Generaciones encontradas

Hay un claro margen de diferencia entre las generaciones hoy en día, unas se quedan atrás bajo los conceptos morales y sociales en que se criaron, unos intentan comprender y abrir la cabeza ante los cambios progresistas y otros están más que sumergidos en el presente.

Pertenezco al último año de los millennials así que fui testigo directo de la evolución del internet y los medios,  no me costó nada adaptarme y la generación siguiente a la mía (los centennials) ya tienen todo internalizado, en cambio los llamados baby boomers están en un hito de confusión ante la evolución de sus paradigmas.

El rosarino Sebastián Villar Rojas inicia su exploración dentro de los choques generacionales, luego de su estreno de Un problema de distancia –protagonizada por Julio Chianetta y Juan Biselli-, continúa con Yuta Padre –con Mario y Juan Vidoletti, esta segunda estrenada por Zoom y Youtube los viernes a las 21 horas.
»Un humorista retirado que realizó humor denigrante y escatologico durante los 80’s, decide reunirse por Zoom con el hijo de su fallecido compañero de teatro y andanzas. En la reunión dos generaciones totalmente antagónicas se van a encontrar, compartiendo ideas de cómo ven la vida y sobretodo, la necesidad de deconstruirse del comediante» Así describo la obra escrita y dirigida por Villar Rojas.

Los Vidolettis reflexionan sobre los cambios que la sociedad enfrenta, la batalla entre el conservadurismo y el progresismo mediante sus personajes. Una sesión de Zoom puede ser más que suficiente para cambiar paradigmas. Padre e hijo nos deleitan con caracteres tan opuestos pero que buscan generar un consenso y empatía, cosa que sucede actualmente, la deconstrucción es decisión personal y la edad no es impedimento. 
Puede que una función de teatro por streaming suene desfasada con la apertura de los teatros a nivel nacional, pero esta obra puede ser interesante para replantear los puntos de vista, también para personas que no estén listas para ir a salas o que no tengan tiempo. A pesar de que en algunas instancias suele ser tediosa, la dinámica actoral entre los Videlettis es única y hace llevar a flote esta obra.

Yuta padre está disponible los viernes a las 21 horas por zoom y youtube. Entradas por https://www.instagram.com/yuta.padre/
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Pasan las semanas, y a medida que avanza la campaña de vacunación contra el Coronavirus, se van flexibilizando ciertas restricciones como el límite horario de circulación, lo que beneficia a un rubro como es el del teatro y la cultura. Ahora tenemos la posibilidad de ir a ver una obra de teatro un poco más tarde, ideal para aquellos que aún siguen trabajando hasta llegar la noche y necesitan distenderse con algo de teatro. Para esto mencionado es ideal una obra como «Demasiado para nada» con cita los días viernes en el Teatro Border de Palermo.

La obra hace una revisión de uno de los clásicos de Shakespeare, que es la obra «Mucho ruido y pocas nueces» pero llevado a cabo por una ficticia compañía de teatro que poco entiende sobre la obra, el autor y el teatro en si mismo. Aún así toman el desafío de llevar a cabo esta puesta, aunque con muchísimas libertades literarias. Esto resulta una buena idea para poder revisar una obra de Shakespeare pero con un tono más descontracturado pero que al final comprendemos el conflicto y la resolución de la obra.

Los actores se ponen en escena entendiendo que no se trata de una puesta seria, y que en las mismas escenas hacen burla de este supuesto desconocimiento del libro de aquel famoso autor. Así mismo usan una copia del mismo libro para revisar algunas citas, pero como no logran comprender lo que quieren decir, dan un nuevo mensaje a este texto. Se nota que lo actores se divierten, y que desde la simpleza pueden dar al público una velada agradable.

Demasiado para nada es una versión torpe de Mucho ruido y pocas nueces, pero con una torpeza buscada y que funciona para que el público vea Shakespeare sin hacerlo de forma literal. La obra es entretenida y sirve para relajar un viernes a la noche después de una larga semana laboral.

Demasiado para nada se presenta los viernes a las 22 horas en Teatro Border (Godoy Cruz 1838). Les escribe Daniel Alvarez para La Butaca Web.

El poder de las palabras

La comunicación es uno de los mayores obstáculos de la humanidad, más allá de hablar diferentes lenguas, cuando se habla la misma, entramos en otro mar de complejidad: Las malas interpretaciones, la desatención y el no entendimiento. A veces resulta imposible comunicarse, ¿Acaso nadie entiende lo que uno dice?, ¿Nuestras palabras son antónimas?

»La historia de un hombre al que le entienden todo lo que dice al revés e intenta adaptarse al sistema invirtiendo sus conceptos, gustos y elecciones.
Una mujer que, ante un error administrativo, no logra probar cuál es su identidad, se rebela contra los archivos del sistema, y pasa a llamarse con otro nombre y apellido. Las circunstancias los reúnen» Es la sinopsis de la hermosa obra que dirige y escribe Rubén Mosquera.

Lo interesante de esta obra son los relatos cruzados, fungen como monólogos, por un lado el chico que nadie entiende y por otro la que sufre las penurias de errores administrativos. Dos personas incomprendidas siempre se van a unir, en parte porque la sociedad no se toma el tiempo de entenderlos.

Vanesa Abramovich es la encargada de dirigir el vestuario de esta obra, pues ambos actores deben ser fugaces y agiles para hacer cambios de atuendo e interpretar así a personajes terciarios que respalden los monólogos.

Inella Marcucci y Nicolas Pettorossi son los protagonistas de esta sensible y sincera obra, la cual se fortalece en recursos narrativos metafóricos y realistas donde nos podemos sentir identificados, desde que escriban mal tu apellido a que casi siempre no entiendan lo que quieres decir.

Antinomia es una puesta en escena intima, honesta y tierna sobre la comunicación y sus defectos, el valor de la identidad y la necesidad de ser comprendido.

Antinomia está disponible los miércoles a las 20 horas en el Teatro Multiescena CPM (Av. Corrientes 1764)

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Nueva obra de Flavio Mendoza.
¿Que podemos esperar?
Mucho baile, mucha energia, vestuarios destacables y personalidades que te sorprenden.

Esta es una de las nuevas obras hechas durante la pandemia. Bendito tu eres. Protagonizado por Sergio Goycochea. Si, el ex-arquero de la seleccion argentina.

No solamente es interesante la obra y la historia. Sino que la idea de combinar un famoso donde no tiene experiencia en las tablas teatrales y meterlo de lleno en un rol protagonico. Ya sucedio con una de las anteriores obras del bailarin y director Flavio Mendoza: Siddartha. Donde los protagonistas eran Facundo Mazzei (bailarín de la compania del director que fue ganando notoriedad por las obras anteriores como Stravaganza y en la TV con Bailando Por un Sueño) junto con Karina La princesita. Si bien, tiene experiencia en los escenarios como cantante, no lo tenia como actriz y bailarina.
Esas incorporaciones en sus obras, dan que hablar, pero para bien. Aunque la falta de experiencia en la actuación pueda notarse en los casos mencionados.
Esa combinación resulta llamativa.

En esta ocación, entraremos en la historia de una reunion de egresados 20 años despues de terminar el colegio. Donde Sergio, esperaba ver a tus compañeros, y resulta que todos son transformistas o «dragqueens». Ahi empieza esta comedia con toques tristes e inspiracionales hablando de la inclusión y la libertad de que podes ser quien vos quieras.

Si bien, no tiene el nivel altisimo de producción que veiamos en todas sus obras, como por ejemplo Stravaganza, tenemos las pantallas gigantes movibles, el gran escenario del Teatro Broadway y varios interpretes en ella. Es una obra digna de la Calle Corrientes olvidando la comparacion con las anteriores obras.

Sketch, numeros de bailes y de acrobacias, estan presentes en esta nueva obra. Destacamos a la primer cantante soprano transexual del teatro Colón, Maria Castillo de Lima, sumando al show con su encantadora voz. Eduardo Sola, con su numero de pianista y actuacion. Tambien a Mauricio Gurini con su numero acrobático aereo y a todos los demas artistas en escena.

Los interpretes en escena son:
María Castillo De Lima, Eduardo Sola, Carlos Guedes, Kris Barbieri, Santa Beibi, Franko Quiles, Federico Peña, Cris Juno, Facundo Vivona, Eduardo Magaly, Lefer Ibarra, Joel Castañeda – Gaby Girl’s, Mauricio Gurini, Matías Prieto Peccia, Máxima Martin, Julio Cesar Lynch y Franco Rau.

No hay duda que recomiendo ver esta obra para divertirte y reirte un buen rato.
Si bien ya casi ni hay restricciones por el covid, la obra arranca un poco tarde. La citación es a las 23:30, pero hasta que entren y se acomoden todos arranca a las 12 hs. Tiene una duración de dos horas con un intervalo en el medio de 10 minutos. Los numeros de bailes y escenas muy energicas hacen que no notes esa duración.

«Bendito tu eres» esta en el Teatro Broadway en Av. Corrientes 1155
Todos los viernes y Sabado a las 23:30 hs.

Risas frías y calculadas

Siempre es un placer ver a Patricia Palmer y Cecilia Dopazo, estas dos actrices ya forman parte del folclore de avenida Corrientes, en Radojka llegan a otro nivel, inicio esta reseña con un aplauso.

» Lucía llega a casa de Radojka y encuentra a Gloria con una terrible noticia: Radojka murió, es por eso que ambas deciden mantenerla aparentemente viva en el freezer para seguir cobrando su sueldo hasta que el plan se les empieza a ir de las manos cuando el hijo de Radojka viaja a visitarla.» Es la sinopsis de los uruguayos Fernando Schmidt, Christian Ibarzabal, en su reestreno en Buenos Aires dirigido por Diego Rinaldi.

¿Qué tanto se puede confiar en una persona? más en situaciones tan difíciles donde ambas se ven comprometidas. Es el planteamiento que esta comedia negra exhibida en el Picadilly nos plantea.

»Me tiraste el muerto a mí» dicen en mi país cuando alguien delega a otro la carga o responsabilidad que no quiere y es parte del dilema que el personaje de Gloria (Palmer) y Lucía (Dopazo) van a enfrentar.

Un departamento, una serbia frizada, dos compañeras opuestas pero vinculadas a la fuerza ante a la desgracia, humor irónico oscuro y giros argumentales son parte de los deleites de Radojka en una hora cargada de risas fríamente calculadas.

La química actoral entre Palmer y Dopazo es estupenda y la dirección de Rinaldi eleva esta comedia. Una de las dos estará a la adelantada a la otra, ¿Quién será la más astuta? , ¿Alguien quiere pensar en la pobre Radojka?

Radojka está disponible los sábados a las 21 y los domingos a las 20:15 en el Teatro Picadilly (Corrientes 1524)

Les escribió Sebastán Arismendi para la butaca web.

Risas rosas

Las sitcoms no son de ahora, la generación baby boomer fue la primera en presenciar el fenómeno de las comedias situacionales de la TV, donde todo transcurría en un set de grabación por largas temporadas y con risas de fondo. Al pasar de las décadas fueron decayendo siendo los noventas su punto más crítico, gracias a las plataformas de streaming podemos revivir aquellas comedias vitales para la cultura audiovisual. El mismo efecto sentí al salir de ver La Chica del Sombrero Rosa.

»Una famosa escritora en crisis con su vida,su matrimonio y la profesión. En todo este caos, llega una misteriosa joven que en medio de divertidas y emotivas situaciones cambiará su vida y la de todos. La Chica del Sombrero Rosa es una comedia que recuerda a las grandes comedias nacionales». Así describe su obra Federico Jiménez la cual dirige Roberto Antier.

Adriana Salgueiro, María Rosa Fugazot, Kitty Locane, Zulma Faiad, Matias Santoianni, Alberto Martin son los actores que encarnan a estos personajes hilarantes enmarcados en una situación que parece simple, pero a medida que avanza la trama nos vamos enterando de revelaciones fundamentales, todo esto envuelto en un humor marcado de ironías, cizañas, chistes sobre la disfunción eréctil e indiscreción.

María Rosa Fugazot es la clara estrella de esta obra interpretando a Clara, una mujer de poca paciencia y de lengua afilada, que parece rígida e inflexible pero en el fondo sensible. Fugazot nos deleita con su fuerza para transmitir desde risas, carácter y también emociones. El resto del elenco es totalmente aplaudible ya que conjugan bien en esta obra, hay buena química actoral y cada uno es presentado como si estuviéramos en una sitcom, con risas y aplausos.

Como comedia funciona perfectamente, encantando a jóvenes y adultos aunque que maneje un humor algo desfasado para los tiempos actuales, siendo una buena elección para ir con nuestras madres, tías y también amigos.

La Chica del Sombrero Rosa está en el Teatro La Casona, Corrientes 1975 de jueves a domingos, a las 20.

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Lo irracional del teatro

El teatro es sinónimo de sensaciones, capaz la más interesante es la emoción que deja cuando se sale de sala, si la obra es lineal entonces es una sensación predictora pero cuando no lo es entra la confusión, el sobreanálisis, las dudas sobre qué viste y la risa que genera luego de analizar la presentación. 

Tuve que investigar un poco para conocer el significado de un Ubú, es un término acuñado por Alfred Jarry, este autor rompe con la tradición teatral en la narrativa, la actuación y  el vestuario, dando paso al surrealismo y al teatro absurdo, siendo este último el sostén de la obra de Mariana Chaud.

»Comienza la retrospectiva dedicada a la actriz, autora y directora Mariana Chaud con una nueva versión de esta obra que propone un diálogo singular con Ubú Rey de Alfred Jarry y su decálogo acerca del teatro. Con escenas por momentos actuales y en otros medievales, dramáticas o sobrecargadas de gestos inútiles, el espectáculo explora también textos no teatrales de Jarry hasta que el material es apropiado en su inmaterialidad por un grupo de indios patagones que toman prisionera a Madre Ubú». Así describe Chaud su obra presentada en El Teatro Sarmiento, misma que lleva más de cinco años en tarima.

Mariana Chaud o Laura Paredes, Marcos Ferrante, Santiago Gobernori, Nicolás Levín, Fernando Tur son los actores que van a interpretar a  ningún personaje o capaz a todos a la vez en este cóctel de géneros, referencias, ironías y absurdismo que se vuelve Ubú Patagónico.

Una puesta abstracta con huevos de colores, actores vestidos de la misma manera, chistes sexuales directos y también muy escatológicos, autoreferencias y críticas, incoherencia y el sin sentido serán los aspectos de esta obra.
Lo más destacable de la obra de Chaud es sin duda la energía de sus actores para mantener el ritmo siempre arriba, el lenguaje coreográfico explosivo y la gestualización exagerada es el desafío para los mismos, valores actorales que cumplen al pie de la letra.

La idea de ver esta obra es ir sin las concepciones tradicionales de lo que es el teatro, acá se alteran todos los factores, el clown, lo exagerado, lo absurdo y lo irritante son los motores que dan movimiento a la obra.

Ubú Patagónico está disponible de jueves a domingo a las 20 horas en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715), 
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Se reestrena un clásico.

Ricardo III es una clásica obra de William Shakespeare que narra la travesía a realizar por Ricardo para quedarse con el trono de Inglaterra a través de engaños y viles asesinatos. Su director y protagonista, Mario Moscoso, plantea una escena casi liberada de escenografía donde el foco está puesto en el actor.

Se puede ver el gran trabajo actoral de los intérpretes y las grandes cantidades de capas actorales detrás del rol de Ricardo, el cual está muy bien representado por Moscoso. A Mario se lo vé totalmente transformado en este monstruo de aspecto poco agraciado que está dispuesto a llevar su deseo de ser rey hasta las últimas consecuencias.

Haciendo algunas excepciones en lo que respecta al vocabulario (por momentos un poco argentinizado), se podría decir que la obra es bastante respetuosa con respecto al texto original del famoso dramaturgo inglés pero esta percepción cambia rotundamente sobre el final y es en ese momento en el que el espectador comprende por qué se decidió poner este proyecto en marcha justo en este momento de la historia de la humanidad. Es un final que sorprende a cualquiera y rompe absolutamente con lo que parecía que eran los objetivos de este espectáculo.

Ricardo III puede verse todos los sábados a las 20 horas en el Teatro del artefacto (Sarandí 760), Les escribe Sebastián Sabio para La Butaca Web.

Las sicarias necesitan una taza de té

Sicario es el término utilizado mayormente en latinoamérica para referirse al servicio de contratar a alguien para que realice un asesinato en tu nombre,en inglés se les dicen Hitman, para los mas refinados »asesinos a sueldo», el fin es el mismo: El dinero cura la culpa de matar.

El montaplatos, también traducida como El montacargas, es una obra de teatro en un acto del dramaturgo británico Harold Pinter, escrita en 1957. Rafael Spregelburd es el encargado de traducir y adaptar esta obra dirigida por Alejandro Vizzotti, donde esta vez los sicarios, serán sicarias.

»Dos asesinas a sueldo aguardan en un sótano la orden para realizar su trabajo. La espera y el encierro se vuelven agobiantes y pequeños sucesos triviales empiezan a resultar sospechosos. Mediante un montaplatos, bajan pedidos de comida extravagantes ¡y ellas ni siquiera pueden tomar una taza de té! Es el momento de entrar en acción y una de las asesinas ocupa un lugar inesperado». Es la sinopsis de la obra de Vizzotti.

Las actrices Claudia Mac Auliffe y Sonia Novello interpretan a estas dos sicarias que esperan órdenes y mientras lo hacen, las pésimas condiciones del lugar abrirán las tensiones, al ver el montaplatos ir y venir y no poder comer nada, más bien recibir acertijos y órdenes de comida elegante que jamás reciben. La falta de comunicación será el contra de esta obra, que si bien conjuga con el humor para romper con el hielo, es el final que justifica los medios.

La escenografía de Ariel Vaccaro es estupenda, el hecho de recrear una habitación lúgubre y austera donde este montaplatos cobra toda la atención, ese diseño del elevador de comida la hace destacable (además de un buen efecto sonoro a cargo de Rafael Sucheras lo cual hace pensar que si hay un montaplatos en la sala)

El cambio de género que se le da a esta obra da una perspectiva interesante, pues poco se conoce si hay mujeres que realizan este »trabajo» ya que como es sabido, está controlado por hombres de sangre fría.

El matar no tiene género y eso se conoce, Vizzotti nos regala una hora de deleite marcada de trivias, ironías, incertidumbre por montón y dos actrices estupendas en el rol de dos sicarias que intentan cumplir una misión de forma poco eficiente.

El montaplatos está disponible los domingos a las 19 horas en el Teatro el Extranjero (Valentín Gómez 3378)

Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

La muerte que no se va

El realismo mágico es sinónimo de tradición latinoamericana, el hecho de darle magia, fantasía y misterio a la forma de contar nuestros relatos, hace de nuestra región rica y vasta en artes literarias, todo ello gracias al profundo proceso de mestizaje que está aún con nosotros.

No he ido a Santiago del Estero pero conozco su chacarera y sus mitos, Eugenio Soto nos trae un pedacito de Santiago desde lo trágico, lo escatológico, lo mágico y lo personal.

»Un rancho pobre en el calor de Santiago del Estero. Allí, el hijo (Santiago) cava la tumba de su madre. Cosas raras suceden en Santiago, los muertos siguen hablando y se van silenciando despacio.
Doña Rosa Quiroga acusa a su hijo de haberla asesinado y en consecuencia se niega a ser sepultada. Trama su venganza. Llegan los hermanos Carón, enviados de la muerte que deben llevarse su alma. Se esperan las vísperas para cumplir el ritual del entierro. El tiempo pasa, noche, alba, mediodía, siesta, vísperas. Corren así las horas y la muerta sigue allí clamando justicia. Aferrándose a la vida y a las trampas para poder seguir». Así describe Soto a la obra que dirige y escribe, exhibida en el Teatro del Pueblo.

Pedro León Alonso, Paula Baigorri, Lucas Delgado, Darío Pianelli, Bianca Vilouta Rando son los actores que darán vida a estos personajes que estarán luchando y cantando entre la vida y la muerte.

Lo primero que hay que destacar de La Noche Oscura es su valentía para tomar riesgos teatrales rompiendo la cuarta pared desde el inicio, uniendo al público haciéndolo cantar, bailar incluso incitándole a comer empanadas, estos detalles la hacen única, además el hecho de aligerar la trama con humor ya que no queremos ponernos tensos al ver una obra sobre un matricidio pero esto no nos desconecta de la misma, más bien nos hacer ser parte de ella, impactarnos y también preocuparnos.

Los números musicales le dan energía a la obra todo esto gracias a Pedro León y Alonso Paula Baigorri, quienes interpretan a los hermanos muerte, cuya función de llevarse a las ánimas en pena no es tan eficiente que digamos, pero si nos dejarán cantando las chacareras y zambas que interpretan.

La obra de Soto posee una estructura shakesperiana tanto en sus diálogos como en la historia en si, solo se añade regionalismo santiagueño, humor y chacarera para hacer de La Noche Oscura un espectáculo ameno para una noche de sábado.

La Noche Oscura está disponible los sábados a las 19 horas en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636)
Les escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.