de la obra, ora tramoyista en escena, o el propio Lorca. Su trabajo se destaca.

La escenografía es despojada y con pocos dispositivos, criteriosamente
utilizados por los actores. La música en vivo permite un mayor lucimiento del elenco e induce al espectador a adentrarse en el espectáculo.
F.G.L. dijo una vez en un reportaje: “El mundo está detenido ante el hambre que asola a los pueblos. Yo lo tengo visto. Van dos hombres por la orilla de un río: uno es rico, el otro pobre. Uno lleva la barriga llena, el otro pone sucio el aire con sus bostezos.

El rico dice ¨Qué barca más linda se ve por el agua! Mire ud. El lirio que florece en la orilla!¨ Y el pobre reza ¨Tengo hambre, mucha hambre¨. El día que el hambre desaparezca va a producirse en el mundo la explosión espiritual más
grande que jamás conoció la humanidad…
Ese hombre, Federico García Lorca, fué arrastrado a la vera de un camino, una
madrugada de 1936, y fusilado. Por homosexual, por querer que no haya hambre, por poeta, por su alegría, por su limpia mirada, Federico, fue fusilado.
Junto con un maestro y dos banderilleros. Señoras y señores: es un texto de García Lorca, rindamos los honores a uno de los nuestros.

Ficha técnica:

Dramaturgia: María Inés Azzarri, Mariela Maehokama, Carolina Baigorria

Elenco: Mariela Verde, Eloísa Colussi, Fernando Atias

Música original y en vivo: Alberto Jiménez

Iluminación: Ariel Bottor

Gestión operativa: Cecilia Pérez Declercq

Producción ejecutiva: Mariana Zarnicki

Prensa y difusión: Kazeta Prensa.

Fotografía: Karina Macchioli.

Realización de vestuario: Allegra Dee

Diseño gráfico: Verónica Martorelli

Dirección, puesta en escena y vestuario: María Inés Azzarri

Funciones: Domingos 21hs . Espacio No Avestruz (Humboldt 1857)
A. R. Belano

Hemos tenido el placer de asistir al nuevo espectáculo conducido por Mex Urtizberea, llamado Que mundo idiota. El artista nos ofrece un concierto con todas las canciones de su disco Mua, sumado al humor que le caracteriza al personaje, brindando una relajada y entretenida noche de música,  monólogos y mucho humor.

La gente no sabe lo difícil que es la vida de los artistas.

Todo el glamour que suponemos hay en la vida de una estrella de la música se viene abajo cuando de su mano recorremos las dificultades que vive un hombre en busca de su sueño.

Por eso, Mex en este espectáculo nos muestra lo dificultoso de llevar a cabo nuestros sueños en este mundo idiota.

5 musicos y un comandante bastan para realizar un show donde el humor es el plato principal de la noche, no nos engañemos, este show es un concierto en el que Mex Urtizberea presenta la música de su disco, pero ofrece mucho más que eso. El artista ha hecho de su vida un personaje , y ese se encuentra en la sala del picadero para deleitar al público con las historias que compuso, acompañadas de delirantes y muy cómicas anécdotas entre tema y tema .

Podemos decir que mex ha hecho de este show algo muy personal, si bien nos encontramos en una amplia y reconocida sala como la de el picadero, esto se puede trasladar a cualquier bar o sitio donde podemos disfrutar de algo íntimo,  musical y bien relajado. El público acompaña con cada risa y aplauso,  se nota que existe cierta complicidad con el humor característico del personaje. Eso hace que se transmita en toda la sala ese ambiente de alegría y disfrute, además de ser parte de cada historia que son parte de las canciones presentadas.

Como algo personal, me toca admitir que conozco poco sobre el trabajo de Mex , lo he visto algunas tiras televisivas (ejemplo Graduados) y como parte del programa Pura Química,  más allá de eso desconocía su carrera musical pero me ha llegado a sorprender como combina su histrionismo y humor a la hora de tocar en un escenario frente al público.

El protagonista de la noche trata de realizar un acting, una parodia sobre el poder de las productoras musicales y demostrar sobre lo bueno que es venderse a estas grandes empresas. Daniel Casablanca es el encargado de la dirección del show, la idea al parecer ha sido darle teatro al espectáculo,  y ha sido un gran acierto, sobre todos para aquellos (como en mi caso) que son ajenos a este tipo de conciertos. Se le da la posibilidad a Mex de que se pueda manejar con total libertad, el público quiere verlo siendo el mismo y es eso todo lo que ofrece.

Que mundo idiota es más que un show musical, es una divertida velada en la que Mex Urtizberea nos regala al público brindando todo su humor y las historias que han sido parte de su vida , contadas a través de la música.  Ánimos para quienes quieran pasar una noche relajada y entretenida en la sala del teatro picadero.

Ficha técnica:

Mex Urtizberea.

Músicos en escena:

Bajo: Hernán Segret.

Guitarra: Paco Leiva.

Batería: Agustín Leiva.

Trompeta: Leonel de Francisco

Trombón: Francisco Salgado.

Dramaturgia / textos: Pedro Saborido y Mex Urtizberea.

Dirección Musical: Hernán Segret.

Dirección: Daniel Casablanca.

Asistente de dirección: Guadalupe Bervih.

Iluminación: Matías  Sendon, – Adrián Grimozzi..

Vestuario: Bolivia.

Fotografía: Triana Pena.

Diseño Gráfico: Diego Heras

Prensa: SMW

Comunicación: Gustavo Passerino

Producción ejecutiva: Luciano Greco

Coordinación técnica: Alberto López

Coordinación de producción: Romina Chepe

Productor General: Sebastián Blutrach

Funciones: Jueves y viernes 22.30 hs

Localidades desde $ 300.-

«Morir y vivir en Buenos Aires»  es una obra cuya dueña intelectual indiscutida es Ana María  Fontán,  quien estuvo en la dirección general, autoría e interpretación inspirada  por los grandes maestros Piazolla y Ferrer. El dueño de casa ocupado de la dirección musical  es  el maestro Julián Vat encargado de internarnos en una ex-celente selección de temas de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.

María es una mujer cosmopolita que, luego de vivir muchos años en el exterior, emprende un viaje de búsqueda y vuelve a suBuenos Aires querido tras el llamado de Juan, su primer amor. Intentará reconciliar y sanar las heridas de un pasado despiadado y cruel sin saber que van a hacerse aún más profundas, al punto de plantearse el sentido de su propia existencia. María hará todo lo posible paravivir, o en su defecto existir y en última instancia morir en Buenos Aires. Su destino, y lo que ella hará con el mismo, determinarán su final.

 Dicho por la misma Ana Maria Fontán, al finalizar la obra, lo más importante  de «Morir y vivir en Buenos Aires» es ser uno de los primeros espectáculos de tango que desembarca en las playas del Teatro San Martín. Haciendo salvedad, de la eterna discusión con final abierto, de si  las obras de Piazolla son tango o no.

Todos los méritos de haber llegado al Centro Cultural San Martín en la Sala Enrique Muiño se lo debemos a Ana María Fontán quien le ha puesto toda la garra para lograr una obra de profunda belleza  respetando el ritmo de Piazolla y Ferrer, envuelta en una poesía sutil con voces de Pepe Cibrián Campoy, Horacio Ferrer y  Graciela Borges.

 La historia de María, contada en un estilo cinematográfico, proyectada sobre una pared, con voces en off, relata las vicisitudes de  una muchacha que regresa a Buenos Aires, luego de vivir muchos años en el exterior, encontrando el amor.

Un argumento robusto, con la asistencia de imágenes áreas (drone) de Buenos Aires que nos comprometen en dar  una mirada panorámica y que vamos bajando a partir de la historia proyectada digitalmente gracias al excelente trabajo de diseño de multimedia de Marcos Capello y Ramizo Quartz (Holographix), a partir de la dirección escenotécnica y audiovisual de Laura Vega.

Este toque de contar una historia, en el marco de la música de Piazolla y Ferrer con temas como «Balada para un loco», «Siempre se vuelve a Buenos Aires», resultan una perfecta combinación.

Tampoco  sería justo, si omitiese comentar  el gran despliegue actoral de Ana María Fontán,  con un personaje sufrido, dispuesto a todo: amar, morir  y hasta resucitar por amor, todo eso siempre en  Buenos Aires.

En la función a la que asistí, luego de recibir Ana María Fontán, un hermoso ramo de flores, agradeció por la ayuda prestada a la Fundación Piazolla quien le permitió disfrutar de estar en el Centro Cultural San Martín.  El público con los aplausos agradecimos a Fontán que hizo un merecido homenaje a los maestros Piazzolla y Ferrer.

 La obra participó en el Festival y Mundial de Tango 2017 que se celebró en Buenos Aires, del 10 al 23 de agosto de este año, en el marco de los 25 años de fallecimiento de Astor Piazzolla e inaugurando el Ciclo de Tango del Centro Cultural San Martín.

¡Qué más les puedo decir! sobre la obra,  que tocó las fibras más intimas, porque entendí ese sentimiento de quienes vuelven a Buenos Aires, en mi caso,  luego de haber vivido unos años en el interior del país, y me he puesto a pensar, si tuviese que elegir donde nacer, si pudiese volver el tiempo atrás, si tuviese que elegir una ciudad en la cual vivir, aunque a veces despotrico, me peleo con sus personajes, ciertas cosas me desconciertan, sin dudarlo, ni por un segundo,  volvería y no podría respirar en otro aire que no sea Buenos Aires. Inclusive lo afirmo a partir de la experiencia de todos los años, al irme de vacaciones, el placer de conocer otros lugares, otras culturas, pero con la seguridad de volver a mi ciudad, esa ciudad a la cual conozco,  reconozco y como todo amor, nunca se puede abandonar y de quien  me enamoro todos los días. Así que les recomendamos ir a ver «Morir y vivir en Buenos Aires» que es como pasar por el Registro Civil para confirmar los votos de amor a esta ciudad.

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Es una obra poética, con humor, amor y música, que cuenta la relación de un Conejo con su pareja el Osito. Un proceso de separación, el encuentro con su soledad, sus miedos y pensamientos.

Un oso de peluche sentado en una silla, escucha los reproches de su pareja, un conejo que ha sido abandonado.  Conejo necesita saber si Osito lo quiere, está devastado y se cuestiona muchas cosas de la relación, necesita una explicación a este abandono y canaliza este proceso de separación como puede, mediante una descarga amorosa, preguntas existenciales, escenas de celos, bronca, angustia y música, aunque por momentos necesita que su cerebro calle.

Un absurdo, llevado muy ingeniosamente por este personaje interpretado por Sebastían Poveda quién también es el escritor de este unipersonal, que cuenta  con la participación de un León, Lautaro Mackinze (Director de la obra) quién aporta una cuota extra de humor a una obra que invita al espectador a participar, escuchar y dejarse llevar por las diferentes facetas que nos muestra este Conejo con un humor muy particular y que permite al público reflexionar sobre el amor y el presente.

A lo largo del tiempo el material fue mutando gracias a diferentes colaboraciones y diversas presentaciones en espacios nacionales (CABA, Córdoba, Rosario) e internacionales (México, Uruguay).  Hoy, con todo este recorrido, proponen llevar este material a una obra llamada “Eureka! El grito de un conejo” que se presenta los sábados a las 20:00 en La Lunares.

Ficha Tecnica.

Intérprete: Sebastián Poveda. (Conejo)

Dirección y participación actoral: Lautaro Mackinze (León)

Asistente de dirección: Alejandra Amarilla

Producción: Elizabeth Cancino

Idea y texto: Sebastián Poveda

Vestuario: Virginia Vega.

Ilustraciones: Julia Garibaldi Tobias.

Diseño Gráfico: Diego LoRusso (escarabajoambulante.com.ar) y

Federico Mackinze (F/machacko).

Desde el 12 de agosto todos los sabados a las 20 horas, en La Lunares (Humahuaca 4027).

Idea, texto y actuacion de Sebastian Poveda,
direccion y participacion actoral de Lautaro Mackinze.

Julieta Ale

Este domingo 13 de agosto, en un domingo diferente, un domingo de elecciones,  que no impidió a muchos a las 19 hs estuviésemos en el Teatro Avenida, esperando que se suba el telón, para formar parte como espectadores de  La Bohéme.

    En esta oportunidad, Buenos Aires Lirica es quien organiza en el Teatro Avenida  hasta el 19 de agosto, la puesta en escena de La Bohème, ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y texto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.

    Al ver una obra, no puedo disociar el espectáculo con su público. Cada función es única, dependiendo no solo de quienes estén arriba del escenario sino también del aplauso y calidez del espectador. La sala y los palcos estaban prácticamente cubiertos de público. No es un tema menor, la fama que tiene el público de ópera por ser uno de los más exigentes. En esta oportunidad en el final de cada acto el público aplaudía entusiasmado, de pie, gritando Bravooo!! a la compañía y a la orquesta.

    Este es el mejor sello para marcar la calidad de un espectáculo, donde al  finalizar cada acto, el tiempo es imperceptible porque el espectáculo hace que el público se traslade a otra dimensión en sintonía con la historia que se está narrando.

    Para aquellos que no conozcan la trama, es un relato sobre estudiantes de escasos recursos, que pasan frio, son jóvenes, alegres que viven en Parìs. Los personajes principales son Mimi y Rodolfo que viven en una buhardilla, están muy enamorados, él es muy celoso y no deseamos contar más de la historia para que cuando la vayan a ver  tengan la oportunidad de sorprenderse con su desenlace.

    Los diálogos de la pieza son simples pero de una extraordinaria poesía como así también la letra y música.

    En la puesta en escena y escenografía a cargo de Marcelo Perusso es destacable la banda musical que se suma a la propuesta  tocando  piccolo (flautín) , trompetas, y tambores.

    La dirección musical estuvo a cargo de Mario Perusso quien ha dirigido espectáculos líricos y sinfónicos en teatros de Europa, América Central y América del Sur. Fue director artístico del Teatro Colón y del Teatro Argentino de La Plata. La orquesta acompaña a la obra con violines, violas, violoncelos, contrabajos, flautas, oboe, clarinetes, fagotes, cornos, trompetas, trombones, percusión y arpa.

    Participa el coro de Buenos Aires Lírica, cuyo director Juan Casasbellas coordina las escenas corales con una puesta de más de cuarenta cantantes en escena, con sopranos, mezzosopranos, tenores, bajos y barítonos. A este enjambre de personajes puestos en escena maravillosamente ensamblados mencionamos a Rosa Bravo, Directora del coro de niños Petis Coeurs, que hacen más real la puesta con la inserción de niños y niñas en el escenario.

    El vestuario es excelente a cargo de Ramiro Sorrequieta quien ha obtenido premios y menciones por su labor como vestuarista y caracterizador.

    El personaje de Mimi es encarnado por la soprano Monserrat Maldonado quien participó como solista en el teatro El Círculo de Rosario en la Sinfonía Nro 2 “Resurrección” de Mahler. Su partener en el papel de Rodolfo es Nazareth Aufe quien desde 2005 integra el coro estable del Teatro Colón, Abordo los roles protagónicos de tenor en La traviata y Rigoletto (Verdi).  

    En el papel de Minette, amiga de Mimi, la soprano María Belén Rivarola, quien cantó los primeros roles de las óperas: Carmen, La traviata, la Bohéme. Y el barítono Ernesto Bauer, amigo de Rodolfo, cantó en el teatro Colon, Argentino de La Plata, Avenida, El Círculo de Rosario y Vera de Corrientes.

    Teniendo en cuenta que La Bohéme es la ópera que más se ha representado en nuestro país, retrotrayéndonos a la historia, cuando Giacomo Puccini, llegó a Buenos Aires en 1905 en lo que fue su primer viaje a través del Atlántico. Sigamos con la suerte de contar con más representaciones de esta niña mimada adoptada por el mundo lírico: La Bohéme y continuemos elevando las copas agradeciendo por otro domingo que hemos tenido la oportunidad en democracia de revalidar los votos de confianza.

Funciones: viernes 11, jueves 17 y sábado 19  de agosto a las 20 hs. Domingo 13 de agosto a las 19 hs.
Lugar: Teatro Avenida (Av. de Mayo 1222. CABA).
Localidades: Precios desde $250 a $1900. En boletería del Teatro Avenida, martes a domingo de 13 a 20 hs., en efectivo o con tarjeta, o por Plateanet  al 5236-3000 owww.plateanet.com/Obras/la-boheme
Duración: Obra en cuatro actos y dos intervalos. 2 horas 45 minutos.
Todas las funciones están sobretituladas en español
 
FICHA TÉCNICA
Elenco: Monserrat Maldonado (Mimì), Nazareth Aufe (Rodolfo), Ernesto Bauer (Marcello), María Belén Rivarola (Musetta), Luis Loaiza Isler (Schaunard), Walter Schwarz (Colline), Sergio Carlevaris y gran elenco.
Dirección musical: Mario Perusso
Puesta en escena y diseño de escenografìa: Marcelo Perusso
​Diseño de vestuario:​ Ramiro Sorrequieta
​Diseño de Iluminación: ​Rubén Conde 
Prensa: Octavia Comunicación

Diana Decunto

No sabría como comenzar a abordar esta reseña, debo confesar en que ha llegado a afectarme muchas cosas de las que suceden en Así de simple.  Una comedia que aborda la vida de una pareja desde los momentos más felices hasta los que no lo son tantos,  con una mirada que permite idemtificar las distintas emociones de los protagonistas a través de distintos personajes. Estamos ante una comedia con tintes de drama que retrata la realidad de muchas parejas simplificando el vaivén de emociones mediante el desglose de emociones, algo que quiza he llegado a identificarla con la pelicula Intensamente de pixar. Toma este recurso para brindar una historia rica en semtimientos y conmovedora para cualquier persona que ha vivido una relación.

Clara y Joaquín se conocen, se gustan, se seducen, se enamoran y comienzan a convivir. Clara y Joaquín son dos, pero son muchos a la vez: son todas las voces que los habitan. Son dos personajes con seis actores. Son los protagonistas de una historia que dispara la pregunta: ¿qué pasaría si todas nuestras voces hablaran igual de fuerte?

Así de Simple, de Sofía González Gil e Ignacio Bresso, escenifica, con mucho humor, los clásicos conflictos de las parejas a la hora de llevar una relación adelante; pero también nos invita a pensar qué es lo que sucede cuando el amor no alcanza.

La obra comienza con la llegada de tres hombres de similar apariencia e idéntica vestimenta que se reposan llorando en el sillón, sonando de fondo la canción Ella ya me olvidó de Leonardo Fabio, remarcando un inevitable rompiemiento de una pareja. Consiguiente a ello llegan tres mujeres con las mismas características que los hombres, desde ese momento identificamos que la pareja es una sola y que los demás personajes son el reflejo de sus emociones más presentes. Por un lado tenemos a quien controla la razón,  que intenta analizar las cosas con cautela y despues tenemos al apasionado, que se deja llevar por los impulsos, motivos por el cual la pareja no termina de cerrar su historia facilmente. Deste modo vivimos el antes y después de estos jovenes, desde cuando estaban enamorados y su relación seguía en la etapa del romance, alternando con los momentos en que la relación se ha vuelto conflictiva pero que aún así les cuesta despegar los lazos. Lo más interesante de la obra , es como a través del uso de personajes teóricamente imaginarios o no presentes, logran relatar esta historia con tanta simpleza y realidad. Es casi imposible que el espectador no logre identificarse con los personajes o las situaciones, ninguna relación es sencilla, somos personas cargadas de infinidades de emociones y allí se encuenta lo interesante de lo complicados que somos al relacionarnos con otros. La obra quema etapas constantemente , relatando con con mucho ingenio la intimidad de una intensa relación.

En cuanto a los actores , cada uno ha hecho un excelente trabajo con el papel y la personalidad que se les ha designado. Se entiende perfectamente el lugar que la pareja protagonista (La que vive en la realidad) combinando las personalidades y dejandose llevar por las decisiones de sus alter ego.  Todos se relacionan entre sí , aun así no llega a confundir al espectador sobre lo que se quiere contar, además de manejar perfectamente el humor que la puesta requiere.

El trabajo de dirección es verdaderamente impecable , Sofia Gonzalez Gil utiliza librememte los espacios de la sala más pequeña del Kairós, ya siendo un lugar hogareño para la actirz y ahora directora. El espacio se utiliza perfectamente para adentrarnos en la vida de esta pareja, y de sus personalidades, en el hogar donde su historia se desarrola desde el incio y donde los problemas han iniciado y culminado.  Las luces y la música acompañan el relato con armonía, lo simple se mantiene como escencia de la puesta, aunque debamos saber que lo sucedido en una relación no siempre es tan sencillo de entender.

Asi de simple es una historia sencilla, real y muy conmovedora. Estamos ante una ingeniosa que combina perfectamente la comedia y el drama que surge entre los dilemas de una relación.  Con excelentes actuaciones, acompañado del notable trabajo de dirección de Sofía Gonzales Gil, la obra nos invita a que podamos ser parte de una historia sincera y conmovedora que llegará al corazón de todo espectador.

Ficha técnica

Libro: Ignacio Bresso y Sofía González Gil

Actúan: Ignacio Bresso, Julia Dorto, Francisco González Gil, Agustina Montiel, Magdalena Pardo, Andrés Passeri

Diseño y realización de escenografía: Lula Rojo y Gastón Segalini

Diseño de luces: Manuel González Gil

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Fotografía: Martina Bajour

Diseño gráfico e ilustraciones: Malena Papanicolau

Coreografía: Carolina Pujal

Asistencia de dirección: Manuela González Gil 

Producción: Loli Crivocapich

Dirección: Sofía González Gil

ASÍ DE SIMPLE, no sé quién sos pero te sigo buscando

Dirección: Sofía González Gil

MIÉRCOLES 21 HS

El Método Kairós – El Salvador 4530, CABA. 

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