Origen: Un círculo más que redondo es perfecto.

Entre la poética de Shakespeare y la música de John Dowland, esta comedia de enredos plantea las ambigüedades y tensiones manifiestas entre la sexualidad y el deseo, el amor y la pasión. La vestimenta transciende género y posición en una delirante historia redondeada con la música de un laúd.”

La puesta es simple aunque precisa, sin elementos extras que dispersen la atención que se requiere para obras de esta complejidad. Es aquí donde el rol de las luces a cargo de Gustavo Lista es preponderante; ya que se lucen (cuac) y, con características claras y frías fortalecen el protagonismo en  el momento justo.

El maestro Evar Cativiela, a cargo de las cuerdas musicaliza en vivo a lo largo de toda la obra. Nos sitúa en un contexto que nos remite a un ambiente habitado por la nobleza; y por momentos nos transporta a lugares oscuros,  y desconocidos; con pizcas de psicodelia por momentos.
Por momentos participante, por momentos espectador, por momentos protagonista.

La permanencia en escenario de los personajes  durante la totalidad de la pieza teatral suma a la continuidad e involucramiento del espectador.

Uno de los mayores puntos a  destacar de la propuesta, es el desdoblamiento actoral que efectúan los protagonistas. En algunos pasajes personas de carne y hueso, en otros personajes enmascarados, brindan una singular interpretación que superan  las expectativas de una pieza tan reconocida en la historia del teatro.

Es complicado adaptarse en un principio al lenguaje y modismos de la época, pero una vez superado ese obstáculo, el disfrute es pleno.

Con la mayor humildad, a la hora de referirme a la  dirección en mente de Laura Gutman, puedo decir que es acertada. Generando un lucimiento del elenco en sus actitudes que si bien son de época, tienen un poquito de contemporaneidad, apoyada en la muy buena adaptación  de Elena Gowland.

Nicolás Rodriguez Camino.

FICHA TECNICA

Traducción y adaptación de Elena Gowland

Músico en vivo, laúd – Evar Cativiela

Canciones interpretadas por Mercedes Olivera

Vestuario de Jorge Orlando

Realización de máscaras de Elsa Giré Pechayre

Diseño de luces de Gustavo Lista

Dirección de Laura Gutman

Interpretes:

Lucía Adúriz

Pablo Campopiano

Elena Gowland

Mercedes Olivera

Mariano del Pozzo

Sylvia Tavcar

Miguel Angel Vigna

Domingos, 18 hs

en HASTA TRILCE

Maza 177

Tel: 4862 1758

La lección de anatomía es una obra que se estrenó en el año 1972, hasta ahora es una obra que sigue dando que hablar y se agradece esta nueva reposición para hacerle honor a este clásico. Se trata de una obra de exploración física y emocional, que muchos quizá recordarán por la polémica escena donde los personajes se presentan en total desnudez. ¿Resulta necesaria esta escena para la comprensión y disfrute de esta puesta? ¿Tiene algo más allá que la explicita exploración de los cuerpos? La respuesta es un sí rotundo.

 La obra trata del ser humano y su lugar en la sociedad, del miedo a la muerte, la soledad, las frustraciones, los fracasos, la autodestrucción.

La obra comienza en un silencio donde lentamente aparecen las personas involucradas en la puesta, luego de eso se someten a al desnudo de sus cuerpos, seguida de la exploración física entre sí mismo y los demás integrantes del grupo. Cabe decir que esta presentación resulta desconcertante, intrigante pero visualmente realista y bella. La escena busca librar la verguenza y los miedos , tanto para los personajes como los espectadores presentes. Todo esto no es más que un prólogo,  anticipando lo que está por venir: la exploración física y emocional del ser humano.

Una ver finalizada su presentación,  los personajes se visten y comenzamos a ser participes de una serie de relatos independientes entre sí,  pero que engloba una misma idea, recorrer la mente y el alma de las personas. Algunas historias están diseñadas a partir de situaciones de la vida cotidiana, representadas desde el abstracto que caracteriza a la puesta.

Los actores en escena han sido el pilar fundamental de esta obra, que requiere una ardua preparación física y escénica, obteniendo un gran resultado final. Cada actor tiene su momento para contar su historia desde el rol de protagonista, aunque técnicamente ninguno lo sea.  Todos en su conjunto se complementan para aportar lo que cada relato requiere, teniendo muy en cuenta la presencia del público en la sala, ya que también somos participes de esta experiencia.

La lección de anatomía es una obra visualmente bella y profunda en su argumento .  Los personajes en escena invitan al público a apreciar lo más íntimo del ser humano y vivir esa experiencia desde lo físico y emocional. Se trata de una obra que se han convertido en un clásico del teatro, así que es una puesta necesaria para volver a ver o descubrirla.

Ficha Técnica:

• Actores: 

  Yamila Gallione, Sofía Gelpi, Luciano Heredia, 

   Charlos Distefano, Alejandro Melgarejo, Eduardo Kacheroff, Marcos López, Paula Tedeschi

• Coreografía: Carlos Mathus
• Dirección: Antonio Mathus
• Autor: Carlos Mathus
• Funciones:  Viernes 22:45 hs Teatro Empire

• Entradas en la boletería del Teatro Empire H. Yrigoyen 1934 – CABA  o por alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com/obra53014-la-leccion-de-anatomia

• 
  

 La obra El círculo de Tiza Caucasiano de la mano del director general  Manuel Iedvabni  nos permite  los martes a las 20 hs.  volver a Brecht y sentirnos  gustosos de conocerlo.

Durante una revuelta el gobernador y su esposa deben abandonar el palacio para salvar la vida y, en la prisa, abandonan al niño. Una joven sirvienta del palacio, se apiada del pequeño y se hace cargo de él. Con muchos sacrificios lo lleva a una aldea vecina y allí lo cría y lo cuida como si fuera suyo.

La misma revolución convierte a Azdak, un borracho y pendenciero, en juez, y sus sentencias favorecen siempre a los pobres y desgraciados. Ante él comparecen un día Gruche y la esposa del gobernador, alegando ambas ser la verdadera madre del niño. Azdak no sabe la verdad y las somete a la Prueba del círculo de Tiza, para dar su veredicto.

¿Qué  debe hacer el común de la gente  para sobrevivir  y conservar su sentido de lo humano en medio de convulsiones políticas y sociales?   Y, sobre todo, ¿cómo conservar la  bondad en medio de la crueldad circundante? Ya no nos basta comprender el mundo. Eso es apenas una condición imprescindible para poder modificarlo. ¿Puede el teatro contribuir a modificarlo? Esa obsesión recorre toda la práctica teatral de Brecht.

Esta obra de teatro de Bertolt Brecht está dentro del teatro épico basado en la crítica política y social. Muchas escenas contienen un toque irónico con dardos excelentemente disparados para marcar las diferencias de clases, el abuso de poder,  la corrupción y las apariencias en el ámbito  familiar.

La obra trata sobre una revuelta social, donde el gobernador y su esposa deciden huir del palacio en medio de corridas y sustos  deja abandonado a su hijo, un bebé de pocos meses.

Grusha, una  joven lavandera,  sirvienta del palacio se hace cargo del niño, brindándole todo su amor tomándolo a cargo como si fuera su propio hijo siendo capaz de ofrendar su vida por èl.

 No contaremos más las vicisitudes que debe sortear Grusha para proteger al bebé que ha cuidado desde tierna edad. Queremos que el público se sorprenda con la historia cuando vaya a verla.

Muchas escenas se dan dentro de un marco musical muy sugestivo, de hermoso contenido coral, en algunos casos similar al estilo de musicales como Evita o Jesuscristo SuperStar con alto contenido emotivo y coreográfico. La música original de la obra es excelente de Esteban Morgado quien además es el director musical de esta puesta.

La obra cuenta con el recurso de tener una relatora  encargada de explicar  los hechos a medida que van sucediendo. El personaje es llevado por la cantante María Marta Guitart, quien  además participa de la mayoría de las escenas musicales.

Las situaciones de comedia y grotesco se basan en mostrar a Azdak, un borracho y pendenciero quien en la revolución lo ha convertido en un juez quien utiliza métodos poco ortodoxos para ejercer justicia.

El título de la obra habla de Círculo de tiza porque en la obra existe una disputa sobre la tutela del niño si quedará en manos de la madre que lo abandono o la sirvienta. Azdak impartirá justicia imponiendo  que el niño se quedará con la madre o con Grusha, dependiendo quien consiga sacarlo de un círculo dibujado con tiza en el piso, mientras ellas forcejean tirando cada una de un brazo del niño..

Está inspirado en el cuento El círculo de tiza, del chino Li Xingdao, similar al juicio de Salomón, pero de planteamiento opuesto (la mujer que demuestra merecer al niño, por amarlo, es precisamente la que no es su madre biológica).

El   vestuario está a  cargo de Patricio Delgado y Susana Hidalgos, siendo los  adecuados a usar por los personajes para crear el clima de credibilidad necesaria para la puesta.

Las actuaciones son todas excelentes, mostrando que es un equipo actoral sólido, donde la obra de Brecht fluye gracias al manejo del director Manuel Iedvabni. Las actrices que encarnan a Grusha y a la esposa del gobernador son destacables como así también el actor que encarna el personaje de Azdak.

Recomendamos hacer un paréntesis el  martes tomarse un respiro en el Teatro IFT, pasar una buena noche, viendo una deliciosa obra de teatro que le  dará fuerzas para seguir adelante con el resto de la semana.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Bertolt Brecht

Versión y traducción: Manuel Iedvabni

Actúan: Dana Basso, Cristina Sallesses, Roxana Del Greco, Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocco, Pablo Flores Maini, María Marta Guitart, Ariel Levenberg, Rodrigo Pagano, Juan Manuel Romero,Gustavo Siri.

Cantante: María Marta Guitart

Músicos: Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocc , Pablo Flores Maini, Rodrigo Pagano.

Diseño de escenografía: Gastón Breyer

Diseño de Luces: Roberto Traferri

Diseño de Vestuario: Nereida Bar, Verónica Segal

Realización de escenografía: Ariel Levenberg

Diseño Gráfico /Colaboración artística: Leila Gramajo, Wilfredo Parra

Realización de Vestuario: Patricio Delgado, Susana Hidalgo

Fotografía de ensayos: Vicky Elmo

Prensa: Marcos Mutuverría – DucheZarate

Productor ejecutivo: Pato Rébora

Director Asistente: Pablo Flores Maini

Música original: Esteban Morgado

Dirección musical: Esteban Morgado

Dirección general y puesta en escena: Manuel Iedvabni

ESPACIO IFT
Boulogne Sur Mer 549
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 4962-9420 / 4961-9562
Web: http://www.teatroift.org.ar/
Entrada: $ 200,00 – Martes – 20:00 hs 

Diana Decunto «Por Amor al Arte»

BANQUO:- Ya eres todo: Rey, Cawdor, Glamis, como te prometieron

las mujeres fatídicas pero… sospecho que jugaste muy villanamente….

MACBETH:- No faltéis a nuestra fiesta! “

Macbeth (W. Shakespeare)
Medioevo en Escocia. Macbeth y Banquo, generales del rey Duncan, regresan victoriosos de una cruenta batalla expulsando a invasores del reino. En un páramo neblinoso, se cruzan con tres brujas: a Macbeth le vaticinan que primero será barón y luego rey; a Banquo, que su descendencia será de reyes. Macbeth es nombrado barón, y este acierto en el vaticinio de las brujas da inicio a una desesperada fuga hacia adelante, camino de ambición y éxtasis de codicia, incentivado, constantemente acompañado por Lady Macbeth, su mujer, tanto o aún más jugada al todo o nada. Asesinan al rey Duncan que, huésped del castillo de los Macbeth creía honrarlos con su presencia, y vilmente culpan a los hijos del rey del cruel hecho. Los descendientes huyen, Macbeth es coronado rey y sabedor de las profecías, manda a matar a Banquo. Pero el hijo, Fleance, logra escapar.

Lo que sigue es una bacanal de muerte, persecuciones y asesinatos, de degradación, sombrías alucinaciones, conjuros, descenso a los infiernos de lo más impuro de las acciones humanas. Lo que maravilla es el exacto retrato de la tiranía, su ascensión encantadora, sus promesas vanas para que crean los deseosos de creer, el miedo, la aceptación servil, la observancia de la corrupción del poder, y queilimitado, corrompe a todos. El poder sin límites corrompe hasta a los mejores. Indefectiblemente.

Macbeth es una obra sangrienta, voraz, donde la razón se deforma al punto del espanto. Orson Welles la realizó primal, rústica, barbárica. Akira Kurosawa la llenó de vértigo. Roman Polanski, de seductora y sombría violencia. A cualquier persona que le interese la historia, la psicología, la sociología, la política, la literatura, etc. debería leerlo. Allí hay escrito un perfecto tratado del poder y sus consecuencias, cuando es mal utilizado.

Florencia Limonoff, como Macbeth, y Coni Marino, como Lady Macbeth, componen un trabajo minucioso y profundo. La escenografía: trastos, ropajes viejos, sogas, madera, invitan a un mundo ambivalente, a veces páramo, otras ominoso castillo medieval.

La adaptación y dirección de Jorge Eines es interesante conceptualmente. Ahora, hay algo en el orden de lo visceralmente bestial, que está enunciado pero no concretado. Para que las palabras no solo reflejen su intrínseca belleza, sino inquietud, temor, interpelen y revelen. Catarsis, que se dice.

Véanla, el trabajo del equipo que lo realiza lo vale. Entre otras minucias, uno es la medida de sus desafíos.

Ah… me olvidaba: la escribió un tal W. Shakespeare (1564-1616). No había celulares en esa época. Si hubieran existido, él posiblemente conocería el celular de Dios.

 
A. R. Belano

Piensa en tu fantasía más recurrente y probablemente la verás en “Frecuencia Onírica”, un espectáculo erótico multisensorial que explora, a través del cuerpo de los actores y la participación del público, representar las escenas eróticas que viven en nuestro imaginario.

«Frecuencia Onírica» es una experiencia multisensorial para viajar por las historias eróticas que
habitan en los sueños. El espacio y el tiempo se resignifican en una sinfonía de estímulos que seducen
la imaginación y «despiertan» fantasías en el espectador.
Recortes eróticos que se entrelazan en la rutina y permanecen como ecos, una y otra vez. Escenas
cotidianas que se dejan espiar, rozar y degustar sin prejuicios. Cada uno elige qué tan cerca quiere
percibirlas.
Un recorrido expectante que se descubre a medida que se transita. Deseos inconscientes despiertan en
un vuelo sensorial que sugiere al espectador completar las historias en su imaginación.
¿Con qué frecuencia imaginas lo que te gusta?
Wide Night te propone sintonizar tu frecuencia onírica y despertar en tus sueños eróticos.

Desde que entras en el Galpón Guevara ya estás participando en la obra y luego, al ingresar en un espacio aparentemente vacío tendrás que moverte con los actores que estarán mostrando microescenas de fantasías que, hay que admitir sin tabú, todos hemos tenido alguna vez.

Para entrar a este espectáculo recomendamos ir con la mente abierta porque cualquier cosa podría pasar por tu mente y si hay algún tipo de pared por normas de la sociedad no podrás vivir esta experiencia con agrado.

Todos deberíamos vivir un momento sólo para disfrutar de nuestra sexualidad y sensualidad sin tapujos, al menos una vez en nuestras vidas, y te aseguro que en “Frecuencia Onírica” podrás conectarte con ese espacio para ser libre sin ningún tipo de prejuicios.

Galpón Guevara (Guevara 326)

Teléfonos: 4554-4588

Web: http://www.galpondeguevara.com

Entrada: $ 250,00 – Sábado – 23:00 hs – Hasta el 09/09/2017 y 23/09/2017  

Ficha técnico artística

Idea: Wide Night

Guión:Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Texto: Felicitas Plos

Actúan: Nicasio alvarez, Facundo Cano, Maggie García, Sol Gomez, Valentina Lecuona, Adrian Lezcano

Narración: Rocío Pawluk

Voz en Off: Jimena Gonzalez

Vestuario: Angel Key

Diseño de luces: Maximiliano Cargnello

Visuales: Samanta Lukesch

Música original: Wide Night

Sonido: Liza Castignani

Operación de luces: Leandro Fretes

DJ: Liza Castignani

Diseño gráfico: Samanta Lukesch

Entrenamiento actoral: Valentina Lecuona

Producción general: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Colaboración general: Valentina Magna

Dirección artística: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Dirección: Valentina Lecuona

Ariana Marín

Desde que estoy escribiendo aquí,  trato de no pensar mucho en sobre de que va el argumento de una obra antes de ir a verla. Esto permite no generar una expectativa previa, siendo más sencillo ser objetivo a la hora de escribir la reseña.  En el caso de Ser de nadie, me ha sucedido que he imaginado muchas cosas sobre su argumento con solo divisar el flyer de la obra, que a ssimple vista  te muestra una combinación entre lo sexualmente perturbador y la religión.  Con esa base he disfrutado en el espectáculo, que en algunos aspectos ha sido como lo imaginaba y en otros, totalmente lo contrario.  

Aislados de un mundo que consideran aberrante, rodeados de una nieve impenetrable, esquivos de su propio pasado inconfesable… Entre rezos, cánticos, confesiones y penitencias, un grupo de monjes y su Abad viven entregados a Dios. Pero algunos sólo lo aparentan.

La obra se situa en un templo donde conviven un grupo de monjes, donde desde el inicio, somos testigos del secreto de dos hombres que se desean (¿Y aman?) en secreto. De conocimiento obvio, sabemos que en este tipo de grupos religiosos el amor carnal entre hombres está prohibido, considerándose un pecado muy grave.  Por otro lado, la persona de mayor rango en ese templo (desconozco los términos apropiados de referencia) guarda también un secreto, se encuentra con un niño a escondidas de todos, en el cual llega a abusar de el tanto fisica como psicológicamente. Estas historias se entrecruzan, llevando a una lucha por los intereses personales de cada uno, intentanto buscar la libertad de aquella prisión que los atormenta. 

La historia resulta muy interesante en su argumento, como había anticipado antes, la sexualidad es recurso importante en cuanto al conflicto de la trama. El ambiente represor , las historias del pasado y los sentimientos llevan a los personajes a realizar actos que están en contra de sus principios morales inculcados en aquella sociedad. La puesta no deja cabos sin resolver , así que es un punto a favor que permite a espectador sumergirse en el suspenso que la historia brinda. 

La actuaciones son correctas , cada personaje tiene su rol definido y actúa de forma individual según sus propias necesidades. Cabe destacar la representación de quien debe mostrarse como un niño, que es victima del abuso de quien dice ser su padre y dueño , a quien debe entregarse sexual y emocinalmente a el aunque no sea lo que realmente quiere. Este logra convertirse en un adulto en el cuerpo de un menor , que realiza lo imposible para buscar esa libertad que le han robado. 

En el momento que me han acercado la información de la obra,  había un apartado en el que comunicaba que la puesta contenía escenas de desnudos y que no era recomendable para menores de edad. Si bien las escenas suceden , aunque con una sutileza quizá excecivamente cuidada. Como algo personal quizá haya aportado algo mas que esto se maneje con mayor libertad y sin miedos , de todos modos se entiende perfectamente lo que quieren transmitir cada una de las escenas y en la que cada espectador sabrá apreciar individualmente lo visual de estos actos. 

Ser de nadie es una obra interesante que merece ser vista en función al conjunto de su argumento y su representación escénica. Es una historias que representa el amor (real y enfermizo) a traves de la sexualidad y las emociones, dentro del marco religioso. Buenas actuaciones e interesantes momentos que deja a espectador disfrutar y reflexionar con este relato.
AGENDA

Estreno: sábado 5 de agosto, 22:45 hs.
Funciones: sábados 22:45 hs. (Hasta el sábado 25 de noviembre)
Lugar: Teatro La Mueca (Cabrera 4255, CABA)
Entradas: $200 / Desc. jubilados y estudiantes: $150
Reservas:4867-2155 | Alternativa Teatral
Duración: 80 min.

 Contiene escenas de desnudos

Ficha técnica

Dramaturgia: Mariana Coronado

Elenco: Fernando Álvarez (Marko), Pablo Valvez (Abad), Luciano Alanis (Bjork), Amilcar Ferrero (Judas), Denis de Vita Fernández (Friorik)

Música en vivo: Verónica Mihura

Diseño de iluminación: Carlos Guida

Música original: Verónica Mihura

Realización de vestuario: Mirta Moreira

Escenografía: Martín “Chino” Díaz

Fotografía:  Sebastián Romero

Arte y video: Manuel Saratella

Asistencia de dirección: Francisca Tiscornia y Juan Uriel Dujo

Prensa: Octavia Comunicación 

Puesta en escena y dirección: Mariana Coronado

Daniel Alvarez 

ORLANDO FURIOSO
Orlando Nuñez, trabajador metalúrgico, 20 años de trabajo en la empresa, tiene
un brote violento a partir de un accidente de trabajo que padece un aprendiz, y  rompe equipos, grita, insulta a la patronal. Todo un episodio.
Orlando siempre fue un hombre tranquilo y un buen trabajador. El
acontecimiento produjo inquietud en los obreros. Accidentes de trabajo en mayor cantidad, posibles sabotajes (sospechan los directivos), baja del rendimiento, el sindicato que interviene, todo hace para que la empresa tome una decisión:
deriva el trabajador al área de RR. HH., y una psicóloga lo entrevista.

Un hombre: trabajador obrero.

Una mujer: la psicóloga de la empresa.

Un accidente laboral.

En una sociedad signada cada vez más por el individualismo,

¿podrán dos seres instalados en apariencia en lugares opuestos reconocer que comparten un destino común?

La empresa siempre perdona, ¿cuál es el enigma?
Orlando, se presenta con el interrogante de su futuro laboral. Y la profesional,
con el objeto de conocer las causas por detrás del suceso, y desactivar la crisis.
En la entrevista, que comienza con el convencimiento de Orlando que será
echado y con una actitud distante y gélida de la profesional, saldrá a la luz las condiciones paupérrimas, la deficiente calidad de vida del obrero; cómo fue que llegó a la ciudad desde el campo; su nula formación académica; su vivienda, prácticamente un rancho; su multiplicada prole; algún episodio de robo, hace tiempo ya, acosado por el hambre; el asesinato de su hijo mayor a manos de la policía, acusado de robo, pero en verdad muerto por expresar sus ideas,pidiendo que el estado de las cosas cambie. Éste episodio, el del primogénito asesinado, estudiante universitario, aquel cuyas esperanzas depositaban todos, es de un dolor insondable, humillante para Orlando.
La profesional sigue su plan, sugiere, más bien ordena, realizar algunos
ejercicios de psicodrama: recrear el episodio del robo, descargar su violencia golpeando un muñeco (que representa a los dueños de la empresa), hablar ante sus compañeros… y aquí está la cuestión: la empresa está dispuesta a perdonar su acción violenta, su descontrol, si Orlando habla en el próximo aniversario de la firma, ante sus compañeros y directivos. Le darán una licencia paga, un plus económico, una medalla, y el perdón….en contraprestación a un discurso de
unión y agradecimiento. Nada,
Agradecer el sometimiento.

Buenas actuaciones de los dos protagonistas, Sofía Castiglione y Roberto Romano. La escenografía: un despacho de oficinas con escritorio y sillas, una gran fotografía del dueño, adecuado continente de lo que se contiene. Luz y sonido, funcionales al relato. Criteriosa la dirección de Rosa Celentano.
El texto del venezolano Roberto Santana (1944-2012), se viene representando
desde 1974 en muchos países, tiene adaptaciones para la T.V. y el cine.
Básicamente, porque está bien escrito y a que las condiciones que relata han
variado muy poco. En Latinoamérica, cuanto menos, todavía hay gerentes de lo privado y de lo público, que solo conciben quedarse con todo. Que pueden enviar a sus hijos a universidades prestigiosas y que nada aprenden, de lo humano por conocer. Que pueden colgar un cuadro que vale millones en sus salas, lugares que limpian los desamparados del mundo. Y llegan a pensarse cultos. Y algunos se ven a si mismos, como personas de bien.
Es así como gira el mundo, ¿No? Nada. Nada que no sepamos todos.
Por eso…
“Cambia lo superficial
cambia también lo profundo
cambia el modo de pensar
cambia todo en este mundo…”
(Julio Numhauser)

Autor: Rodolfo Santana

Actúan: Sofía Gala Castiglione y Roberto Romano

Dirección general: Rosa Celentano

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de arte: Nogma Diseño

Fotografía: Majo Malvares – 1174estudio

Diseño lumínico: Rosa Celentano y Sebastián Crasso

Realización de banda sonora: Resientelo Producciones

Producción ejecutiva: Luisa Kuliok y Rosa Celentano

Asistente de dirección: Santiago Luna

Funciones: Sábados a las 18 hs.

Localidades: $ 280.-

Venta en el teatro y porwww.alternativateatral.com

El Tinglado Teatro – Mario Bravo 948 – 4863.1188

 
A. R. Belano

Mientras ingresamos a la sala, un faro, luz azul y sonido oceánico. El sonido del mar suele traer tranquilidad, hay quienes gustan de dormir con él de fondo, pero en este caso no nos prepara para un momento de calma y relajación, sino que más bien nos predispone de esa manera para luego sorprendernos con secretos no tan pacíficos a medida que nos introducimos en la trama. “El faro es la historia que vive en vos”, es la historia de un grupo de amigos que vivían en el bosque muy contentos, pero que vivieron algo que los hizo crecer de golpe, distanciarse, echarse culpas, vivir con culpa. Con una culpa que no sólo carcome la amistad, sino la propia conciencia.

Ezequiel (Lautaro Aguilar) ha estado internado durante varios años y está pronto a ser dado de alta. Solo ansía volver a su pueblo a descansar y recomponer su vida, aquella que abandonó después del accidente en

La historia se reconstruye en dos tiempos: el pasado, donde vemos la plenitud de la amistad preadolescente, donde las canciones son divertidas y las situaciones, cómicas. Y en el presente, 10 años más tarde, donde vemos los resultados de aquel secreto compartido, un grupo de adultos turbados, oscuros, que se expresan en canciones tristes y melancólicas.

Lo que este musical nos muestra es una dinámica de grupo como la que todos vivimos en el pasaje de la adolescencia a la adultez, y que deja entrever distintos temas tan relevantes hoy en día, como el bullying o el peer pressure (la presión de los pares), y otros tan atemporales como el volver al hogar de la niñez, el reencuentro con los fantasmas del pasado y el miedo a crecer.

Todo esto con recursos muy bien utilizados, como la iluminación, el vestuario y la utilización del espacio. El musical es un género que crece día a día en la escena teatral de Buenos Aires y debemos aplaudir el trabajo de equipo y el buen aprovechamiento de los recursos, especialmente cuando hablamos de teatro independiente. Son destacables también las actuaciones, logradamente individualizadas, cada una en su tono, lo cual resulta en una obra polifónica y no enteramente melancólica, o enteramente cómica.

ELENCO

LAUTARO AGUILAR

LAURA BERTONAZZI

PAULA DOPICO DÍAZ

RICHARD MANIS

VERÓNICA PACENZA

NICOLÁS SERRAITI

DEBY TESCIONE

BELÉN UCAR

FICHA TÉCNICA

LIBRO Y LETRAS:  JUAN MANUEL BESTEIRO

MÚSICA ORIGINAL: JOAQUÍN STRINGA

COLABORACIÓN AUTORAL: JUAN PABLO SCHAPIRA

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: LULA ROJO

REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: KENNETH ORELLANA GALLARDO

VESTUARIO: ANDREA VALDEZ-NATALIA GIOIOSA

DISEÑO GRÁFICO: WILFREDO PARRA

FOTOGRAFÍA & VIDEO: AGUSTINA BORIA (para BORIA AUDIOVISUALES)

PRENSA: BELÉN BADÍA

DISEÑO Y OPERACIÓN DE LUCES: CAIO SENICATO

DISEÑO Y OPERACIÓN DE SONIDO: NICOLÁS LOMORO

PRODUCCIÓN ARTÍSTICA-AUDIOVISUAL: NATALIA GIOIOSA

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: TATIANA BORIA 

PRODUCCIÓN GENERAL: NÁPOLI-BESTEIRO

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: TOMÁS SABATÉ

ARREGLOS Y DIRECCIÓN CORAL: LOURDES DE MARTINO

PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN GENERAL: JUAN MANUEL BESTEIRO

Domingos 21hs en El Metodo Kairos (El Salvador 4530) 

Entradas por Alternativa Teatral

Sol Grunschlager

Luego de ir a ver las obras, apenas llegó a casa me gusta sentarme a escribir comentando la obra, porque es una manera de seguir disfrutando del espectáculo y por temor de olvidarme de comentar algo importante de la obra producto de las neuronas flojas. Les tengo que ser franca, en el trayecto de vuelta a casa, cavilaba preocupada si podría expresar en palabras lo hermoso que fue el espectáculo. Si podría en palabras sintetizar un arte como el ballet, arte relacionada con la imagen y el movimiento.

Buenos Aires Ballet es una compañía formada por Federico Fernández, Primer Bailarín del Teatro Colón, impulsado por la necesidad de hacer llegar el arte del ballet clásico a los más diversos escenarios del país y la región.

El espectáculo consiste en una gala con los mejores Pas des deux del repertorio internacional interpretado por los más prestigiosos bailarines de los primeros coliseos latinoamericanos.

Al escribir, lo primero que me surgió, como creo que a todos los espectadores la necesidad de decir: «queremos más», Por favor que se repita. Procuremos que estas galas de ballet sigan siendo fiestas en Buenos Aires y también en el interior del país, para que los bailarines puedan compartir con el público, el grato momento que se puede pasar con una puesta coreográfica de excelente calidad, con una selección variada, amplia, de hermosa estética, salpicado de nuestra música. En la gacetilla que entregan antes de comenzar la obra me dió mucha placer la frase de Buenos Aires Ballet en el ND/Teatro: “seguimos difundiendo la Danza”

La dirección artística de Buenos Aires Ballet está a cargo de Federico Fernández, primer bailarín del Teatro Colón, con la producción general de Karina Battilana.

Antes del primer intervalo, se pasaron fragmentos de Coppelia (Música de Leo Delibes, Coreografía de A. Saint – León). Las interpretaciones de Romina Panelo como Swanilda y el bailarín Emanuel Gòmez como Franz. También hubo fragmentos de Giselle con música de Adolphe Adam , la coreografia de Jules Perrot y Jean Coralli siendo interpretados por la bailarina Julieta Paul (Giselle) y Baustista Parada (Albrecht)

Excelente fue el El corsario – Pas de Trois con música de Adolphe Adam con interpretacòn de Eliana Figueroa como Medora, de Federico Fernàndez como Alì y el bailaran Emanual Abruzzo de Conrad con la coreografía de Joseph Mazillier.

Se llevó muchos aplausos el bailarìn Pablo Fermani quien bailó un fragmento de Grapa Tango, música ElectroTango y con coreografía de Jorge Amarante.

La segunda parte del espectáculo, fue ovacionado a rabiar Pablo Fermani con la puesta Brushed Noise con música de Sebastian Garcia Ferro y con coreografía del mismo Fermani. Donde el bailarín da vida en el baile al silencio, siendo perseguido por los ascetasque. Una puesta realmente inolvidable.

El resto de la segunda parte, se recurrió a otras expresiones de baile, como ser Aguas Primaverales (canario) de música de Serguéi Rajmáninov con coreografía de Asaf Messener con interpretación de Romina Panelo y Emanuel Gomez.

De ahí, pasamos a baile americano, en Through the Nigth con música de Medley – Georgia on my mind con la música a cargo de Grooving Hard, composición de Rey Charles, interpretado por Julieta Zabalza y Emanuelle Abruzzo bajo la coreografía de Emanuel Abruzzo.

El remate para cerrar la noche fue «A Buenos Aires», de Astor Piazzolla con coreografía de Gustavo Mollajoli interpretado por Eliana Figueroa y Federico Fernandez. Esta puesta fue muy ovacionada por el público.

Ya mis inquietudes se disiparon de como completar la hoja en blanco, porque el mensaje por favor, vuelvan, sigan difundiendo danza, es una de las formas del buen arte, permite que los espíritus se cultiven sacándolos de las tormentas de preocupaciones diarias y el artista le permite encontrar su espacio, contando con un merecido reconocimiento ganado justamente. Por todos estos bailarines que están haciendo patria, bailando en Argentina, a todos, muchas gracias. Con orgullo podemos decir ¡Viva Buenos Aires Ballet!

Acerca del repertorio

CORSARIO / LAGO DE LOS CISNES / GISELLE/ LA ESCLAVA Y EL MERCADER /AGUAS PRIMAVERALES /THROUGH IN THE NIGTH.

Ficha técnica

Teatro: ND Ateneo. Dirección: Paraguay 918 C.A.B.A
Dirección artística: Federico Fernández
Producción general: Karina Battilana

Diana Decunto