Por Sebastián Sabio
La oscuridad que hay en el fondo de la empresa.

«tracción a sangre» nos habla de tres obreros que trabajan en una planta de energía, Goyo, Jota y Sáenz, quienes deben trabajar sin detenerse para evitar que la empresa deje de producir energía a cambio de salarios miserables y en condiciones deplorables para satisfacer a sus jefes bajo la excusa de que «así se mueve el mundo”. Con grandes actuaciones de Manuel de la Serna, Lucas lanzani y Miguel Angel Vigna, se puede apreciar la simbolizacion de los obreros y sus pensamientos. Llenos de dureza y con un cuerpo deformado por el trabajo, estos personajes retratan al trabajador qué realiza tareas monótonas a través de la fuerza y donde se le pide qué no use el pensamiento.
La obra plantea un mundo muy claro y perfectamente establecido. esto permite qué sea muy fácil entenderlo desde un comienzo a pesar de no imitar exactamente al mundo real. Con críticas hacia la sociedad, hacia el capitalismo y al sistema laboral en general, este proyecto nos transporta a una realidad cercana qué vive entre nosotros todos los días.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y dirección Víctor Chacón

Actúan Manuel de la Serna, Lucas Ranzani y Miguel Angel Vigna

Asistencia Javier Grinstein

Escenografía Maira Benito Revollo

Iluminación Diego Todorovich

Contribución coreográfica Elizabeth Restrepo

Entrenamiento Percutivo Alejandro Larocca

Prensa Tehagolaprensa

Diseño Luciano Saiz

Teatro Pan y Arte (Boedo 876, CABA)

Funciones: viernes 23hs (junio y julio)

Entradas: $300

Reservas por Alternativa Teatral

En el teatro La Mueca, jueves a las 21 hs, antes de su gira por España, con libro y dirección de Pepe Cibrián, en un unipersonal, el actor y director Nicolás Pérez Costa, con una magnífico nivel interpretativo, en esta ocasión, poniéndose en la piel de Juana la Loca.

Juana, fue reina de Castilla de 1504 a 1555, cincuenta y un años de reinado. En 1496 contrajo matrimonio con Felipe, el archiduque de Austria, Vivió mucho tiempo encerrada por orden de su padre Fernando el Católico y luego su hijo el rey Carlos I.

Es la breve introducción a una dramaturgia, con un libro teatral que pisa fuerte, con el sello de calidad de Pepe Cibrián, que le da en este caso a Nicolás, la posibilidad de desplegar las alas, de poder demostrar arriba del escenario, todo el talento como actor y en el personaje recrear el sufrimiento de una mujer, en esa época, arrastrada por las intrigas de palacio.

El actor Nicolás Pérez Costa, del que estamos acostumbrados interpretar clásicos, con mucha creatividad y despliegue, como ha sido Romeo y Julieta de Shakespeare u Oscar Wilde, con esta obra de Juana La Loca, ha redoblado la apuesta, dandole a la dramaturgia, la fuerza de expresión y el sentimiento necesario.

Es un monólogo que demanda un gran esfuerzo para el actor porque es un parlamento de mucha carga emocional, intensidad, que no da tregua y Nicolás, logra llenar la escena con un despliegue maravilloso.

Desdoblándose en varios personajes, al mismo tiempo. Las escenas más fuerte, con excelentemente realización desde la dirección y la actuación es el ríspido diálogo entre Felipe y Juana.

La pieza teatral, está construída, para exigir mucho esfuerzo corporal e interpretativo del protagónico, y les puedo asegurar,que está superado con creces. La producción teatral este año, es muy proficua, de alta calidad, donde mucha gente, está generando productos artísticos de alto contenido con una calidad excelsa.

Cuando en una obra, el público, logra acompañar a los protagonistas, en sus sentimientos, eso indica que a esta Juana, a pesar de su posible locura, merece ser aplaudida, hasta el cansancio.

Ficha técnico artística
Libro: Pepe Cibrian Campoy
Actúan: Nicolás Pérez Costa
Diseño de vestuario: Coral Barcos
Diseño de luces: Nicolás Pérez Costa
Realización de vestuario:Coral Barcos
Fotografía:Nicolás Oviedo
Diseño gráfico:Camila Diez, Nicolás Oviedo
Asistencia general:Paula Aguilar
Prensa:Shirly Potaz
Asistente de prensa: Pilar Prado
Producción ejecutiva:Emiliano Miguez
Coordinación general:Camila Otreras
Dirección general:Pepe Cibrian Campoy

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Matías Dinardo
“Potestad” es un obra escrita por Eduardo «Tato» Pavlovsky en el año 1987 que tuvo su primera puesta en escena dirigido por Norman Brinsky y protagonizado por el propio Pavlovsky. Este hito teatral de hace más de 30 años, volvió a la cartelera porteña en una nueva versión nuevamente dirigida por Brinsky y, esta vez, protagonizada por una mujer: la gran María Onetto.

El texto toca temas como la represión, la tortura y la desaparición de personas desde un personaje masculino, un ex represor. María Onetto despliega, en lo que es su primer unipersonal, una verdadera audacia y naturalidad para moverse dentro de los cánones de este hombre, con una frescura propia que genera empatía con el personaje al que vamos descubriendo su lado terrible y oscuro. No hay pantomima, no se busca el realismo sino más bien crear capas de significado mediante una puesta escueta pero potente, con un vestuario maravilloso realizado por Renata Schussheim, que presenta una estética proveniente del teatro noh de Japón.
La grandilocuencia de la interpretación de María Onetto radica en la capacidad de masticar emoción en los textos más simples y “pasar” como si nada los textos más complejos, como si de equilibrar se tratara, generando una mezcla que se vuelve contundente a la hora de abordar el texto que, por supuesto, no pierde su vigencia y postura humanística, necesaria en los tiempos que corren.
“Potestad” es una gran propuesta dentro de la inmensa cartelera porteña, para reconectarse con un teatro que indaga, se reinventa y nos trae al presente textos de nuestro pasado actual con mucho acierto.

Por Daniel Álvarez

100 metros cuadrados es la obra que protagoniza Florencia Bertotti junto a María Valenzuela y Stefano Di Gregorio en la sala del multitabaris. Es una obra de la que en su sinopsis no sabes mucho de lo que va a tratar, pero sí que te habla sobre las cosas inesperadas que suceden en la vida y el valor que tiene en estos momentos. Se trata de una historia entretenida, y que en un punto de la trama se vuelve muy emotiva sin perder el hilo humorístico con el que la obra cuenta.

Es necesario comentar muy poco sobre la trama de este espectáculo para no estropear la experiencia al espectador. Lo que puedo contarles es que al principio hay un departamento que está en venta a un muy bajo costo, porque cuenta con con una cláusula muy particular. Una mujer mayor de edad y algo enferma vive ahí y quiere quedarse en la casa que está vendiendo como inquilina hasta el día que se muera. Una chica está interesada en la compra del departamento como una inversión a futuro, y termina encontrándose con esta mujer con la que tienen muchas discusiones, y también pasan buenos momentos. Es así como la historia sigue su curso y terminan pasando cosas inesperadas que ayudan a los personajes a entenderse mejor a si mismo y valorar las cosas que realmente son importantes. Su curso es bastante cómico aunque deja su espacio para la emotividad en el segundo tramo, sin perder su esencia inicial.

Lo mejor que nos deja la obra, son las actuaciones de Florencia Bertotti y María Valenzuela, que juntas hacen un dúo con mucho carisma y humor para las risas del espectador. El papel de Stefano Di Gregorio es mucho menor en relación a sus compañeras pero logra tener sus momentos que sirven para los saltos temporales dentro de la historia.

En cuanto a la escenografia, podemos ver el espacio de un departamento antiguo, bello y muy amplio. Esa amplitud que nos deja la sala del multitabaris permite que los actores puedan desplegarse libremente por todo los espacios del escenario, estando estos bastante bien aprovechados.

100 metros cuadrados es una obra muy entretenida y a la vez emotiva, que nos regala muy buenas actuaciones de Florencia Bertotti y María Valenzuela, siendo una gran dupla teatral. La obra se puede ver de miércoles a domingos en el teatro multitabaris, así que es una buena opción para pasar un buen rato, reírse y también emocionarse.

Funciones: Miércoles, jueves y domingo 20 hs /Viernes 21 hs /Sábado 20 y 22 hs

Teatro: Multitabaris Comafi – Avda. Corrientes 831

Entradas $ 900.- en la boletería del teatro o por plateanet

Por Victoria Seri
Cuando todavía había ciruelos se presenta en el Teatro Pan y Arte de Boedo, hasta el mes de julio, los viernes a las 20.30 hs.

Sol Martínez, dramaturga y directora, nos plantea una mirada distinta a la historia de Ana Frank y su familia que ya conocemos. Porque en el diario de Ana Frank nos introducimos en la vida clandestina y persecución por la que tuvieron que atravesar durante el nazismo. Sin embargo, esta historia está contada cuando todavía había ciruelos.
Por algún tiempo, inclusive ya comenzada la guerra las niñas Ana y Margot tenían una linda y modesta vida junto a sus padres. Tenían sueños, fantasías y se comportaban como las niñas que eran. Antes de ser delatadas, descubiertas y transportadas por esos trenes tan temidos por ellas a los campos de exterminio, la familia anhelaba tener una vida próspera, estudiar, leer, escribir y disfrutar. Aunque ya empezaban a ser estigmatizados por su religión dentro de lo posible llevaban una vida normal, permitiéndose caprichos, peleas y también diversiones.
Disfrute mucho esta propuesta, me pareció un logro la intimidad que se consigue en el escenario para los relatos que se dan entre el grupo familiar y entre las hermanas. El escenario despojado de materiales innecesarios con el fin de que prevalezcan los diálogos y la dinámica actoral que fue lograda bajo estas circunstancias, es esencial para lograr emocionar al público. Una historia contada con amor y respeto e interpretada de la misma manera.

Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Sol Martínez
Actúan: Nicole Muriel Camba, Magdalena Giorgio, Daniel Goglino, Celina Rodriguez, Coti Simioni
Iluminación: Lucia Feijoó
Diseño: Luciano Saiz
Fotografía: Daniel Ambrueso
Asesoramiento de vestuario: Marina Díaz
Asistencia de dirección: Natalia Spera
Dirección: Sol Martínez
Web: http://www.panyarte.com.ar
Duración: 60 minutos

Miércoles a las 21 hs, en el Chacarerean Teatre, un Gustavo Garzón en estado puro, con dramaturgia y dirección de Marina Otero.

En esta obra, no es posible separar al actor Gustavo Garzón de su personaje, porque una parte de la propuesta es compartir con el público y su partenaire, Marina Otero, fragmentos biográficos de su vida.

La primera parte del espectáculo, el desafío es plantear con humor una historia de vida, donde hay tramos que no son simples de contar y menos haberlos transitado. Para el público, lo más encantador, es escuchar hablar desde el llano, sin tapujos acerca de como es la vida de un actor, el medio teatral, televisivo, los vínculos y con valentía habla de lo importante, su cáncer de lengua. Hoy tiene la suerte y en primera persona, de decir que está curado, pero para esa época, aproximadamente tres años atrás, las propuestas laborales, según lo contado en escena, coincidencia o no, cayeron totalmente.

Este primer tramo, Gustavo lo sella, recordando con mucho respeto y amor a su ex compañera de la vida, Alicia Zanca. A esta altura del espectáculo las emociones han desbordado al público, descubriendo a una versión de Gustavo, padre de familia, un actor enamorado del oficio y el coraje que tiene para andar por la vida.

La narración continúa acerca del proceso interno de resiliencia, donde nos relata como busca la ayuda hacia afuera, encontrando a Marina Otero. La cual se involucra en este recorrido autobiográfico, compartiendo sus impresiones, y como se gestó esta obra, que estamos hoy viendo en el Chacarerean.

La obra, que dice tener un rumbo desconocido, pero que no es así, porque ofrece humor, música, show, además es una demostración innegable que desde el teatro se pueden dar “buenas lecciones de vida”, y me parece maravilloso el desafío.

No continuamos dando pormenores, porque les aseguro que lo importante es vivir todo lo que resta del espectáculo, donde termina con un final de alegría, el público sube al escenario para bailar y cantar. Gustavo se lo ve dichoso de compartir el escenario junto a sus hijos.

En lo personal, me pega mucho, porque conozco que además de ser una figura pública, Gustavo,

es un ser humano, luchador, que cree en lo que hace, y lo he visto participar en congresos sobre discapacidad, y plantear temas de fondo, como por ejemplo, cómo en otras partes del mundo, existe una verdadera red de protección a los discapacitados, con planes y programas, que prevén dar solución a la desaparición biológica de los familiares directos, por el inexorable paso del tiempo. Y luego de ese planteo, verlo subirse a un escenario para cantar y darle para adelante, me parece admirable, Garzón predica con el ejemplo y no me cabe la menor duda, que el público es generoso y retribuirá con creces, todo ese amor.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña por Ricci

Amor de película nos habla de los vínculos fugaces y de los deseos individuales. Los cinco personajes tienen un objetivo en común: presentar un buen guion de película que tenga todos los condimentos para que eso suceda.

La obra es autoría y dirección de Hector Díaz. Como director lo hemos visto en otras oportunidades pero como autor es su primera obra. La obra surge de un grupo de creación colectiva fundado por Javier Daulte llamado “Teatro Líquido” compuesto por cinco dramaturgos, incluido el propio Daulte, con la idea de supervisarse entre ellos desde las primeras hojas escritas hasta el estreno.

Díaz llega para instalarse como dramaturgo en el ámbito teatral contándonos una obra llena de ritmo y comicidad, ubicando su historia en el ámbito del cine. La obra comienza con una primera escena llena de potencia que instala un dinamismo que jamas decae , sostenida por un grupo de excelentes actores/actrices. La historia cuenta con un productor (Rubén de la Torre), estereotipo del hombre decadente, y su asistente (María Inés Sancerni),un tanto demandante de su atención por falta de amor, que deciden unir a un guionista (Gerardo Chendo), imagen del cinéfilo solitario anclado en el pasado, con una exitosa youtuber (Luli Torn), representación de los centennials y la posmodernidad, para que escriban una historia en conjunto. Completando el grupo de personajes delirantes tenemos al funcionario del instituto del cine (Javier Niklison) que puede ayudar con el proyecto a cambio de algunos pedidos. El personaje del productor les pide a los guionistas que escriban una “comedia elástica” llena de amor, emoción y ritmo; y eso mismo es lo que nos brinda el directo: una comedia delirante para todo el publico.

La escenografía a cargo de Alicia Leloutre, José Escobar y Julieta Kompel nos muestra un espacio claro y conciso dividido en dos partes: por un lado la oficina cool y por el otro la casa desordenada del cinéfilo cuarentón. La iluminación es de Sebastián Francia y el vestuario de Jam Monti y Betina Andreose.

Amor de película. Jueves 21 hs. Espacio Callejon (Humahuaca 3759)

Por José Rossi

La obra “Cerca: Melodía inconclusa de una pareja” de Eduardo “Tato” Pavlovsky, es llevada a cabo por el director Juan Washington Felice Astorga de manera muy particular, proponiéndonos una escenografía circular, con una base de metal que la hace girar sobre su propio eje, dando a conocer los distintos espacios de lo que sería la casa de una pareja adulta joven (interpretados por Cumelén Sanz, Marcos Casetta).

En esta casa, creada a partir de elementos realistas ubicados en la cotidianeidad de nuestro tiempo, las vicisitudes de esta pareja hacen que su relación penda de un hilo. Las preguntas y respuestas existenciales lanzadas y respondidas por los aires de la boca los personajes, crean momentos de tensión y a veces de humor. ¿Qué es el amor? ¿El amor se acaba? ¿Qué pasa cuando el amor se acaba? ¿O acaso sabemos desde el principio que el amor se va a acabar y por eso debemos disfrutarlo desde el primer momento? A través de textos y parlamentos poéticos, se busca dar una respuesta a este tipo de interrogantes, o simplemente ponerlos en juego para que el espectador saque sus propias conclusiones.

La obra es un despliegue de destreza, ritmo y virtuosismo. Está llena de significantes y simbología, sobre la cual, los espectadores deben elaborar hipótesis por encima de las reflexiones que los personajes confusamente plantean. Se juega con la música y la iluminación para romper los efectos de la cuarta pared y se busca por momentos un vínculo más íntimo con el espectador.

Estos aturdidos y confundidos personajes, darán un recorrido por toda la obra para sortear la cotidianeidad que los asfixia e intentar darle una respuesta al problema existencia que los acoge.

Funciones los días Viernes a las 23 Hs. En el Teatro No Avestruz

Duración: 50 minutos

Teatro No Avestruz

Humboldt 1857

Para comenzar con esta obra teatral, ya en cartelera a la que asistí a la función de prensa el pasado martes 11 de junio a las 20:30 y en el Teatro La Comedia, con versión y dirección del talentosísimo Jorge Arzumendi, tengo que reconocerlo el balance del año teatral: 2019, es realmente ¡maravilloso!

Un elenco compuesto de veintidós artistas en escenas, con diferentes disciplinas, una obra en tono de comedia, de Shakespeare, escrita en 1598/99 publicada en 1600, llegando a Buenos Aires, en el 2019, con una frescura y encanto, encontrándose dos generaciones actorales mancomunados, apostando a ofrecer una historia en bandeja de oro.

El público quedó encantado, y como dice Arzumendi, en el dossier, lo maravilloso de Shakespeare es lograr “la representación dentro de la representación o del teatro dentro del teatro”.

La trama consiste en amores desencontrados, engaños, supuestas infidelidades y por sobre todo el lado oscuro: la traición, la maldad en sí misma, las intrigas, la delación.

Al regresar victoriosos, de la guerra, Don Juan hermanastro de Don Pedro de Aragón, junto a los nobles Claudio y Benedicto van a visitar al Gobernador de Mesina. Este gobernador tenía hijas hermosas y el joven Claudio se enamora perdidamente de Hero, y pide la mano de ella para casarse. A su vez la otra historia paralela es la prima de Hero, Beatriz, quien es una muchacha descreída del amor, que se pelea todo el tiempo ante las insinuaciones, ironías y desplantes de Benedicto, quien también se jacta que será un solterón. Porque Benedicto y Beatriz, osan desafiar al amor y terminan cayendo en sus redes.

Pero mientras se producen estos dime y diretes en esta infructuosa pareja, los amigos de Benedicto, ante el rechazo de Beatriz, piensan en una estrategia que hará que se malogre el casamiento de Hero, poniendo cizaña y diciendo que Hero le ha sido infiel a Claudio. Lo cual no solo malogra el casamiento sino que las nueces no se llegan a romper porque el banquete de boda, inesperadamente, no se consuma, siendo una desgracia para Hero. A su vez, el Fraile Escribano, que se entera gracias al alguacil Dogberry, que ha sido todo una mentira lo de Hero, arma un plan, para que la verdad, llegue a buen puerto, triunfando el bien y el amor.

La puesta es maravillosa, de muy buen gusto, el uso de paraguas, como material escenográfico, diseño de escenografía: Arq. Carlos Di Pasquo (ADEA), la supervisión a cargo de Fernando Díaz y como asistente Carolina Fernández.

Del elenco todos tienen un desempeño encomiable, destacaría a Cristina Dramisino, en el papel de Leonato, a la actriz Maia Francia como Beatriz, un papel encantador de la actriz Maria Rosa Frega, en el papel del alguacil Dogberry, a la actriz Livia Fernán, como el fraile escribano, también los actores Daniel Toppino como Mariano Rojo, Gustavo Monje. La risa y la tragedia, dos líneas que delimitan pero que Shakespeare y Jorge Arzumendi han querido respetar.

Tiene música en vivo, que acompaña a narrar la historia, muy alineada a la época de Rony Keselman y muy bonita la coreografía a cargo de Mecha Fernandez.

Tal vez, desentona en algunos casos el vestuario que no se adecuó a la ropa de esa época, pero es un tema menor.

Mucho Ruido y Pocas Nueces integra el Proyecto de la FSA denominado Compañía de Repertorio de la Fundación Shakespeare Argentina, el cual fue declarado de Interés Cultural y aprobado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en el marco de la Ley de Mecenazgo donde la Fundación patrocina una Cooperativa de Actores parae el montaje de esta obra en el Teatro Independiente. El Proyecto de la Fundación Compañía de Repertorio de la Fundación Shakespeare Argentina es difundir el teatro de Shakespeare en Argentina, en beneficio del público y de los elencos para que se le tome la mano, familiaridad y gusto por Shakespeare.

Para cerrar, esta reseña, un director de lujo, Jorge Azurmendi, con una currícula de lujo, quien con exquisitez profundiza en la comedia, con ese toque de dramatismo. Director, actor y Docente. Formado con Augusto Fernández, Carlos Gandolfo, Julio Chávez y Joy Morris.

Se perfeccionó con maestros de La Royal Academy of Dramatic Arts y el Stella Adler Institute of New York tales como Bruce Katzman, Frederick Rolf, Chris Hayes y Williams Richard.Entre sus trabajos como director se destacan:

2018/19-“La Ratonera» de Agatha Christie

2018- “A La Deriva” de Amanda Peet

2017- “Móvil” de Sergi Belbel.

2016- “La gata sobre el tejado de zinc caliente” de Tennessee Williams.

2016- “Viaje de un largo día hacia la noche” de Eugene O’Neill.

2016- “En Boca Carrada” de Juan Carlos Badillo.

2016-“Independencia” de Lee Blessing.

2015- “¡Amor!, ¡Valor!, Compasión! De Terrence McNally.

2015- “Dos Ilustres Lunáticos” de Leopoldo Lugones.

2015-“El retablo de las maravillas” de Miguel de Cervantes.

2015- “Como les guste”. De William Shakespeare. Reestreno Teatro La Comedia.

2015- “Jugar Con Fuego” de August Strindberg.

2014- “Querido Mentiroso” de Jerome Kiltty.

“Apología” de Cristian Palacios.

2014- “Sombras” de Hector Oliboni. Estreno Septiembre.

2014- “Hasta la última sílaba del tiempo” (Sobre Shakespeare y sus obras).

2014- “Como les guste”. De William Shakespeare.

2014- “Que el sol de la escena queme tu pálido rostro”

2013- “Clamor de ángeles”. De Bill C. Davis.

2013- “Que el sol de la escena queme tu pálido rostro”

2013- “Otelo: Una tragedia”. Versión de “Otelo” de William Shakespeare por Alberto Wainer.

2013- “Danza de Verano” de Brian Friel.

2012- “La Brisa de la Vida” de David Hare.

2012- “De La Materia De Los Sueños / Sobre Shakespeare y sus obras”

2012- “Noche de Reyes” de William Shakespeare.

2011- “El Zoo de Cristal” de Tennessee Williams.

2011- “El Largo Adiós” de Tennessee Williams.

2011-“La Marquesa de Larkspur Lotion” de Tennessee Williams.

2011- “Decile a mi hija que me fuí de viaje” de Denise Chalem.

2010- “La Opinión de Amy” de David Hare.

2010- “Situación Límite: Agresiones” de Nelly Fernández Tiscornia.

2010- “Mayo” de Alberto Wainer.

2009- “Danza de verano” de Brian Friel.

2009- “La noche del caracol” de Osvaldo Dragún.

2008- “La esposa constante” de William Somerset Maughan.

2008- “Entre mis amores”

2008- “Que el sol de la escena queme tu pálido rostro”

2007- “El mundo de Bernard Shaw”.

2006- “Sonata de otoño” de Ingmar Bergman.

2005- “Sonata de otoño” de Ingmar Bergman. Casa de la provincia de Buenos Aires. Gira por varias ciudades del interior. Elenco independiente.

2003/2004- “Lágrimas Negras”, versión propia de “El gorro de cascabeles” de Luigi Pirandello. Esta obra fue representada en el Teatro Florencio Constantino (Bragado)

Premios y Nominaciones.

–Premio Florencio Sánchez 2011 como Mejor Director por su versión de “Noche de Reyes” de W. Shakespeare.

-Premio Florencio Sánchez 2014 como Mejor Director por su versión de “Como Les Guste” de W. Shakespeare.

-Premio Florencio Sánchez 2016 como Mejor Director por los espectáculos “En Boca Cerrada” e “Independencia”

-Premio María Guerrero al Mejor Director por los espectáculos “En Boca Cerrada” e “Independencia”.

-Nominado al Premio ACE al Mejor Director por los espectáculos “Noche de Reyes”, “Danza De Verano”, “Sombras”, “Como Les guste”, “En boca cerrada”.

Bueno ahora le queda al público dar su veredicto, no me cabe la menor duda, que va a ser por voto unánime, una obra que va dar que hablar porque lograr reírnos con un clásico, es el premio final a la transpiración, amor por lo que se hace, tesón y persistencia de un elenco técnico y artístico, que lo hizo posible. ¡Felicitaciones!

Funciones todos los martes, 20:30 hs. Teatro La Comedia

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Los sábados a las 20.30, en el Camarín de las Musas, la obra teatral Alfa, narra lo que hipotéticamente podría pasar en el 2029, llevando ritmo de comedia, donde no tendremos hoy la respuesta al interrogante sobre si es ciencia ficción o solamente visión de futuro.

Comparto cuando dicen que Alfa es una pieza teatral distópica. En lo personal, la obra me despertó interrogantes, después que cayó el telón, me hizo plantearme si todo lo distópico, en definitiva es tener la posibilidad de leer el futuro en la borra de café o ¿se queda en un mundo imaginario e indeseable?

La dramaturgia y dirección es de Felicitas Kamien. El contexto escénico es una cocina, un tanto especial, porque además de cocinar, sirve de laboratorio y se reciben a los “donantes” donde deliran cuatro personajes: Mariana Cavilli, Marta Haller, Diego Quiroz, Valeria Roldán, Abian Vainstein.

En la trama los personajes son los “donantes”, caballeros, los cuales previamente acordaron un turno. Además, una madre, desequilibrada, una hija, la encargada de llevar el laboratorio adelante, clasificando las muestras y una asistente, la colaboradora fiel y a ese combo, se agrega un padre.

La situación económica por la que están pasando es complicada. Mientras la asistente está cocinando unos buñuelos de espinaca, el disparador es cuando baja a la cocina, el donante entregando el frasquito. Se apaga la radio. El caballero se queja porque la paga no era la acordada, pero la plata la necesita, y se retira, con un detalle, se pone el casco de la moto y una máscara de oxígeno.

Este es el disparador, para contar una historia, donde, transcurridos unos minutos, sonará el portero eléctrico para que ingrese a escena, el actor Abian Vainstein, que además de llenar la escena, es el padre, quien llega lastimado porque unas mujeres lo han estado persiguiendo. Ha tenido que escaparse, de una horda de mujeres, que querían abusar de él.

Este quiebre, ya es un viaje de ida, para la risa, para el disparate en un tono de comedia, donde Abian Vainstein, es un lujo en el teatro.

No vamos a contar más de la historia, si asegurarles, que encontrar un macho alfa,”argentino” en épocas de sequía, puede ser un negocio que da muchos frutos. El negocio familiar a partir de este descubrimiento, logra la exportación lo cual le trae aparejado pingües ganancias.

No se la pueden perder, porque todo el elenco se luce, Diego Quiroz está genial en su papel de “macho alfa”, perseguido por las mujeres, las tres actrices, Mariana Cavilli, Marta Haller y Valeria Roldán, le ponen su granito de arena para que la obra sea haga una comedia monstruosa.

Una dramaturgia, que bien le aplica, decir que es potente y las actuaciones le dan vida, con una dirección que ha logrado crear el climax.

Un lujo, una comedia delirante, para pasar un buen momento de sábado y preguntarnos, como Dios es argentino, cuando encontraremos al “macho alfa”, por ahí, quien te dice, estamos salvados.