Crítica: Deseo de matar

Crítica de Andrés Prillo

La secuencia inicial de Deseo de matar (Death Wish, remake de una versión de 1974 con Charles Bronson) contiene las virtudes potenciales y las carencias efectivas de toda la película. Se puede ver desde el cielo la ciudad de Chicago de noche, iluminada por los rascacielos mientras un patrullero recorre velozmente sus calles dirigiéndose a un hospital. Al llegar el médico encargado del caso, el Doctor Paul Kersey (Bruce Willis) anuncia fríamente que el oficial de policía que acaba de llegar herido no tiene salvación y se prepara para intentar salvar a su agresor que llegó en el mismo auto. El compañero del policía le pregunta dolido: “¿Vas a ir a salvar a el animal que le hizo esto?”. El Doctor contesta pragmáticamente: Si puedo, sí.

En esta secuencia había un concepto, una visión clara: La ciudad como una selva de asfalto, un terreno peligroso dominado por la violencia urbana, una decisión moral de parte del médico de tratar al criminal y al policía como seres iguales, el odio de la ley ante los delincuentes como seres inferiores. Lamentablemente, este contexto de cierta ambigüedad será abandonado en gran parte de la película, limitándose a un relato convencional de venganza. Un buen ciudadano, un padre y esposo ejemplar al que la injusticia de la inseguridad lo “obligará” a abandonar toda piedad y vengarse directamente de los “tipos malos”.

El disparador del relato es un típico asalto violento que despierta en el protagonista los peores instintos del ser humano. Es aquí donde aparece la mano del director Eli Roth (famoso por hacer películas de terror ultra violentas como “Hostel”) para filmar la cacería de Kersey de los tres criminales con grados de violencia cada vez más explícita. El momento clave de cambio para el Doctor sucede después del entierro de su esposa, cuando su suegro ataca a unos cazadores furtivos que entraron a su propiedad. En el incidente debe matar a un ciervo herido para acabar con su sufrimiento, sentenciando: “No hay Dios. Si un hombre quiere justicia tiene que actuar con sus propias manos”.

Esta visión desesperanzada y nihilista del mundo será el trasfondo de la acción dramática y la justificación para la violencia personal por fuera de la ley democrática. Aquí entra en juego el único personaje secundario de cierta relevancia, el policía a cargo de la investigación del asalto (Dean Norris, quien en gran medida repite su rol de policía que inmortalizó en Breaking Bad). La mejor escena entre Willis y Norris ocurre en la comisaría, cuando ante la incapacidad policial para resolver delitos el oficial le dice al Doctor: Ten fe. Y mirando las fotos de las decenas de casos sin resolver, el Doc decidirá entrar en acción. Los momentos más lúcidos se dan cuando la película se toma con ironía la oscuridad de la trama, burlándose de la facilidad con que se pueden conseguir armas en Estados Unidos, donde en pocos días se puede conseguir legalmente acceso a un fusil de asalto que “pesa menos que un recién nacido”.

En relación a este tema, es interesante la reacción polémica que está generando en su país de origen. Mientras la crítica la desprecia sin atenuantes, en el público tuvo una recepción positiva (14% contra 86% en Rotten Tomatoes). Esto se debe a que el enojo de la prensa excede a la obra en sí. Se la acusa de banalizar un tema sensible como el control de armas y los tiroteos civiles en Escuelas y Universidades al legitimar la violencia por mano propia. La película en definitiva merece ser cuestionada por la falta de tensión, escasa originalidad y casi nulo desarrollo de personajes. Pero se la criticó con una dureza excesiva por razones de coyuntura, cuando la película en última instancia es una obra trivial, escapista, sin ningún mensaje profundo sobre el mundo. Si Deseo de morir tiene un rasgo de redención es en el modesto placer cinéfilo de volver a ver a Bruce Willis con un arma en pantalla grande.

Calificación: 5.5/10

TÍTULO ORIGINAL: Death Wish

ACTORES PRINCIPALES: Bruce Willis, Dean Harris, Vincent D’Onofrio, Elizabeth Shue

GÉNERO: Policial, Drama, Acción, Humor Negro

DIRECCIÓN: Eli Roth

DURACIÓN: 108 Minutos

ORIGEN: Estados Unidos

DISTRIBUIDORA: Digicine

ESTRENO: 8 de Marzo de 2018

Crítica: Tropa de héroes

Crítica de Mariano Zamora

Después de los hechos del 11 de Septiembre en las Torres Gemelas y en otros puntos de Estados Unidos, el cine no hizo más que llevar a imágenes, desde diferentes perspectivas y motivos, lo acontecido de tal terrible suceso. Tropa de Héroes, de Nicolás Fuglsig ( Exfil 2017), nos cuenta la historia de un grupo especial del Ejercito que va a combatir, en un punto estratégico de Afganistán, contra los Talibanes, supuestos autores de los atentados. Lo que nos cuentan de los personajes en los primeros 40 min de la película, es lo que nos va a guiar durante todo el desarrollo de la misma. Chris Hemsworth será el capitán de la misión, personaje estereotipado que tomara el papel de Héroe y guerrero para cumplir la misión y traer a sus amigos a salvo. Michael Shannon lo acompaña como segundo, y lo que intenta es ser el lado más cauto y conservador, pero se queda en mitad de camino por un poco desarrollo de su personaje. Los espacios se van llenando de clichés, situaciones repetidas en películas bélicas, espacios comunes, puntos de giro previsibles y un clásico estilo Hollywoodense para llegar al clímax. Poco nos informa del conflicto, e incluso muestra desconocimiento por parte de los personajes del terreno en donde se manejan. En cuanto a su estructura en general, es una película que se puede ver y que a más de 1 va a entretener e hipnotizar con su estereotipo bélico. Por otro lado, no podemos dejar de pasar el hecho de que dan por sentado a los responsables de tal hecho, justificando acciones reales de matanza de parte del Ejercito Estadounidense. Es esas películas que nos hacen recordar que las inclinaciones políticas, la verdad y la moral, pueden disfrazarse en un mundo de pobre contenido, pero gran producción (Jerry Bruckheimer).

Calificación 6/10

TITULO ORIGINAL: 12 Strong

ACTORES PRINCIPALES: Michael Shannon, Chris Hemsworth.

GENERO: Drama, Bélica, Acción.

DIRECCION: Nicolai Fuglsig.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 08 de Marzo de 2018

130 Minutos

Crítica: Yo soy Tonya

La patinadora Tonya Harding fue una de las más famosas de la historia del patinaje. También fue conocida por su gran competitividad y “juego sucio” para conseguir lo que ella quería, los primeros lugares en todas las competencias.

El 1994 Tonya Harding tenía una gran competidora, Nancy Kerrigan, que en algunas ocasiones lograba opacarla. De cara a las olimpiadas, y en uno de sus entrenamientos, Nancy sufrió una agresión que estuvo a punto de costarle una pierna; pero por suerte Kerrigan pudo salir indemne de ese ataque, pudo continuar con sus entrenamientos y llegar a las olimpiadas. Y aunque perdió gran parte de los campeonatos nacionales, en los juegos de invierno de Noruega tuvo su gran revancha contra Tonya, donde a ésta última la descalificaron.

La película cuenta la historia de Tonya Harding e intenta profundizar en los motivos que la llevaron a la agresión contra su compañera. No fue ella directamente pero si su marido y su guardaespaldas. Margot Robbie y Sebastian Stan hacen un gran trabajo contándonos la historia y poniéndose en la piel de Tonya y su marido Jeff Gillooly.

Un buen film con final abierto: hasta el día de hoy Harding mantiene su postura respecto a su inocencia y la investigación está cerrada. Las protagonistas de más de 40 años ya están olvidadas a no ser por éste incidente que marcó la historia del patinaje de Estados Unidos.

ELENCO
Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Paul Walter Hauser

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Craig Gillespie
Guion: Steven Rogers
Música: Peter Nashel
Guión: Steven Rogers

Género: comedia negra / drama
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos
Título original: I, Tonya

Calificación: 7.5/10

Alejandra Martínez

Reseña: Clarividentes

Una obra sobre el caos y la incertidumbre

Un grupo de pícaros invitan a un empresario ambicioso y un tanto desesperado por el curso de sus negocios, a una prueba, en experimento. Le han propuesto una
posibilidad singular: ellos conocen a una vidente, extranjera ella, con la capacidad de predecir acontecimientos del futuro. Ergo: podrá decir al empresario como
funcionará la Bolsa, que acciones subirán, cuales bajarán.

Todo un albur, un desafío al tiempo y al destino…y a las finanzas. No se habla de simples monedas, sino de gruesos billetes, que es lo que a todos allí les interesa. Pues bien: el empresario se presenta a la cita y también 3 “conejillos de indias”, 3
buscas, que estarán en una habitación con tal dispositivo que permite observarlos en detalle, sin que ellos conozcan nada del exterior. Una caja de cristal blindado y espejado hacia su interior, una cámara Gesell.
La experiencia consiste en que la vidente, de espaldas a esa habitación ve (y cuenta, en un idioma “extranjero”, que traducen los experimentadores) lo que hacen las 3 personas adentro, antes que lo realicen.

Una serie de acontecimientos externos: en el país se declara el estado de sitio, no hay comunicaciones (ni TV, ni internet, ni celulares), faltan alimentos y medicinas. Estos sucesos enmarcan lo que acontece con el experimento: que en realidad la vidente no adivina los hechos, sino que los provoca. Y no suceden como ella quiere, sino como los desea. Verdadera calamidad, ya que el deseo es impredecible.
Todo conduce al caos, los conejillos se rebelan tomando el control de la situación, encierren en el cubo de cristal a los experimentadores y los acontecimientos derivan en una bacanal de perversión y sangre..

En “Clarividentes” todo es engaño, parodia, vacuidad. Todos están observados y son sujetos de condicionamiento dentro de un gigantesco panóptico social, como si todos estuvieran en una desmesurada caja de cristal: conejillos, experimentadores, empresario, vidente. Todos. ¿El público? Dios lo sabrá (Nietzsche).

Dramaturgia y dirección de Javier Daulte. Con Mauro Álvarez, Matías Broglia, Rubén De la Torre, Jorge Gentile, Silvina Katz, Juan Ignacio Pagliere, Daniela Pantano, Carla Scatarelli, Luli Torn.

Funciones: Sábados a las 20 horas. Localidades: $ 250.- Jubilados y estudiantes: $ 200.-

Espacio Callejón – Humahuaca 3759 – http://www.espaciocallejón.com

A.R. Belano

Crítica: La maldición de la casa Winchester

Basada en la historia de la mansión Winchester, situada en California. Ésta mansión de arquitectura Victoriana fue construida por la esposa del fundador de los rifles Winchester, Sarah Winchester, interpretada por una siempre magnífica, Helen Mirren (ganadora de un Oscar por La Reina).

Narra la convicción de Sarah en que su familia estaba maldita y que los fantasmas de los muertos por culpa de los rifles Wincheter la acosaban y le dictaban los planos de la casona que continuamente iba creciendo en número de habitaciones.La mansión Winchester es considerada la más embrujada de Estados Unidos.

Es un film de terror, dirigida por los hermanos Spierig (con pocas películas en su haber, pero con varias nominaciones y premios por los efectos visuales), prolijo y con lindos efectos, pero que quedará en la historia de los films de terror como una más.

Una lástima que no se capitalizó la historia, quedando en el cliché de la posesión infantil y la pérdida de un ser querido que pretende hacer más trágica la historia. Aunque se puede decir que los productores salieron ganando ya que se invirtió 3.5 millones de dólares y en Estados Unidos y Canadá ya se recaudó 21.5 millones.

Calificación: 6.5/10

Dirección: Michael y Peter Spierig.

Reparto: Helen Mirren, Sarah Snook, Jason Clarke, Finn Scicluna-O’Prey.

Guión: Michael Spierig, Peter Spierig y Tom Vaughan

Fotografía: Ben Nott

Duración: 99 minutos

Alejandra Martínez

Crítica: Llámame por tu nombre

Con 4 nominaciones al Oscar (Mejor director, mejor actor, mejor guión adaptado y Mejor Canción) se ha estrenado el film «Llámame por tu nombre» del director Luca Guadagnino y escrita por James Ivory, basada en la novela homónima de André Aciman de 2007.

Verano de 1983 en el norte de Italia. Elio Perlman, de 17 años, pasa los días en una casa de campo tocando música clásica, leyendo y seduciendo a su amiga Marzia. A pesar de que la sofisticación y el don intelectual de Elio indican que el chico es todo un adulto consumado, su personalidad rebosa asimismo inocencia y una carencia de forma, sobre todo en lo tocante a los asuntos del corazón. Cierto día, Oliver un encantador erudito estadunidense que trabaja en su doctorado, hace su arribo y se presenta como el residente veraniego que ese año ayudará al padre de Elio. En medio del esplendor solar del entorno, Elio y Oliver descubren la alucinante belleza de un deseo que despierta a lo largo de un verano que alterará sus vidas para siempre.

Esta historia transcurre «en algun lugar de la región italiana» donde un adolescente de 17 años, Elio (Timothée Chalamet), y su familia reciben por unas semanas a Oliver, un estudiante y asistente de su padre de arqueología a su hogar. Durante su estadía empiezan a llevar una tenaz amistad para terminar en una profunda relación de amor. Es interesante el formato elegido para filmar este largometraje, pareciendo una vieja película clásica. Muy pocas veces el sonido ambiental ayuda, en este caso benefició mucho al film. El entorno de campos, personas y ciudades bélicas permite adentrarse de una forma peculiar y real en la historia.

Aquí el gran descubrimiento actoral es el de Timotheé Chalamet, ya que su carisma y frescura resulta lo más creíble y disfrutable del film. La química con Armie Hammer es notable , también por el trabajo de dirección que permite que esta relación se vaya formando lentamente y con la mayor naturalidad posible. Cabe destacar también que Chalamet actúa además en Lady Bird (otra de las nominadas en los premios de la academia) , a no perderle el rastro a este joven y talentoso actor.

El guion acargo de Ivory, llama la atencion gracias a sus trabajos que lleva detras de el, como por ejemplo Maurice (1987) y Un Romance Discreto (1985) y siendo fiel al texto original. Este film de Luca Guadagnino se destaca por mostrar un relato dónde lo primordial es mostrar una historia de amor más allá de la orientación sexual , y que ésta se desarrolle de forma natural , dando como resultado final una cinta interesante y bella.

Calificación 8/10

TITULO ORIGINAL: Call Me By Your Name

ACTORES PRINCIPALES: Timothée Chalamet, Armie Hammer.

GENERO: Romance, Nominada al Oscar, Drama.

DIRECCION: Luca Guadagnino.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: UIP – Sony

ESTRENO: 22 de Febrero de 2018

Fernando Benítez

Crítica: Muchos hijos, un mono y un castillo

El jueves pasado comenzó la cuarta edición de “Esporamas” la muestra de cine español en el Espacio INCAA KM 0 (Avenida Rivadavia 1637) con entradas a tan solo 30 pesos se puede disfrutar de catorce películas del nuevo cine español, de las cuales once de ellas son operas primas, el ciclo se extenderá hasta a el 28 de febrero.

Julita, la madre, ha cumplido todos sus sueños de tener una familia numerosa, un mono y un castillo, y ahora sufre los efectos de la crisis económica, sin dinero para poder mantener el imponente inmueble, y a base de iniciativa y tacto logra mantener a la familia a flote

Cuando llegué al cine Goumont para ver esta película, no tenía idea de que se trataba, el titulo me distraía para hacer una asociación, pero el cine de España es algo que me atrae muchísimo, ya sea su estética, sus actores, la forma de contar las historias, y sobre todo el humor que mezclado con esa cultura, me generan un gran atractivo. En los últimos años Argentina se a afianzado con este país y la mayoría de lo que vemos acá, es en coproducción, ellos también consumen mucho nuestro cine y actores como Darin, Sbaraglia, Solá, Grandinetti, Roth, son sólo algunos de los nombres de la lista enorme que ha triunfado allá.

También en los últimos tiempos gracias a internet y las plataformas de series y películas la llegada y el consumo es aún mayor, series como Merlí, La Casa de Papel, Las Chicas del Cable Velvet, han generado un gran fanatismo entre sus seguidores y afianzado aun más el consumo de las producciones españolas.

Muchos hijos, un mono un castillo es un documental de comedia absurda dirigido por Gustavo Salmerón, nos cuenta la historia de su madre, Julita, quién desde muy chica siempre tuvo en claro sus sueños, que no eran precisamente salud dinero y amor, ella tenía en claro que quería tener muchos hijos, de mascota un mono, y vivir en un castillo. Conoció al amor de su vida, tuvo seis hijos, mediante un aviso en el diario vendían un mono con muchísimas cualidades pero que resultó ser un canalla, y gracias a una herencia, tuvo su castillo, aunque luego de unos años la crisis económica hace que la familia tenga que mudarse, mientras paralelamente el hijo menor se entera que su madre ha perdido la vértebra de su bisabuela asesinada, guardada a lo largo de tres generaciones, la familia emprende una exhausta búsqueda entre miles de cajas llenas de peculiares objetos que Julita ha ido acumulando a lo largo de sus más de ochenta años.

La puesta es casera y son archivos que el director ha recopilado durante 15 años, si bien la historia no es deslumbrante y por momentos se dispersa la idea poco clara del film, el gran atractivo de este documental es Julita, quien con su gracia, picardía, humor, y disparates, ha sido un verdadero hallazgo y hace que esta historia tome vuelo, contándonos su historia (real o ficticia) con una oratoria digna de admirar esta explosiva mujer nos cuenta sobre su temida y anhelada muerte en un recurrido por su vida.

Calificación 7/10

Julieta Ale

Crítica: Mala Vida

La productora Machaco Films presenta la película La Mala Vida, una historia de amor, cafeína y armas de fuego.

Dentro del género de cine bizarro, Mala Vida comienza con el noticioso Flash 123 donde un estudio y sus conductores de aspecto bizarro anuncian acerca de la cantante Heidi, que hace varios días que no saben de su paradero. En paralelo la historia de Lola que sabe por ser mujer que está embarazada pero no sabe quién es el padre. Está de novio con Cholo, un ladrón que ni siquiera le ha dado un beso, pero se quiere casar con ella. Para decidir Lola si se va a casar tiene que consultar con una adivinadora encarnado por Ana María Orozco, la actriz colombiana que hizo de Betty la Fea. Por otro lado, un atracador, un prestigioso profesional, Acuña del signo de escorpio, de oficio atracador que cuando va a robar un banco, lo llama la ex esposa y le malogra el atraco.

Una película para pasar un buen momento, con buenas escenas de gags. La dirección y guion es de Fernando Díaz y Mad Crampi. La película mantiene la tensión, los actores y actrices dan una adecuada impronta bizarra. Con respecto al guión, me parece que hay en algunos puntos un exceso del bizarro y que es una cortina, para tratar de tapar la falta de más situaciones esteriotipadas. Hacer humor es el género más difícil de abarcar, es positivo explorar en este género porque el músculo si no se usa se atrofia y creo que tiene futuro.

Calificación 7/10

Ficha técnica

Dirección

Guion

Crítica: El cavernícola

No soy un interesado por el futbol, quizá fue este el motivo por el que no me resultaba tan llamativa la historia , aunque provenía de los estudios Aardman, y ese ha sido motivo suficiente para perderse en su magia. Las plastilinas han vuelto con una comedia , que si bien no está a la altura de películas como Wallace and Gromit , tiene el sello de la productora brindando algo divertido y especial.

En los inicios del hombre , nos cuentan que aquellos han descubierto el fútbol desde la forma más primitiva y que luego de muchos años se ha convertido en el juego que hoy todos disfrutan. Existe una comunidad que se ha quedado en el tiempo y que vive de esa forma primitiva , hasta que es descubierta por la civilización, quien utilizar por la fuerza esas tierras debido a los intereses más capitalistas. La película tiene mezclas de diferentes épocas, la de los cavernícolas, la de los juegos de gladiadores y la actual llevada por el deporte. Así, nuestro personaje principal debe desafiar a los más grandes jugadores para recuperar sus tierras y volver a la vida tranquila que llevaban junto a su pueblo. La historia juega con la parodia desde el humor y lo absurdo, algo característico de las películas de la productora.

La técnica de stop motion siempre ha sido el aspecto más llamativo de estos films , también se nota que hay una gran mejora en la técnica que se lleva a cabo. El aspecto de los personajes siempre son similares , haciéndonos recordar a Wallace & gromit, uno de sus films más populares. Los espacios se encuentran muy bien representados , sobre todo aquella arena de gladiadores que es utilizada para parodiar el deporte al que nos lleva la película.

Quizá no sea uno de los mejores films de Aardman, no porque tenga fallos , sino por no tener tantas ambiciones más que la de mostrar una película entretenida con el sello de su marca. Nick Park hace de El cavernícola muy fluida , con un humor notable y que seguro dejarán contentos a los fan del stop motion.

Calificación 7.5/10

TITULO ORIGINAL: Early Man

VOCES ORIGINALES: Timothy Spall, Maisie Williams, Tom Hiddleston, Eddie Redmayne.

GENERO: Aventuras, Animación.

DIRECCION: Nick Park.

ORIGEN: Reino Unido, Francia.

DISTRIBUIDORA: BF + Paris Films

ESTRENO: 22 de Febrero de 2018

89 Minutos

La Cordillera, Un especia de familia y Zama, se encuentran entre las 20 candidatas a Mejor Película de los V Premios PLATINO del Cine Iberoamericano

El Consejo de Dirección de los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano anunció la preselección final de las 20 candidatas a nominaciones finales. En marzo se darán a conocer las 5 finalistas por categoría. El 29 de abril, TNT transmitirá en VIVO la gran gala de entrega en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret (Riviera Maya, México).

La Cordillera, Una especie de familia y Zama entran, junto a otras cinco producciones argentinas, dieciséis coproducciones y cinco series de televisión, en la preselección final de los Premios PLATINO. Los largometrajes de Santiago Mitre, Diego Lerman y Lucrecia Martel aspiran a estar entre los finalistas a Mejor Película Iberoamericana de Ficción, a las que hay que sumar otros largometrajes con participación de Argentina comoMi Mundial y Los Perros. Además, Lucrecia Martel por Zama, acompañada por Anahí Berneri, porAlanis y Israel Adrián Caetano, por El otro hermanose encuentran entre los aspirantes a la nominación a Mejor Dirección.

El acto celebrado en Ciudad de México, que estuvo moderado por el periodista de CNN en Español y Embajador de los Premios PLATINO Juan Carlos Arciniegas, sirvió para dar a conocer las 20 candidaturas en cada una de las categorías de la quinta edición de los Premios PLATINO Cine Iberoamericano. Importantes nombres del séptimo arte de la región como Eugenio Derbez, Adriana Barraza, Santiago Raimundo, Blanca Guerra, Alfonso Herrera, Mónica Huarte y Erick Elías y representantes de instituciones cinematográficas y audiovisuales mexicanas como el Instituto Mexicano de Cinematografía IMCINE, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, del Festival Internacional de Cine en Guadalajara y Televisa, no faltaron a la cita.

En el apartado de interpretación aparecen nombres tan destacados de nuestra industria como Bárbara Lennie, por Una especie de familia; Daniel Giménez Cacho, por Zama; Leonardo Sbaraglia, por El otro hermano; Matheus Nachtergaele, por Zama; Miguel Ángel Sola, por El último traje; y Sofía Gala Castiglione, por Alanis; todos ellos sabrán a mediados del mes de marzo si se encuentran entre los nominados que podrían conseguir un Premio PLATINO.

La categoría de animación también tendrá representación de la industria cinematográfica argentina con Anida y el Circo Flotante de Liliana Romero. Mientras que el documental contará conActriz, de Fabián Fattore y Cuatreros, de Albertina Carri.

La pujanza de nuevos realizadores en el cine nacional queda patente con títulos como La novia del desierto, de Cecilia Atán y Valeria Pivato yTemporada de caza de Natalia Garagiola que han sido incluidos en el apartado de Mejor Ópera Prima.

Los Premios PLATINO, que se distinguen por su reconocimiento al Cine y Educación en Valores, una cuestión primordial en su filosofía y en esta edición de 2018, entre los 20 títulos, se encuentran dos producciones argentinas El último traje, de Pablo Solarz y Maracaibo, de Miguel Ángel Rocca.

Producciones argentinas de HBO Latinoamérica, Telefe, Estudio México Films y TNT América Latina Candidata a nominaciones

El jardín de bronce (HBO Latinoamérica, Pol-Ka Producciones), El maestro (Pol-Ka Producciones, TNT América Latina), La fragilidad de los cuerpos (Pol-Ka Producciones, TNT América Latina), Un gallo para Esculapio (TNT América Latina, Telefe, Underground Contenidos e INCAA) y Run Coyote Run (Estudio México Films) son las producciones postuladas por Argentina que se encuentran entre las 20 candidatas a nominaciones en la categoría de Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana.

En el apartado de Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana han concurrido Carla Quevedo, por El maestro; Eleanor Wexler, por Un gallo para esculapio; Eva de Dominici, por La fragilidad de los cuerpos; Inés Estévez, por El maestro y Julieta Zylbeberg por El jardín de bronce. Mientras que Joaquín Furriel, por El jardín de bronce; Julio Chávez, por El maestro; Luis Brandoni, por Un gallo para Esculapio y Peter Lanzani, por Un gallo para Esculapio optan a estar entre los nominados al PLATINO a la Mejor Interpretación Masculina Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana. En esta categoría Leonardo Sbaraglia también forma parte de las candidaturas a nominaciones por su participación en la serie brasileña O Hipnotizador.

El mexicano Eugenio Derbez, conductor de la gala

Uno de los rostros más internacionales de la industria audiovisual mexicana, el polifacético actor, director, productor y guionista Eugenio Derbez, será el conductor de la gala de entrega que se celebrará el 29 de abril en el Teatro Gran Tlachco de Xcaret (Riviera Maya, México); como anunció el Embajador de los Premios PLATINO y periodista de CNN en Español, Juan Carlos Arciniegas. Eugenio toma así el relevo de la uruguaya Natalia Oreiro y el español Carlos Latre al frente de los máximos galardones para el cine iberoamericano.

 

Enrique Cerezo, Presidente Ejecutivo de los galardones, hizo entrega a los representantes de Quintana Roo del Premio PLATINO Institucional. Organismo que ha hecho posible que los PLATINO viajen a la Riviera Maya junto con Xcaret, Hard Rock Hotel Riviera Maya, Hotel Xcaret, TNT, Iberia y Cirque du Soleil, patrocinadores de esta quinta edición.

“Dado que el turismo es cultura, economía y sociedad, todas las veces que como ahora apoyemos a la cultura, demostramos la capacidad que tiene el turismo como fuerza transformadora para las personas” argumentan desde la Secretaría de Turismo de Quintana Roo, México y agregan: “Nos complace saber que lo mejor del talento y la creatividad del cine iberoamericano será premiado en Riviera Maya. Quintana Roo es hoy la representación de la unidad de México ante el mundo. Desde aquí resaltamos la importancia de asociarnos a expresiones que, además de un fomento cultural traerán beneficios a una sociedad de más de un millón y medio de habitantes multiculturales, a quienes se les acerca por primera vez una oportunidad como éstas”.

Tras Ciudad de Panamá en 2014, Marbella (España) en 2015, Punta del Este (Uruguay) en 2016 y Madrid (España) en 2017, ahora es la Riviera Maya (México), la sede de la gala de entrega de los primeros galardones globales del séptimo arte iberoamericano.

“El hecho de que una franquicia internacional como Premios Platino haya elegido entregar sus premios en la Riviera Maya y hacer uno de sus eventos más importantes en nuestro Teatro Vidanta es un honor y testimonio del creciente atractivo de México como destino. Estamos muy agradecimos por la oportunidad que nos brindan de mostrar nuestro espectacular recinto y nuestra exclusiva experiencia teatral al mundo” afirmaba Ana Karen Collado Gonzalez, Subdirectora de Ventas y Marketing del Cirque du Soleil JOYÀ.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales), y con el apoyo de las Academias e Institutos de cine iberoamericanos, Latin Artis y la Fundación AISGE, trabajan desde su primera edición en 2014 en su principal objetivo, que no es otro que lograr la promoción y difusión del cine iberoamericano y que los éxitos que se consiguen en los festivales más prestigiosos se traduzcan también en excelentes resultados en las salas comerciales y que nuestro cine tenga la distribución que se merece.