Con libro de Guillermo Gil y Nahuel González Mosca, en el Teatro Regina, el sábado 18 de mayo, asistí a la función de prensa, de “Ellas en Mí, con la voz de Pinky”.

La propuesta consiste: Guillermo haciendo una visita guiada, por el museo de la nostalgia, donde nos invita a tomar el té con Ellas: con mujeres que fueron y son importantes para la cultura y el arte como pueden ser: Tita Merello, la señora Mirta Legrand, Pinky, China Zorrilla y con una cuota de alta emotividad, a esta mesa de ficción se hace presente su abuela: Rita Gil.

Este museo imaginario lo ubica al lado del museo Magritte en Bélgica, al cual conoció de niño, por haber sido su padre, embajador argentino en ese país.

Un unipersonal, en el cual Guillermo, demuestra los frutos que puede entregar al artista al público, el ejercer el oficio de la actuación, por años. Además es una obra que llega a un músculo que está en el medio del pecho, porque fue escrita con el corazón. La desea compartir con el público, desde la emoción, con el sentimiento, va entrando por un túnel, el de la nostalgia, tomando la vida y el recuerdo con un sano sentido del humor, nos introduce en cada uno de esos personajes, que recobran vida, dando un reconocido homenaje a personalidades del quehacer nacional.

En ese museo imaginario, donde es excelente la dirección de la obra, a cargo de Nahuel González Mosca, quien le ha dado dinamismo, es entretenida, de mucha plasticidad, en un tono de comedia amable, pero no por ello, le resta emotividad.

Hay un recuerdo, muy especial para Fernando Peña, al que comentó en escena haber conocido muchos años, con anécdotas como el apodo que le dio Fernando a Guillermo en sus comienzos: «Multiuso», por ser el che pibe de la compañía.

Para pasar, en una breve transición de tiempo, a estar enfundada en un lujoso vestido, encarnando a Yiya, una mujer paqueta, quien considera inadmisible hablar de un perímetro que se exceda de Libertador y Callao.

Y en ese viaje, donde termina con un mensaje para aquellos que transitan la tercera edad, y que se sintetiza “no te rindas, enterrar tus miedos, destrabar el tiempo,vivir la vida” , Fernando se sienta junto a Tita Merello a recordar los comienzos, de esta mujer, que la crítica llegó a decir que era la Magnani argentina, contando sus inicios, en un piringundín de mala muerte de nombre Bataclan, de ahí el derivado bataclana, lugar al cual alude como la universidad de la vida.

En este recorrido con unas pestañas postizas importantes, su quinto elemento es China Zorrilla, donde la recuerda haberla conocido en Londres, obviamente, utilizando un paraguas, para guarecerse de la lluvia. Donde se hace mención a los géneros, a la máscara de la tragedia y la comedia, donde todos de alguna manera somos trapecistas sin red.

Y en este homenaje, no puede faltar el querido recuerdo a Pinky, una mujer que es el símbolo de un inicio que es el de la televisión argentina.

Más de la obra no se puede decir, solo recomendar ir a verla, un canto a la vida, una visión optimista donde Fernando agradece que todos los días, pueda volver a empezar, porque significa que el telón cuando sube y baja está vivo.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

En la Botica del Ángel,  el viernes 17 de mayo a las 21 hs, la cantante Silvia Miriam junto al maestro Luis Carniglia,  le rindieron un homenaje a las cantantes Violeta Rivas, María Martha Serra Lima y  Estela Raval.

Importante la aclaración, que no es una imitación, sino rendirles tributo, recordando sus éxitos y  las melodías que las llevaron a la fama.

En la presentación del espectáculo, estuvo José Luis, quien es el responsable de acompañar en las visitas guiadas por el Museo de la Botica del Ángel, para conocer un lugar emblemático de Buenos Aires y recorrer los salones diseñados por el buen gusto de un artista, como fue, es y será el  señor Bergara Leumann, con salas para deslumbrarse con obras plásticas de Antonio Berni, Carlos Gorriarena, Guillermo Roux, Raúl Soldi, con el sector “La Nave” y “Pasillo Di Tella”, para sumergirse en los pensamientos y vivencias de los años ’60.

El registro de voz de Silvia Miriam, muy límpido, nunca había tenido la oportunidad de escucharla. Me pegó mucho, una voz magnífica con el carisma y el tono vocal adecuado, para homenajear a estas tres mujeres, tres diosas,  exponentes de la canción romántica que brillaron entre los años ’60 y 2005.

La selección de canciones que marcaron época como Que suerte que esta noche voy a verte, de Violeta Rivas, cantante participante del Club Clan y con un matrimonio legendario Violeta Rivas – Nestor Fabián. Tarareando el público, Mi romance sólo fue de papel…

El espectáculo avanzó recordando los long play, esos discos que se escuchaban en el tocadiscos winconfon, con púas y pastillas con 6 temas de cada lado.

Donde Silvia Miriam con su voz, ofició de embajadora, de una mujer y artista como María Martha Serra Lima, con un clásico como puede ser Como toda Mujer: …soy la guerra y la paz….

 El ciclo se cerró con Estela Raval, recordada como una joven, que se inició a los 12 años,  criada en Ciudadela, en sus comienzos en los Cuatro Bemoles donde luego pasaron a ser los famosos Cinco Latinos.

Michael Rostain, un director musical lírico, francés, dijo “lo que se recuerda siempre vive, nunca muere”.

En cada canción, excelentemente interpretada, con la voz y la emoción de Silvia Miriam,  es volver a traer a escena a estas tres leyendas, donde el público se reencuentra con los artistas, con el amor y la nostalgia. Una noche para vestirse de romanticismo. Que se hizo posible gracias a Luis Carniglia y Silvia Miriam, que prometen volver, por más, en futuras presentaciones.

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

En el teatro Beckett, los jueves a las 21 hs, ocho únicas funciones de Las cosas de Mabel, una obra con dramaturgia y dirección de Cecilia Meijide.

El público se puede ir satisfecho de ver una obra, por varias razones. Me puse a elucubrar luego de la despedida de los actores, que en realidad, el motivo de que una obra nos guste o no, puede depender del desenlace, el desentramado final, como que estamos sentados viendo contar una historia, pero el único mérito radica en las últimas escenas que definen las decisiones y hechos que fueron aconteciendo.

En cambio hay otras obras, en las que incluiría Las cosas de Mabel, que son mis predilectas, las que a medida que avanza la obra, el argumento las va haciendo más atractivas y donde el elenco puede ir desnudando a los personajes y el autor tiene la oportunidad de profundizar el mensaje.

Las cosas de Mabel, la actriz Rosario Varela, una joven, que magistralmente tiene adherida a la piel, al personaje. Es maravilloso, desde lo físico, la voz, los gestos, de una mujer de arriba de 80 años, la cual habla todo el tiempo, las palabras se le escapan hasta por los codos, y que transcurre su vejez, con Iván, el enfermero, que la acompaña, que la escucha, con el cual hace sus sesiones diarias de kinesiología.

Esta mujer, está viuda la cual tiene un hijo. No ha tenido suerte con Fabián, es una oveja descarriada, a la cual Mabel, sabe que tiene problemitas, pero lo ama porque es su hijo. Al cual le perdona el descuido afectivo, no viniendo a visitarla. Se lleva cosas sin preguntarle. Además a esta señora que ya le pasó su cuarto de hora, no la engañan fácilmente, está de vuelta de todo y de todos, habla y habla, pero cuando le conviene, sabe escuchar.

La actriz Rosario Varela, comparte escena con los actores Nacho Bozzolo e Ignacio Torres. Es un logro en la obra, ese grado de compañerismo, producto de vivir juntos, tantas horas, que se da entre Mabel y el enfermero. De un lado, Iván, el cuidador que lejos está de ser Fabiancito, el hijo egoísta de Mabel. Excelentemente lograda la atmósfera, no vamos a contar más, pero la actriz le da mucha humanidad al personaje, el público disfruta con una mujer, que los músculos son los que a veces fallan, pero todavía piensa y razona. Sufre, por un hijo, Fabiancito, que le gustaría que sea más parecido a Iván, su cuidador, por lo inocente, porque la acompaña y trata de escucharla.

La historia sigue, la recomendamos porque cuenta con simpleza, lo que no es fácil de narrar, como es el paso de los años,el abandono, los amores como un recuerdo juvenil.

La obra terminará y Mabel con sus achaques físicos, pero con un espíritu joven, en un tono casi de comedia, producirá en el público disfrute y adoraremos a Mabel, deseándole salud y plenitud por muchos años más.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Bruno Glas 

La “Casa de Muñecas” original de 1879 terminaba con Nora abandonando la casa, librando a Thorvald y a su familia a su suerte. No quedaba claro si volvería o no, aunque uno se vería tentado a apostar que se había ido para no volver. Este final, revolucionario para su momento (yo diría que lo sigue siendo al día de hoy), es casi el punto de partida que toma Javier Daulte para hacer una secuela de la famosa obra de Ibsen.

Nora vuelve a casa quince años más tarde, siendo ahora una famosa escritora, a causa de la extorsión de un juez que amenaza con llevarla a la cárcel. Se ve en la necesidad de pedirle ayuda a su antiguo esposo (Jorge Suárez), a su niñera Anne Marie (Julia Calvo), que tuvo que lidiar con la crianza de los hijos de ella, y a su hija (Laura Grandinetti), ahora una muchacha.
Si la obra de Ibsen causó en su momento tanto revuelo, era por su fuerte cuestionamiento a la institución del matrimonio y a los valores familiares, destacando el rol individual de la mujer por sobre lo que la sociedad espera de ella. Por esto mismo muchos consideran a “Casa de muñecas” la primer obra de teatro netamente feminista, aunque el mismo autor haya negado esta denominación. Y precisamente, la continuación de la original viene a plantear algunas de estas cuestiones en un momento histórico donde el feminismo tiene un lugar central. Pero lo más destacable de la obra es cómo logra evitar caer en el alegato o en el comentario demagógico. No hay discursividad intríseca a ella que habilite una única lectura. En el enfrentamiento de Nora con sus familiares se pone en discusión las consecuencias de su partida y su regreso. Hay una voluntad de juzgar a los personajes, pero también de entenderlos, de estrechar lazos con ellos. Si bien cada personaje tiene una postura diferente, Daulte deja que sea el espectador el que saque sus propias conclusiones de lo sucedido. De allí el correlato que se establece con la disposición espacial, puesto que el escenario no reproduce la típica estructura bien frontal del teatro alla italiana, sino más bien el semicírculo del teatro griego, donde el público tiene la posibilidad de observar todo lo que sucede desde arriba. Mención aparte para los actores, que dotan a los personajes de un registro que les permite jugar sin problemas con lo tragicómico.
La obra podrá verse a partir del mes de mayo en el Paseo La Plaza.

La compañía Comedias Negras, que viene trabajando desde 2003, nos sorprende una vez más con un espectáculo fiel a la estética y estilo que los caracteriza. En esta oportunidad, la historia se centra en un grupo de personajes que conforman parte de una orquesta, a la cual, les han robado y destrozado los instrumentos musicales. A partir de este evento, se desata el conflicto que dará inicio a una obra que podríamos encajar en la categoría de post-dramática, donde las marcaciones aristotélicas se encuentran difusas y el desarrollo de la obra va y viene en una lluvia constante de significantes.

En Maldita nada de nada, el foco está puesto sobre la acción de los actores. A través de ellos y sus recursos corporales, se cuenta una historia que a fin de cuentas no será lo más relevante del espectáculo.  La escenografía es escasa al igual que los recursos lumínicos y sonoros, al mejor estilo de Grotowsky y su “teatro pobre”, pues lo importante aquí, es el trabajo del actor.

La estética que caracteriza a esta compañía (Comedias Negras), se centra en la búsqueda de nuevos lenguajes teatrales sobre la base del humor, explorar las posibilidades del idioma y en utilizar, como se dijo anteriormente, la menor cantidad posible de artilugios escénicos con el fin de obtener una suerte de estética del despojo.

Ficha técnica

Actores: Ana Margarita Wright / Julia Fiks /Ariel Osiris / Marita Otilia /Esmeralda Lerena / Haydee Arévalo / Erica Spósito / Ana Capistrano / Patricia Vasile / Micaela Veltani / Anabel Vartanian / Lourdes Isola / Ivy Centanni

Elementos escenográficos:René Morales y Tutti Santos

Vestuario: Dulcinea Gotbeter

Producción: Comedias Negras

Iluminación: Julio Rodríguez

Diseño gráfico: Andrés Vanney

Fotografía: Ricardo Brecher

Prensa: SMW

Funciones: viernes 20:30hs

Teatro: Payro – San Martín 766 . Caba

Localidades. $ 300.- en venta en boleteria del teatro o   www.alternativateatral.com.ar

Por Victoria Seri

Siempre es un placer volver a El camarín de las musas. Su cartelera es variada, el lugar es amigable y se come muy bien. El sábado fui a ver Alfa, obra que se presenta los sábados a las 20.30 horas.

De la misma manera que en la novela El cuento de la criada (1985), su autora, Margaret Atwood plantea en un país gobernado por una dictadura teocrática, en el cual solo algunas mujeres pueden gestar,  entonces son apropiadas por la elite militar para embarazarlas y quedarse con sus hijos, en Alfa se trata una temática similar pero desde otra perspectiva.

Por una cuestión climático-política la población masculina de Buenos Aires, se vuelve infértil. Solamente algunos elegidos serán los machos alfas encargados de proveer con el objetivo final de poblar la comunidad. Como cuando hay escasez y clandestinidad aparecen los que hacen negocios, este desastre se convierte en uno para una familia. Más allá de los habituales conflictos que pueden suceder en el seno familiar todo se complica más cuando el amor se interpone ante la prosperidad económica.

La dirección y dramaturgia están a cargo de Felicitas Kamien quien logra  poner en escena un espectáculo completo en el cual el drama juega constantemente con la comedia y el absurdo. La música, os efectos sonoros y las luces que se utilizan colaboran con la generación de un clima intenso, sombrío, turbio y misterioso que permanece en la sala hasta el final.

Todos los personajes son especialmente graciosos. Particularmente la dinámica que se construye entre el padre, madre e hija es genial. Los actores realizan un trabajo excepcional y eso se transmite al público ya que fueron ovacionados a sala llena.

FICHA TÉCNICA

Duración 70 minutos
Actúan: Mariana Cavilli, Marta Haller, Abian Vainstein, Valeria Roldán, Diego Quiroz
Escenografía: Victoria Kamien
Realización: Mariano Sivak
Iluminación: Matias Sendon
Asistencia de Dirección: Sebastián Sabio
Prensa: Simkin & Franco
Dramaturgia y Dirección: Felicitas Kamien

Todos los viernes a las 23 hs. y los sábados a las 20 hs., El Galpón de Guevara, se engalana para presentar un claro exponente del género “circense” con la dirección del francés Florent Bergal.

Se trata de una creación colectiva del Proyecto MIGRA, La Cía. NIDO y Florent Bergal, e impulsada desde el Festival Internacional de Circo Independiente, en el cual se presentó por sólo tres funciones durante su 4° edición en el 2018.

El argumento de la obra me es inevitable a asociarlo a la serie de los años ’60, los Locos Adams. El argumento se basa en que nadie está cuerdo, donde hay dos clases de hombre, los que atacan y los que se defienden. En una pelea donde los contrincantes se debilitan pero nunca terminan de caer.

Todos los objetos y las personas, tienen cualidades especiales: brincan, saltan, rebotan y hasta vuelan. Un circo, que reviste las características de social.

Tomás Sokolowicz, uno de los integrantes de este electo, nos tiene acostumbrados a obras de alta calidad, desde la simpleza. El año pasado en esta página recomendamos La ceremonia, un unipersonal, donde les redoblamos la apuesta, para este año, a que no se la pierdan.

El elenco tiene el mérito que por una hora, lograrán que los objetos tomen vida. Vale la pena destacar la participación en el elenco de nuevas generaciones circenses, que se las traen como son Florencia Valeri, Gabriela Parigi y Sofía Galliano. Los actores Tato Villanueva y Juan Fernández, junto a Tomás Sokolowicz conforman en escena un equipo sólido, con la adecuada cuota de humor, logran que esta familia de la ficción, algo excéntrica, al finalizar la pieza, para el público sea convierta en algo «muy normal» y entrañable.

Como dice la remañida frase que una imagen vale más que mil palabras, me pareció que para reseñar esta la obra, hay que velos en acción sobre el escenario. Para ello, hay un video levantado en la página de youtube, con un resumen sobre la obra. Haga click aquí: Un domingo

Recuerden ver un viernes o un sábado, una obra llamada Un domingo, es el fin y el comienzo de un antes y un después de verla.

Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA)
Duración: 60 min.

Ficha técnica

• Elenco: Tato Villanueva, Florencia Valeri, Gabriela Parigi, Juan Fernández, Sofía Galliano, Tomás Sokolowicz
  Asistencia de dirección: Leticia Vetrano
  Producción general: Pier Paolo Olcese
  Producción ejecutiva: Tomás Sokolowicz
  Vestuarios: Celina Santana
  Asistencia de iluminación: Carolina Rabenstein
  Prensa: OCTAVIA Comunicación
  Producción: FICI – Galpón de Guevara, Proyecto MIGRA
  Dirección: Florent Bergal

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  Reseña Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Dentro de las tendencias experimentales de la danza contemporánea, en el Centro Cultural San Martin, con funciones jueves y viernes de abril y mayo a las 20.30hs , la bailarina Quio Binetti, bajo la dirección de Gustavo Lesgart y con escenografía de Mariana Tirantte, deja escrita una página en la danza con el uso de objetos bajo el título: «Notas para la montaña».

La obra plantea el desafío de preservar los bosques del daño del hombre. En un estilo muy personal, donde la la bailarina demuestra tener una excelente técnica, en una muestra de perfomance unipersonal, en la que va arrastrando muchas estacas de madera, las cuales une, para luego desfragmentar. Se vale de este noble material, para arrastrar el peso y desde abajo del escenario, la compañía busca “despertar conciencias”.

La pieza es para un público muy selecto, diletantes de lo experimental dentro del género de la danza contemporánea, y que se encuentre abiertos a nuevas formas de expresión. Para los que no están sumergidos en estas técnicas, podrían alegar linealidad en el mensaje.

Quio Binetti, tiene una sólida trayectoria como bailarina, docente, creadora y gestora en danza contemporánea independiente.

Desarrolla con una particular capacidad artística y de gestión, multiplicidad de acciones generadoras de nuevos contextos y posibilidades para la expansión del campo de la danza experimental y la interdisciplinariedad. Coordina el área danza del Centro Cultural Paco Urondo de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA -Universidad de Buenos Aires-, crea y coordina las Residencias BROTE , dirige las ediciones de Revista Labra (destacada por los premios Teatro del Mundo 2017 en el rubro Revistas Independientes). Vinculada fuertemente al campo de la creación, ha desplegado una intensa labor como directora y bailarina; en 2010 recibió el Premio Mejor Obra de Danza y Mejor Coreografía en el Festival Iberoamericano de Teatro y Danza. Entre 2015 y 2017 participó como coreógrafa invitada en el GEAM -Grupo de Experimentación en Artes del Movimiento- de la UNA.

Mientras que su director, Gustavo Lesgart, coreógrafo, bailarín y maestro de danza contemporánea. entre los años 1994 y 2002 dirigió la compañía de teatro físico Lesgart-Sanguinetti, creando trabajos de repercusión a nivel nacional e internacional. Como actor y bailarín colabora además con los grupos argentinos Núcleodanza,

Recibió el Premio Clarín como Mejor Bailarín por su trabajo en “Hondo” -obra de la cual es además coreógrafo- y el Diploma al Mérito a la Trayectoria de la Fundación Konex de Argentina. Es maestro invitado del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires (2004-2014), en el Taller de Danzas del mismo teatro, y en la Fundación Julio Bocca. Participa de las últimas tres ediciones de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires como maestro formador y tutor de obra, y del programa LAB Prodanza 2016, 2017 y 2018 como tutor de obra.

El silencio en esta obra es lo que predomina, la música, despierta los sentidos, la imagen será la que generará interrogantes.

Reseña Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

Por Pedro López

Un musical queer apto para todo público

En un mundo donde las hadas y sus deseos están regulados por un estatuto, Jaqueline el último eslabón de la cadena de mando, deberá cumplir solo un deseo al viejo de la calle O’brian. Pero se encontrará con obstáculos que deberá sortear rompiendo algunas reglas. Ahora, el hada superiora la persigue para castigarla en su afán de respetar el reglamento al pie de la letra. Jaqueline, esta vez prófuga tendrá que cumplir su misión con la ayuda de sus amigues, unas ratitas de constitución.

Un musical que aborda reflexiones sobre el deseo, la transformación, las normas y las amistades. Unas ratas que quieren ser cangrejos. Un tigre que no quiere estar encerrado. Un hada que no quiere ser rosa. ¿Hay deseos más importantes que otros? ¿Más urgentes?

“Jaqueline, Hada” es una infantil que surge dentro de la UNA, y es construido a partir de ese deseo de poner en escenario aquellas representaciones que no les fueron habilitadas en su infancia a los miembros del elenco. Representaciones  heterodoxas que en la actualidad son necesarias, porque por suerte, el mundo no es estático, está en constante transformación y no para de evolucionar

En el Teatro Empire, los martes a las 20 hs, EvAmérica. Una puesta operística en torno a la figura de Eva Perón. Esta mujer, que existió en la vida real, quien padeció y convivió con “la enfermedad”, capaz de despertar el odio de muchos, y el amor de otros tantos. En el medio, el arte que no quiso quedar afuera, sintiendo la necesidad de ser recordada e invocada, desde la famosa ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice, la cual tomó libremente su vida, que debutó en 1978, en el West End y al año siguiente en Broadway, hasta llegar a 1996, donde fue llevada al cine, con la dirección de Alan Parker y las actuaciones de Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Price, y a eso agreguemos las producciones nacionales, donde cada puesta, una  mejor que la otra, y la más lograda , fue la dirigida y cantada por Nacha Guevara, a mi criterio.

En esta  nueva versión, que incursiona en el estilo operístico,la dirección General es del Maestro Guillermo Asencio, la dirección musical es de la Maestra María Ines Natalucci, existiendo una directoria musical invitada: Constanza Antunica, con arreglos musicales de Federico Ginzaburg. La obra tiene una orquesta de cámara compuesta por violines, violoncello, flauta, clarinete, oboe corno inglés, contrabajo, viola,  percusión.

La síntesis argumental se puede resumir que cuenta con una obertura, luego la Escena  1 bajo el título «El pesebre pagano», para dar paso a la Canción de Cuna, /Lypcopodium. Si me preguntan cuál fue la escena preferida, la más emotiva, llegando al final, titulada «El cortejo bajo la lluvia»

El vestuario se adecua a la representación, y estuvo a cargo de Liliana Palacio, Una obra que cuenta con el barítono Juan Feico, y la soprano Constanza Leone, además del coro musical, integrado por 8 coreutas. El relato se apoya en Osvaldo Malizia, quien sabe cómo contarla, y que nos retrotrae al nacimiento de Eva en Los Toldos, a los 18 años, su posterior emigración a Buenos Aires, el Romance de Juan y Eva, su desaparición física y la escena 10, bajo el título “Que lindo si ella viviera, Gloria – Juan Pueblo”, con una hermosa puesta de todo el elenco, desplegando banderas, tildándola de rebelde en el amor, para cerrar una noche de lujo, donde como dice el dossier “Eva un personaje que ha transcendido la política y que tiene luz propia”.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com