Origen: Un círculo más que redondo es perfecto.

Entre la poética de Shakespeare y la música de John Dowland, esta comedia de enredos plantea las ambigüedades y tensiones manifiestas entre la sexualidad y el deseo, el amor y la pasión. La vestimenta transciende género y posición en una delirante historia redondeada con la música de un laúd.”

La puesta es simple aunque precisa, sin elementos extras que dispersen la atención que se requiere para obras de esta complejidad. Es aquí donde el rol de las luces a cargo de Gustavo Lista es preponderante; ya que se lucen (cuac) y, con características claras y frías fortalecen el protagonismo en  el momento justo.

El maestro Evar Cativiela, a cargo de las cuerdas musicaliza en vivo a lo largo de toda la obra. Nos sitúa en un contexto que nos remite a un ambiente habitado por la nobleza; y por momentos nos transporta a lugares oscuros,  y desconocidos; con pizcas de psicodelia por momentos.
Por momentos participante, por momentos espectador, por momentos protagonista.

La permanencia en escenario de los personajes  durante la totalidad de la pieza teatral suma a la continuidad e involucramiento del espectador.

Uno de los mayores puntos a  destacar de la propuesta, es el desdoblamiento actoral que efectúan los protagonistas. En algunos pasajes personas de carne y hueso, en otros personajes enmascarados, brindan una singular interpretación que superan  las expectativas de una pieza tan reconocida en la historia del teatro.

Es complicado adaptarse en un principio al lenguaje y modismos de la época, pero una vez superado ese obstáculo, el disfrute es pleno.

Con la mayor humildad, a la hora de referirme a la  dirección en mente de Laura Gutman, puedo decir que es acertada. Generando un lucimiento del elenco en sus actitudes que si bien son de época, tienen un poquito de contemporaneidad, apoyada en la muy buena adaptación  de Elena Gowland.

Nicolás Rodriguez Camino.

FICHA TECNICA

Traducción y adaptación de Elena Gowland

Músico en vivo, laúd – Evar Cativiela

Canciones interpretadas por Mercedes Olivera

Vestuario de Jorge Orlando

Realización de máscaras de Elsa Giré Pechayre

Diseño de luces de Gustavo Lista

Dirección de Laura Gutman

Interpretes:

Lucía Adúriz

Pablo Campopiano

Elena Gowland

Mercedes Olivera

Mariano del Pozzo

Sylvia Tavcar

Miguel Angel Vigna

Domingos, 18 hs

en HASTA TRILCE

Maza 177

Tel: 4862 1758

La lección de anatomía es una obra que se estrenó en el año 1972, hasta ahora es una obra que sigue dando que hablar y se agradece esta nueva reposición para hacerle honor a este clásico. Se trata de una obra de exploración física y emocional, que muchos quizá recordarán por la polémica escena donde los personajes se presentan en total desnudez. ¿Resulta necesaria esta escena para la comprensión y disfrute de esta puesta? ¿Tiene algo más allá que la explicita exploración de los cuerpos? La respuesta es un sí rotundo.

 La obra trata del ser humano y su lugar en la sociedad, del miedo a la muerte, la soledad, las frustraciones, los fracasos, la autodestrucción.

La obra comienza en un silencio donde lentamente aparecen las personas involucradas en la puesta, luego de eso se someten a al desnudo de sus cuerpos, seguida de la exploración física entre sí mismo y los demás integrantes del grupo. Cabe decir que esta presentación resulta desconcertante, intrigante pero visualmente realista y bella. La escena busca librar la verguenza y los miedos , tanto para los personajes como los espectadores presentes. Todo esto no es más que un prólogo,  anticipando lo que está por venir: la exploración física y emocional del ser humano.

Una ver finalizada su presentación,  los personajes se visten y comenzamos a ser participes de una serie de relatos independientes entre sí,  pero que engloba una misma idea, recorrer la mente y el alma de las personas. Algunas historias están diseñadas a partir de situaciones de la vida cotidiana, representadas desde el abstracto que caracteriza a la puesta.

Los actores en escena han sido el pilar fundamental de esta obra, que requiere una ardua preparación física y escénica, obteniendo un gran resultado final. Cada actor tiene su momento para contar su historia desde el rol de protagonista, aunque técnicamente ninguno lo sea.  Todos en su conjunto se complementan para aportar lo que cada relato requiere, teniendo muy en cuenta la presencia del público en la sala, ya que también somos participes de esta experiencia.

La lección de anatomía es una obra visualmente bella y profunda en su argumento .  Los personajes en escena invitan al público a apreciar lo más íntimo del ser humano y vivir esa experiencia desde lo físico y emocional. Se trata de una obra que se han convertido en un clásico del teatro, así que es una puesta necesaria para volver a ver o descubrirla.

Ficha Técnica:

• Actores: 

  Yamila Gallione, Sofía Gelpi, Luciano Heredia, 

   Charlos Distefano, Alejandro Melgarejo, Eduardo Kacheroff, Marcos López, Paula Tedeschi

• Coreografía: Carlos Mathus
• Dirección: Antonio Mathus
• Autor: Carlos Mathus
• Funciones:  Viernes 22:45 hs Teatro Empire

• Entradas en la boletería del Teatro Empire H. Yrigoyen 1934 – CABA  o por alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com/obra53014-la-leccion-de-anatomia

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 La obra El círculo de Tiza Caucasiano de la mano del director general  Manuel Iedvabni  nos permite  los martes a las 20 hs.  volver a Brecht y sentirnos  gustosos de conocerlo.

Durante una revuelta el gobernador y su esposa deben abandonar el palacio para salvar la vida y, en la prisa, abandonan al niño. Una joven sirvienta del palacio, se apiada del pequeño y se hace cargo de él. Con muchos sacrificios lo lleva a una aldea vecina y allí lo cría y lo cuida como si fuera suyo.

La misma revolución convierte a Azdak, un borracho y pendenciero, en juez, y sus sentencias favorecen siempre a los pobres y desgraciados. Ante él comparecen un día Gruche y la esposa del gobernador, alegando ambas ser la verdadera madre del niño. Azdak no sabe la verdad y las somete a la Prueba del círculo de Tiza, para dar su veredicto.

¿Qué  debe hacer el común de la gente  para sobrevivir  y conservar su sentido de lo humano en medio de convulsiones políticas y sociales?   Y, sobre todo, ¿cómo conservar la  bondad en medio de la crueldad circundante? Ya no nos basta comprender el mundo. Eso es apenas una condición imprescindible para poder modificarlo. ¿Puede el teatro contribuir a modificarlo? Esa obsesión recorre toda la práctica teatral de Brecht.

Esta obra de teatro de Bertolt Brecht está dentro del teatro épico basado en la crítica política y social. Muchas escenas contienen un toque irónico con dardos excelentemente disparados para marcar las diferencias de clases, el abuso de poder,  la corrupción y las apariencias en el ámbito  familiar.

La obra trata sobre una revuelta social, donde el gobernador y su esposa deciden huir del palacio en medio de corridas y sustos  deja abandonado a su hijo, un bebé de pocos meses.

Grusha, una  joven lavandera,  sirvienta del palacio se hace cargo del niño, brindándole todo su amor tomándolo a cargo como si fuera su propio hijo siendo capaz de ofrendar su vida por èl.

 No contaremos más las vicisitudes que debe sortear Grusha para proteger al bebé que ha cuidado desde tierna edad. Queremos que el público se sorprenda con la historia cuando vaya a verla.

Muchas escenas se dan dentro de un marco musical muy sugestivo, de hermoso contenido coral, en algunos casos similar al estilo de musicales como Evita o Jesuscristo SuperStar con alto contenido emotivo y coreográfico. La música original de la obra es excelente de Esteban Morgado quien además es el director musical de esta puesta.

La obra cuenta con el recurso de tener una relatora  encargada de explicar  los hechos a medida que van sucediendo. El personaje es llevado por la cantante María Marta Guitart, quien  además participa de la mayoría de las escenas musicales.

Las situaciones de comedia y grotesco se basan en mostrar a Azdak, un borracho y pendenciero quien en la revolución lo ha convertido en un juez quien utiliza métodos poco ortodoxos para ejercer justicia.

El título de la obra habla de Círculo de tiza porque en la obra existe una disputa sobre la tutela del niño si quedará en manos de la madre que lo abandono o la sirvienta. Azdak impartirá justicia imponiendo  que el niño se quedará con la madre o con Grusha, dependiendo quien consiga sacarlo de un círculo dibujado con tiza en el piso, mientras ellas forcejean tirando cada una de un brazo del niño..

Está inspirado en el cuento El círculo de tiza, del chino Li Xingdao, similar al juicio de Salomón, pero de planteamiento opuesto (la mujer que demuestra merecer al niño, por amarlo, es precisamente la que no es su madre biológica).

El   vestuario está a  cargo de Patricio Delgado y Susana Hidalgos, siendo los  adecuados a usar por los personajes para crear el clima de credibilidad necesaria para la puesta.

Las actuaciones son todas excelentes, mostrando que es un equipo actoral sólido, donde la obra de Brecht fluye gracias al manejo del director Manuel Iedvabni. Las actrices que encarnan a Grusha y a la esposa del gobernador son destacables como así también el actor que encarna el personaje de Azdak.

Recomendamos hacer un paréntesis el  martes tomarse un respiro en el Teatro IFT, pasar una buena noche, viendo una deliciosa obra de teatro que le  dará fuerzas para seguir adelante con el resto de la semana.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Bertolt Brecht

Versión y traducción: Manuel Iedvabni

Actúan: Dana Basso, Cristina Sallesses, Roxana Del Greco, Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocco, Pablo Flores Maini, María Marta Guitart, Ariel Levenberg, Rodrigo Pagano, Juan Manuel Romero,Gustavo Siri.

Cantante: María Marta Guitart

Músicos: Gabriel Dopchiz, Matías Sebastián Tisocc , Pablo Flores Maini, Rodrigo Pagano.

Diseño de escenografía: Gastón Breyer

Diseño de Luces: Roberto Traferri

Diseño de Vestuario: Nereida Bar, Verónica Segal

Realización de escenografía: Ariel Levenberg

Diseño Gráfico /Colaboración artística: Leila Gramajo, Wilfredo Parra

Realización de Vestuario: Patricio Delgado, Susana Hidalgo

Fotografía de ensayos: Vicky Elmo

Prensa: Marcos Mutuverría – DucheZarate

Productor ejecutivo: Pato Rébora

Director Asistente: Pablo Flores Maini

Música original: Esteban Morgado

Dirección musical: Esteban Morgado

Dirección general y puesta en escena: Manuel Iedvabni

ESPACIO IFT
Boulogne Sur Mer 549
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 4962-9420 / 4961-9562
Web: http://www.teatroift.org.ar/
Entrada: $ 200,00 – Martes – 20:00 hs 

Diana Decunto «Por Amor al Arte»

BANQUO:- Ya eres todo: Rey, Cawdor, Glamis, como te prometieron

las mujeres fatídicas pero… sospecho que jugaste muy villanamente….

MACBETH:- No faltéis a nuestra fiesta! “

Macbeth (W. Shakespeare)
Medioevo en Escocia. Macbeth y Banquo, generales del rey Duncan, regresan victoriosos de una cruenta batalla expulsando a invasores del reino. En un páramo neblinoso, se cruzan con tres brujas: a Macbeth le vaticinan que primero será barón y luego rey; a Banquo, que su descendencia será de reyes. Macbeth es nombrado barón, y este acierto en el vaticinio de las brujas da inicio a una desesperada fuga hacia adelante, camino de ambición y éxtasis de codicia, incentivado, constantemente acompañado por Lady Macbeth, su mujer, tanto o aún más jugada al todo o nada. Asesinan al rey Duncan que, huésped del castillo de los Macbeth creía honrarlos con su presencia, y vilmente culpan a los hijos del rey del cruel hecho. Los descendientes huyen, Macbeth es coronado rey y sabedor de las profecías, manda a matar a Banquo. Pero el hijo, Fleance, logra escapar.

Lo que sigue es una bacanal de muerte, persecuciones y asesinatos, de degradación, sombrías alucinaciones, conjuros, descenso a los infiernos de lo más impuro de las acciones humanas. Lo que maravilla es el exacto retrato de la tiranía, su ascensión encantadora, sus promesas vanas para que crean los deseosos de creer, el miedo, la aceptación servil, la observancia de la corrupción del poder, y queilimitado, corrompe a todos. El poder sin límites corrompe hasta a los mejores. Indefectiblemente.

Macbeth es una obra sangrienta, voraz, donde la razón se deforma al punto del espanto. Orson Welles la realizó primal, rústica, barbárica. Akira Kurosawa la llenó de vértigo. Roman Polanski, de seductora y sombría violencia. A cualquier persona que le interese la historia, la psicología, la sociología, la política, la literatura, etc. debería leerlo. Allí hay escrito un perfecto tratado del poder y sus consecuencias, cuando es mal utilizado.

Florencia Limonoff, como Macbeth, y Coni Marino, como Lady Macbeth, componen un trabajo minucioso y profundo. La escenografía: trastos, ropajes viejos, sogas, madera, invitan a un mundo ambivalente, a veces páramo, otras ominoso castillo medieval.

La adaptación y dirección de Jorge Eines es interesante conceptualmente. Ahora, hay algo en el orden de lo visceralmente bestial, que está enunciado pero no concretado. Para que las palabras no solo reflejen su intrínseca belleza, sino inquietud, temor, interpelen y revelen. Catarsis, que se dice.

Véanla, el trabajo del equipo que lo realiza lo vale. Entre otras minucias, uno es la medida de sus desafíos.

Ah… me olvidaba: la escribió un tal W. Shakespeare (1564-1616). No había celulares en esa época. Si hubieran existido, él posiblemente conocería el celular de Dios.

 
A. R. Belano

Piensa en tu fantasía más recurrente y probablemente la verás en “Frecuencia Onírica”, un espectáculo erótico multisensorial que explora, a través del cuerpo de los actores y la participación del público, representar las escenas eróticas que viven en nuestro imaginario.

«Frecuencia Onírica» es una experiencia multisensorial para viajar por las historias eróticas que
habitan en los sueños. El espacio y el tiempo se resignifican en una sinfonía de estímulos que seducen
la imaginación y «despiertan» fantasías en el espectador.
Recortes eróticos que se entrelazan en la rutina y permanecen como ecos, una y otra vez. Escenas
cotidianas que se dejan espiar, rozar y degustar sin prejuicios. Cada uno elige qué tan cerca quiere
percibirlas.
Un recorrido expectante que se descubre a medida que se transita. Deseos inconscientes despiertan en
un vuelo sensorial que sugiere al espectador completar las historias en su imaginación.
¿Con qué frecuencia imaginas lo que te gusta?
Wide Night te propone sintonizar tu frecuencia onírica y despertar en tus sueños eróticos.

Desde que entras en el Galpón Guevara ya estás participando en la obra y luego, al ingresar en un espacio aparentemente vacío tendrás que moverte con los actores que estarán mostrando microescenas de fantasías que, hay que admitir sin tabú, todos hemos tenido alguna vez.

Para entrar a este espectáculo recomendamos ir con la mente abierta porque cualquier cosa podría pasar por tu mente y si hay algún tipo de pared por normas de la sociedad no podrás vivir esta experiencia con agrado.

Todos deberíamos vivir un momento sólo para disfrutar de nuestra sexualidad y sensualidad sin tapujos, al menos una vez en nuestras vidas, y te aseguro que en “Frecuencia Onírica” podrás conectarte con ese espacio para ser libre sin ningún tipo de prejuicios.

Galpón Guevara (Guevara 326)

Teléfonos: 4554-4588

Web: http://www.galpondeguevara.com

Entrada: $ 250,00 – Sábado – 23:00 hs – Hasta el 09/09/2017 y 23/09/2017  

Ficha técnico artística

Idea: Wide Night

Guión:Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Texto: Felicitas Plos

Actúan: Nicasio alvarez, Facundo Cano, Maggie García, Sol Gomez, Valentina Lecuona, Adrian Lezcano

Narración: Rocío Pawluk

Voz en Off: Jimena Gonzalez

Vestuario: Angel Key

Diseño de luces: Maximiliano Cargnello

Visuales: Samanta Lukesch

Música original: Wide Night

Sonido: Liza Castignani

Operación de luces: Leandro Fretes

DJ: Liza Castignani

Diseño gráfico: Samanta Lukesch

Entrenamiento actoral: Valentina Lecuona

Producción general: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Colaboración general: Valentina Magna

Dirección artística: Maximiliano Cargnello, Valentina Lecuona, Samanta Lukesch, Felicitas Plos

Dirección: Valentina Lecuona

Ariana Marín

Desde que estoy escribiendo aquí,  trato de no pensar mucho en sobre de que va el argumento de una obra antes de ir a verla. Esto permite no generar una expectativa previa, siendo más sencillo ser objetivo a la hora de escribir la reseña.  En el caso de Ser de nadie, me ha sucedido que he imaginado muchas cosas sobre su argumento con solo divisar el flyer de la obra, que a ssimple vista  te muestra una combinación entre lo sexualmente perturbador y la religión.  Con esa base he disfrutado en el espectáculo, que en algunos aspectos ha sido como lo imaginaba y en otros, totalmente lo contrario.  

Aislados de un mundo que consideran aberrante, rodeados de una nieve impenetrable, esquivos de su propio pasado inconfesable… Entre rezos, cánticos, confesiones y penitencias, un grupo de monjes y su Abad viven entregados a Dios. Pero algunos sólo lo aparentan.

La obra se situa en un templo donde conviven un grupo de monjes, donde desde el inicio, somos testigos del secreto de dos hombres que se desean (¿Y aman?) en secreto. De conocimiento obvio, sabemos que en este tipo de grupos religiosos el amor carnal entre hombres está prohibido, considerándose un pecado muy grave.  Por otro lado, la persona de mayor rango en ese templo (desconozco los términos apropiados de referencia) guarda también un secreto, se encuentra con un niño a escondidas de todos, en el cual llega a abusar de el tanto fisica como psicológicamente. Estas historias se entrecruzan, llevando a una lucha por los intereses personales de cada uno, intentanto buscar la libertad de aquella prisión que los atormenta. 

La historia resulta muy interesante en su argumento, como había anticipado antes, la sexualidad es recurso importante en cuanto al conflicto de la trama. El ambiente represor , las historias del pasado y los sentimientos llevan a los personajes a realizar actos que están en contra de sus principios morales inculcados en aquella sociedad. La puesta no deja cabos sin resolver , así que es un punto a favor que permite a espectador sumergirse en el suspenso que la historia brinda. 

La actuaciones son correctas , cada personaje tiene su rol definido y actúa de forma individual según sus propias necesidades. Cabe destacar la representación de quien debe mostrarse como un niño, que es victima del abuso de quien dice ser su padre y dueño , a quien debe entregarse sexual y emocinalmente a el aunque no sea lo que realmente quiere. Este logra convertirse en un adulto en el cuerpo de un menor , que realiza lo imposible para buscar esa libertad que le han robado. 

En el momento que me han acercado la información de la obra,  había un apartado en el que comunicaba que la puesta contenía escenas de desnudos y que no era recomendable para menores de edad. Si bien las escenas suceden , aunque con una sutileza quizá excecivamente cuidada. Como algo personal quizá haya aportado algo mas que esto se maneje con mayor libertad y sin miedos , de todos modos se entiende perfectamente lo que quieren transmitir cada una de las escenas y en la que cada espectador sabrá apreciar individualmente lo visual de estos actos. 

Ser de nadie es una obra interesante que merece ser vista en función al conjunto de su argumento y su representación escénica. Es una historias que representa el amor (real y enfermizo) a traves de la sexualidad y las emociones, dentro del marco religioso. Buenas actuaciones e interesantes momentos que deja a espectador disfrutar y reflexionar con este relato.
AGENDA

Estreno: sábado 5 de agosto, 22:45 hs.
Funciones: sábados 22:45 hs. (Hasta el sábado 25 de noviembre)
Lugar: Teatro La Mueca (Cabrera 4255, CABA)
Entradas: $200 / Desc. jubilados y estudiantes: $150
Reservas:4867-2155 | Alternativa Teatral
Duración: 80 min.

 Contiene escenas de desnudos

Ficha técnica

Dramaturgia: Mariana Coronado

Elenco: Fernando Álvarez (Marko), Pablo Valvez (Abad), Luciano Alanis (Bjork), Amilcar Ferrero (Judas), Denis de Vita Fernández (Friorik)

Música en vivo: Verónica Mihura

Diseño de iluminación: Carlos Guida

Música original: Verónica Mihura

Realización de vestuario: Mirta Moreira

Escenografía: Martín “Chino” Díaz

Fotografía:  Sebastián Romero

Arte y video: Manuel Saratella

Asistencia de dirección: Francisca Tiscornia y Juan Uriel Dujo

Prensa: Octavia Comunicación 

Puesta en escena y dirección: Mariana Coronado

Daniel Alvarez