La obra Orinoco cuenta la historia de dos actrices que van en un barco a la deriva. Sus fuerzas internas, su amistad harán que la brújula las lleve a donde ellas quieran ir.

Julieta Halac y Mariela Pizzo presentan en el Teatro Método Kairos los sábados a las 21 hs., el drama que viven dos actrices Mina y Fifi, donde no solo sus carreras van de mal en peor, sino sus vidas.

Ellas son dos amigas, de desventuras, el personaje de Julieta Halac es quien frente a la adversidad fácilmente se entrega, se da por vencida. Una mujer donde ha ido renunciado a cosas, subida al Orinoco, el barco de la vida, se deja llevar. Asume con naturalidad la muerte, su fortaleza la logra en esa amistad que lleva con su amiga.

El personaje de Mariela Pizzo es la contraposición. Es la visión optimista del mundo. Tal vez le falte poner los pies sobre la tierra. Pero su temperamento es de lucha, y ante la adversidad, busca siempre la copa llena.

La obra ensalza los valores de la amistad, esa amistad que es hermanazgo, donde el destino de una está atado al de la otra. Y donde nunca se piensa abandonar ese barco, lo que emprendan lo harán juntas.

Sonia Alvarez le da la profundidad a la obra, tocando el arpa. La música en vivo, sobre el escenario, hace que muchos diálogos adquieran más fuerza.

Nuestros lectores de Butaca Web llévense la idea de ser una obra que pretende replantear los valores de la vida, pero desde una posición laxa, donde el público se ríe de la ingenuidad de los personajes pero a medida que ese barco Orinoco va avanzando los vamos acompañando en los planteos y entendemos sus angustias, dudas y miedos.

Los invito a navegar en el Orinoco junto a Mariela Pizzo, Julieta Halac y Sonia Alvarez. Partiendo de la deriva, llevados de la mano de su director Raúl Mereñuk, podamos llegar a buen puerto.

Dirección Raúl Mereñuk

Actúan Julieta Halac & Mariela Pizzo

Dramaturgia Emilio Carballido

Música original en vivo (Arpa) Sonia Álvarez

Escenografía Alejandra Varela

Diseño gráfico Rubén Sali

Sábados 21hs.
Teatro Método Kairós
El Salvador 4530
Reservas por Alternativa Teatral
http://www.alternativateatral.com/obra53387-orinoco

Diana Decunto

Debo confesar que tenía muchas ganas de ver Lápices, un musical con memoria. El primer motivo claramente es por lo representativa que es su historia, y por otro lado, es un recuerdo que tengo como parte de un trabajo de actuación en la facultad . Quería ver cómo se representaba este relato tan conocido con el añadido musical, que simplemente le otorga otra mirada a los hechos. Si, se trata de una obra que nos invita a reflexionar y a hacer memoria, además es un musical completo y muy bien ejecutado.

La Plata, 1976. Mientras la Argentina es azotada por una fuerte crisis económica y política, un grupo de estudiantes secundarios se embarcarán en la tarea de luchar por una sociedad más justa.

En medio de protestas, actos relámpagos, reuniones de la UES (Unión de Estudiantes Secundarios), ollas populares y peñas, Pablo conoce a Claudia. Una historia de amor, sueños y rock en épocas de represión, secuestros y terror. Una dictadura que intentará aniquilar el espíritu revolucionario de los jóvenes. Una generación militante que se aferrará a sus ideales con uñas y dientes.

Estamos en el año 1976 , un grupo de estudiantes salen en protesta en reclamo de la implementación del boleto estudiantil. Bajo el nombre de lo que se conoce como «La noche de los lápices «, tuvo como consecuencia los atroces actos de tortura y desaparición que han marcado nuestra historia en la última dictadura militar. Si bien tanto el público como los personajes son conscientes de lo que sucede en el contexto social y político , la historia comienza de forma alegre y esperanzadora. Los chicos saben que el país pasa por una situación compleja , por eso deciden salir a la calle tanto para luchar por sus derechos como hacer algo por los que menos tienen. De ese modo el primer tramo resulta «alegre» , ocupa el espacio para conocer a los personajes , saber lo que ellos sienten y conocerlos como personas antes que suceda lo trágico. El segundo tramo es más bien dramático por completo , si bien el inminente peligro se encuentra desde un principio , este es en el momento donde los jóvenes sólo están para luchar por su supervivencia. Es un momento en el que ellos buscan pensar en los que más aman, en creer que hay una salida. Su mensaje deja claro muchos sólo han encontrado esa salida de una sola manera, con la memoria.

Vale destacar el trabajo actoral , en el que vemos la inocencia de algunos jóvenes que deciden hacer algo por el otro, aunque el miedo haya estado impuesto en la sociedad. Las voces sirven para acompañar el relato, con elementos típicos de la comedia musical , pero ejecutado sin llegar a saturar este recurso para darle importancia a la escencia del relato. Tanto para los actores como para el equipo creativo resulta un compromiso importante mostrar esta historia , hacerlo un musical ofreciéndole el respeto que necesita al ser algo tan sensible para muchos hasta hoy en día . Los actores se desenvuelven con soltura , entienden perfectamente el peso que conlleva ser parte de la historia y del recuerdo de todos los presentes.

Siempre se agradece la presencia de músicos en vivo, situados por encima de la escenografía, componen la melodía que acompaña al relato. Algunas canciones de nuestro rock nacional se cuelan para denotar el sentido que aquellas letras reflejan, los personajes ocupan la libertad que la música les otorga y dan su más sensible testimonio con ella. La ambientación es más que correcta, recorre los espacios escolares (donde la lucha comienza) hasta la oscuridad que representan los centros clandestinos de detención, donde ellos llegaron a vivir el infierno de la tortura y la desaparición .

Hacia el final, aprovechando el momento de reflexión que la obra nos brindan , el equipo hace alusión al caso de Santiago Maldonado. Aquellas palabras resultan necesarias , sabiendo el tema que la obra toca y que dicho hecho nos hace pensar en lo ocurrido años atrás.

Lápices, un musical con memoria es una nueva forma de recordar aquella historia que ha quedado en el recuerdo de muchos. Es una obra musical con todos los ingredientes , ya que no falta el humor , las coreografías y la música que caracterizan al género . El peso dramático es tratado con mucho respeto e invita a la reflexión , aunque sin olvidarse de brindar un buen espectáculo.

FICHA TÉCNICA

Actúan

Camila Giudice, Ignacio Bernardez, Anibal Ortega, Carolina Gestoso, Antonio Franze, Bianca Gereinstein, Julián Mercado, Octavio Cristaldo, Sofia Forte, Claudia Racconto, Antonella Valese, Franco Veneziano, Santiago Banegas, Julián Gianetti, Julio Kandel, Bruno Olivieri, Ramiro Iglesias, Carolina Silva Martin, Ana Laura Virgo, Camila Rosenfeld, Sergio Martinez, y Tamara Zezulie.

Músicos

Martin Kanashiro, Felipe Arenas, Lucio Nicolás Hortas, Leandro Nahuel Santángelo

Duración 95 minutos

Fotografía: Ailén Ciordia

Realización Audiovisual Glenfada Films

Diseño Gráfica Wilfredo Parra

Diseño y Realización de vestuario

Wilfredo Parra

Diseño y Realización de Escenografía

Wilfredo Parra

Dirección Vocal Ariel Madrides

Coch Actoral Micaela Narodowski

Producción Ejecutiva Luciana Cuenca

Libro, Dirección y Coreografía

Maria Sol Cardozo y Paula Grosse

ESTRENO SÁBADO 16 DE SEPTIEMBRE- 20HRS

DOMINGO 17, 24, 1 Y 8 DE OCTUBRE – 20HRS

SARMIENTO 2037 (CABA)

Daniel Alvarez

Década infame en la Argentina (los años ´30). Mateo, preso por anarquista, sale de la cárcel en busca de sus ex compañeros, y de “El Rey”, su gallo de riña, único medio de sustento y de independencia.

En esa búsqueda encuentra su viejo camión y con él recorre pueblos del interior de Buenos Aires: Trenque Lauquen, Guaminí, Tres Arroyos, Villarino, etc.y su camino se cruza con el de Aurelia, joven campesina y su hermanito, Carmelo, ambos en viaje hacia unas salinas donde estaría su padre, que los abandonó
hace tiempo ya. Los tres viajan atraídos por una quimera (darle un sentido al sinsentido de la vida) y ese viaje es más un tiempo de conocimiento que un espacio a transitar. Mateo se siente atraído por la joven Aurelia, y ésta primero
desconfía y luego observa al maduro anarquista con otros ojos. Carmelo, en tanto, comparte códigos de masculinidad con Mateo, propios de un padre o hermano fraternal y protector.

La película sondea en la profundidad de estos tres personajes. sus fortalezas y debilidades, y lo hace poniendo el foco en los pequeños detalles.
Leonardo Sbaraglia compone a un hombre que empieza de nuevo, que intenta reconstruirse como puede, como sabe, como le sale. Que aún en la derrota, resguarda su ternura y su calidez. Cumelen Sanz, como la ensimismada Aurelia, de gestualidad mesurada, de ojos bellamente expresivos. Santiago Saranite, como Carmelo: una revelación el chico.

Fernanda Ramondo, en su ópera prima, maneja con criterio los recursos narrativos de esta suerte de road-movie de tiernos perdedores. Construye bien los climas y las peripecias, y sabe definir en acciones mínimas a sus personajes.
Relata de manera precisa. Interesante film.

Guión y Dirección: Fernanda Ramondo
Fotografía: Lucio Bonelli
Sonido: Catriel Vildasola
Edición: Ariel Frajnd
Elenco: Leonardo Sbaraglia, Cumelen Sanz, Santiago Saranite

A.R Belano

Un tranquilo domingo en el horario en el que uno (Al menos en mi caso) suele aprovechar el día para la siesta he visto la obra Sobre Mirjana y los que la rodean, y debo aclarar que no se trata de ningún infantil. María Onetto encabeza un inquietante drama sobre la vida de una mujer y la gente que está su alrededor, mostrando con la relación entre todos forman una historia única y atrapante .

Se trata de un episodio en la vida de Mirjana, personaje central de la pieza. Dicho episodio comienza el día que la protagonista recibe la visita de su madre. Pareciera que esta visita operase como la lente de aumento que le permitirá a Mirjana revisar todas las circunstancias que atraviesan su vida. Circunstancias encarnadas en una cantidad de seres que la rodean y determinan su actual condición. Presa de aquellos que la determinan debe afrontar las decisiones que la vida le invita a tomar.

Mirjana es nuestra protagonista , o mejor dicho, la persona en la que se centran todas las historias. Ella es una mujer que tiene que lidiar con muchas cosas, como la crianza de su hija, la complicada relación con su madre, su jefe, entre otros. Si bien el eje principal de esta puesta es el personaje que interpreta María Onetto, todas aquellas personas que comparten una relación con Mirjana tienen su espacio para poder contar lo que les sucede y que sienten al respecto. No existe una línea argumental definida, tampoco un espacio concreto donde suceden los hechos , cada personaje ocupa un lugar en el espacio y desde allí interactúan con los demás , casi sin salir del lugar que se les ha asignado. Las historias avanzan y el drama de Mirjana también, mezclado los problemas del pasado con los del presente , hasta llegar a un clímax donde la protagonista debe usar el poder de la decisión para dar un vuelco en su vida y en la de los demás.

María Onetto es Mirjana, su actuación es más que impecable , en ella vemos el rostro de una persona que debe cargar con el drama de la gente que se encuentra a su alrededor. Los demás actores en escena cumplen su rol de manera eficaz , también debido a la excelente y cuidadosa dirección de Guillermo Cacace. Todos los personajes tienen su espacio para expresar lo que sienten , y de ese modo funcionan como un complemento en aquella única historia que nos regalan.

Sobre Mirjana y los que la rodean es una obra que merece ser vista, su atípico horario es provechoso para que el público pueda elegirla entre otras propuestas. Sobresaliente interpretación de María Onetto , en una historia inquietante que gira en torno a una mujer que debe enfrentar a sus problemas y la repercusión que tiene sobre los demás. Una puesta peculiar y sobre todo ,muy interesante.

Elenco: María Onetto; Gabo Correa;
Lide Uranga; Flor Dyszel; Mauricio Minetti, Marcela Guerty;
Fernando Contigiani García y Agustina Groba.

Asistencia de dirección: Julián Castro
Diseño de vestuario: Magda Banach
Diseño de escenografía: Félix Padrón
Diseño de iluminación: David Seldes
Música original: Patricia Casares
Coach vocal: Sofía Agüero
Fotografía: Alejandra Lopez
Diseño gráfico: Diego Heras
Prensa y difusión: SMW
Asistente de producción: Ailin Ponce Campos
Producción ejecutiva: Romina Chepe

Funciones: Sábado y domingo 15:30 hs

Teatro: Picadero – Pje. Enrique S. Discépolo 1857
Localidades $ 380.- en venta en boletería del teatro o por plateanet.com

Daniel Alvarez

Con gran placer se ha podido asistir a una de las pocas funciones de “POR ESE PALPITAR. GITANO POR GITANO”, el cual le rinde tributo a mítico SANDRO con sus mejores temas en flamenco, maravillándonos de maneras que solo puedes
entenderlo si lo ves y eres uno de los que han amado y siguen amando a el gitano.

Por ese palpitar. Gitano por gitano» es un verdadero pacto de sangre, donde se entrecruzará lo mejor del repertorio de Sandro con la incomparable voz flamenca de Baldomero Cádiz, y promete hacer vibrar a los admiradores de ambos artistas.

«Por ese palpitar» es un musical que conjuga la atracción que tenía la vida artística de Sandro por los gitanos, su forma de vivir, su música y su arte.

“POR ESE PALPITAR. GITANO POR GITANO”, es un pacto verdadero donde se mostrar á el mejor repertorio de Sandro con la actuación del artista y su increíble voz flamenca de Baldomero Cadiz y el acompañamiento de una experimentada banda musical, coros, voces solistas y bailarines de gran excelencia, en cada presentación se tendrá a uno diferente.

Desde que comienza con la primera canción a la voz de Baldomero Cadiz, uno de los más importantes artistas de flamenco, solo puedes quedar encantado acompañado de aquellas letras que escuchábamos en la época de mayor esplendor del artista ,cosa que la audiencia ya se sabían cada una de las letras de sus canciones.

Se nos contaba también cuando muchos de los artistas que se encontraban, sobre su experiencia cuando conocieron a Sandro, de su vida artística por los gitanos, su forma de vivir, su música y su arte. Y como algunos llegaron a poder a participar en el escenario junto a él, donde fue un personaje signo de admiración y ejemplo.

ELENCO:

CANTAOR: BALDOMERO CADIZ

BANDA MUSICAL:

PIANO: HERNAN MALAGOLI

TECLADOS: ANIBAL COLI

BAJO: DANIEL MILCIADES LOPEZ

CAJON Y VOZ: EUGENIO ROMERO

VOZ SOLISTA Y COROS: PAMELA TELLO

VOZ SOLISTA Y COROS: GABRIEL ESPOSITO

BAILARINES SOLISTAS INVITADOS:

YANINA MARTINEZ

GASTON STAZZONE

MONICA ROMERO

DARIO OLIVA

SILVANA PERDOMO

YAMIL RABAJ

VESTUARIO: PABLO BONET

ILUMINACION: PACO URDIALES

PRENSA: ALEJANDRO VEROUTIS

PRODUCCION: ESPECTACULOS GALLO

DIRECCION DE PRODUCCION:ALEJANDRO VEROUTIS – RICARDO GALLO

IDEA, LIBRO Y DIRECCION GENERAL:JORGE MAZZINI

ESTRENO: MIERCOLES 13 DE SEPTIEMBRE

20:30 HORAS

ÚNICAS 5 FUNCIONES

MIERCOLES 13 – 20 – 27 DE SEPTIEMBRE

MIERCOLES 4 – 11 DE OCTUBRE

20:30 horas

Mauricio González

El día viernes 15 de septiembre tuvimos el placer de asistir a la función de Radagast en el teatro Metropolitan Sura. Ha sido una función especial ya que se trataba del día del cumpleaños del mago y comediante Agustín Aristaran . Todos los espectadores nos encontrábamos con bonetes y bolsitas con golosinas como en cualquier fiesta de cumpleaños (de niños claramente). De este modo comenzamos a disfrutar de una función muy divertida , algo que el comediante siempre nos suele regalar.

Un show desopilante que genera asombro, tensión, complicidad y carcajadas a través de rutinas inverosímiles y disparatadas. En Radagast se unen el absurdo, lo contingente y el desparpajo. Un show de nivel internacional cuya calidad artística y técnica permiten al público una experiencia fascinante y única.

El público se acomoda en la sala, antes se ello se les entrega el programa de mano que incluye un troquelado con cartas en la que se encuentra la imagen de nuestro querido personaje al que estamos por ver, algo que será de importancia para más adelante. Radagast entra en escena y nos marca el comienzo de su show con un número musical en honor al rey León. Dicho número hecho obviamente de manera cómica , pero denotando la importancia que tiene dicha película en la vida del artista.

A través de un monólogo , nos hacen recordar que la factoría Disney ha marcado toda una generación, o más bien dicho que las creaciones del señor Walter Disney (Como suele mencionarlo ) es quien realmente ha jugado con la mente de muchos jóvenes ahora ya adultos, no deja a pensar sobre que sería de nuestras vidas si los descongelaran..

La magia y el humor siempre están en sintonía , es algo que Radagast sabe combinar perfectamente, además de parodiar la relación entre ambas profesiones. Sin duda uno de los mejores momentos de la noche ha sido la presentación de un gurú y mentalista que invita al público al escenario para demostrar su talento de forma sorprendente . La participación con la gente es constante y es algo que logra acercar al espectador con el artista , haciendo de este un show íntimo a pesar de estar en uno de los teatros más comerciales de la calle corrientes.

El espectáculo finaliza recordando los inicios de Agustín , cuando mostraba su talento como artista callejero. Resulta un final hasta emotivo , aunque trate de no mostrarlo de esa forma.

Radagast es un espectáculo que vale la pena ir a ver, se nota claramente el éxito que tiene en el teatro Metropolitan Sura se debe a la conexión que crea junto al público y la versatilidad que tiene el artista para brindar su humor. Ideal para terminar la semana con muchas risas.

Viernes 0:30 hs

Teatro Metropolitan Sura

Entradas por boletería o Plateanet https://www.plateanet.com/Obras/radagast_

Daniel Alvarez

Esos charcos que están aunque deje de llover, aunque pasen días y el asfalto se seque, aunque pasen días y no haya ni una garúa, en pleno verano, sequía, el charco siempre está. Una fuga de agua, explica Sergio. No es un charco, es una fuga de agua.

Cuatro hermanos distanciados, que han elegido caminos muy distintos en sus vidas adultas, se reencuentran en una situación familiar trágica y sensible: la madre, enferma, puede morir en cualquier momento; la hermana, rica, quiere comprarles su parte de la casa de la infancia. Las
relaciones entre hermanos son de lo más ambiguas, sobre todo cuando se trata de cuatro hermanos y especialmente cuando esos cuatro hermanos son tan distintos. Las situaciones límite suelen probar la fortaleza de los vínculos, pero también ponen a prueba la memoria. El pasado se vuelve subjetivo cuando se ponen en juego los diversos puntos de vista, un mismo recuerdo puede
ser muy distinto según quien lo cuente. La reconstrucción de la figura materna llegando a su momento de finitud se vuelve una ardua tarea, porque en esa reconstrucción se exponen las culpas, las penas, las presencias y las ausencias que cada hijo vivió. La fuga de agua que allí está, aunque haya pasado tiempo y aunque se hayan mudado lejos unos de otros, allí seguirá también
después de la muerte del ser amado.

“Una fuga de agua” es la ópera prima, muy bien lograda, de Gota, autor y director español que se formó con Javier Daulte y eso queda en evidencia en el texto. La temática de las relaciones humanas es recurrente en la primera dramaturgia de Daulte y tratar este tema desde la comedia
para descomprimir y exponer los conflictos es su modus operandis.

Creo personalmente que en el
nivel de la dirección de actores faltó explotar un poco más la comicidad, caricaturizar un poco más estos personajes con gran potencial, incluir algunos gags que corten en seco el clima dramático y nos permitan reírnos de nosotros mismos. Porque en definitiva es eso lo que vamos a buscar al teatro, al menos a veces.

Por eso al ingresar a la sala, vemos en el suelo un pequeño sillón
miniatura iluminado con un foco cenital y luego al sentarnos en la butaca vemos en el escenario
un sillón similar en escala real, como si el director estuviera tratando de decirnos que lo que vemos allí es una escala micro de lo que pasa afuera, en la vida real. Y es ahí donde se presenta el valor terapéutico del teatro. Freudianamente hablando.

Elenco: Silvina Katz, Carolina Pfaffenbauer, Mara Guerra, Luli Torn y Jorge Gentile.

Escenografía: Esteban Siderakis / Vestuario: Jam Monti / Diseño de Luces: Sebastián Francia / Fotografía y gráfica: Daniela Pantané / Asesor Coreográfico: Diego Jaraz / Prensa: Duche&Zárate / Asistente de dirección: Rocío Literas / Supervisión Dramatúrgica: Javier Daulte / Producción General: Casa de Fieras.

Dramaturgia y Dirección: Gonzalo de Otaola (Gota)

Funciones: Viernes a las 20 hs.

Entrada General $ 200.- / Descuentos Est. Jub. $ 160.-

Reservas: Alternativa Teatral

Facebook:https://www.facebook.com/fugadeagua/

Espacio Callejón Humahuaca 3759 – C.A.B.A.

Sol Grunschlager

Desde hace un tiempo sucede que cada martes en el Teatro Maipo se celebra una fiesta, refiriéndose al teatro musical. Hasta hace poco era The Rocky Horror Show el espectáculo que atraía a gran público a celebrar aquel musical de culto. Ahora es el turno de Rock of ages , que aprovecha el éxito de convocatoria de su antecesora para brindarnos un gran musical que nos trae el mejor Rock de la década de los 80′.

Es el final de los grandes y malos años ´80 en Hollywood, y la fiesta ha estado haciendo mucho ruido. Lycra, encajes, y licores fluyen libremente en uno de los últimos lugares legendarios del Sunset Strip, el Bourbon Room, un legendario club de Los Ángeles, que supo ser la cuna del rock. Las canciones nos llevan a cómo una chica de pueblo llega a Los Ángeles para convertirse en actriz, y conoce a un chico de ciudad, que quiere ser estrella de rock. Al mismo tiempo, vemos cómo el dueño del Bourbon Room es amenazado por empresarios alemanes que quieren demoler el club para hacer sus negocios. Durante la obra, los personajes suelen romper la “cuarta pared”, dirigiéndose directamente al público haciéndolo no solo un musical a puro rock sino también cómico y deslumbrante.

Además de regalarnos canciones más que conocidas del rock, la obra sirve como una parodia al género , en el que no tiene miedo de romper la cuarta pared de manera constante. Con un narrador , la obra comienza diciéndole al público de que esto se trata de una comedia musical, y para ello es necesario presentar una historia de amor. Sherrie es una chica de pueblo, llega a la gran ciudad para probar suerte como actriz pero acaba trabajando de moza en el legendario Bourbon Room, en el Sunset Strip de Los Ángeles, donde se enamora del tímido Drew, cuyo sueño es componer sus propias canciones. A partir de ese hecho comienza una disparatada y divertida historia que se relata a través de hitos del Rock de los 80′. La participación del público es constante , la obra en todo momento tiene en cuenta en que hay gente presenciando la historia, ya que en momentos realiza quiebres para interactuar directamente con la gente . Sobre la música antes de adelantar sobre las canciones que tocan es mejor decirle a la gente que se deje llevar por ella, toca aclarar que los temas están interpretados en inglés , cosa que ha sido un logro lo que en realidad pudo suponer una dificultad. El relato prosigue con la relación entre Sherrie y Drew, mientras se desatan otros conflictos , como la aparición de un exitoso Rockstar que viene a complicar la relación. También la aparición de unos sujetos Alemanes que intentan eliminar todo lo que hay en el Suncet Strip (Incluyendo el Bourbon Room) para construir una ciudad limpia y aburrida. La puesta es rica en personajes y subtramas, la idea es que la gente pueda disfrutar de su música , divertirse y cantar desde sus butacas. Un claro ejemplo es cuando tocan Don’t stop believin, el público se alza para cantar la letra junto a los personajes , haciendo de esta obra otra fiesta más.

Este espectáculo ha hecho un gran trabajo en cuanto a su casting, ya se había mencionado que el musical es rico en personajes, también en artistas. Si bien el protagonismo en la obra es repartido , pero en esta ocasión toca destacar la participación de Federico Coates, quien ya ha participado en numerosos musicales y se merecía ya un reconocimiento como este. En el gira el argumento , siendo un aspirante a estrella de rock, se enamora de una forajida pero la vida le trae complicaciones en la que debe tomar la decisión sobre lo que quiere para su futuro. Lonny quien actúa como personaje y narrador de la historia, esta interpretado por Matias Mayer, su presencia denota histrionismo y es quien lleva a la obra por el camino humorístico. La obra está llena de talento y de artistas que ya son más que conocidos dentro del género musical. Siempre es bueno poder ver a Melania Lenoir con su imponente registro vocal , a Mariano Zito que se ha convertido en una revelación del teatro música, así como la participación de CAE, quien se ha atrevido a incursionar en el Teatro para presentarnos a un personaje gurú del Rock hecho a su medida.

La puesta es vistosa, cuenta con la presencia de músicos en vivo, algo que siempre es de agradecer cuando es posible. En cuanto a la música , ya se ha aclarado que las canciones no están traducidas , es algo que quizá podría haber dificultado el entendimiento de la obra para muchos , pero en realidad no habría sido justo traducir canciones como Any Way You Want It aunque sea en función de la obra. Los personajes hacen parodia de ello , y tratan de que no dificulte la relación entre la música y el relato, algo bastante bien logrado.

El Teatro Maipo ha encontrado un nuevo espectáculo para invitar a la gente a festejar cada martes, con mucho Rock . Se trata de una gran apuesta, un musical lleno de talento, que se lleva a cabo con una energía impresionante, la necesaria para ponerse a rockear.

Elenco: Federico Coates – Micaela Racana – Matias Mayer – Cae – Melania Lenoir – Mariano Zito – Lucía Mundstock – Hernán Kuttel – Marcos Rauch – Federico Yernazian – Pilar Muerza – Alejo Salinas – Mery Armellin – Pedro Ochoa – Tali Lubi Sacha Bercovich

DIRECCIÓN DE ARTE: Tato Fernandez

DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Matías Napp

DIRECCIÓN VOCAL: Sebastián Mazzoni

ASISTENTE DE DIRECCIÓN VOCAL: Ana Durañona

VESTUARIO: Alejandra Robotti

DISEÑO DE LUCES: Gaspar Potocnik

DISEÑO DE MAQUILLAJE: Veronica Fox

DISEÑO DE PEINADOS: Martina Gradin

STAGE MANAGER: Mica Monti

DISEÑO GRÁFICO: Lucila Gejtman

COMMUNITY MANAGER: Belén Maffei

MARKETING: Vane Pellizzeri

COMUNICACIÓN Y PRENSA: Marcelo Boccia – Carlos Mazalán – Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Juan Zorraquín

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Villegas – Juan Coni

PRODUCCIÓN GENERAL: Nicolás Dal Farra – Estanislao Otero Valdez

DIRECCIÓN MUSICAL: Mariano Cantarini

DIRECCIÓN GENERAL: Pablo Drutman

TEATRO MAIPO – Esmeralda 443 – CABA – 5352-8384

Funciones: Martes 21.00 hs.

Localidades: $400 – $500 y $550

https://www.plateanet.com/Obras/rock-of-ages

Hemos tenido el placer de disfrutar en el Teatro La comedia, la obra La panadera de los poetas, que nos trae a Virginia lago como protagonista de la historia. Una panadera ha resultado ser la fuente de inspiración y consejo de dos grandes escritores: Federico García Lorca y Miguel Hernandez. Estamos ante una obra poética y conmovedora.

El nuestro sin duda es un país de inmigrantes. Muchos de nosotros descendemos de españoles, y no solo hemos heredado un apellido, un idioma, sino por sobre todas las cosas, hemos heredado los cuentos… Como este, el de María Candelaria Seoane, la de los panes con embrujos de amores. María Candelaria, la de las recetas milenarias. María Candelaria, la panadera de los secretos…

En un pueblo blanco, de esos que nacen en la montaña en la bella España transcurre esta historia. Mediados de la década del treinta. Mientras María Candelaria cocina sus manjares, la revolución se inicia como preámbulo siniestro de la Guerra Civil Española. Ella no lo sabe. Ella solo sabe de recetas, de confituras, de panes con sabores mágicos, y de poetas… Si, ella es la amiga de los poetas. En su panadería se encuentran Federico el de Granada, y Miguel, el humilde poeta de las cabras de Orihuela. Se provocan, se divierten, se quieren… Juegan a pelearse y se pelean jugando. Y es María Candelaria, la inquebrantable, la fuerte, la ingobernable, la solterona, la misteriosa la que trata de enseñarles a sus poetas la receta para un mundo mejor. María Candelaria, la de las mercaderías con amor, este es su cuento…

En un pueblo español se sitúa una panadería que es atendida por una mujer que siente amor por lo que hace. Ella suele tener unas visitas bien particulares, la de Federico García Lorca y Miguel Hernandez , el primero ya un escritor reconocido y el otro recién dando sus primeros pasos. Cada uno de ellos inician una relación con esta mujer , que gracias a su sabiduría y sinceridad, les ha ayudado a conseguir grandes logros tanto en su vida personal como profesional. La historia juega con el humor , como en los momentos en que nos enteramos que María Candelaria fue la inspiración de las más aclamadas obras de Lorca , siendo en realidad chismes y anécdotas que la panadera le relataba al escritor. También la puesta busca reflejar el momento histórico y la posición que tenían estos personajes en cuanto a los conflictos políticos y sociales de la época . En España se vivían momentos duros , y estos escritores han dejado su vida por expresar su ideología a través de la escritura, la obra usa estos hechos para mostrar al público lo que han dejado estas celebridades para la posteridad.

Virginia Lago es la gran protagonista de la obra , si bien ella sirve como un hilo conductor en el que se refleja la vida de dos reconocidos escritores , resulta de suma importancia su presencia , carisma y sabiduría. Su panadería es un punto de encuentro , donde todos dejan sus sentimientos dentro del local. Ella es quien siempre deja abiertas las puertas del lugar , siendo un gran apoyo para Federico y Miguel , quienes confían sus secretos y problemas. Francisco Gonzalez Gil y Jorge Seleme acompañan con sus respectivos personajes , ambos escritores y poetas , y como tales brindan parte se su poesía en escena. La participación de ambos es relevante, si bien no llegan a tener una relación estrecha entre ambos, reconocen la admiración que se tienen el uno por el otro, más que correctas interpretaciones.

La escenografía es simple pero efectiva, una mesa y varios panes alrededor bastan para crear el ambiente que se rodea de masas e historias. El acompañamiento musical es algo que también se destaca, siempre en función de embellecer el relato, aún en los momentos más dramáticos.

La Panadera de los poetas , es una obra sencilla pero cautivadora, sirve como un homenaje a dos personajes importante de la literatura universal. Virginia Lago es quién interpreta a un personaje con gran fortaleza y sabiduría, que logra hacer del lugar donde hace lo que ama un lugar de reunión y reflexión. Se trata de una obra cómica , poética y que logra conmover al espectador .

Ficha Técnica

VIRGINIA LAGO es María Candelaría Seoane, la panadera

FRANCISCO GONZALEZ GILes Miguel Hernandez, el poeta de Orihuela

JORGE SELEME es Federico García Lorca, el poeta de Granada

MARIANA GIOVINE es la Directora

MARCELO ALVAREZ es el Músico.

MARIA DE LAS MERCEDES HERNANDO es la autora

FUNCIONES SÁBADOS Y DOMINGOS 18.00 HORAS

LOCALIDADES DESDE $300 PESOS.-

Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y por sistema de plateanet.

www.plateanet.com

5236 – 3000

Un presente distópico. Un grupo de adolescentes de un secundario católico con la sexualidad a flor de piel y diversas formas de expresarlo. Pasan cosas extrañas y misteriosas en el FUCKing Instituto, cosas que no tienen explicación lógica porque, claro, son acciones dictadas por la pasión.

La acción tiene lugar en el campus del Instituto FUCKing (Federación Unidos en Cristo King). Una exclusiva escuela en un presente distópico. En el 5to. año una historia de amor revela un entramado de violencia y muerte. Situaciones cotidianas por las que la gran mayoría de las mujeres pasan de adolescentes y que marcan un mandato, una obligación de seguir siendo parte de un anquilosado sistema patriarcal.

La desaparición de dos compañeras alerta al grupo, que parece enloquecer de violencia contenida pero cotidiana, familiar. Una violencia que se expresa tanto en los cuerpos, que viven, mueren y danzan en coreografías extrañas, como en las expresiones verbales que, en muy variados registros y tonos, dejan entrever los discursos establecidos de la violencia, esos que no reconocemos como tales porque nos son ya inherentes.

“Cadáveres Show” es un musical bizarro, juvenil y ¿tragicómico? sobre la violencia de género. Si logramos atravesar las capas de lenguaje poético, después de un rato,
descubrimos que ese es el verdadero tema de la historia, pero debo confesar que no resulta
de lo más sencillo. La superposición de signos hace de esta obra un texto espectacular demasiado denso, que no se deja decodificar fácilmente.

Personalmente, destaco la
intención de tocar un tema sensible e importante desde un lenguaje posmoderno, pero considero que cuando se quiere dar un mensaje claro, y más aún cuando dicho mensaje implica responsabilidad social, menos es más. La historia de amor y celos teen como excusa para hablar de violencia resulta un tanto rebuscada, si bien comprendo que la adolescencia es un momento donde muchos de estos discursos del patriarcado se fijan en el lóbulo frontal en desarrollo de estos futuros adultos que, en definitiva, tendrán la responsabilidad de romper con los patrones. Destaco también la capacidad de los jóvenes actores para aprender tanta cantidad de texto, y tanta densidad de lenguaje, aunque muchas veces no se logre entender lo que dicen.

En resumen, es una obra compleja,
densa, larga, ruidosa e incómoda.
Pensándolo bien, quizás sea esa la intención: incomodar al espectador tratando un tema incómodo, logrando una incomodidad al cuadrado que se auto-anula y nos obliga a hablar
de nuestros cadáveres.

Dramaturgia: Ezequiel Bianchi – Elián López

Actúan: Camila Bastida, Lucia Cisneros, Clara Ferrer Diez, Candela González Tonon, Sofía Kali, María Agustina Mirás, Enzo Cejas, Facundo Cohen, Agustín Chenaut, Ignacio Mamonde, Nicanor Ochoa y Juan Ignacio Piasentini

Músicos: Chino Sircman, Ramón Espinosa y Cesar Javier Romero.

Música original:César Javier Romero

Audiovisuales: Ezequiel Bianchi, Leandro Irión y Elián López.

Diseño gráfico: Francisco Hnilo

Prensa & difusión: Simkin & Franco

Producción Musical: Camila Bastida, Ezequiel Bianchi, Cesar Javier Romero y Santiago Mirás

Producción ejecutiva: Camila Bastida, Lucia Cisneros y Clara Ferrer Diez.

Producción general: Los Perros De Pavlov.

Supervisión dramatúrgica: Martin Salazar

Supervisión de Arte: Ariel Del Mastro

Diseño de Luces: Ezequiel Bianchi

Diseño de Sonido: Matías «Naipe» Noguera

Diseño de Multimedia: Ezequiel Bianchi

Producción y Dirección Musical: Ezequiel Bianchi y Cesar Javier Romero

Dirección de actores: Elián López

Asistencia de dirección y Stage Manager: Liliam Zarreth

Dirección General: Ezequiel Bianchi.

Sol Grünschläger